Shane Guffogg and Jon Krawczyk Neo-Modern at Leslie Sacks Fine Art     Dates: May 1-29, 2010   Location: Leslie Sacks Fine Art - 11640 San Vicente Blvd. - Los Angeles CA 90049   web: www.lesliesacks.com

Caption for image: Shane Guffogg (b. 1962) - At the Still Point #4, 2009 - Oil on canvas - 28 x 36 inches   Shane Guffogg and Jon Krawczyk are hard hitting neo-modernists: New York School with a contemporary twist. Their work has a conceptual side, but they are also very much about the physicality of making art and the objects that result from that action, i.e. energy and matter. This elemental approach is much of what these artists have in common, and such is the primary curatorial rationale behind this show.   Guffogg builds layer upon layer of paint and glaze, a technique he’s employed for quite some time along with the ribbon-like motif that has been part of his vocabulary since the late 1980’s. However, these recent paintings from his new At the Still Point series are different than anything he’s done before. That difference is a newfound commitment to absolute freedom of movement and the unbridled energy  that comes with that freedom. The gesture has become his subject and such a direct expression of self he views these works as figurative.   Krawczyk cuts, pounds and welds sheets of bronze and stainless steel to fabricate smooth, monolithic forms that look as though they were carved by a samurai slicing modeling clay.  At the same time, the craggy profiles of his current sculptures suggest raw stone yet evoke the vaporous shapes and movements of smoke. There are echoes of Noguchi in this work, as it sits at the intersection of natural and man made forms. Traces of Moore can be found in a consistent concern with volume and abstract figuration. Guffogg and Krawczyk pay tribute to the halcyon days of high modernism. Their art is energetic, individualistic, outspoken in its grand gestures and perhaps even brash. In short, it’s totally American, yet international as the abstraction that was the earmark of progressive 20th century art. Neo-modern indeed.   Lee Spiro, Director Leslie Sacks Fine Art 11640 San Vicente Blvd. Los Angeles CA 90049   T 310.820.9448 www.lesliesacks.com

Metro Art

Presents:

Dal 15/05/2010

Al 29/05/2010

Pride

Via della Cavallerizza a Chiaia n° 27

80121 Napoli

Metro Art, presenta un’altra prova della sua  “ Arte Povera “

Il  “ Detournament “ dei biglietti di autobus e metropolitana, gli oggetti più disparati ed i cut up di singoli musicisti e gruppi musicali, formano dei collages in sintonia con una ben caratterizzata visione della musica e di ciò che essa significa nella storia e per il vissuto di ciascuno di noi.

Siamo in presenza di un percorso Artistico Musicale raccontato con foglietti, figurine, e immagini sacre, le  “ Carte Povere “ di Metro Art delinea appunto una personalissima lettura d’una tra le più importanti espressioni artistiche e conoscitive del genere umano.

Metro Art.

Mostra España Contemporanea – Castel dell’Ovo - Napoli

a cura di Demetrio Paparoni

Critico d’arte e Direttore Fondazione Tramontano Arte

Elenco degli artisti in esposizione presso le sale espositive principali di Castel dell’Ovo:

Manu Arregui, Jordi Bernadó, Daniel Canogar, Abraham Lacalle, Dionisio González,

Enrique Marty, Mateo Maté, Javier Pérez, Sergio Prego, Bernardí Roig,

Eulalia Valdosera

Vernissage, venerdì 30 aprile 2010 dalle 18.00 alle 20.00.

Esposizione delle opere al pubblico, 1-31 maggio dalle 10.00 alle 19.00.

Concept della Mostra

La mostra propone una visione esaustiva della giovane arte spagnola. Gli artisti in mostra appartengono alla generazione nata dal 1960 in poi. Ogni artista è presente con opere di grande formato, è come se ognuno di loro avesse una personale all'interno della mostra. La mostra evidenzia come il senso dell'accumulo e della sovrapposizione di immagini, il senso della morte e l'attenzione per la salvezza dell'individuo, tipici della cultura barocca, sono gli elementi che maggiormente caratterizzano l'arte di questi giovani artisti nati in Spagna, ma il cui lavoro vanta già un riscontro internazionale.

www.tramontano.it

www.tramontanoarte.org

Info:

Lookstudio Immagine&Comunicazione

Tel. +3902 89421870 p.tanzarella@lookstudio.it

Robert Kusmirowski

MODA / Museum of Deposition Art /

Hermann Nitsch e Caravaggio: il confronto/incontro fra due personalità cardine della scena artistica di tutti i tempi si celebra a Napoli, con una doppia esposizione e un calendario di appuntamenti promosso, nell’ambito del Maggio dei Monumenti, dal Museo Nitsch e dalla Fondazione Morra in collaborazione con il Pio Monte della Misericordia.

Le opere del maestro contemporaneo, pioniere e protagonista dell’Azionismo viennese, e quella del rivoluzionario pittore seicentesco dialogheranno nel programma di eventi “Nitsch e Caravaggio”, patrocinato dalla Regione Campania, dalla Provincia e dal Comune di Napoli e realizzato, con la Fondazione Mario e Maria Pia Serpone/Segni d’Arte, grazie al sostegno dell’EPT e della Metropolitana di Napoli.
Un progetto di ampio respiro che punta alla commistione di linguaggi distanti nei secoli eppure in sintonia per innovazione e unicità. E che, inscritto nelle celebrazioni del quarto centenario della morte di Caravaggio, animerà la chiesa del Pio Monte della Misericordia, prezioso scrigno nel cuore antico di Napoli, nonché sede dal 1607 del celebre dipinto “Le sette opere di misericordia” eseguito da Michelangelo Merisi poco dopo il suo arrivo a Napoli fuggiasco da Roma.
Proprio col capolavoro caravaggesco dialogherà, dal 1 al 30 maggio, l’installazione realizzata nella Sagrestia del Pio Monte della Misericordia appositamente da Hermann Nitsch, in un incontro epocale e intenso che sottolinea la complessità ideologica e artistica di entrambi gli artisti. Per tutto il mese di maggio, l'ardita tela dell’altare maggiore della chiesa del Pio Monte della Misericordia - istituzione benefica nata nel 1602 da un gruppo di giovani aristocratici napoletani - incontrerà “Ultima Cena – Installazione Napoli 2010”, composta da più opere realizzate dal maestro austriaco in omaggio a Caravaggio. L’esposizione presenta così due atti creativi che superano la concitazione dell'esistenza, negano l'accademismo ed i presupposti intellettualistici della creazione artistica, si assumono la responsabilità della propria indipendenza producendo un'arte dal timbro tragico, intensamente umano e poeticamente doloroso.
Il confronto inedito, inoltre, restituisce a Napoli il ruolo di capitale della cultura, meta di ispirazione dei più grandi geni dell’arte nonché luogo eletto di espressione di entrambi gli artisti di cui alcune opere già figurano in importanti collezioni cittadine: di Caravaggio, il “Martirio di Sant’Orsola” è visibile a Palazzo Zevallos e la “Flagellazione di Cristo” al Museo di Capodimonte, dove nella sezione contemporanea è conservata anche un’installazione firmata da Nitsch.
Accanto alla mostra allestita al Pio Monte della Misericordia, per tutto il mese di maggio il Museo Hermann Nitsch - Napoli, esporrà nei nuovi spazi della Biblioteca libri, articoli, video e documenti per approfondire l’opera dei due maestri.
Sabato 22 maggio alle ore 17.30, Hermann Nitsch visiterà la Collezione del Pio Monte della Misericordia, e alle 18.30, nel Salone della Quadreria al I° piano, il Quintetto d’archi H. Nitsch (Alessandro Zambito Primo Violino, Carlos Verduca Secondo Violino Enrico Cacciato Viola,Lucio Corrente Violoncello Claudio Guadrini Contrabbasso) eseguirà una partitura del Maestro austriaco; l’incasso sarà interamente devoluto all’importante opera della struttura del Pio Monte della Misericordia che seppe e ancora sa fondere la generosità dei benefattori ad una grande apertura culturale.
Nell’ambito del programma “Nitsch e Caravaggio” si svolgeranno inoltre cinque visite guidate su prenotazione nelle date di sabato 1 maggio, domenica 9 maggio, giovedì 13 e venerdì 14 maggio, domenica 30 maggio, condotte da Lorella Starita per Progetto Museo, e curate dalla Fondazione Morra e dal Pio Monte della Misericordia.

Dove
Pio Monte della Misericordia via dei Tribunali 253, Napoli
Orari di apertura: Tutti i giorni h 9,00-14,30
Sala Nitsch h.10,30- 14,00
chiuso il mercoledì

Museo Hermann Nitsch vico Lungo Pontecorvo 29/d, Napoli
Orari apertura: lunedì – venerdì h 10 – 19 sabato 10 – 14 chiuso domenica

Ufficio stampa
Fuani Marino fuani.marino@libero.it T. 347 0702350
Paola Marino paola.manual@gmail.com T. 339 3449512

Ai sensi dell'art.13 del D.Lgs. 30 giugno 2003, n.196 Codice in materia di protezione dei dati personali) si comunica che questa newsletter ha il solo scopo di far conoscere gli eventi culturali organizzati o promossi dalla Fondazione Morra o dal Museo Nitsch.

Anonimo Napoletano

 “Dal degrado morale al riciclaggio”

Artisti in Vetrina

Gino Ramaglia

Via Broggia, 9/10

80135 Napoli

Innaugurazione il 3 Maggio alle ore 19.00

Fino al 15 Maggio 2010

Anonimo Napoletano, pittore e scultore presenta un’inedita frammentazione di realtà vissuta composta di frammenti e reperti del nostro recente passato, desiderato vissuto e poi buttato, raccolti nelle strade di Napoli e ricomposti meticolosamente e impreziositi con una patina di color bronzo.

Quelli che erano cumuli di spazzature, oggetti consunti, minuzzoli disutili diventano vere e proprie opere d’arte grazie alla fantasia creativa e all’abilità dell’artista.

Il Centro d’Arte e Cultura “GAMEN” è lieto di invitare la S.V. alla

mostra delle opere degli artisti

D.Ambrosio, G.Ariano, G.Armini, R.Cosulich, A.De Chiara, A.De

Magistris, A.De Lauzieres, G.Di Franco, R.Elia, W.Elia, G.Esposito, P.Fruncillo, S.Gambardella, M.Pacilio, F.Pagnani.

CERHI-AMO

Opere su tela in forma rotonda

(1/5/2010-12/5/2010)

Ideazione e cura :Stelvio Gambardella

Inaugurazione: Sabato 1° Maggio ore 18,00

Centro GAMEN, via Ponenuovo 26 Napoli

Esposizione: Lunedì  9,30-13,00

Da Martedì a Venerdì 15,30-19,00

Sabato e Domenica per appuntamento

Urban Superstar Show

Back from Black. Dal luminoso Pop al buio Underground. E ritorno

a cura di David Vecchiato

Il MADRE e il Napoli COMICON presentano l'Urban Superstar Show Festival, la prima edizione del primo Festival che un Museo d'Arte Contemporanea dedica in Europa a Underground Art, Pop Surrealismo, Lowbrow Art e Urban Art, ovvero le nuove correnti artistiche che meglio raccontano il contemporaneo.
L'artista italiano David Vecchiato ha chiamato a raccolta decine e decine di colleghi di tutto il mondo al MADRE di Napoli per le 4 mostre collettive del 2010 e continuerà a raccogliere in veste di curatore esponenti di un movimento artistico destinato a diventare la nuova avanguardia dell'Arte Contemporanea.

