Giovedì 8 aprile 2010 alle ore 19.00, si inaugura, presso lo Studio 
Trisorio di Napoli, in via Riviera di Chiaia 215, una personale del 
fotografo inglese Martin Parr.

Fin dagli esordi Martin Parr si è interessato ai comportamenti 
sociali, al modo in cui le persone arredano le proprie case, ai cibi 
che scelgono di mangiare, agli abiti che indossano, alle mete 
turistiche che prediligono, ed ha cominciato a catalogare queste 
abitudini ordinarie con uno sguardo acuto ed ironico.

In mostra alcune delle sue prime fotografie in bianco e nero degli 
anni '70, scattate a Manchester, nello Yorshire, nell'East Sussex, 
gli interni domestici della serie Home Sweet Home (1974), e varie 
immagini delle serie The Last Resort (1983-86), Small World 
(1987-94), Bored Couples (1991-93), Common Sense (1995-99), Luxury 
(2009), sono giustapposte per restituire una visione retrospettiva 
del particolare linguaggio fotografico di Martin Parr negli ultimi 
quarant’anni.

Il filo rosso che percorre tutti i suoi lavori è un'attenta 
riflessione sul consumismo, inteso non solo come stile di vita, ma 
come ideologia paradossale della società contemporanea. La sua è 
soprattutto una riflessione sulla fotografia come mezzo di 
rappresentazione del reale in un mondo in cui il reale e la sua 
immagine si confondono sempre di più fra loro.


BIOGRAFIA

Martin Parr è nato nel 1952 a Epsom, in Inghilterra.

Dal 1994 è membro dell’agenzia Magnum Photographic Corporation.

Le sue fotografie si trovano in numerose collezioni pubbliche 
internazionali come l’Arts Council of Great Britain, la 
Bibliothèque Nationale di Parigi, il Paul Ghetty Center di Los 
Angeles, il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di San 
Francisco, il Los Angeles County Museum, la Tate Modern di Londra.

Nel giugno 2009 la Galleria nazionale Jeu de Paume di Parigi gli ha 
dedicato la mostra Planéte Parr in cui, insieme alle più note 
fotografie dell’artista, sono state esposte le sue collezioni di 
oggetti strani ed eterocliti che riflettono la vacuità della società 
consumista.

A partire dagli anni ’80 Martin Parr ha pubblicato circa cinquanta 
cataloghi.

La Tattoo Expò Napoli è giunta alla sua 7° edizione.
Circa settanta tatuatori nazionali ed internazionali parteciperanno all’evento, che da quest’anno propone una versione totalmente innovativa attraverso l’interazione di diversi circuiti artistici legati al mondo della body art.
Il pubblico, oggi molto più eterogeneo e trasversale, avrà modo di relazionarsi con vari aspetti di questo mondo assistendo agli spettacoli proposti durante la convention:
- Body Painting a cura dell’Accademia Kriolan
-Mostra Fotografica Pittorica e Scultorea
-Performance di Sylvia Di Ianni e Neuromaligno
- Sfilata organizzata da Ikona Glamour
-Videoproiezioni a cura di Vidraulika
- Writing Live realizzato dall’ associazione culturale “400ML”
- Tattoo Contest
-Concerti e molto altro.....

Invito per Sabato 10 Aprile 2010 - ore 22.00

per la la serata di beneficenza per la Byelo.

Gli ingressi sono disponibili ,

da Maxi - Ho Culti SPA Cafè (via Carlo Poerio 47 ),  da Acquamarina  (via Cilea 37) o da Fashion Helmet (via Piedigrotta 10).

Per maggiori info.

www.byelo.org 

oppure 

http://www.facebook.com/home.php?#!/event.php?eid=325076458175!!

Sabato 10 aprile Lineadarte vi invita alla grande sfida tra Antonio Conte e Nicola Piscopo.
Due giovani talenti artistici, due stili diversi, due movimenti ritmici differenti, che si affrontano
in un “incontro-scontro” mettendo a nudo le loro anime!! mettendosi in gioco lasciando allo spettatore l’ardito compito di scegliere ( tutti i visitatori avranno diritto ad esprimere una preferenza ”voto” , sarà possibile “votare” dal giorno 10 aprile dalle ore 18,30, fino al giorno 17).
Sabato 10 aprile , si assisterà allo sfoglio e alla premiazione dell’artista preferito, avente raggiunto la totalità minima dei voti del 51%... ovvero il 50% più un voto.
Uno scontro dunque, che vede protagonisti non gli artisti a confronto, bensì l’ospite spettatore che al contempo diviene giudice ed elettore, e il cui voto insindacabile decreterà il VINCITORE.

Gli artisti canditati:

Nicola Piscopo
Un giovanissimo talento,
quello dell’artista Nicola Piscopo,
le cui opere ci mettono di fronte
ad una realtà spesso paradossale,
enigmatica, illogica,
per dirla in una parola “insensata” .
Ed è proprio sul “non senso”
che si basa tutta l’attività artistica
di questo giovane pittore.
Guardando le sue opere si resta
aascinati e turbati al tempo stesso
perché ci si trova davanti
a rappresentazioni surreali,
a volte drammatiche,
altre volte umoristiche,
di una realtà completamente stravolta,
dove uomini nuotano nell’asfalto
e dal cielo piovono tazzine da caè.
Nicola Piscopo dunque,
trasforma e deride
tutto il mondo che ci circonda
con l’unico scopo
di comunicare l’incongruenza,
l’assurdità, incoerenza
e il “non senso” della vita.
Sito web:
http://www.nicolapiscopoart.altervista.org

il suo motto, il suo programma elettorale
Io credo nel popolo italiano
nell'arte condivisa e in un futuro creativo

Italiani Voltate ...tela

Antonio Conte

Eclettico, istintivo, autentico,
gestuale,
Antonio Conte è un’artista
con un’innata capacità di “scrivere”
sulla tela le sue emozioni
e di regalarle agli occhi
dello spettatore.
Nelle sue opere permane,
non solo la sua impronta
riconoscibile,
ma anche l’essenzialità delle cose
e dell’arte in sé,
fondamento su cui si basa
tutta la sua attività artistica.
Le sue opere hanno il dono
dell’immediata comunicazione,
poco importa che sia la visione reale
dell’artista o piuttosto
l’illusione dell’osservatore,
sta di fatto che nei suoi quadri
traspare un mondo passionale,
intimo, carico di signifi‑cati profondi
e reconditi che lasciano spazio
ad una più viva
interpretazione personale.
Sito web:
http://www.myspace.com/konteanto


il suo motto, il suo programma elettorale

Sono un ARTISTA
ma non ditelo in giro!!!

Sono artista e sono Incazzato


Fare arte è possibile

Evento promosso da
Lineadarte Offi­cina Creativa
www.lineadarte-offi­cinacreativa.org
A cura di Gennaro Ippolito e
Giovanna Donnarumma.
Testi a cura di
Valeria Ferronetti,
grafica a cura di
Gennaro Ippolito
Ilario Aloi.
Per info e comunicazioni:
LineaDarte Offi­cina Creativa
via S. Domenico Soriano 34
80135 Napoli tel 0815494271
fax 08251800147
lineadarte@gmail.com
info@lineadarte-o­cinacreativa.org

Metro Art

Present:

ALL TOGHETER

Ikona  P.zza Museo Nazionale, 3/4  Napoli

Dal 01 al 15 Aprile 2010 

Metro Art, presenta un’altra prova della sua  “ Arte Povera “

Il  “ Detournament “ dei biglietti di autobus e metropolitana, gli oggetti più disparati ed i cut up di singoli musicisti e gruppi musicali, formano dei collages in sintonia con una ben caratterizzata visione della musica e di ciò che essa significa nella storia e per il vissuto di ciascuno di noi.

Siamo in presenza di un percorso Artistico Musicale raccontato con foglietti, figurine, e immagini sacre, le  “ Carte Povere “ di Metro Art delinea appunto una personalissima lettura d’una tra le più importanti espressioni artistiche e conoscitive del genere umano.

Metro Art.

Maurizio Vitiello incontra Giuliana Poli,

autrice del libro “L’Antro della Sibilla e le sue sette sorelle”,

con Stefano Arcella, Lucio De Liguori e Franco Lista,

sul tema: “Paralleli e confronti tra Cuma e i Sibillini”,

all’Associazione Nazionale Sociologi,

Calata San Marco, 4 - Napoli,

Giovedì 15 Aprile 2010, ore 18,30.

Giovedì 15 Aprile 2010, alle ore 18,30, alla sede dell’Associazione Nazionale Sociologi (ANS), Calata San Marco, 4 – Napoli, sarà moderato e curato da Maurizio Vitiello l’incontro con Giuliana Poli, autrice del “L’Antro della Sibilla e le sue sette sorelle”, con Stefano Arcella, Lucio De Liguori e Franco Lista, sul tema “Paralleli e confronti tra Cuma e i Sibillini”.

Ingresso libero.

Scheda sul libro:

Giuliana Poli, L'Antro della Sibilla e le sue sette sorelle, Controcorrente, Napoli.

L'Antro della Sibilla e le sue sette sorelle è uno studio sull'aspetto misterico dei monti Sibillini e la Regina Sibilla, che parte da una approfondita ricerca sulle leggende e le tradizioni orali raccolte sul campo, secondo il metodo tipico degli antropologi, oltre ad un esame sul simbolismo dei fregi incisi sui muri e portali delle case e chiese dell'area studiata. Altro aspetto è il rapporto tra la leggenda delle "Sette Sorelle" ed il nucleo centrale di un più ampio e numeroso complesso di chiese sparse sui monti Sibillini, la cui topografia secondo l'Autrice, riflette il modello celeste della Costellazione della Vergine, simbolo astrologico del Femminino inteso quale principio cosmico. La tradizione orale e l'architettura religiosa con la topografia ed il suo simbolismo vengono connesse con la tradizione della Regina Sibilla ed il Guerin Meschino, libro d'iniziazione o con Cecco d'Ascoli, riportando il tutto agli Archetipi universali e perenni del "mondo della Tradizione": la Grande Madre, i cui fenomeni celesti sono intimamente legati alle rispondenti cerimonie agricole della terra, ma anche alle Sirene e all'Acqua come fonte di vita. In questo libro si tenta di svelare la figura della Sibilla Appenninica, la settima delle sette sorelle, che connette simbolicamente e realmente la sacralità di queste terre a quella dei Campi Flegrei, alla Sibilla Cumana, estatica ed ispirata.

Parco EX SALID lungoirno Salerno

Dal 2 al 17 aprile 2010

Vernissage 2 aprile  2010 ore 18:00

A cura di Monica Camerota

Monica Camerota

Antonello Carbone

Angelo Montefusco

Loreta Teodorova

Claudio Valentino

Tutti i giorni dalle ore 10:00 alle ore 19.00

Ingresso gratuito

Si inaugurerà il 2 aprile 2010 alle ore 18:00 nei locali dell’ex fabbrica Salid in via lungoirno a Salerno e avrà durata fino al 17 aprile 2010, la mostra di arte contemporanea curata da Monica Camerota, patrocinata dalla Regione Campania, dal Comune Salerno e dall’Ente Provinciale per il Turismo di Salerno. L’evento artistico, ideato e realizzato sulla base della tematica “terremoto”, intende promuovere l’arte dei cinque artisti Monica Camerota, Antonello Carbone, Angelo Montefusco, Loreta Teodorova , Claudio Valentino rappresentati dai critici d’arte Gerardo Pecci, Leandro Pisano, Ada Patrizia Fiorillo, Andrea Diprè, Ilde Rampino.

Pittura, scultura e videorte in CRONACA _scosse dell’umanità.

E’ un attimo, un istante, un battito di ciglia.  Passa, e in molti nemmeno si accorgono di quello che è accaduto, di quell’universo che è possibile racchiudere in una sola frazione di tempo, nell’opera di un artista. Da sempre cogliere questi granelli fini di vita è compito dei più sensibili, degli artisti e di tutti coloro che non guardano la realtà come tutti , ma che sognano un mondo diverso.

Il progetto, inerente alla tematica specifica“Terremoto” non soltanto inteso come sisma o come insieme di scosse telluriche provocate dalla liberazione di energia in un punto interno, ma inteso come le tante scosse dell’umanità e all’umanità, vedrà l’allestimento di una mostra delle opere degli artisti e di proiezioni di video, con la realizzazione di un catalogo che raccoglie l’intero operato artistico. Il tutto per evidenziare la potenzialità dell’arte, semplice stile di vita di emergenti artisti che vivono in questo tempo pieno di malessere, lo stesso malessere che dà loro energia e ispirazione per creare suggestive opere assolutamente da vedere da vivere e da mostrare a tutti, per sensibilizzare tutti.

Nelle opere pittoriche che Monica Camerota presenta in questa mostra vi è una solida inversione di tendenza in cui ella, con il proprio particolare e vivo linguaggio coloristico,  pur senza rinunciare alla propria grammatica segnica, vuole sottolineare il proprio impegno umano e artistico verso chi soffre, verso chi è sopravvissuto alla catastrofe. Questa volta la sua attenzione e la sua sensibilità, di donna e di artista, si è appuntata sul recente sisma di Haiti e sull’onda lunga della cronaca che l’ha seguito. Non tratta un fatto così tragico da un punto meramente emotivo, ma sceglie la via della solidarietà, quella vera, visibilmente concreta attraverso le opere d’arte che presenta in mostra, ispirate al dramma, ma rivolte alla speranza di chi potrà rialzarsi con dignità e coraggio dopo la tragedia che ha colpito la popolazione di Haiti… (Gerardo Pecci)

Il senso ultimo del lavoro di videaort Antonello Carbone oltrepassa i processi e le dinamiche del ricordo e della memoria, per trovare espressione in ultima analisi all'interno dei meccanismi sociali del tempo reale, perchè se è vero che, come nella tradizione delle esperienze artistiche, sperimentare i linguaggi delle tecnologie video non porta solo ad esprimersi su un versante estetico e linguistico, ma induce a confrontarsi con la sperimentazione all'interno degli spazi sociali della contemporaneità, il racconto per immagini di una ruralità ormai sempre più marginalizzata rappresenta il punto di vista di un'altra voce dai confini, dagli spazi più piccoli e diffusi dell'invisibile. …(Leandro Pisano)

Le sculture dell’artista napoletano Angelo Montefusco si propongono come corpi filiformi, articolati nello spazio appunto come presenze esili il cui peso non risiede certo nella massa. Sono figure in posa, in attesa come egli le intende. Quello che maggiormente colpisce non è tanto però questo raggelarle in una sorta di condizione pietrificata, quanto l’immagine sofferta con la quale esse si propongono, a ciò contribuendo la stessa materia manipolata fino alla soglia di un incancrenimento che rasenta un’indagine ossessiva ai limiti del compiacimento… (Ada Patrizia Fiorillo)

La potenza e la bellezza di queste opere esoteriche dell’artista Loreta  Teodorova sta nell'intelligenza  della   materia "in fieri", che assurge ad un ruolo determinante,fondamentale in queste immagini  che diventano quasi oggetti fascinatori .Ciò che li rende così forti e distinti è la necessità di creare una gerarchia di significati e quindi di simboli  e di rappresentazioni,un simbolismo che diventa anche esistenziale. Loreta  Teodorova è un’artista filosofa, attenta alla scienza e all'antropologia.