L'intenzione di Vecchiato e' proporre un ordine critico tra le diverse correnti artistiche.
La mostra che apre il Festival il 1° maggio 2010 e' Back from Black. Dal luminoso Pop al buio Underground. E ritorno. Seguiranno altre 7 mostre per le edizioni 2010 e 2011: Characters & Patterns Pop Surrealism & Lowbrow Art Gothic, Expressionism, Folk and Steam Punk Masters of the Underground Art e Street & Urban Art Adventures che terranno impegnata l'area del museo MADRE dedicata al Festival fino a fine 2011. Questi segni sono stati in voga dagli anni 60 fino agli 80 ma poi, man mano che gli immaginari eredi della Pop Art quanto della Street Art evocati dalle opere delle nuove generazioni di artisti si facevano piu' vicini al mondo dei cartoon, dei fumetti, dei tattoo e di quelle forme di espressione considerate in genere subculture, il mondo ufficiale dell'Arte li accusava di banalizzazione e di fatto li censurava, non mostrando piu' i loro lavori. Cosi' questi artisti figli della cultura pop e delle logiche del fai da te sono maturati nei circuiti underground e hanno sfruttato al meglio il web e la strada per costruirsi clamorosi successi commerciali trovando vie parallele al sistema del mercato dell'arte piu' istituzionale e alle gallerie che li snobbavano. È nata cosi' una cultura visiva sovversiva che si e' diffusa come un virus. Non una ribellione sterile al mondo dell'arte ma una visione parallela del fare arte fondata su tattiche di guerrilla promozionale e di marketing, che passano per la realizzazione di immagini per illustrazioni, cartoon, t-shirts, art toys, oggetti di ogni uso, capi e accessori di moda. Sono nate, spesso su iniziativa degli stessi artisti, riviste e gallerie specializzate e industrie produttrici di gadget di quest'arte che piace a giovani e vecchi e che per essere percepita sembra non aver bisogno di critici. L'iniziale mancanza di dialogo costruttivo con la critica e col mercato ufficiale ha permesso agli artisti di crescere esprimendosi in totale libertà. In molti si sono resi visibili dipingendo sui muri e usando la strada come galleria. Negli ultimi anni questo "movimento sotterraneo" ha iniziato a rivendicare il suo ruolo nell'Arte Contemporanea e lo stesso sistema dell'arte che li snobbava, dalle gallerie ai musei, dalle Biennali alle grandi fiere, ha iniziato a corteggiare questi nomi ormai famosissimi aprendogli le porte dei propri salotti buoni.

In Italia, dopo le esperienze di alcune gallerie specializzate, e' stata la collettiva Urban Superstar Show 2009 a cura di David Vecchiato, presentata lo scorso anno nel Museo piu' importante del Sud Italia, a offrire un primo segno determinante di questo cambiamento, esponendo questa nuova Arte Contemporanea in un museo. Infatti la mostra e' stata subito seguita da altre esposizioni simili presentate in altri musei e luoghi istituzionali italiani. L'Urban Superstar Festival 2010 dall'omonimo titolo prosegue il lavoro di diffusione culturale iniziato con la collettiva Urban Superstar Show 2009 offrendo una ben piu' ricca panoramica di quest'onda di artisti contemporanei e mettendo ordine tra le diverse correnti artistiche che attingono comunque a piene mani negli stessi contenitori d'ispirazione, prima fra tutti la Pop Art introducendo nelle proprie opere elementi del quotidiano che vogliono essere riconoscibili e leggibili da tutti.
David Vecchiato nella selezione degli artisti e delle opere mette in evidenza anche come molti degli autori di fumetti dei decenni passati hanno influenzato stilisticamente la formazione degli artisti Pop Surrealisti e Lowbrow che la mostra Back from Black gli affianca. È evidente in mostra l'ascendenza nei confronti dei pittori Lowbrow e Pop Surrealisti dei padri del fumetto underground Robert Crumb e Gilbert Shelton cosi' come quella dei loro ispiratori Basil Worverton, Harvey Kurtzman e degli autori della rivista di satira statunitense MAD. Ancora prima nel tempo e' lo stile dei cartoon degli studi Fleischer (Betty Boop, Popeye) ad aver suggerito un'estetica tra iconografia pop, tematiche inquietanti e scenari surreali che ritroviamo in molti dei lavori di questi artisti. Ma non e' trascurata in mostra anche l'influenza di artisti del fumetto piu' recente come Jamie Hewlett, papà di Tank Girl e dei Gorillaz, Daniel Clowes, gli italiani Andrea Pazienza e Bad Trip e di autori come Dave Cooper e Jim Woodring, che si sono in seguito dedicati essi stessi alla pittura. L'intenzione dell'intero festival e' anche quella di liberare queste correnti artistiche dalla generalizzazione estetica. L'Urban Superstar Show Festival intende far luce sulle origini e sulle divisioni di stili e correnti di questa Underground o Lowbrow Art, dell'arte di "basso profilo" che, come analizzato dal testo di Vecchiato, e' in realtà l'unica capace di raccontare con estrema lucidità la sovrapposizione tra fiction e realtà che vive l'Occidente negli ultimi anni. Una serie di riferimenti che vanno dalle capacità di stilizzazione dell'antica arte orientale al Rinascimento transalpino di Bosch e Bruegel, dall'Arte Pop di Warhol e Niki De Saint Phalle alla sintesi necessaria del segno di Haring fino al Writing, fanno da guida a un percorso tra le opere che illustra da dove vengono questi differenti stili e tendenze dei questa nuova Arte Contemporanea internazionale. Il concept della prima mostra e' offrire una panoramica di queste direzioni artistiche, che vengono poi analizzate una a una nelle mostre successive dando occasione di conoscere esaurientemente questa nuova Arte Contemporanea e di farsene un'idea critica. Visto che quest'onda di artisti molto deve al web e che attraverso la rete si e' contaminata velocemente permettendo a quest'arte di crescere altrettanto velocemente priva di confini territoriali, sarà attraverso il blog-in-progress degli artisti dell'Urban Superstar Show Festival www.urbansuperstar.com che addetti ai lavori e appassionati potranno seguire in tempo reale gli aggiornamenti, l'esecuzione delle loro opere, i loro video e le loro immagini.

ARTISTI:
Amy Sol, Anthony Ausgang, Alberto Corradi, AlePOP, Alessandro Rak, Prof. Bad Trip, (Gianluca Lerici), Basil Wolverton, Bigfoot, Blu, Boris Hoppek, Brendan Danielsson, Buff Monster, Camilla D'Errico, Camilla Falsini, Catalina Estrada, Cesko, Charles Burns, Ciou, Daniel Clowes, Dave Cooper, Dave McKean, DEM, Diavu' (David Vecchiato), Fidia, Francesca Ghermandi, Gary Baseman, Gary Taxali, Gianluca Costantini, Gilbert Shelton, Gio Pistone, Glenn Barr, Hitnes, Ian Stevenson, Jamie Hewlett, Jeremy Fish, Jim Avignon, Joe Ledbetter, Jon Burgerman, Laurina Paperina, Licia Viero, Lina Hoven, Lisa Petrucci, Marco About, Massimo Giacon, Matti Hagelberg, Michael Sieben, Mike Davis, Mr. Wany, Paper Resistance, Paul Chatem, Ray Caesar, Robert Crumb, Scarful, Sergio Mora, Shag, Squaz, Tara McPherson, Tokidoki (Simone Legno), Victor Castillo, Zelda Bomba, Zoe Lacchei.

Ufficio Stampa MADRE
Costanza Pellegrini, Juliana Fisichella: +39 081 19978024 fax: +39 081 19978026 e-mail: pellegrini@museomadre.it

Inaugurazione 1 maggio ore 21

MADRE - Museo d'Arte Donna Regina
via Settembrini, 79 Napoli
Orari: dal mercoledi' al lunedi' ore 10-21
Ingresso libero

Emozioni tra cielo e mare

Rassegna di arte contemporanea

a cura di Sabrina Falzone

Il primo maggio inaugura "Emozioni tra cielo e mare", rassegna di arte contemporanea dedicata ad artisti italiani e stranieri che offre una libera panoramica sul tema del mare e sui miti correlati all'immaginario collettivo marino. Notevole risalto e' conferito agli aspetti empatico-emozionali della creatività.

Per l'occasione espongono gli artisti: Donatella Bertino, G. Angelo Billia, Bruno Billia, Diana Cepleanu, Mirko Cervini, Regina Di Attanasio, Enrico Duratorre, Mario Liberace, Antonella Magliozzi, Anna Laura Millacci, Maria Enrica Nardi, Barbara Romano, Roviro' e Vazart. Sarà presente il critico e storico dell'arte Sabrina Falzone e i direttori dei principali musei del Lazio Meridionale.

Inaugurazione 1 maggio 2010 ore 18

Il Gazebo
Via Flacca Km 20.600 - Gaeta (LT)
Ingresso libero

 
La mostra è incentrata su un’installazione realizzata dall’artista per l’occasione e composta da un unico elemento  a forma di croce in plexiglas trasparente, collocato a parete, con 500 led rossi che si illuminano secondo un ciclo di 28 secondi, simile ad un respiro umano.
 
L’opera è giocata sul cortocircuito tra la forma della croce e le sue possibili letture in senso religioso, simbolico o medico. Un simbolo salvifico o di pericolo, che viene proposto come segno legato ad un’esperienza non solo visiva, ma fisica, provocata dalla relazione tra luce, colore e movimento. Un momento di riflessione sul senso dell’arte contemporanea come processo terapeutico, che si inserisce nella ricerca di Corsini, legata alla dimensione poetica e concettuale di un’arte che si nutre di relazioni quotidiane trasformate in immagini sensibili e rarefatte.    
 
Vittorio Corsini è nato a Cecina (Li) nel 1956.Vive e lavora a Firenze. Ha partecipato alla XIII Quadriennale (1996) ed ha esposto in numerosi musei in Italia come il Museo Pecci di Prato, Palazzo Fabroni a Pistoia, la Galleria d’Arte Moderna-Villa delle Rose a Bologna, il MACRO Mattatoio a Roma, il Palazzo delle Papesse a Siena. Ha realizzato opere pubbliche permanenti a Torino , Quarrata, Peccioli, Poggibonsi, Pontassieve. 

V.M. - Vietata ai Minori

Lunedi' 3 Maggio alle ore 17 inaugura a Genova presso Artre Gallery diretta dalll'Arch. Bruna Solinas -V.M. - Vietata ai Minori-, la personale delle opere di Daniela Zampini Kalepyros L'artista, greca di origine, e' poeta visiva, pittrice e ceramista e ha partecipato a numerose manifestazioni artistiche nazionali e internazionali, oltre a una serie di mostre collettive in Italia e all'estero.