La diagnostica di questa   pittrice  preveggente e unica: Impiegare l'arte come strumento e forma di conoscenza, come una tecnica di analisi e d’ introspezione cosciente… (Andrea Diprè)

Nelle opere dell’artista Claudio Valentino drammi mai dimenticati rivivono nei tagli, nelle fratture, simili a ferite sanguinolente, mai guarite, con la natura e i fiori che si inchinano allo stesso destino: ma esiste tuttavia un varco, una striscia di “bianco” per accarezzare l’anima piagata, una sorta di riscatto salvifico per un dolore e una mancanza rappresentata e racchiusa in una “ellissi”, quasi a definire un sentimento profondo che preme alle pareti del cerchio della vita e riesce a “deformarlo”, per poterlo racchiudere tutto… (Ilde Rampino)

Il ricavato delle offerte del catalogo che raccoglie l’intero operato artistico, andrà inoltre devoluta in beneficenza per sostenere il popolo di Haiti

COMUNICATO_­STAMPA_CRONACA _SCOSSE DELL’UMANITA’_ MOSTRA DI ARTE CONTEMPORANEA_

Info  monica.camerota@alice.it

“ART IN PROGRESS FOR PROGRESS”

PERFORMANCE LIVE

giovedi   1 aprile  2010

ore 20:00

alla  Unusual Art Gallery -Caserta

L’evento “art in progress for progress” nasce dal desiderio di qualcosa di diverso per la città di Caserta, mostrare ciò che ci tormenta ciò che accade, e che ci spinge nel lottare per il progetto comune di cambiamento, utilizzando l’arte, proponendo con essa nuovi linguaggi e trasmettendo tramite la stessa, alcuni messaggi che riteniamo fondamentali per il benessere sociale e per la conquista forse utopica di un mondo realmente a portata di uomo, come spiega Giovanna D’Amico, una degli artisti promotrice dell’iniziativa.

In data 1 aprile 2010, giovedi,  approderà con alcuni lavori pittorici e con azione performativa live alla  “Unusual Art Gallery” di Sueli Viana.

Via Maielli 45, Caserta

ore 20:00

Performance art di interazione con il pubblico:

"il buio"

D’Amico Giovanna, ELena Luppino  performer

Chiara Campitelli e Antonio Esposito Maiello, voce

per assistere all'azione si prega di prenotarsi al numero 349 49 74 782

dalle ore  21:30 ingresso libero alla mostra

si concluderà in questa location in data 11 aprile.

ARTEXARTE   -  www.artexarte.it  e-mail: info@artexarte.it

In Campania tour guidati, spettacoli e performance. Ogni finesettimana fino al 30 maggio

CANECAPOVOLTO

INCONSCI TECNOLOGICI

a cura di Vito Campanelli

GALLERIA OVERFOTO

vico San Pietro a Majella 6, 80138 Napoli

(piazza Bellini)

inaugurazione venerdi 16 aprile 2010

ore 19.00-22.00

dal 16 aprile al 15 maggio 2010

orari: martedi' > sabato 11.00-13.00 e 16.00-19.00

Venerdì 16 aprile, Overfoto inaugura Inconsci Tecnologici, mostra/ videoinstallazione di Canecapovolto, a cura di Vito Campanelli.

In una continua sperimentazione, supportata dall'uso di vari mezzi quali film acustici, video, installazioni, happening, collages,

Canecapovolto sviluppa un'indagine sulle possibilità espressive della visione e sulle dinamiche della percezione,

adoperando tecniche originali di trattamento e manipolazione dell'immagine e dell’esperienza estetica.

Ripetizione, disorientamento sensoriale e modalità random sono i colori preferiti nella tavolozza dei colori di canecapovolto.

Il collettivo catanese ama coinvolgere lo spettatore nel proprio processo creativo attraverso la somministrazione di impulsi visivo/uditivi discordanti.

Questa peculiare strategia costringe a liberarsi dalla passività che caratterizza [...] la fruizione dei messaggi preconfezionati e stereotipati della comunicazione massmediatica.

Ma la liberazione dello spettatore  un percorso che non può compiersi se non attraverso [...] una sperimentazione dolorosa. Le opere di canecapovolto non sono rassicuranti,

non cavalcano le parole chiave della contemporaneità. Colpiscono piuttosto, e con la violenza necessaria a svegliare il pubblico da suo lungo sonno. (testo di Vito Campanelli).

www.overfoto.it

L’anima vestita

di Caterina Arciprete

10 aprile – 17 maggio  2010

Inaugurazione 10 aprile 2010

ore 18.00

Nell’ambito del progetto “Essere o apparire?” (sesta edizione di “Giro giro tondo cambia il mondo”) previsto per il 2010 dall’associazione culturale Kolibrì, presso il PAN -Palazzo delle Arti Napoli, il 10 aprile 2010 alle 18.00  sarà inaugurata la mostra L’anima vestita dell’artista partenopea Caterina Arciprete.

La mostra segna la seconda tappa del progetto Essere o apparire che ha esordito al PAN il 6 marzo scorso con un triplice evento espositivo ( Rodari full color, Il gioco dei se, Mi chiamo Stefy e tu?), ed affronta il tema duplice dell’essere e dell’apparire in una sequenza di ritratti (dipinti, disegni, installazioni e fotografie) che al vernissage culmineranno in una performance.

La mostra sarà affiancata dalla rassegna di satira politica “L’anima…svestita”, sulla trasgressione ironica di Skiaffino  (Gualtiero Schiaffino), a cura di Barbara Schiaffino e Ferruccio Giromini Feguagiskia’ Studios, Genova), con le vignette di Leonardo Cohen Cagli tratte dal “Diario” di Massimo Caprara a cura di Marina Vergiani.

• Catalogo

Pubblicazione Arte-m Editore, via Capurro,1 Napoli. www.art-m.net

• Laboratori

Il progetto di mostra dà vita ad una serie di laboratori di pittura e ad incontri con gli allievi di scuole campane seguite, come tutta l’organizzazione dell’evento, dall’Associazione Kolibrì.

•Patrocinato

Comune di Napoli

Assessorato alla cultura e pubblica istruzione di Napoli

Provincia di Napoli

Assessorato cultura regione Campania

Assessorato istruzione direzione scolastica regionale per la Campania

Unione industriale di Napoli

• Curatore e ufficio stampa

Associazione Kolibrì

Sede legale: via del Mille, 60 Napoli

www.kolibrinapoli.it

• Artista

Caterina Arciprete

Testo introduttivo-critico della mostra

Il tema de “l’anima vestita” è l’ alienazione di un essere sempre più camuffato dai canoni dell’apparire, divenuto asettico nei toni acromatici del grigio. Grigio annullato solo dai colori, dalla materia dell’essere nudo che, nelle opere dell’artista, si svela in strappi di carta, sotto gli strati sovrapposti sulla tela quasi a voler simboleggiare gli strati cautelativi di cui ognuno si veste per non esporre la propria anima. Grigio dunque annullato dal colore e dalle linee libere da sovrastrutture dell’Io che nella performance prendono vita sotto i vestiti di un uomo spogliato dalle convenzioni.

L’apparire, spesso sopravvalutato, in questa denuncia artistica, lascia spazio alle interpretazioni dell’anima che prende forma in giochi di fuori e dentro, di una ricerca introspettiva rappresentata da occhi, vortici, piume… icone riconoscibile della Arciprete.

Le opere a tecnica mista (carta e materiali vari su tela o legno) sono circa 30, le dimensioni spaziano da una composizione di dodici tele 30 x 30cm ad un unico pannello di cartone pressato di 200x120cm, 12 i disegni 50x 70 cm ed una sequenza di immagini fotografiche elaborate dall’artista (scatti fotografici di Sergio Goglia).

Durante l’inaugurazione la mostra sarà completata da una performance (attori protagonisti: voce Fernando Passiante, modello del body painting Massimiliano Neri) che, come nei dipinti, vedrà protagonisti personaggi omologati alle regole dell’apparire e quindi del “dover essere” del nostri tempi.

PAN | Palazzo delle Arti Napoli

Palazzo Roccella | Via dei Mille, 60 | 80121 Napoli

Orari: feriali: 9.30 > 19.30 | festivi: 9.30 > 14.00 |chiuso il martedì

Collettiva

A poco piu' di un decennio da quando alcuni amici dello scultore Giusep- pe Scalvini, attenti conoscitori dell'arte e del territorio lombardo, avvertirono l'esigenza di uno spazio che sarebbe poi diventato l'attuale Museo Giuseppe Scalvini, si inaugura una mostra collettiva a ricordo dell'artista.

Si tratta di un -Omaggio a Giuseppe Scalvini-: questo e' il titolo della mostra che riunisce scultori e pittori quali: Celso Doniselli, Attilio Forgioli, Renata Ghiazza, Alber- to Ghinzani, Silvia Manazza, Cristiano Plicato, Mario Raciti, Liberio Reggiani, Giancarlo Sangregorio.

Ciascun artista e' presente con piu' opere rappresentative del proprio lavoro, riprodotte nel catalogo che accompagna la manifestazione in memoria di Giuseppe Scalvini (Milano 1908 - Desio 2003). Lo scultore, nato a Milano, dove ebbe casa e studio, realizzo' proprio a Desio alcune tra le opere piu' interessanti e significative della sua lunga carriera artistica, che si svolse nel- la traccia della sintesi formale dell'arte di tutto il dopoguerra.

La sua opera si esprime attraverso un linguaggio personalissimo e riconoscibilissimo che riscopre e attualizza i materiali tradizionali della storia della scultura: pietra, bronzo, gesso.

Inaugurazione Sabato 3 aprile ore 17

Donazione Giuseppe Scalvini c/o Villa Cusani Traversi Tittoni
Via Lampugnani, 66 Desio
Orario d'apertura al pubblico
Venerdi', Sabato e Domenica dalle 15 alle 18
Ingresso libero

Collettiva

Nel segno dell'incredibile e dell'immaginifico, Mondo Bizzarro Gallery inaugura la sua stagione primaverile con una collettiva che, ancora una volta, rappresenta un'imperdibile occasione di ammirare alcuni tra i piu' efficaci interpreti del pop-surrealism: la corrente artistica che, nata nella California degli anni Ottanta, ha conquistato platee sempre piu' vaste grazie alla propria capacità di sintetizzare in immagini le inquietudini, i sogni, le paure e i desideri della società contemporanea e dei suoi linguaggi.

Protagonisti della collettiva sono gli artisti Greg -Craola- Simkins, Laurie Lipton, Naoto Hattori e Mike Davis: nomi che evocano storie di grande incisività artistica.

Da Simkins, a cui e' andato l'onore della copertina dell'ultimo numero della celebre rivista «Hi-Fructose», a Mike Davis, il fondatore del leggendario Everlasting Tattoo di San Francisco; da Laurie Lipton, regina del disegno gotico, fino a Naoto Hattori, con il suo tratto elegiaco e conturbante al tempo stesso; i protagonisti di VISIONARY ART dimostrano come dietro l'eccellenza della tecnica vi sia la capacità di tradurre immagini che albergano nel cuore globale del mondo: un buco nero dove il fumetto, la pubblicità, la televisione e il cinema convivono accanto alla lezione dei maestri del passato.

Visionari e incantatori, gli artisti che daranno corpo a VISIONARY ART raccontano quello che e' il nostro universo culturale di riferimento: un'ispirazione che fa della spontaneità un'occasione di liberazione e, dell'immagine, un momento in cui diventa necessario dare voce alle tante verità nascoste che ci circondano.

Inaugurazione Sabato 3 Aprile, ore 18.00 - 21.30

Mondo Bizzarro Gallery
Via Reggio Emilia 32 c/d, Roma
dal lunedi' al sabato 11.30 - 19.30
Ingresso libero

12 artisti in mostra

a cura di Luciano Carini

Alla galleria d'arte -Vicolo del Pavone- in via Giordano Bruno 6 si inaugura oggi, alle ore 18, un'importante rassegna d'arte denominata -L'eterno fascino del paesaggio-. Tale rassegna , che presenta dodici artisti provenienti da varie località italiane, vuole offrire uno spaccato della pittura di paesaggio cosi' come si presenta ai nostri giorni e porre all'attenzione degli appassionati e del pubblico alcune riflessioni su questo genere di espressione che, nel corso dei secoli, ha conosciuto momenti di grande intensità con nomi di rilevanza nazionale e internazionale.

Basti pensare, a questo riguardo, ai grandi vedutisti veneti del 700 e a nomi come Guardi e Canaletto ma anche nell'800, dopo la grande lezione dell'Impressionismo, la pittura di paesaggio italiana ha continuato ad avere momenti felici e significativi. Ricordiamo la grande tradizione toscana con i pittori Macchiaioli e tra questi Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giovanni Fattori e altri ancora. Non da meno e' stata in questo periodo la tradizione regionale e in particolare quella Napoletana, Lombarda e Piemontese. Anche la scuola piacentina ha avuto i suoi grandi paesaggisti e tra questi Stefano Bruzzi ormai nome di fama nazionale e poi Luciano Ricchetti, Ernesto Giacobbi, Egidio Marulli, Alessandro Marenghi. Artisti che, con le loro opere, hanno descritto luoghi e stagioni, umori e atmosfere del nostro paesaggio e delle nostre vallate unendo alla fedele rappresentazione e all'identità dei luoghi, tanta sensibilità e partecipazione.

La rassegna proseguirà in contemporanea presso la galleria d'arte -Studio C- di via Giovanni Campesio 39 tracciando cosi' un vero e proprio percorso artistico all'interno della città. Questo l'elenco degli artisti invitati dal curatore: Dario Ballini (VR), Daniele Bianco (CN), Roberto Bordin (TV), Andrea Canu (PC), Gisella Farinini (GE), Max Loy (PT), Massimiliano Luschi (LI), Giacomo Mazzari(PC), Gabriella Pagliarini(BG), Giuseppe Rizzuti (RM), Cilla Scocco (RA), Roby Sperber (PV).

Immagine: Roberto Bordin

Inaugurazione presso Viocolo del Pavone 3 aprile ore 18

Vicolo del Pavone
via Giordano Bruno - Piacenza
Feriali 10-12 e 15,30-18, sabato: 16,30-19
Ingresso libero

Studio C
via Campesio, 39 - Piacenza
Feriali e festivi dalle 16,30 alle 19,30. Lunedi' chiuso
Ingresso libero

George Brecht

Fluxus Biennial

a cura di Achille Bonito Oliva

Dopo la mostra di George Maciunas, Fluxus Biennial - 730 giorni hic et nunc, il progetto curato da Achille Bonito Oliva, prosegue dal 7 aprile al 14 maggio 2010, con l'esposizione dedicata a George Brecht.

Brecht e' stato uno dei piu' significativi esponenti del gruppo Fluxus, attivo fin dal suo inizio nel 1962 e inventore del termine "Event", una tecnica performativa usata da tutti i componenti del gruppo e divenuta in seguito caratteristica imprescindibile della ricerca di Fluxus.