DANIELA ZAMPINI KALEPYROS. Profilo

Nasce nel 1938 a Portoferraio. Genovese d'adozione, si occupa sin da giovanissima di ceramica artistica, frequentando gli studi di Albissola e conoscendo personalità come Baj, Fontana, Luzzati, Sassu; inoltre continua le ricerche ed esperienze sul segno e sulla materia nel campo della pittura partecipando a numerose manifestazioni e mostre nazionali e internazionali. Sul finire degli anni Cinquanta stabilisce un fondamentale incontro con gli amici che, insieme a lei, daranno vita allo storico Gruppo di Studio ove si intensificano e verificano le indagini e ricerche sulla semiologia dell'arte, sulla poesia visiva e sulla sacralità dello spazio mistico nel contesto dell'opera pittorica. Collabora con la rivista -Il Tre Rosso- ed e' fra i fondatori della galleria d'arte La Carabaga. Parallelamente svolge attività artistica come cantante al Teatro Carlo Felice di Genova e, adottando il nome della madre Kalepyros, conduce una nutrita indagine semiologica nell'ambito del teatro, che diventa un'opportunità per ampliare la conoscenza dei rapporti che si sviluppano nella contestualità -Figura Umana e Spazio Scenico-. Approfondisce la ricerca teorica della percezione teatrale partendo dalle esperienze del Bauhaus ed estendendole alla costumistica nella dialettica dello spazio scenografico. Espone, su invito, con 100 artisti italiani nella mostra tematica -Il tondo italiano-, che percorre tutta la Finlandia nell'arco di due anni. Sempre in Finlandia, partecipa alle collettive del Gruppo Studio. È rappresentata con dieci opere alla mostra celebrativa -La Beat Generation anni '60- presso la Galleria Allende della Spezia e al Museo Palazzo Balbi di Campomorone (Genova). Partecipa al premio internazionale Agazzi 2002, Bergamo e al premio nazionale Comune di Trivero, Biella.

Poeta visiva, pittrice e ceramista, ha partecipato a numerose manifestazioni artistiche nazionali e internazionali, e a una serie di mostre collettive in Italia e all'estero: 1963 - Premio Paderno Dugnano; 1965 - Mostra della giovane pittura italiana. Mostre di poesia visiva a Milano, Genova, Napoli e Praga; 1964 - Galleria Senatore, Stoccarda, Germania; 1964 - Museo Civico Pistoia; 1966 - Galleria Ferrari a Verona; 1966 - Galleria Numero a Roma; 1966 - Galleria Il Portico Reggio Emilia; 1966 - Premio città di Faenza (Premiata); 1972 - Galleria Valentino, New York; 1973 - Galleria Arco di Druso - Festival dei 2 mondi, Spoleto; 1972 - Galleria Treves, Milano; 1974 - Galleria Vienna, Milano; 1975 - Galleria Il Fondaco, Genova; 1980 - Galleria Il Canovaccio, Roma; Museo d'Arte Moderna, Torino; Palazzo Comunale di Crema: mostra dedicata alla memoria dello scrittore Franco de Poli; Illustrazione del volume pubblicato dall'editore Pirella di Genova su -La ballata della guerra- di Edoardo Sanguineti. Di lei hanno scritto: Alberto Oggero, Edoardo Sanguineti, Antonello Trombadori, Adriano Spatola, Emilio Isgro', Sebastiano Grassi, Mauro Bocci, Luigi Tola, Giovanna Riu, Mario Bottaio, Toni Bonavita, Felice Ballero, Franco de Poli, Giuseppe Capogrossi, Maria Luisa Magagnoli, Nalda Mura, Mario Guidotti, Giannina Scorza ed altri ancora. È rappresentata al Museo d'Arte delle Generazioni Italiane del Novecento, G. Bargellini, Pieve di Cento, Bologna.

Inaugurazione Lunedi' 3 Maggio alle ore 17

Artre' Gallery
Piazza delle Vigne 28 r, Genova
Dal martedi' al sabato dalle ore 15:30 alle ore 19:30
Ingresso libero

Something about Naples

Opere video di 5 artisti

A cura di Diego Esposito

La mostra, promossa dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli, allestita presso la Sala PAN-Palazzo delle Arti Napoli, intende presentare una mostra di video dal titolo Something about Naples. Mostra visitabile non solo a Napoli ma contemporaneamente anche all'Esposizione Universale di Shanghai.

La rassegna di video realizzata da Celesta Bufano, Federico Campanale, Christian Costa, Anna Fusco e Antonella Raio costa di due diversi nuclei di lavori.

Il primo, caratterizzato da video individuali ma composti in modo da formane un unico lavoro di gruppo di 24 filmati - ciascuno della durata di un minuto - in modo da rappresentare simbolicamente la durata di una giornata. Questo nucleo rientra nel progetto City One Minutes dell'Istituto di Educazione Artistica -Sandberg- di Amsterdam che, per il prima volta dal 1998, ha selezionato Napoli per il suo portale on-line e lo ha presentato all'Esposizione Universale in Cina nella sezione C1M Europa.

All'interno di questo nucleo il video intitolato Tutti davanti la televisione della Bufano si e' posizionato fra i dieci migliori lavori del One Minute Awards di Shanghai, evidenziando che Napoli e' sia un luogo di grandi attrattive e bellezze culturali che una fucina di nuovi talenti.

Il secondo nucleo e' caratterizzato da video realizzati espressamente per la mostra al PAN, dove i singoli artisti hanno interpretato la città partenopea nei suoi vari ed affascinanti aspetti culturali, folkloristici, sociali e paesaggistici, rispecchiandone una realtà locale fatta di bellezze superbe e di tante contraddizioni.

Immagine: Antonella Raio

Inaugurazione lunedi' 3 maggio ore 18

Palazzo delle Arti di Napoli - PAN
via dei Mille, 60 - Napoli.
orario: ore 9.30 - 19.30; festivi 9.30 - 14.30. Chiuso il martedi'
ingresso libero

Galleria Zamenhof
via Zamenhof 11, Milano
 

INVITO
Vernice per la Stampa
Venerdi  7 Maggio 2010    ore 12   
                  Inaugurazione ore 18

Ulteriori informazioni ed immagini: www.tamteatromusica.it

Comunicato stampa


Un teatro da ascoltare, guardare dietro scena,  confrontare nelle sue mutazioni e nei suoi ritorni: questo è  il Tam Teatromusica che si espone, per festeggiare i suoi primi trent’anni,  al Centro Culturale Altinate/San Gaetano.  
La mostra si snoda in una sequenza di sale, dove  trovano posto i materiali che precedono la realizzazione  dell’opera come i disegni preparatori, le partiture sonoro-visive e le immagini fotografiche.   Il tutto accompagnato da videoproiezioni e monitor con estratti dei lavori realizzati da Tam tra il  1980 e il 2009.

Una particolare rilevanza, nello scandire il percorso di Megaloop,  curato da  Riccardo Caldura    insieme a Pierangela Allegro e Michele Sambin, è stata  data  agli oggetti scenici  (che come i 100 disegni sono opere di Michele Sambin) decontestualizzati dagli spettacoli cui appartengono. In assenza dei corpi che li animavano e delle azioni a cui erano soggetti, essi vivono una loro condizione di purezza formale,  evidenziando strutture, materiali costruttivi, valori cromatici, in un inedito rapporto tra oggetto/spazio/tempo di osservazione.

Tam Teatromusica, compagnia attiva nella continua elaborazione di nuovi linguaggi scenici nel teatro di ricerca e per l’infanzia, coglie lo spunto da questa ricorrenza per un'ampia riflessione sul percorso compiuto e sul senso del fare teatro.  Nessuna nostalgia né compiaciuta autocelebrazione dunque per la storica compagnia diretta da Michele Sambin, ma ancora tanta voglia di interrogarsi, di mettere a frutto decenni di lavoro guardando al futuro con inalterata forza creativa.

 A sottolineare la vocazione di officina teatrale del Tam, che da anni organizza laboratori di arte scenica per i giovani, sarà affidato ad un gruppo di studenti del DAMS di Padova il compito di fare da guida e da custodi dell’esposizione.

Numerosi gli eventi collaterali: performance, conversazioni, visite guidate e un workshop sull’applicazione della pittura di luce, un dispositivo messo a punto da Sambin per disegnare e dipingere la scena in tempo reale, sostituendo gli impianti tradizionali con una forma illuminotecnica innovativa.

Sempre in occasione della mostra verranno presentati la monografia di Tam Teatromusica fresca di stampa (a cura di Fernando Marchiori edita da Titivillus) e l’ Archivio Storico in DVD realizzato con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio Padova e Rovigo.

In calendario tre giornate di incontri con gli autori, che affronteranno il tema della ricerca nel mondo delle arti: i critici teatrali Fernando Marchiori e Andrea Porcheddu, gli studiosi Antonio Attisani (Università di Torino), Cristina Grazioli (Università di Padova), Lorenzo Mango (Università di Napoli) e poi ancora Veniero Rizzardi (Centro d’Arte dell’Università di Padova) e Riccardo Caldura (Accademia di Belle Arti di Venezia) e tre serate in cui artisti di diversa generazione animeranno le sale espositive con azioni teatrali in stretto collegamento con le opere esposte.

Megaloop, la mostra   curata da Riccardo Caldura, insieme a Pierangela Allegro e Michele Sambin è organizzata dal   Comune di Padova - Assessorato alla Cultura, in collaborazione con la Regione Veneto.    Partner della manifestazione : Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, Corso di Laurea Dams Discipline delle Arti della Musica e dello Spettacolo Università di Padova Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Arteven Circuito Teatrale Regionale, Progetto Giovani del Comune di Padova.
 
 
Michele Sambin (1951, Padova) regista, musicista e pittore conduce una ricerca che ha come tema il rapporto tra immagine e suono. Fin dai primi anni '70 indirizza il proprio interesse all'incrocio tra le varie arti: cinema (suoi film sono stati inseriti nel 2009 nell’archivio storico del Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma), musica (diplomato in musica elettronica nel 1975, suona il violoncello),  video (suoi art tape presenti nel 2008 a Cà Foscari in Arte al bivio, Venezia negli anni sessanta e a Beijing, China per la mostra curata da Bruno di Marino in collaborazione con l’Istituto Italiano di cultura di Pechino), pittura.
 Nel 1980 con Pierangela Allegro e Laurent Dupont fonda il Tam Teatromusica, che diviene luogo di sintesi della sua ricerca.  Cura regie, scene e musiche, sempre attento agli stimoli provenienti dalle nuove tecnologie, ma anche fortemente legato alle suggestioni della tradizione.
Con il Tam realizza ad oggi più di 80 opere, cercando, nell'incontro tra i differenti ambiti espressivi, nuove ipotesi di scrittura scenica, attraverso una personale forma di "teatro totale".  
In ambito internazionale i suoi lavori con il Tam sono stati presentati a vari Festival Internazionali di Teatro: Bourges, Granada, Vienna, Hannover, Parigi, Zagabria, Gerusalemme, Budapest, Tunisi. In Italia i suoi spettacoli sono stati prodotti dal Teatro alla Scala, la Rai di Milano, Veneto Teatro, Santarcangelo dei teatri, Change Performing Arts, tra gli altri.  ,Dal 2005 è docente, presso l’Università di Padova, Facoltà di Lettere e Filosofia nel corso di studio in Scienze dello Spettacolo e Produzione Multimediale, con l’insegnamento di Storia della Videoarte.

Per informazioni
MEGALOOP. 30 anni di Tam Teatromusica
Padova, Centro Culturale Altinate/San Gaetano Via Altinate 71
8 Maggio - 6 Giugno 2010
Mostra curata da Riccardo Caldura insieme a Pierangela Allegro e Michele Sambin
Orario:  10-19.  Chiuso il lunedì.  Ingresso  libero
Info: www.tamteatromusica.it


Ufficio Stampa
STUDIO P.R.P.
Alessandra Canella
35141 Padova
canella@studiopierrepi.it
Tel. 049 - 8753166
 

In collaborazione con la terza edizione di Wine&TheCity  in programma dal 12 al 15 maggio, apriremo le porte a degustazioni gratuite di ottimi vini.

Ambasciatori di note. Musicisti italiani nelle capitali d'Europa. Prima tappa: Parigi”
SETTIMANE MUSICALI AL TEATRO OLIMPICO
membro dell'EFA (European Festival Association)
Festival Internazionale di musica da camera e lirica
Diciannovesima edizione
Vicenza, 19 maggio – 13 giugno 2010

No Soul For Sale A Festival of Independents   Dates: May 13-16, 2010 Location: Tate Modern, Turbine Hall - Bankside London

To celebrate Tate Modern's 10th anniversary, the gallery will host No Soul For Sale - A Festival of Independents. For this free arts festival, Tate Modern is inviting over 70 of the world's most innovative independent art spaces, not-for-profit organisations and artists' collectives, from Shanghai to Rio de Janeiro, to take over the Turbine Hall. The festival will fill the iconic Turbine Hall space with an eclectic mix of cutting-edge arts events, performances, music and film on 14-16 May 2010. The gallery will stay open until midnight on Friday 14 and Saturday 15 May for late night events with special guests to be announced very soon. Tate Modern first opened on 12 May 2000 and over 45 million visitors have passed through the gallery's doors since.   To stage No Soul For Sale, Tate Modern is working in collaboration with artist Maurizio Cattelan and curators Cecilia Alemani and Massimiliano Gioni. The festival will bring together some of the most exciting and experimental new art from around the globe, displayed in an unconventional, do-it-yourself style. Ranging from monumental structures to witty interventions, epic performances to interactive installations, participants will exhibit alongside each other without partitions or walls, creating a pop-up village of global art for visitors to explore.   The organisations taking part will respond to the invitation with a range of unique projects, building on the participatory spirit of previous Turbine Hall commissions. White Columns (New York) will work with Sonic Youth-musician, Thurston Moore, to launch the new issue of his Ecstatic Peace Poetry Journal. Publishing poetry by individuals who intersect the worlds of poetry, music and art, the journal will be printed on paper designed to fly as a kite in the Turbine Hall. Meanwhile, Barcelona-based duo Latitudes will collaborate with Spanish artist Martí Anson, who will set up a taxi firm and drive the pair from Barcelona to London and back, designing the vehicle, chauffeur's uniform and route.   Elsewhere in the space, Kling & Bang gallery (Reykjavík) will dangle a large-scale column of cash register rolls from the 40-metre high ceiling of the Turbine Hall, creating an interior space filled with video projections. Hailing from New York, K48 Kontinuum will make their stamp on the Turbine Hall with a giant photo of a slice of pizza plastered to the floor. Arthub Asia (Shanghai/Bangkok/Beijing) will add to the playful, anarchic atmosphere of the festival with work from artist Zhou Xiaohu, who will translate the gallery's signs into Chinese. A number of UK-based organisations will take place including Museum of Everything (London), Auto Italia (London) and The Royal Standard (Liverpool).   The festival will bring together a number of cutting-edge contemporary film and video organisations including Light Industry (New York) and no.w.here (London), who will devise programmes of screenings and collaborations with video artists. It will also invite art-related publications such as e-flux (Berlin), who will set up a production space that allows visitors to act as publisher. All participants will host a live event of their choice on the dedicated performance space on the Turbine Hall bridge, ranging from talks and screenings to performances.   Talks and discussions Arts Culture and Social Space; Can Culture Make You Well? Thursday 13 May 2010   Performances Birthday Procession Friday 14 May 2010 free Evening Performances Friday 14 May - Saturday 15 May 2010 free Quicksilver Friday 14 May - Sunday 16 May 2010 free No Soul for Sale: A Festival of Independents Friday 14 May - Sunday 16 May 2010   Tate Modern Turbine Hall - Bankside London 14 and 15 May 2010, 10:00 - Midnight 16 May 2010 10:00 - 18:00 Admission Free pressoffice@tate.org.uk http://www.tate.org.uk/modern

DONATO MANIELLO

ENVIRONMENT FAST FLOWS

a cura di Irene Tedesco

GALLERIA OVERFOTO

vico San Pietro a Majella 6, 80138 Napoli

(piazza Bellini)

info: (+39) 339 6441341

inaugurazione giovedì 20 maggio 2010

ore 19.00-22.00

dal 20 maggio al 18 settembre 2010

orari: martedi' > sabato 11.00-13.00 e 16.00-19.00

Domenico Spinosa

Opere 1948-2003

a cura di Aurora Spinosa

Venerdi' 7 maggio 2010, alle ore 17.30, nelle sale espositive della Galleria dell'Accademia di Belle Arti di Napoli, inaugurazione della retrospettiva DOMENICO SPINOSA. Opere 1948-2003 a cura di Aurora Spinosa. Prosegue - dopo Guido Tatafiore - con l'Informale di Domenico Spinosa il ciclo di mostre -Maestri- che l'Accademia di Belle Arti di Napoli diretta da Giovanna Cassese e presieduta da Sergio Sciarelli dedica, appunto, ai Maestri che si sono avvicendati nel corpo docente istituzionale per rendere loro omaggio e per proporre alla città nuove occasioni di incontro, dibattito, arricchimento culturale.

Presentazione: prof. Renato Barilli, critico e storico letterario e d'arte;
Intervengono:
prof. Sergio Sciarelli, Presidente dell'Accademia di Belle Arti di Napoli
prof. Giovanna Cassese, Direttore dell'Accademia di Belle Arti di Napoli
prof. Aurora Spinosa, curatore della mostra, responsabile scientifico della Galleria dell'Accademia;

In esposizione, sino al 5 luglio, la rassegna presenta una scelta di circa 30 opere tra dipinti e disegni del Maestro, scomparso nel 2007, realizzate nell'arco di un cinquantennio (1948-2003) per offrire uno spaccato della produzione dell'artista dagli esordi agli ultimi anni; per lo piu' opere provenienti da collezioni private napoletane, poco conosciute o misconosciute, che affiancate a quelle esposte a Capodimonte e al Museo del Novecento a Sant'Elmo offrono un profilo del ruolo che Domenico Spinosa ha avuto nella storia dell'arte figurativa a Napoli dal dopoguerra agli inizi del XXI secolo. Poche, emblematiche opere per comprendere la produzione di Spinosa, riconosciuto dalla critica Maestro di calibro nazionale ed internazionale nell'ambito dell'Informale.

Completa la mostra un catalogo Arte, con scritti di Renato Barilli, Giovanna Cassese, Mario Franco, Michele Sovente, Angela Tecce.

Il ciclo Maestri.
Un ciclo di tre mostre monografiche progettate da Aurora Spinosa che - dopo Guido Tatafiore a cura di Mario Franco (7 feb.-27 mar. 2010) e Domenico Spinosa a cura della stessa Spinosa (7 mag.-5 lug. 2010) - prosegue nel secondo semestre del 2010 con la retrospettiva dedicata ad Augusto Perez.

Inaugurazione 7 maggio ore 17.30

Accademia di Belle Arti
via Costantinopoli, 107 - Napoli
Orario: Mart-Merc-Giov-Sab, 10-14/Ven 14-18. Chiuso domenica (tranne mese di maggio) e lunedi'
Ingresso libero

(E)sc(h)atology

Marco Formisano, Greco Poka Yio, Enrico de Maio


Producing many Heads, three or seven or ten, & hands & feet
Innumerable at will of the unfortunate contemplator
Who becomes his food: such is the way of the Devouring Power
William Blake (Jerusalem II, 33:22-24)

[E]SC[H]ATOLOGY alla galleria Akneos, conflitto di tendenze, forze incompatibili che possono essere estese e prolungate quando una riconciliazione non e' portata a compimento. La scatologia viene alla luce come prima materia in termini alchemici. Lo stato iniziale dell'analisi e la dissoluzione della materia fisica, quando si riconoscono le qualità antitetiche . Una istigazione del caos, della sporcizia, che costituisce terreno fertile per la sintesi ed esorta o implica la rinascita di una totalità ricostituita ed esaltata. Lo stato finale, l'eschaton, si raggiunge quando la materia di base e' purificata, quando il corporeo si congiunge al divino, il profano si fonde col sacro e quelle che erano le polarità di un antagonismo lineare si impegano in un movimento circolare di controbilanciamento. Cosi' la fine si congiunge al principio ripetendo il dramma archetipale della vita che succede alla morte e viceversa, cosi' da garantire uno stato elevato di quiete.

Marco Formisano spinge in fuori su ingiallita e fragile carta del novecento forme di materia intestinale marcia portando alla luce bassi istinti primitivi, tendenze animalesche di inconscio sfrenato che risale a un inizio non identificato. Come avviene nella prima fase dell'alchimia, sembra qui realizzarsi la nigredo, la sostanza oscura e inquinata della materia in dissoluzione, della -materia che e' al contempo defecata e defecante, oggetto e soggetto del malessere-, cosi' come rileva l'artista lasciandolo contorto dal disgusto della sua vista. Quest'ultima e' appesantita dalla realizzazione istantanea dell'obsolescenza e dalle limitazioni imposte all' individuo dal mezzo impiegato per trasmettere il Se'. -E' lo sforzo senza una bocca, uno sforzo manifestato dai prodotti delle viscere di un individuo, semplicemente un canale che non riesce a trasformarsi in un passaggio attivo ma elimina passivamente i rifiuti dal corpo, senza la bocca e solo grazie a continue ed estenuanti contrazioni-, egli dice. Ancora, egli diviene il canale attraverso cui sono aperte tutte le possibilità di separazione dalla massa amorfa. Secondo Freud col separarsi dalle proprie feci, il bambino rinuncia ad atti piacevoli di autoerotismo, rinunzia che rappresenta il primo passo verso l'esterno, il primo passo di una dichiarazione d'amore per l'altro.

Allo stesso modo, l'artista Greco Poka Yio gioca con il suono della parola kakao (cacao in greco) che riporta alla mente la parola greca infantile kaka, escremento. Sul soffitto della galleria e' attivata la coniunctio alchemica (l'unione di qualità distinte). La cioccolata si trasforma nelle tenebre onnivore dei desideri inconsci repressi, istinti primari, poiche' essa rappresenta il desiderio centrifugo di plasmarla in dolci che saranno divorati con gratificazione. Essa e' l'oscura forza allettante che attrae e costringe ad una reazione, paradossalmente evidenzia il fascino attraente e ingannevole dell'oro. Gli alchimisti sostenevano che il loro oro non era oro comune e allo stesso modo nel lavoro dell'artista esso diventa il piu' prezioso e tuttavia piu' sporco dei metalli che non governa piu' l'esistenza ma la impone. Una serie di sfere anali di cioccolato nella forma del serpente che si morde la coda sembra rivelare un viaggio esoterico lungo le imperscrutabili vie della mente in un cerchio autoperpetuante di affermazione di identità ed integrità del carattere.

L'energia, requisito fondamentale dell'evoluzione non puo' essere rilasciata senza lo scontro di forze contrarie. Tuttavia l'adesione a un tale stato di discordia provocherebbe solo disordine e alienazione al se'. L'effetto consolatorio dei simboli che sono sopravvissuti attraverso le età ed i popoli viene allora ricercato per compensare la frammentazione. La struttura di vetro e carbone di Enrico de Maio, che fuoriuscita purificata dal forno per il vetro che egli stesso ha costruito, evidenzia la luce che proviene dalla rivelazione di cio' che trascende i confini del tempo e di questo mondo terreno, sfida il pensiero razionale del nostro presente. L'artista si rivela: -colpito dalla trasformazione della materia; tutto collabora alla creazione dell' opera, tutto non dura che un solo istante.- La partecipazione ad un eterno ciclo di vita dopo la morte proviene dai simboli di fede che si tramandano di generazione in generazione, questa fede costituisce la nostra eredità piu' preziosa.