Negli "Event", azioni quotidiane che coinvolgono ogni sfera del sensibile (visiva, uditiva, tattile, motoria) vengono isolate come singole performance, assumendo occasionalmente il carattere di situazioni immaginarie o impossibili.

Tra le opere esposte in AuditoriumArte, Water Yam (1963), una semplice scatoletta di cartone con centinaia di piccoli bigliettini recanti le indicazioni di Brecht per eseguire gli "Event", una serie di partiture legate a gesti minimali o atti basici del semplice vivere quotidiano. Water Yam e' considerata una pietra miliare di Fluxus.

Tutte le opere presenti in mostra giocano sul paradosso di oggetti d'uso comune che mantengono la loro caratteristica di banalità e quotidianità, inserendosi nell'assunto portante del lavoro di Brecht secondo cui ogni cosa soggiace alle leggi generali del caso e delle coincidenze. Persino quelle tridimensionali sono Event che si sviluppano sotto gli occhi dello spettatore, come una pianta di azalea poggiata su una sedia che cresce impercettibilmente giorno per giorno (Chair with plant, 1967), o come un improbabile e ironico ritratto femminile fatto da oggetti d'uso comunissimo come una scala a pioli, uno spazzolone e un cobra (Lola, 1975).

George Brecht nacque nel 1926 a New York e si laureo' in farmacia a Philadelphia lavorando in seguito per alcuni anni come chimico ricercatore per diverse compagnie farmaceutiche. A New York nel 1958-1959 prese parte al corso di composizione musicale di John Cage alla New School for Social Research dove venne a contatto con i metodi compositivi basati sull'aleatorietà del caso, su cui si baso' in modo imprescindibile per la messa a punto della propria ricerca creativa.

Con Robert Watts organizzo' nel 1963 lo Yam Festival, una delle prime occasioni di uscita pubblica del gruppo Fluxus, già da allora guidato da George Maciunas.

Brecht e' inoltre stato il promotore di importanti riviste Fluxus come Yam (1963), V.Tre (1963) e i primi due numeri di cc VTRE (1964). Ha vissuto tra gli Stati Uniti, Londra e Colonia, dove e' morto nel 2008, lo stesso anno in cui il Museo Ludwig di Colonia gli ha dedicato un'ampia retrospettiva.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo con testo critico di Cecilia Casorati e con la ristampa di un'intervista del 1965 di Ben Vautier a George Brecht.

Il catalogo e' a cura di Produzioni Nero con testo critico di Cecilia Casorati

In occasione dell'esposizione saranno organizzate due serate di performance.

Il primo appuntamento avrà luogo la sera stessa dell'inaugurazione, il 7 aprile in Teatro Studio alle ore 21.

Ben Patterson, uno dei piu' colti e ironici protagonisti di Fluxus, proporrà un programma di performance realizzate appositamente per l'Auditorium con un tributo a George Brecht.

Nella prima parte della serata eseguirà tre sue composizioni: A simple Opera, 370 Files e Paper Piece.

Nella seconda parte, accompagnato da alcuni studenti dell'Accademia di Belle Arti di Roma, in omaggio allo Yam Festival organizzato da Brecht insieme a Robert Watts nel 1963, Ben Patterson proporrà lo Yam Day Memorial Concert in cui eseguirà alcune delle memorabili composizioni di entrambi gli artisti, tra cui la famosa Drip Music del 1959.

Ben Patterson e' nato a Pittsburgh nel 1934. Attivo negli U.S.A. e in Europa, a partire dal 1960, a fianco di un ristretto gruppo di artisti 'radicali' (John Cage, Philip Corner, Merce Cunningham, George Maciunas, Nam June Paik, Daniel Spoerri, Wolf Vostell, Emmett Williams ed altri), impegnati nel rinnovamento di musica, danza e teatro. Molto apprezzato per via delle sue straordinarie performance musicali, realizzate nell'ambito dei principali festival Fluxus internazionali (a cominciare da quello 'storico' di Wiesbaden del 1962), Ben Patterson e', sotto ogni punto di vista, un artista completo, che affianca all'attività performativa una produzione di disegni, dipinti, oggetti e assemblages. Dal 1988 si e' impegnato in un progetto espositivo che coinvolge i piu' estremi ambiti della terra, da New York alla Nuova Zelanda, da Helsinki alla Patagonia, da Londra a Tokyio, dalla Namibia a Okandikaseibe e denominato "Museo per il sub-conscio". Nel 2004 ha impiegato sette settimane per percorrere con la ferrovia Trans-Siberiana un tragitto di performance itineranti attraverso la Russia, la Mongolia, la Cina fino ad arrivare al monte Fuji in Giappone. Negli ultimi anni Ben Patterson ha tenuto mostre e performance a Lipsia, Dresda, Gent, Berna, Ginevra, Praga, Cracovia, Nantes, Londra, Madrid, Siviglia, Valencia, Barcellona e Tallin. Il museo di Arte Contemporanea di Houston in Texas ha programmato una sua personale per l'autunno di quest'anno.

Secondo appuntamento il 17 aprile con il ciclo di performance di artisti contemporanei "After fluxus".

Alle ore 21, nel Teatro Studio dell'Auditorium, il poeta-artista visivo svedese Karl Holmqvist e il musicista Stefan Tcherepnin presenteranno in prima assoluta Big Head, un nuovo progetto per parola parlata e registrazioni sonore. "Immaginiamo un mix diretto di campioni sonori, registrazioni e parlato- spiegano gli artisti - diverse voci come ciascuno puo' sentire nella propria testa, evocare nella memoria o un sogno mescolato ai rumori del traffico e al ritmo, forse il richiamo di un uccello. Il suono ha la qualità straordinaria di mantenere viva l'attenzione nel momento, mentre le frasi ripetute e i frammenti che provengono da qualche altra parte creano una sorta di slittamento tra allora e ora. Qui e là. Dentro e fuori. Cio' che si crea alla fine e' forse un'opportunità per il pubblico, gli interpreti e lo spazio che occupano di funzionare come un'unica grande mente, registrando il momento che condividono".

Stefan Tcherepnin lavora autonomamente come compositore e interprete. Fa parte del progetto Grand Openings, che ha avuto origine a New York, città in cui vive e lavora.

Karl Holmqvist e' un artista che lavora spesso con la parola detta e le sperimentazioni linguistiche. Il suo libro What's My Name? e' stato pubblicato nel 2009 da Bookworks, Londra.

A seguire Zimmerfrei plays Walter Marchetti. Song for John Cage degli ZimmerFrei.

Walter Marchetti e' stato uno dei protagonisti della scena della Neoavanguardia musicale, sin dagli anni '50, fondatore assieme a Juan Hidalgo del gruppo Zaj, costola europea di Fluxus.

In Song For John Cage ogni parola e' legata all'altra dal senso, ma separata dal tempo; nella versione di ZimmerFrei, il tempo che intercorre fra una particella e l'altra si trasforma in sostanza discreta: sola luce, puro suono, gravità, brevi immagini e accadimenti singolari. Ognuno di questi elementi potrebbe essere un incipit, l'occasione per una partenza, ma la scansione della frase conserva una forza che li fa convergere in uno scenario di omogenea densità: una visione del caos al lavoro.

Il gruppo di artisti presenterà una sua versione di Song For John Cage, una poesia sonora di Walter Marchetti, registrata nel 1984 e pubblicata nel disco "Per La Sete Dell'Orecchio" dalla Cramps Records.