Jung sostiene che ci sono quattro modi nel nostro orientamento psicologico. Il primo e' il senso che ci assicura l'esistenza di qualcosa all' esterno. Il secondo e' il nostro pensiero attraverso il quale possiamo stabilire di cosa si tratta. Il terzo e' la sensazione attraverso la quale possiamo dire se quel qualcosa all'esterno e' in accordo con noi e se la desideriamo o meno. E ultimo ma non meno importante, il quarto, la nostra intuizione, la nostra istintiva convinzione che ci rende noto da dove e verso dove qualcosa proviene e conduce. Quando e' repressa dal pensiero conscio l'intuizione diviene come una forza oscura e indefinita, presente nella sua assenza che dissolve, avvelena e smaterializza l'identità. Allora, mai il divino si incarnerà, mai il corpo incorporerà lo spirito, mai colui che fà e il partecipante saranno imbevuti di intuizione allo stesso modo . La storia e' quindi rovesciata, il presente ricostruito, se la cultura deve sopravvivere, il bisogno secolare di formazione di una solida personalità (l'individuo illuminato che si opporrà alle forze oppressive del nostro tempo) verrà alla luce.
Napoli, maggio 2010
Marrie Sanida

Inaugurazione 7 maggio

Galleria Akneos
via Nilo, 34 (Palazzo Monte Manso Di Scala) - Napoli
Orario: mart - ven 10.30-13.30 e 16.30-19.30, sab su appuntamento
Ingresso libero

NAPOLI EURITMIA - 22 e 23 maggio 2010

Torna Napoli Euritmia con un nuovo Workshop intensivo di euritmia
diretto dal grande maestro Wolfgang Kusterer.
Pianoforte: Nicola Massaro

Salon Baires, Via Piscicelli n. 36 - Napoli, Per Info 333/9958209

NAPOLI EURITMIA

Guarda il video dell'ultimo workshop

http://www.youtube.com/watch?v=Q1S8L0GLENQ

Ha mai pensato che sia possibile disegnare in modo professionalmente corretto senza aver frequentato scuole d'istruzione artistica?
Noi lo abbiamo fatto e la invitiamo allo stage gratuito di Disegno Anatomico che si terrà al Museo Anatomico di Napoli.
Per prenotarsi:
info@studiorotella.biz

Comunicato stampa

“il Sacro e le Armonie”  Fondazione Gb.Vico    Via  San Gregorio Armeno, 35-Napoli

21/22/23 Maggio 2010

Venerdì 21 Maggio

Ore 17,00 Inaugurazione

Presentazione dell’associazione “Sale e Pepe”

Dott. Gianni Peluso presidente.

Presentazione del movimento “Esasperatismo Logos & Bidone”

Prof.Adolfo Giuliani fondatore.

Ore 18,00

Collettiva pittorica. Espongono gli artisti aderenti al movimento esasperatista :

Giovanni Ariano,Adriana Caccioppoli,Nunzio Capece,

Giuseppe Di Franco,Roberto  Elia,Mario Fortunato,Stelvio Gambardella,

Lucia Iovino, Rosario Mazzella,Maria Antonietta  Robucci,

Sandra Ravallese,Ignazio Sabiucciu, Alfredo Sansone,Domenico Severino.

Ore 19,00

Recital della giovanissima pianista Francesca Di Costanzo del laboratorio pianistico vomerese diretto dal maestro Christian Deliso.

Ore 20,00

Al termine dell’evento saranno sorteggiati tra gli intervenuti opere donate dagli artisti del movimento:L.Galdo e L.Iovino.

L’incasso sarà devoluto interamente all’associazione “Una mano per ….”

presidente Guido Guida,per la realizzazione di una scuola elementare in Tanzania.

Sabato 22 Maggio 14:00-20:00 Domenica 23 Maggio 10:00-13:00

Mostra di pittura

Ingresso libero

MUSEO NITSCH
Giovedì 13 Maggio ore 17 presso
presentazione del libro
"La menzogna nucleare. Perché tornare all'energia atomica sarebbe rischioso e completamente inutile" (Ponte alle Grazie, 2010)
di Giulietto Chiesa, Guido Cosenza e Luigi Sertorio.

Saranno presenti Guido Cosenza e Giulietto Chiesa.

La menzogna nucleare.(dalla quarta di copertina)
Mentre la crisi mondiale ha inghiottito la profumata menzogna del progresso economico senza limiti, mentre il pianeta continua a rimandare le irrimandabili decisioni sul suo futuro energetico e ripropone la rassicurante menzogna dei «passi avanti», l’Italia, o meglio, il governo Berlusconi offre come soluzione nazionale la menzogna verde dell’energia nucleare.
Cosa importa se ancora non siamo stati in grado di risolvere i problemi legati al fallito esperimento atomico, di cui il territorio italiano porta ancora il peso. Cosa importa se un referendum storico ha già fatto sentire forte e chiara la voce del no dei cittadini italiani. Cosa importa se le riserve di combustibile consentiranno al nucleare vita breve. Cosa importa se il problema delle scorie e della dismissione degli impianti è tanto grande da non poter essere definito nemmeno dai tecnici e dagli scienziati. Cosa importa se l’Italia non possiede né il combustibile né il knowhow necessario e si arrende nuovamente alla dipendenza dagli altri Stati.
In questo libro, la voce lucida di due illustri fisici, Guido Cosenza dell’Università Federico II di Napoli e Luigi Sertorio dell’Università di Torino, ci consente di fare chiarezza una volta per tutte, e l’esperienza di Giulietto Chiesa ci aiuta a capire le intenzioni di chi pretende ancora una volta di decidere per noi.

Per info

Museo Nitsch
vico lungo Pontecorvo 29/d
80135 Napoli
tel 081 5641655 fax 081 5641494
info@museonitsch.org

Forum Tarsia
posta@forumtarsia.it

Franco di Liberto 347 7376190

Robert Kusmirowski

MODA / Museum of Deposition Art/

Roman Ondák

Glimpse

opening 13 maggio 2010 ore 19.00

opening 13th May h 7 p.m.

Napoli, Fondazione Morra Greco Largo Avellino, 17

UMBERTO DI MARINO

The horizon line is here - tornare per partire


a cura di / curated by Lorenzo Bruni


ELENA BAJO - ULLA VON BRANDENBURG - RUNO LAGOMARSINO - ANDRE' ROMÃO - PEDRO NEVES MARQUES

Inaugurazione 20 Maggio 2010 - ore 20.00 - 22.00
Opening 20th May 2010 - 8pm - 10pm 
20 Maggio - 10 Settembre 2010
20th May - 10th September 2010

Sala1

Complesso Monumentale della Scala Santa/Padri Passionisti
Piazza di Porta S. Giovanni, 10   Roma T. 06. 7008691

www.salauno.com   salauno@salauno.com

martedì-sabato 16.30-19.30

Changing Role
Via Chiatamone, 26  Napoli  T. 081. 19575958
www.changingrole.com  infogallery@changingrole.com

Due mostre

"Donne", personale di Manuela Vaccaro e "Barocco al femminile", collettiva

Giovedi' 13 maggio alle ore 18.00 a Napoli la Galleria Monteoliveto in occasione del Maggio dei Monumenti presenta due eventi dedicati al fascinoso mondo femminile:

"Donne"
Personale di pittura di Manuela Vaccaro

Manuela Vaccaro,classe 1970, ingegnere,ama dipingere da sempre, attualmente frequenta il corso di Tullia Matania,da cui ha imparato ad usare la pittura per rappresentare un universo relazionale che pone al centro della sua espressività sempre la figura femminile. Una pittura dai contorni marcati, caratterizzata da colori vivaci e caldi da cui emerge la ricerca di una autocoscienza finalizzata al superamento di condizioni e ruoli subalterni, con una creatività articolata e dinamica mossa al tempo stesso da intenti pittorici formali e da tensioni emotive.

Il vivace ricorso alle svariate tecniche:olio, tempera, acrilico, carboncino fornisce appropriati supporti compositivi e stimolazioni cromatiche di efficace corrispondenza ai messaggi veicolati. Un riuscito tentativo di suggerire attraverso la complicità della "messa in scena" di figure emananti forti sensibilità introspettive.Un possibile percorso di cambiamento: icona di un quadro alieno presente nella mostra: "Sensi- omaggio a Manara" ne sottolinea l'auspicata realizzabilità, attraverso una ricerca pittorica "engage'e" che lascia intravedere articolati imprevedibili sviluppi (Gennaro Oliviero).

"Barocco al femminile"
Collettiva di arte contemporanea di 12 artiste donne

A fare da contorno alle "Donne" di Manuela Vaccaro, la Mostra darà spazio ad altre 12 artiste donne italiane e straniere e alle loro creazioni sul "Barocco al femminile", dedicata all'anno del Barocco a Napoli, ai suoi monumenti, alla Spagna, alla musica, al teatro, alla danza, al cinema e alla letteratura,temi del Maggio dei Monumenti 2010.

Loredana Alfieri, Stefania Ancarani, Patrizia Baudino, Marido Boatti, Sonia Giambrone, Miry Huyghe, Antonella Lieto, Lisa Perini, Hedy Maimann, Nazarena Saccone, Serenella Sossi, Marta Vezzoli tutte hanno dato il loro contributo all'evento.
Presentazione del prof. Gennaro Oliviero.

Nel corso del Vernissage sarà presentato al pubblico il Trofeo "Coup de Coeur ­ Art Monaco ­ Choix du Public" assegnato durante il Salone Art Monaco 10 a Montecarlo alla GalleriaMonteoliveto

Inaugurazione: Giovedi' 13 maggio alle ore 18.00

Galleria Monteoliveto
Piazza Monteoliveto 11, Napoli
Martedi - Venerdi dalle 10 00 alle 13
Ingresso libero

Maria Mulas

Omaggio a Drella
a cura di Andrea Ingenito

Opere di Andy Warhol

Domus Artis Gallery è lieta di ospitare Omaggio a Drella, una selezione di opere di Andy Warhol curata da Andrea Ingenito.

Dai Flowers dei primi anni Sessanta ai ritratti di Marylin Monroe e Mao Tse-Tung, dalla celeberrima Campbell's soup can a Vesuvius, dall'ironica Declaration of independence alla suggestiva Detail of Reinassence painting, passando per le cover degli album dei Velvet Underground e alcuni numeri di Interview, il magazine fondato dall'artista nel 1969, la mostra offre un significativo tributo al suo genio dissacrante e segna la chiusura del ciclo espositivo della galleria prima della pausa estiva.

"Drella" -il soprannome di Warhol coniato nella Factory dall'unione di "Dracula" e "Cinderella" per indicare l'ambivalenza del suo carattere- è il punto di partenza dell'esposizione, che vuole evidenziare la personalità eclettica dell'artista, la sua creatività dirompente e la sua visione dell'arte e della società, provocatoria e a tratti profetica.

Pittore, scultore, regista, editore e produttore, icona della POP ART e anima della Factory, Warhol ha cambiato le regole del "fare arte" e ha inciso profondamente sull'estetica e sulla società contemporanea.

Vernissage: venerdì 21 maggio 2010, ore 19,00
La mostra sarà visitabile dal 21 maggio al 28 giugno 2010, dal lunedì al sabato ore 11,30 – 19,30.

Domus Artis Gallery
Via Vincenzo Cuoco, 4
Napoli


Domus Artis s.r.l. è una società di intermediazione di arte moderna e contemporanea dalla decennale esperienza, con sedi a Firenze, Napoli, Parigi e Londra.

Grazie all'osservazione del mercato dell'arte, all'analisi storico finanziaria di ciascuna opera e alla collaborazione con i più affermati maestri del contemporaneo, Domus Artis s.r.l. si propone di coniugare Emozione e Investimento, segnalando ad appassionati e collezionisti d'arte opere dall'elevata qualità, dotate allo stesso tempo di un ampio potenziale economico.

Attraverso la realizzazione di mostre ed eventi e la collaborazione con importanti realtà economiche, Domus Artis s.r.l. partecipa a numerosi progetti in ambito istituzionale e sociale.

Dall'esperienza di Domus Artis s.r.l. nasce Domus Artis Gallery, spazio espositivo moderno e dinamico che si propone come punto di riferimento dei giovani talenti che si affacciano sulla scena internazionale e dei nomi storici dell'arte contemporanea.

“Novecento a Napoli (1910-1980) per un museo in progress” - filmato ‘Gli anni Settanta tra utopia e dispersione’

Inaugurato da poche settimane, “Novecento a Napoli (1910-1980) per un museo in progress”,intende documentare quanto realizzato a Napoli nel corso del Novecento, sono state selezionate circa 170 opere realizzate da 90 artisti napoletani, ma con l’aggiunta anche di alcune presenze di artisti non napoletani, che con ruoli diversi furono attivi in città.
Il museo si articola attraverso un percorso cronologico suddiviso per sezioni: dalla documentazione della Secessione dei ventitré (1909) o del primo Futurismo a Napoli (1910-1914) al movimento dei Circumvisionisti e del secondo Futurismo (anni Venti-Trenta); dalle varie testimonianze su quanto si produsse tra le due guerre alle esperienze succedutesi nel secondo dopoguerra (1948-1958), dal Gruppo ‘Sud’ al cosiddetto Neorealismo, dal gruppo del M.A.C. all’Informale o al Gruppo ’58. Seguono le sezioni riservate agli anni Settanta, con particolare riferimento, ma non solo, alle Sperimentazioni Poetico-visive e all’attività dei gruppi legati alle esperienze condotte nel campo del sociale. Fino all’ultima sezione, dove è documentata l’attività di quanti, pur continuando a operare dopo l’80 sperimentando linguaggi diversi, si erano già affermati in città in quel decennio.

In occasione della ‘Notte dei Musei’, verrà presentato, alle ore 21 , il filmato ‘Gli anni Settanta tra utopia e dispersione’, realizzato da Mario Franco per il museo.

Data Inizio:15 maggio 2010
Data Fine: 15 maggio 2010

Prenotazione:
Luogo: Napoli, Castel Sant’Elmo
Orario:
Telefono: 081.2294401
Fax: 081.2294498
E-mail: santelmo.artina@arti.beniculturali.it
Sito Web: http://www.polomusealenapoli.beniculturali.it

Napoli, Castel Sant’Elmo
Città: Napoli
Indirizzo: via Tito Angelini
Provincia: (NA)
Regione: Campania
Telefono: 081.2294401
Fax: 081.2294498
E-mail: santelmo.artina@arti.beniculturali.it
Sito web: http://www.polomusealenapoli.beniculturali.it

“Artisti in Vetrina”

Maria Quagliariello

Dal 17 al 31 Maggio 2010

Innaugurazione il 17 Maggio alle ore 19.00

I Dimensionalisti

Per quanto comodo possa essere, non mi piace essere inquadrata,definita, incasellata e penso che ciò non piaccia a nessuno che abbia come me prospettive caleidoscopiche.

Per l’opera che ho scelto di presentare, il riferimento al cubismo  può sorgere facile ma non è così.

I cubi non rappresentano il processo di relazione tra tempo e spazio ma bensì quel posto in cui purtroppo di tanto in tanto siamo costretti ad incastrarci.

Li dentro ci sono i Dimensionalisti, neologismo che ho coniato per necessità espressiva, che si offrono alla mercee del pubblico che vorrà sicuramente definire l’opera….

Spogliati da ogni debolezza mentale sono nudi ma consapevoli, indefiniti e compiacenti si offrono generosi se ci si pone nella giusta prospettiva.

Gino Ramaglia Artisti in Vetrina

Via Broggia, 9/10

80135 Napoli

Dopo il confronto epocale fra l' Installazione 2010 del maestro austriaco Hermann Nitsch e il dipinto Le sette opere di Misericordia del Caravaggio - visibile fino al 30 maggio nella Sagrestia del Pio Monte della Misericordia di Napoli - il Museo Nitsch e la Fondazione Morra promuovono la 130.aktion dell’artista viennese, che avrà luogo in occasione della festa della Pentecoste. Nel museo napoletano a lui intitolato ed istituito dalla Fondazione Morra nel settembre 2008, Hermann Nitsch realizzerà la sua 130° Azione (la prima si tenne a Vienna nel 1963), ancora una volta in piena sintonia con la poetica del suo Teatro delle Orge e dei Misteri.
La performance, aperta al pubblico con ingresso su prenotazione e sottoscrizione al membership della struttura museale, si svolgerà domenica 23 maggio dalle 12 alle 16.30 nel Museo Nitsch e proseguirà, dalle 17.30 alle 24, alla Vigna di San Martino che già nel 1996 ospitò, fra i suoi sorprendenti terrazzamenti sulla città, un’azione dell’artista pioniere dell’Azionismo viennese. L’eccezionalità della performance, immortalata dalle foto di Fabio Donato e ripresa nel film di Mario Franco “Nitsch e Caravaggio”, sarà accompagnata dalla presenza da alcuni allievi del Conservatorio di San Pietro a Majella e dal Quintetto d’Archi Hermann Nitsch (nella formazione Alessandro Zambito Primo Violino, Carlos Verduca Secondo Violino, Enrico Cacciato Viola, Lucio Corrente Violoncello e Claudio Guadrini Contrabbasso) che eseguirà componimenti su partiture dell’artista stesso.
L’Orgien Mysterien Theater è una complessa forma di Gesamtkunstwerk / opera d’arte totale nella quale convergono sinesteticamente, sulla base di un progetto onnicomprensivo consapevolmente elaborato, il teatro, la pittura, la musica e ogni altra disciplina artistica fino a comprendere tutti gli ambiti delle esperienze visibili e vivibili. Hermann Nitsch, nel suo Orgien Mysterien Theater, riprendendo e ampliando l’intuizione wagneriana, coinvolge lo spettatore in una vera e propria festa esitenziale e collettiva. La lehraktion, in particolare, è una performance nella quale Nitsch dimostra, con esempi pratici, alcuni elementi base del suo Teatro delle orge e dei misteri.

“…nelle vigne ci sono tavoli di trattoria ai quali della gente felice siede, mangia e beve il vino novello. una lieta e dolce ebbrezza riempie gli spiriti degli avventori. si ascolta musica popolare viennese (…) quando sorgono le prime stelle, tutti intonano canti tradizionali. si beve fino a notte fonda sotto il cielo rischiarato dalle stelle”.
(da H. Nitsch, Descrizioni e tesi sul progetto del Teatro O.M.)

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Dove
Museo Hermann Nitsch
vico lungo Pontecorvo 29/d, Napoli
orari apertura del mese di Maggio : dal lunedì alla domenica, dalle 10 alle 19
Vigna San Martino
Corso Vittorio Emanuele 341, Napoli

Informazioni e biglietti
Fondazione Morra _ Museo Nitsch
T 366 87102 02 _ 081 564 16 55 _ fax 081 564 14 94
info@fondazionemorra.org _ info@museonitsch.org

Si possono effettuare prenotazioni tramite sms
Saranno ritenute valide le prenotazioni inviate entro le ore 11 di sabato 22 maggio

Costi
70 euro ingresso con sottoscrizione al membership del Museo Nitsch
50 euro ingresso per membri già iscritti al membership del Museo Nitsch e soci del O.M.T
35 euro ingresso ridotto studenti con contestuale sottoscrizione al membership del Museo Nitsch

I biglietti potranno essere ritirati presso la biglietteria del Museo Nitsch nelle ore di apertura.
Al momento del pagamento verrà consegnato un bracciale-pass per partecipare all’evento.
E' possibile effettuare la sottoscrizione Membership Museo anche il giorno stesso dell’azione.

Si consiglia di indossare scarpe comode e di munirsi di una torcia per il percorso in Vigna
Si informa inoltre che è vietato fare riprese video e scattare foto durante l’azione

Ufficio stampa
Fuani Marino fuani.marino@libero.it T. 347 07 02350
Paola Marino paola.manual@gmail.com T. 339 3449512

AVVENTURE MINIME

Miocinesia nell'arte d'oggi

a cura di Antonello Tolve

artisti in mostra

Mrdjan Bajic, Jean-Michel Basquiat, Bianco-Valente, Joseph Beuys, Louis Cane, Maurizio Cattelan / Patrizia Giambi, Antonio Cervasio, Gianluca Codeghini, Gillo Dorfles, Fredrich Kiesler, Wilma Kun, Pierpaolo Lista, Pietro Lista, Richard Long, Annalisa Macagnino, Domenico Antonio Mancini, Alessandro Mendini, Moio & Sivelli, Damir Očko, Mimmo Paladino, Giulia Palombino, Anja Puntari, Luisa Rabbia, Marco Raparelli, Mimmo Rotella, Giuseppe Stampone, Studio Azzurro, Enrico Tealdi, Eugenia Vanni, Andy Warhol, Mary Zygouri.

Con due poesie di Tomaso Binga

Archivio Generale – Sede Storica, ex Convento di San Lorenzo, Via de' Renzi, Salerno

preview per la stampa 22 maggio ore 10.00

opening 22 maggio 2010 ore 11.00 


orari 11.00 -13.00 o su appuntamento

dal 22 maggio al 13 giugno 2010

L'Associazione Corporazione delle Arti e delle Tecnologie con il patrocinio del Comune di Salerno – Assessorato al Turismo ai Beni Culturali e alla Portualità Turistica, la preziosa collaborazione del MMMAC – Museo Materiali Minimi d'Arte Contemporanea, della Fondazione Filiberto Menna – Centro Studi d'Arte Contemporanea e dell'Associazione Seventh Degree dell'Università degli Studi di Salerno presenta, per le manifestazioni di Salerno Porte Aperte 2010 – Maggio dei Monumenti – la mostra collettiva Avventure Minime. Miocinesia nell'arte d'oggi, a cura di Antonello Tolve.

«I rimasugli del poeta, lo spartito incompleto di un compositore, il modello di una scultura, il disegno preparatorio o il semplice schizzo lasciato su un foglietto qualsiasi e magari approntato su un tram, in treno, nella sala d'attesa di un aeroporto, durante la fila che si fa per pagare la bolletta di turno in un ufficio postale. Caratterizzato da un gesto fulmineo e a volte frenetico», suggerisce Antonello Tolve nel testo in catalogo, «lo schizzo rappresenta il mondo embrionale e sotterraneo dell'arte che fa i conti con un atteggiamento miocinetico, basato, cioè, su un sistema psichico incompleto o, quantomeno, non così dettagliato come quello trattato dal raziocinio e dalla rielaborazione e organizzazione di tutti quei materiali primari che caratterizzano una molteplicità di condotte cotidiane.