ZimmerFrei e' un gruppo di artisti (Massimo Carozzi, Anna de Manincor, Anna Rispoli) fondato nel 2000 con sede a Bologna e Bruxelles. Mescolando pratiche provenienti da cinema, teatro e musica ZimmerFrei produce installazioni sonore e video, performance, documentari e serie fotografiche che investigano spazi urbani reali e immaginari. I lavori recenti si concentrano sulla visualizzazione del tempo, dimensioni temporali parallele, confini tra spazi pubblici e territori privati e una nuova percezione sinestetica che ricombina le gerarchie visive, sonore e spaziali.

Il gruppo ha curato diverse collettive, eventi e residenze per artisti, tra cui "ON", "Sound Facts" e "Space is the place" a Bologna e "Neverending Cinema" alla Galleria Civica di Trento. Nel 2008 ZF ha vinto la residenza all'ISCP di New York con il premio Seat.

Il progetto FLUXUS BIENNIAL, curato da Achille Bonito Oliva appositamente per l'Auditorium, e' strutturato in una serie di "piccole grandi mostre" di alcuni protagonisti di Fluxus. Attorno a ogni appuntamento espositivo e' abbinato un fitto calendario di concerti e performance, storiche e contemporanee, che coinvolgono artisti ai quali verrà chiesta una rilettura di quello spirito di immediatezza e di relazione/interazione con l'individuo alla base della filosofia e dell'estetica "intermedia" Fluxus.

Comitato Scientifico di Fluxus Biennial
Jose' Antonio Agúndez García, Direttore del Museo Vostell Malpartida, Spagna
Francesco Conz, Archivio Francesco Conz, Verona
Gino Di Maggio, Presidente Fondazione Mudima, Milano
Lorand Hegyi, Direttore del Museo d'Arte Moderna di Saint-Etienne, Francia
Giuseppe Morra, Presidente Fondazione Morra, Napoli

Inaugurazione mercoledi' 7 aprile ore 19

Auditorium Parco della Musica
viale Pietro de Coubertin, 30 - Roma
tutti i giorni dalle ore 17 alle 21, sabato, domenica e festivi dalle ore 11 alle 21
Ingresso libero

Collettiva

A cura di Cristina Madini

Ci sono temi, nell'ambito dell'espressività artistica, che hanno un posto preminente, occupando gli aspetti primari della vita dell'uomo. Riflettono una ricerca e una necessità dell'animo umano non hanno ne' età ne' tempo per cui la loro longevità iconografica non si puo' confrontare con quella di altre tematiche. La sfera dell'eros rientra in questo panorama, essendo parte integrante della vita di tutti gli uomini da sempre e per sempre, l'arte si e' preoccupata di sottolinearne ogni volta quegli aspetti che le sembravano dovessero assumere valore in quel particolare momento storico.
Neanche l'arte di oggi, in un secolo che ha saputo esaltare l'evoluzione tecnologica, puo' far a meno di cedere al fascino ancestrale e alla potenza della sessualità e del suo simbolismo.

Riflessioni emerse dalle opere riguardano il viaggio interiore alla ricerca della propria identità, la concezione della vita, lo scorrere del tempo e la sua ciclicità.

Artisti: Sandro Baldoni, Vincenza Costantini, Giusepe Dente, Ame'rigo Di Gregorio, Marco Folchi, Vittorio Gorini, Cristina Madini, Lunia Marchetti, Giuseppa Marinaccio, Lucia Mele, Ferdinando Ragni, Pasquale Varvicchio.

Immagine:
Vincenza Costantini 'Accordi remoti' acquaforte + acquatinta lastra mm 324x248, 2006

Inaugurazione 3 aprile ore 18

Galleria RossoCinabro
Via Raffaele Cadorna, 28 - Roma
Lunedi'-Venerdi' 12-19 orario continuato
Ingresso libero

Bizhan Bassiri - La Caduta delle Meteoriti nelle ore vitali che anticipano la visione

Da un progetto condiviso con Bruno Corà. A cura di Ilari Valbonesi. Testo di Bruno Corà.

Luogo: Cosenza

Date inaugurazione: Venerdì 16 e Sabato 17 Aprile 2010

Sedi e orari:

Venerdì 16 aprile ore 18.00

Galleria VertigoArte

Via Rivocati, 63, Cosenza

Sabato 17 aprile ore 17.30

Museo Civico dei Brettii e degli Enotri

Complesso Monumentale S. Agostino, Cosenza

Intervengono:

Salvatore Perugini, Sindaco del Comune di Cosenza

Maria Cerzoso, Direttore del Museo Civico dei Brettii e degli Enotri, Complesso Monumentale S. Agostino

Franco Gordano, Direttore di Vertigoarte, Cosenza

Bizhan Bassiri, Artista

Ilari Valbonesi, Critica d’Arte

Moderatrice: Elena Scrivano, Ufficio Stampa Comune di Cosenza

Con il contributo di: Comune di Cosenza - Museo Civico dei Brettii e degli Enotri - VertigoArte- BCC Mediocrati.

Con la collaborazione di  La Nube di Oort - Roma; Fondazione VOLUME! - Roma;  RAM radioartemobile -Roma.

Ufficio Stampa: Elena Scrivano, Comune di Cosenza; Vertigoarte Cosenza; Fondazione Volume - Roma

Sarà la città di Cosenza ad ospitare La Caduta delle Meteoriti nelle ore vitali che anticipano la visione di Bizhan Bassiri: un evento itinerante iniziato a Gent, in Belgio, dove le “Meteoriti” sono state esposte presso lo S.M.A.K. Museo Statale di Arte Contemporanea (opera permanente) e nella Cattedrale di San Bavo; a Firenze presso l’Osservatorio Astrofisico di Arcetri, a Piazza Strozzi e nel cortile della Galleria dell’Accademia (opera permanente); e messe in scena con l’Evento Manifesto del Pensiero Magmatico al Teatro Argentina di Roma.

Venerdì 16 aprile alle ore 18.00 sarà inaugurata la mostra Specchi solari nello spazio di VertigoArte “Centro Internazionale per la Cultura e le Arti Visive” di Cosenza. Ventiquattro sculture di ferro, pietra lavica e grafite, tre grandi specchi solari in acciaio e lo spazio scandito dal movimento costante di una pietra rotante, sono invece gli elementi della grande installazione Erme che sarà inaugurata Sabato 17 aprile alle ore 17,30 al Museo Civico “dei Brettii e degli Enotri”, ubicato nel cinquecentesco Complesso monumentale di S. Agostino di Cosenza, già costituito da una vasta collezione archeologica, punto di fusione fra Greci e indigeni. La “meteorite” Il Guardiano sarà installata, infine, nella Piazza antistante la sede di ingresso del Museo “dei Brettii e degli Enotri”.

“Le Meteoriti sono sculture che restituiscono in bronzo la forma magmatica della pietra vulcanica. Sono frammenti incandescenti, espulsi o precipitati, particole specchianti di una totalità che si fonde e si articola attraverso singolari coincidenze fortunate. Così la vita del pensiero magmatico si genera e scorre sulla strada a senso unico. Senza sosta né fatica. Dilatandosi all’infinito. Derive permanenti – come vengono ben descritte nel testo di Bruno Corà che accompagna l’erranza dell’opera di Bizhan Bassiri  –  le meteoriti sopravvengono malgrado ogni contraria previsione ”. (Ilari Valbonesi)

L’evento La Caduta delle Meteoriti nelle ore vitali che anticipano la visione di Bizhan Bassiri a Cosenza è promosso da Fondazione VOLUME! e da RAM radioartemobile che realizzerà uno speciale in onda a partire dal 23 Aprile 2010 su  

http://live.radioartemobile.it

CHANGING ROLE @ SALA1

“Violazione di domicilio”

Jacopo Benassi, Arianna Carossa, Nero, Matteo Sanna

a cura di Guido Cabib

una collaborazione

CHANGING ROLE - MOVE OVER GALLERY e Sala 1

Vernissage Venerdì 9 Aprile ore 18.00 Sala 1

Piazza di Porta S. Giovanni, 10 00185, Roma, Italy

9 Aprile – 8 Maggio 2010

Mimmo Di Caterino: Nessuno!!!