Tutti quei segni che maltrattano un volume, quei segni lasciati tra le righe o ai margini di saggi, romanzi o raccolte poetiche (trattini, freccette, parentesi, piccole v, stelle e crocette) che, oltre a disegnare una vera e propria segnaletica in cui l'artefice ritrova una personalissima geografia, rendono caratteristico il libro. Tutte quelle parole, quei cerchietti, quadratini, quei triangolini e quei segni decisamente automatici che lasciamo su un foglietto, su uno scontrino, su un post-it, al termine di una telefonata. Tutte quelle pseudoforme insignificanti che produciamo quotidianamente e buttiamo regolarmente nel cestino della carta perché inutili e inutilizzabili (ma tuttavia figli di un appagamento momentaneo). Sono esperienze psicomotorie (impulsi fulminei) che, se da una parte si presentano come involontarie azioni autoterapeutiche perché svolgono un'attività appagante e dunque non trasformano il desiderio e l'impulso elementare in una frustrazione o in un insuccesso, dall'altra disegnano un vero e proprio scenario interiore il più delle volte incomprensibile al suo autore».

«La gestualità impura, lo scarabocchio, il ghirigoro, la macchia o lo sgorbio che molte volte l'artista reputa inutile e decisamente secondario rispetto ad opere elaborate con cura (anche in vista di un loro ingresso nel mercato dell'arte) è, in molti casi, il primus movens di un discorso che troverà soltanto successivamente una reale conformazione, una reale compilazione, un reale raziocinio.

Miocinesia nell'arte d'oggi vuole essere un omaggio a Gillo Dorfles, e precisamente ad un ambito del suo pensiero che, per la forte coincidenza tra la pratica critica e quella pittorica, ha individuato nei collassi della ragione o nei flussi dello sgrammaticato la rivincita di un potere magico e mitico centrale nella produzione artistica di ogni tempo».

«Senza alcuna pretesa di essere esauriente o minuzioso nelle sue forme, lo schizzo si pone, così, tra le maglie dell'arte e della sua storia (delle sue storie), come fonte di studio tenacemente connessa all'intenzione dell'artista.

Di dimensioni ridotte e di rapida esecuzione, questa forma fetale è un'impressione che si pone, paradossalmente, come un non finito compiuto. In altre parole, quello che definiamo come schizzo riassume al suo interno – in uno spazio che sottolinea, appunto, la velocità dell'esecuzione – ciò che è necessario e sufficiente per fornire una determinata informazione.

Così, tutte quelle linee intime che sviluppano su ogni tipo di superficie le forze creatrici dell’artista, linee preverbali e pregrammaticali in cui è possibile individuare appieno il senso investigativo e la libertà espressiva dell’artista fanno del materiale minimo una vera e propria modalità estetica presente in ogni attività artistica e non».

Luogo: Archivio Generale – Sede Storica, ex Convento di San Lorenzo, Via de' Renzi, Salerno
Orari d'apertura: 10.00 – 13.00 / o su appuntamento +39 349 5813002
Periodo della mostra: dal 22 maggio al 13 giugno 2010
Catalogo MMMAC Edizioni / EDI.COM

Metro Art

Presents:

Rock’s Tales

Dal 15/05/2010

Al 29/05/2010

Pride

Via della Cavallerizza a Chiaia n° 27

80121 Napoli

Metro Art, presenta un’altra prova della sua  “ Arte Povera “

Il  “ Detournament “ dei biglietti di autobus e metropolitana, gli oggetti più disparati ed i cut up di singoli musicisti e gruppi musicali, formano dei collages in sintonia con una ben caratterizzata visione della musica e di ciò che essa significa nella storia e per il vissuto di ciascuno di noi.

Siamo in presenza di un percorso Artistico Musicale raccontato con foglietti, figurine, e immagini sacre, le  “ Carte Povere “ di Metro Art delinea appunto una personalissima lettura d’una tra le più importanti espressioni artistiche e conoscitive del genere umano.

Metro Art

Stranieri Ovunque

Damian Le Bas, Delaine Le Bas, Karl Holmqvist, Stefan Dillemuth, Claire Fontaine

A cura di Claire Fontaine

La mostra Stranieri Ovunque e' una collettiva a cura del collettivo Claire Fontaine che riunisce quattro artisti, gli inglesi Damian Le Bas e Delaine Le Bas, lo svedese Karl Holmqvist ed il tedesco Stefan Dillemuth, il cui lavoro indaga in diversi modi la questione dell'identità e la situazione conflittuale degli stranieri. Stranieri Ovunque tenta di mettere in discussione la legittimità delle identità culturali e geografiche attraverso l'uso di varie strategie estetiche e la costruzione di una lingua straniera all'interno del linguaggio visivo.

Il lavoro di Stefan Dillemuth mette in discussione l'economia politica con tutte le sue implicazioni, compresa l'economia dell'esposizione, e l'obbligo di produrre una durevole e riconoscibile forma del gesto artistico. Per questa mostra Dillemuth propone un'emblematica scultura che fa riferimento ad un esperimento di comunicazione extraterrestre. Il lampeggiare di una lampadina cita il codice binario del messaggio inviato nel 1974 dal radiotelescopio di Arecibo[1] verso l'ammasso globulare M13, che consisteva in 1679 "bit" di informazione. Il contenuto del messaggio era composto da varie 'sezioni', ciascuna raffigurante un particolare aspetto della 'nostra civiltà': la loro traduzione visiva e' l'immagine del biglietto d'invito della mostra. Il messaggio include i numeri da 1 a 10, numeri atomici, le formule dello zucchero, basi e nucleotidi di fosfato presenti nel DNA, la struttura a doppia elica del DNA umano, l'altezza di un essere umano, la quantità di popolazione umana, lo schema del sistema solare e le informazioni sul telescopio di trasmissione di Arecibo. Martedi' 21 agosto 2001 due nuove formazioni sono state raccolte e segnalate nei pressi del radiotelescopio di Chilbolton nell'Hampshire, in Gran Bretagna. Entrambe erano molto imponenti e consistenti in un gran numero di piccoli 'pixel', che se visti dal cielo formavano una forma riconoscibile - a differenza di molte altre formazioni vegetali. Questo racconto dubbio e soprannaturale, puo' essere letto, nel contesto della mostra, come un inquietante allegoria della comunicazione astratta globale.

Karl Holmqvist ha lavorato per molti anni con la performance, il video, il testo e la scultura. Il suo lavoro si occupa in modo originale e sofisticato dei temi della poesia politica e della sua rappresentazione visiva. Holmqvist costruisce un percorso visionario che attraversa gli aspetti piu' dolorosi e problematici della vita contemporanea, ma tocca anche quell'ambito familiare fatto di canzoni pop e pubblicità. Estraendo meticolosamente tutti i momenti politicamente poetici della vita quotidiana, l'artista si occupa del non rappresentabile utilizzando diversi dispositivi, come la proiezione di una superficie nera attraversata da sottotitoli in bianco che riportano le parole pronunciate dalla sua voce fuori campo nella colonna sonora. Il video presentato in questa mostra e' un suo recente lavoro intitolato I'll make the world explode.

Il lavoro di Damian Le Bas si snoda attraverso una psicogeografia immaginaria che viene sovrapposta alla rappresentazione oggettiva dello spazio che si suppone le mappe possano fornire. Nei suoi lavori l'identità grafica dei territori e delle nazioni viene cancellata da dipinti quasi espressionisti, la terra - anche nella sua rappresentazione - diventa la base ed il supporto dell'opera, e non e' altro che una superficie da popolare il piu' densamente possibile.

Delaine Le Bas adotta una singolare pratica di costruzione di rifugi all'interno dello spazio espositivo. Ispirata alle forme e ai materiali di un'architettura zingara spontanea, la sua scultura organizza zone che rievocano i ricordi dell'infanzia ed i sentimenti di una vita vissuta ai margini della vita sociale ed urbana. Delaine lavora con diversi media creando una confusione di elementi vernacolari e gesti sculturalmente raffinati. Aspetti del femminismo sono presenti nella sua pratica che evoca e decostruisce gli stereotipi che circondano le donne zingare.

Claire Fontaine, che qui interviene in veste di curatore, e' un collettivo d'istanza a Parigi, attualmente rappresentato dalla galleria T293. Claire Fontaine lavora con neon, scultura, pittura e testo, la sua pratica puo' essere descritta come un continuo interrogativo sull'impotenza della politica e sulla crisi della singolarità che sembrano definire l'arte contemporanea oggi. Per questa mostra presenterà un neon che traduce la frase -Stranieri Ovunque' in lingua rom.

[1] Arecibo si trova sulla costa nord di Puerto Rico e presenta un buco naturale nella roccia a forma di disco. All'interno di questa cavità fu costruito il piu' grande radiotelescopio del mondo, con un diametro di circa 300 metri.
Nel 1974 varie modificazioni sono state apportate al trasmettitore perche' incapace di registrare i segnali aventi una potenza superiore ai 20 terawatts (1 terawatt = 1 trilione di watts) e come test inaugurale per queste prove venne deciso dalla SETI di trasmettere un messaggio indecifrato verso il cielo. Il segnale venne rivolto verso l'ammasso stellare globulare M13, stanziato a circa 25 000 anni luce di distanza e costituito da circa 300 000 stelle nella costellazione di Ercole.

Inaugurazione 14 maggio, ore 19

T293
via Tribunali, 293 - Napoli
dal martedi' al sabato, ore 12 - 19
Ingresso libero

Maria Luisa Kitzman

Deb-Art-Pictures on the road, dal Minnesota a Napoli

a cura di Salvatore Pica

Arte come scena di un paesaggio interiore, un legame profondo con la natura, un mondo fatto di gesti, sguardi, contemplazione e' cio' che tenta di comunicare Maria Luisa Kitzman, con le sue opere, offrendo un punto d'incontro tra razionalità, emozione ed osservazione della realtà intima del nostro quotidiano.

La giovanissima artista, che ha appena compiuto diciotto anni, napoletana, ma anche cittadina americana, prima di dipingere fa un'attenta sintesi di pensiero. Intitolata -Deb-Art-Pictures on the road, dal Minnesota a Napoli-, l'esposizione curata da Salvatore Pica convinto che -dobbiamo salvare i giovani dalla play station-, intende far riflettere sul significato tra il rapporto delle cose ed il loro organico con ritmi e ortogonalità degli orditi, composizioni coloristiche ben equilibrate, per analizzare le problematiche della vita sia dal punto di vista esistenziale sia da quello oggettuale. Kitzman, percepisce l'assoluto trasferendolo sui supporti- la tela, la carta, usando pastelli a cera, tempere, acquarelli, olio, per coglierne gli aspetti piu' puri, affascinata dall'armonia del creato.

Ricoprendo i supporti con contrasti cromatici e proponendo attraverso il percorso espositivo una leggerezza derivata da una valenza gestuale e materica, l'artista -scandaglia- spaccati di natura violenta e allo stesso tempo gentile che ci ricordano la nostra storia e memoria, dove natura e pensieri si incontrano in uno spazio assoluto della sua stessa immaginazione. Luoghi incontaminati osservati con un occhio innocente e pieno di sensibilità da chi ancora non ha avuto condizionamenti, vengono descritti alcune volte in maniera astratta, figurativa altre ancora concettualmente con linee, solchi, segni e forme impressi per poter rivivere una realtà frammentata e filtrata visibile, che spesso viene rimossa o non osservata, ricca di vibrazioni, e stratificazioni culturali.