Artisti in Vetrina dal 7 Aprile alle ore 19.00 al 18 Aprile 2010
Vetrina Gino Ramaglia Via Broggia, 9/10 Napoli

Il non artista napoletano, pubblico docente ed ordinario impiegato mercenario al servizo dello stato, Domenico Mimmo Di Caterino, famoso tra homeless, disadattati, malati, diversi ed invisibili di vario genere per essere scomparso dagli spazi privati pubblicamente imposti della propaganda economica dell'arte contemporanea al servizio del libero mercato che castra il mercato equo; colui che dona le sue opere senza venderle ritenendo che i sensi non abbiano prezzo; colui che getta le sue opere tra rifiuti per non ripetersi ed arrestare il processo di vivere che poco ha a che fare con il prodotto; colui che pochi conoscono ma tutti riconoscono; torna a Napoli a distanza di più di dieci anni con i vecchi amici di sempre del fù "Mario pesce a fore", tornerà nella vetrina di Gino Ramaglia, maestro e padre spirituale della sua generazione artistica alla quale ha trasmesso competenze tecniche e professionali, tornerà per rivendicare la sua non artisticità.

Tornerà per declamare la sua invendibilità, tornerà per ricampionare il suo passato e consegnarsi alla sua memoria cercando di ritrovare forma, anima, identità, tempo ed età, come farà ciò? Ricampionandosi? Clonandosi? Remixandosi? Interpretandosi? Rivisitandosi? Sarà verò che l'eretico, il fuggiasco, il disobbediente, il diffidato dall'Accademia di Arti che furono belle di Napoli; dal Maestro punto G in fiore e figlia; da Achille Bollito Ulivo, da Gian il calvo Politi-co, J.A baby Politi-ca e Trash Art, da Max Tonno Tondo ed Ex art e da dis-equilibriarte abbia deciso di sottoporsi alla pubblica gogna e di mettersi in vetrina facendosi giustiziare, infangare ed infamare? Noi non ci crediamo, ma Enzo e Marco Ramaglia si, aspettiamo con ansia, ma quando? Dove? Come? Pecché? Può l'invisibile sensibile mostrare in vetrina la sua essenza originaria e primordiale palpabile? Aspettiamo con ansia cominciando a sentire nell'aria uno strano profumo di pesce marcio fuori dall'acqua....

Performer: Gennaro Cilento - Antonio Milanese (Comandante Polvere, altrimenti detto Polvere di stelle che non brillano).

Linea d'Ombra-Festival Culture Giovani a Salerno. Al via la quindicesima edizione

Greenpoint Rounds

Gagosian Gallery e' lieta di presentare "Greenpoint Rounds," una nuova serie di grandi lavori su carta di Richard Serra.

Nel corso della sua carriera artistica, Serra ha realizzato disegni non come fasi preparatorie per le opere scultoree, bensi' come distinti, immediati, ed essenziali percorsi di ricerca nei quali l'intenzione si traduce in segno. I suoi disegni sono vere e proprie esplorazioni, ricerche autonome ed intuitive dai criteri definiti e al contempo parti integranti della ricerca scultorea dell'artista.

Serra inizia a lavorare su Greenpoint Rounds nella primavera del 2009. In questi lavori su larga scala, ciascuno lungo due metri per lato, un grande cerchio nero emerge dalla superficie pesante della carta. L'artista usa il "paintstick", un pastello ad olio puro: scaldandolo fino a ridurlo a stato viscoso o addirittura liquido, costruisce lentamente forme dense ed irregolari. Ognuna di queste opere possiede cosi' una propria superficie, risultando struttura tangibile piuttosto che semplice piano, e rivelando un carattere ed una energia individuali.

Richard Serra e' molto noto per le sue sculture monumentali di scala eccezionale, molte delle quali sono parte di importanti collezioni private e museali a livello internazionale.
Tra i suoi recenti progetti si annoverano l'installazione permanente in otto parti The Matter of Time al Guggenheim di Bilbao (2005) e la retrospettiva presso il Museum of Modern Art di New York (2007), a venti anni di distanza da quella del 1986. Nel 2008 per MONUMENTA al Grand Palais di Parigi ha esposto Promenade, un insieme di cinque monumentali elementi verticali in acciaio, ciascuno alto piu' di quindici metri. Lo stesso anno una retrospettiva di lavori su carta "Richard Serra: Drawings - Work Comes Out of Work" e' stata inaugurata presso il Kunsthaus Bregenz. Ad aprile 2011 una mostra itinerante di disegni organizzata dalla Menil Collection verrà presentata presso il Metropolitan Museum of Art di New York, il San Francisco Museum of Modern Art (ottobre 2011), e presso la Menil Collection stessa (marzo 2012).

Serra vive e lavora tra New York e la Nuova Scozia (Canada).

Ufficio stampa: Francesca Martinotti, +39.06.9784.8570 o martinotti@lagenziarisorse.it

Inaugurazione: Venerdi', 9 aprile, dalle 18.30 alle 20.30
l'artista sarà presente
Gagosian Gallery
via Francesco Crispi, 16 - Roma
Orario: martedi' - sabato 10:30 - 19
Ingresso libero

Joseph Beuys

Collettiva

a cura di Enzo Angiuoni

La Rassegna''EVENTI D'ARTE MITTELEUROPEI 2010- e' un progetto artistico culturale del Maestro Enzo Angiuoni con la collaborazione delle associazione culturali AURA Udine e ARTEUROPA Atripalda Avellino; Rosa Spina di Catanzaro e' la responsabile degli eventi in Calabria. Questo progetto prevede la realizzazione di mostre in diverse città italiane ed europee, un vero museo itinerante ospitato presso prestigiose sedi istituzionali, pinacoteche, gallerie d'arte. L'appellativo di ''Eventi d'Arte Mitteleuropei- e' giustificato dal coinvolgimento di paesi europei, come sintesi e impegno da realizzare nella concreta pratica del dialogo quotidiano fra est ed ovest, nord e sud, mondo latino, slavo e tedesco, e' un approccio interculturale e multidisciplinare per tematiche relative all'area centro-europea e all'area del mediterraneo con l'esistenza di problematiche, di temi e di personalità appartenenti a una dimensione di cui ben si puo' recepire il messaggio univoco, pur nella diversità dei linguaggi.

L' inaugurazione di questa mostra itinerante ha avuto luogo presso la -Galleria del Cavallo-di Quiliano (Savona) il 6 Febbraio, il secondo evento nelle sale della splendida Villa Fiorentino di Sorrento il 28 febbraio. L'artista Rosa Spina di Catanzaro e' la curatrice degli eventi nella Regione Calabria, dopo il successo della prima edizione 2009, con le mostre ospitate in prestigiose e consolidati luoghi di contaminazione d'arte come il Parco Archeologico Scolacium Roccelletta di Borgia Catanzaro e il Castello di Santa Severina, anche questo anno viene proposta in Calabria la seconda edizione del progetto del Maestro Angiuoni. La prima mostra calabrese avverrà presso la -Casa Delle Culture- nel Centro storico di Cosenza il 9 Aprile 2010 curata dal prof. Pippo Spina artista digitale di Rende e dalla nota artista di Fiumefreddo Bruzio, Tonina Garofano e da Nicola Guarino artista di Teora (AV); la seconda mostra sarà organizzata presso la Lega Navale di Soverato CZ dal 10 al 14 Luglio, la terza al Castello di Santa Severina Crotone.