Naturalismo e realismo si fondono insieme nei lavori con mezzi e strumenti diversi, offrendo al visitatore uno spunto per un -viaggio- nell'armonia delle cose terrene ricche di sensazioni e di opportunità per tentare di superare con l'arte le emergenze di una città come la nostra, si' sofferente, ma ancora tenace, che ci restituisce una ragazza non -inquinata- capace ancora di produrre idee nuove.

Autodidatta , Kitzman comincia a dipingere a soli 3 anni insieme al nonno Pietro, ricercando da allora, come in una sorta di battaglia interiore, nuove tecniche per approdare ad un particolarissimo e personalissimo linguaggio pittorico conquistato con la passione per la pittura che non ha mai abbandonato da allora. Pittura e musica (suona il pianoforte da 8 anni ed e' iscritta al IV anno di Conservatorio), sono gli ingredienti base della sua vita che con la minaccia destabilizzante dell'inarrestabile trasformazione viene esorcizzata, attraverso le sue emozioni, nella rassicurante stabilità dei simboli stessi rappresentati ed ascoltati.

Ufficio Stampa:
Annalisa Tirrito
cell. 335.5289607
annalisa.tirrito@tin.it

Inaugurazione venerdi' 14 Maggio 2010, ore 18

Pica Gallery
Via Vetriera 16, Napoli
Orari: Lunedi'- Venerdi ore 11-13,30 e 17-19,30.
Sabato 11-13,30
Ingresso libero

Franz West

Auto-Theatre

a cura di Kasper König, Katia Baudin, Mario Codognato

A partire dal 15 maggio il Museo MADRE ospiterà "Auto-Theatre", la grande retrospettiva europea dedicata allo scultore austriaco Franz West.
La mostra che vuole essere un omaggio al grande artista viennese raccoglie oltre 30 dei suoi lavori piu' significativi a partire dagli Adaptives (Passstücke) e dai collages degli anni '70, passando alle sculture in papier-mâche', ai mobili, alle installazioni site-specific fino alle ultime produzioni realizzate per gli spazi pubblici.

Il titolo "Auto-Theatre" vuole sottolineare la dimensione rappresentativa e interattiva del suo lavoro, la poetica di West nasce infatti dalla convinzione che un'opera d'arte non ha un senso o una funzione in se' stessa, ma rappresenta l'origine di reazioni e percezioni. Alla luce di cio' in occasione della mostra al MADRE propone una serie di lavori da lui stesso "combinati" secondo cio' che egli ha definito "un modello partecipatorio" al fine di esortare i visitatori ad interagire con le opere. I suoi lavori sono da sempre un invito al dialogo, una combinazione di due elementi, l'oggetto stesso e l'azione che ne consegue dalla sua fruizione.

In biologia l'adattamento e' la capacità di un organismo di modificarsi in relazione all'ambiente con cui viene a contatto, negli anni '70 Franz West attinge a questi presupposti scientifici e li applica al proprio lavoro. Il risultato di questi "esperimenti" furono gli "Adaptives" (Passstücke), piccole sculture maneggiabili, che diventavano opera d'arte solo nel momento in cui il visitatore ne usufruiva, sia portandole con se o compiendo una qualsivoglia azione con esse. Da allora West consolida il ruolo dello spettatore/visitatore facendolo diventare la condicio sine qua non nell'esito della realizzazione dell'opera d'arte. Sono degli anni' 80 le sue sculture d'arredo, poltrone e divani che animano lo spazio solo quando abitate dai visitatori.

La mostra proveniente dal Museo Ludwig di Colonia dopo la tappa al MADRE sarà ospitata a partire da settembre all'Universalmuseum Joanneum di Graz in Austria.

Immagine: Auto sex, (con Heimo Zobering) 1999. Installazione formata da un foglio di specchio trasparente, un pavimento di gomma di Heimo Zobering e due sedie di Franz West. Collezione Privata

Ufficio stampa MADRE Costanza Pellegrini, Juliana Fisichella tel 081 199 78024; fax 081 19978026; pellegrini@museomadre.it
Ufficio stampa Electa Ilaria Maggi tel 02 21563433; fax 02 21563314; imaggi@mondadori.it
Carolina Perreca tel 081 4297435; fax 081 4297433 comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Inaugurazione sabato 15 maggio ore 19

Museo Madre
via Settembrini, 79 Napoli
Informazioni e prenotazioni Telefono: 081 19313016 (lunedi' - domenica: ore 10.00 - 20.00)
Orario dal lunedi' al venerdi' ore 10.00 - 21.00
sabato e domenica ore 10.00 - 24.00
Giorno di chiusura: martedi'
Biglietti Intero: euro 7.00 Ridotto: euro 3.50
Gratuito tutti i lunedi'
Audioguide euro 4.00

Per Raggiungere il Museo dall'aeroporto
di Capodichino e dalla Stazione Centrale

Maurizio Galimberti

Napoliobsession...Ready-made...

a cura di Valerio Deho'

Napoli affascina e conquista e questo nuovissimo lavoro di uno dei piu' grandi artisti e fotografi europei, Maurizio Galimberti, e' fatto apposta per prolungare e cementare il rapporto con la città. Partendo da manifesti, cartoline, pubblicità, piante topografiche, lettere e quant'altro che Galimberti ha raccolto in giro per Napoli, e' stata costruita una mostra che mette insieme da un lato delle tracce e immagini della città con l'arte contemporanea, dall'altro il gioco del -ready-made- con l'uso della polaroid che ha reso celebre l'artista in tutto il mondo.

-Napoli: Ossessioni. Ready-made di Maurizio Galimberti- e' un progetto raffinato e molto concettuale, ma anche estremamente affascinante perche' e' un'operazione lucida e intelligente sul tempo, sulla memoria e una riflessione sui fondamenti della fotografia. Maurizio Galimberti per la sua mostra da -The Apartment- ha cercato qualcosa di diverso, qualcosa che rimanesse nella sua poetica ma che nello stesso tempo fosse originale e unica come Napoli.

Quaranta nuovi lavori documentano il rapporto dell'artista nell'uso della fotografia, la sua limpida coscienza che e' la foto stessa che si fa -ready made- nel momento in cui si appropria di parti della realtà, cioe' quando riproduce qualcosa che già esiste. Allora la polaroid che integra o interagisce con la foto storica, la cartolina, il documento, la pubblicità e' una sorta di omaggio all' invenzione duchampiana, ma anche un modo per riappropriarsi delle proprie origini.

Lo stesso Galimberti aveva provato questa strada diversi anni fa, ma questa occasione e' diventata un modo per uscire dalla tipologia dei lavori piu' noti, come i ritratti, e approdare ad un linguaggio complesso e raffinato che mostra la qualità dell'artista lombardo. La fotografia diventa un luogo in cui la memoria diventa palcoscenico, ricettacolo di tutte le temporalità possibili. Il suo -eterno presente- consiste proprio in questo dialogo con il tempo, con gli altri misuratori del tempo che sono i testi, le calligrafie, ma soprattutto le altre immagini. Proprio la polaroid, strumento dello scatto immediato, dell'istante che diventa memoria, assume il ruolo d' arbitro del tempo, di misura di una temporalità concreta, affascinante, enigmatica. E quindi Napoli, città dalle mille identità e dalla storia unica, assume in quest'originale serie di lavori, il ruolo di protagonista di un evento d'arte contemporanea, di un omaggio che e' amore e testimonianza di come si possa guardare al passato avendo negli occhi l'immagine del futuro.

Biografia:
Maurizio Galimberti nasce a Como nel 1956 e cresce a Meda. Studia da geometra e nei cantieri affina il punto di vista rigoroso con cui impressionerà il mondo.
Sin da ragazzo partecipa a numerosi concorsi fotografici, vincendoli, addirittura con nomi diversi come quello della madre o della moglie. All'inizio usa la classica pellicola analogica lavorando molto con una fotocamera ad obbiettivo rotante widelux in bianco e nero e in diapo/cibachrome, poi nel 1983 inizia la sua passione-ossessione per la Polaroid. La sceglie per il semplice motivo che non sopportava l'attesa dello sviluppo per vedere il risultato del suo scatto e anche per una eterna paura del buio della camera oscura. Si accorge inoltre che la resa dei colori con la pellicola istantanea e' semplicemente magica ed inizia un lungo percorso fino ad oggi di ricerca e di sperimentazione nell'uso di questo media.

Nei primi anni novanta infatti, abbandona l'attività edilizia di famiglia e decide di dedicarsi solo alla fotografia.
 Nel 1991 inizia la collaborazione con Polaroid Italia della quale diventa ben presto il testimonial ufficiale e che ha come risultato il volume POLAROID PRO ART pubblicato nel 1995, vero oggetto di culto per gli appassionati di pellicola polaroid di tipo integrale.
Il 1997 e' l'anno che vede l'entrata nel mondo del collezionismo d'arte dei suoi mosaici di polaroid.
Nello sviluppo di questa sua peculiare tecnica hanno grande influenza il futurismo di Boccioni e il movimento cinetico esasperato di Duchamp.
Galimberti riesce in un istante a visualizzare una complessa scomposizione dell'immagine da ritrarre, matematica nel suo rigore e musicale nell'armonia d'insieme, che realizza di getto leggendo le note nella sua mente.

Con la stessa tecnica diviene conosciuto per i suoi ritratti, sempre a mosaico. Arriva nel 1999 la nomina al primo posto nella classifica dei foto-ritrattisti italiani redatta dalla rivista Class. La popolarità e successo con cui vengono accolte queste inusuali rappresentazioni di volti lo portano a partecipare nel ruolo di ritrattista a numerose edizioni del Festival del Cinema di Venezia.
In particolare, nell'edizione del festival del 2003, il suo ritratto di Johnny Depp sarà la copertina del Times Magazine inglese del 27 settembre dello stesso anno.

La curiosità per la particolare tecnica da lui sviluppata ha suscitato l'interesse di numerose aziende leader in vari settori, tra le quali: Milan calcio (-Il Milan del centenario-) Fiat Auto (calendario 2006, libro "Viaggio in italia...nuova fiat 500") Kerakoll (libro "NewYorkmatericomovimentosa") Jaeger Lecoultre  (libro "La grand maison") Illy caffe' (campagna istituzionale 2008) Nokia ( libro "telefoninotempoemozione-)Lancia Auto (ritratti alla 66a mostra del cinema di Venezia).
Nel 2005 l'incontro con i Sig.ri  Fumagalli, appassionati e collezionisti di arte contemporanea, ha permesso a Galimberti di iniziare la realizzazione di importanti volumi sulle città del mondo come New York, Venezia, Berlino. Inoltre nel 2007 viene fondato l'Archivio NordEst che raccoglie, numera e cataloga le sue opere al fine di valorizzarle e di tutelarne l'autenticità.
Nell'ottobre 2009 in occasione della riapertura di Polaroid e' invitato in veste di testimonial ufficiale alla fiera della fotografia di Hong Kong per il lancio dei nuovi prodotti.

Galimberti e' inoltre visiting professor alla Domus Academy e all'Istituto Italiano di fotografia di Milano.
Tiene regolarmente workshop di fotografia creativa durante i principali festival fotografici.
Le sue opere fanno parte delle piu' importanti collezioni di fotografia.
Attualmente lavora ad un prestigioso volume sulla città di Milano in vista dell'Expo del 2015.

Informazioni
Federica Cerami
3471884371
federica.cerami@libero.it

Inaugurazione: sabato 15 maggio ore 18.30

The Apartment
Vico Belledonne a Chiaia 6, Napoli
ma-ven 16.30-19.30
Ingresso libero