La Mostra ospita artisti di chiara fama, che operano in Friuli, in Austria, in Croazia nonche' artisti del bacino Mediterraneo e naturalmente del nostro territorio con espressioni e stili diversi. Una mostra particolarmente interessante per la personalità e la caratteristica operativa degli Artisti, che hanno reso, tutti ugualmente nella propria ricerca, una diversità espressiva che rappresenta una ricchezza da condividere e allo stesso tempo una testimonianza che l'arte, al di sopra di ogni pregiudizio, puo' essere un mezzo di confronto ed allo stesso tempo di dialogo. Questo e' la dimostrazione che oggi in Europa c'e' un fermento straordinario di proposte e di ricerche visive. Sono circa 30 artisti di diversa formazione, diversi linguaggi, diverse influenze culturali e geografiche, ma tutti ugualmente entusiasti e accomunati dalla passione della ricerca artistica.
Sono esposte grafiche, pitture, ceramiche e sculture e' una mostra, quindi, che riflette le diverse ''anime '' dell'arte e che merita di essere vista. Espongono: Antonia Acri - Augusto Ambrosone - Giuseppe Amoroso - Enzo Angiuoni - Lucio Alfonzi -Luciana Bertorelli -Letizia Caiazzo - Luigi F. Canepa - Giancarlo Caneva - Laura Carone - Roberto Di Gianpaolo - Claudio Di Lorenzo - Maria Teresa Di Nardo - Claudio Mario Feruglio - Tonina Garofalo - Marinka - Nicola Guarino - Kika Bohr - Nadia Loletti - Bruno Paladin - Tommaso Resta - Nelly Sanzi - Pippo Spina - Rosa Spina - Emanuela Spazzarini - Gemot Schmerlaib - Beartice Tavernese - GianfrancoVasile.

Enzo Angiuoni di Avellino, con la sua passione per l'arte pittorica e quella ceramica, configura il segno pittorico come linea che esplode in policromie per rende palese le sensazioni piu' segrete del suo essere artista. Rosa Spina di Catanzaro pioniera in Italia della Fiber Art (arte di esprimersi col il filo le fibre o il tessuto), per la sua creatività utilizza l'icona della tradizione e la racconta attraverso un linguaggio contemporaneo, nelle sue opere pittoriche e tridimensionali emerge il De'filage. Notevole e' il contributo degli artisti Letizia Caiazzo di Sorrento e Pippo Spina di Rende, maestri nella grafica digitale con cui elaborano visioni quasi surreali, artisti dell'era mediale che trasmettono e mutano le immagine, collegando arte e tecnologia, sfruttando ed esplorando le capacità tecniche, riscoprendo nuove risorse, nuove opportunità arrivando, cosi, a nuove ed interessanti espressioni. Nelly Sanzi di Catanzaro, maestra del collage ma anche decollage, predilige l'uso dei frammenti, piccoli lembi materici, accostati tra loro, icone di carta straccia, per costruire e decostruire, attraverso una sovrapposizione di strati, il frammento di carta che, sottratto al suo contesto, rotocalco, manifesto o libro che sia, viene trasformato in immagine elettiva e in valore d'arte.

L'artista di Fiumefreddo Bruzio Tonina Garofolo che con la sua pittura organica dalla linea limpida, tende ad aprire gli spazi entrando in un mondo di colori intensi e misterioso, dove l'immaginario non ha confini. Dai suoi lavori traspare l'incontro tra realtà e sogno, tra rappresentazione grafica e astrazione, creando un mondo fantastico. Notevole e di pregio e' l'Arte Sacra di Tonina Garofano diffusa in numerosi luoghi di culto della Calabria. Giancarlo Caneva del Friuli fa viaggiare l'osservatore lungo frequenze fantastiche in una dimensione magica di colori e luce su paesaggi misteriosi e scenari policromi. Nicola Guarino di Teora Avellino propone opere che tendono alla definizione di concetti astratti e al richiamo spirituale dell'osservatore. Claudio Feruglio di Udine con la sua pittura ad olio rappresenta speranze, promesse, silenzi, illusioni, delusioni,(di concetti mentali), si puo' accostare ad Augusto Ambrosone di Sant'Angelo dei Lombardi AV che realizzando le sue opere a colpi di pennellate e di spatola, imprime alla materia carattere, espressione e significato. Maria Teresa Di Nardo di Taranto, le sue opere grafiche-pittoriche sono fantasie fiabesche, dove emerge un forte legame tra dimensione interiore ed immagine sognante. Luciana Bertorelli nota artista e ceramista di Savona, ricerca l'equilibrio e l'armonia con se stessa e con il mondo, le sue idee prendono forma nei disegni, nella pittura e nella ceramica.
La Mostra sarà accompagnata da un Catalogo con oltre 150 tavole a colori, delle opere degli artisti con testi critici di Massimo Pasqualone, Leo Strozzieri, Lucia Basile, Silvia Campese, Lello La Sala e C. Alberto Sciascia.

Inaugurazione 9 aprile

Casa delle culture
Corso Bernardino Telesio, 98 - Cosenza
Dalle ore 9.00 alle ore 13.00 - dalle ore 16.00 alle ore 19.00
Ingresso libero

Concorso ArtsLive per la Giovane Arte in Veneto

a cura di Carolina Lio

Venerdi' 09 Aprile alle ore 18.30, YvonneArtecontemporanea Selection (Vicenza, Contrà Porti 21) inaugura ArtsLive 2010, mostra di premiazione del concorso ArtsLive per la Giovane Arte in Veneto indetto da DelirioCaneva e finanziato dalla Regione Veneto in collaborazione con Governo Italiano Ministero della Gioventu' e GAI Giovani Artisti Italiani.

Il Premio ha selezionato venti giovani artisti attivi in Veneto che vengono raccolti in un unico catalogo generale e suddivisi in tre sedi: YvonneArtecontemporanea Selection, Vicenza; XX.912.FABRIKArte, Piombino Dese, Padova; Pieve Antica, Ronco all'Adige, Verona. Ogni mostra inaugurerà con una presentazione a cura del Presidente di ArtsLive Mauro Pigozzo e del curatore, Carolina Lio, piu' una performance live DJSet che reintepreterà musicalmente ogni allestimento.

Gli artisti ospitati da YvonneArtecontemporanea Selection sono: Nicola Bettale, Manuel Coletto, Igor Molin, Veronica Organo, Arianna Piazza, Elena Pizzato, Dania Zanotto. Tutti artisti che si coniugano con la linea della galleria, unendo ricerca estetica e sviluppo di temi contemporanei, primo fra tutti quello di una volontà di rilettura del mondo, riscrivendolo sotto nuove prospettive.

La mostra resterà visitabile fino al 15 Maggio 2010 dal Martedi' al Sabato dalle 15.30 alle 19.30. Il catalogo completo del Premio ArtsLive 2010 Premio per la Giovane Arte in Veneto, e' disponibile in galleria.

Inaugurazione venerdi' 9 Aprile 2010, ore 18.30

YvonneArtecontemporanea Selection
Contra' Porti, 21, Vicenza
orari: Martedi' - Sabato 15.30 - 19.30
Ingresso libero

Joe Davidson

Bert Rodriguez

The Man Called Bert

16 Aprile  - 18 Maggio 2010

Inaugurazione:

Venerdì 16 Aprile 2010 ore 19,00

La galleria annarumma404 è lieta di presentare A Man called Bert una mostra (prima personale europea) di nuovi lavori dell’artista americano Bert Rodriguez.

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Rappresentativa della sua pratica artistica, Rodriguez ha preso la specificità del sito di uno spazio (Italia) come punto di partenza per valutare eventuali possibili relazioni tra lui e la cultura italiana. Cercando tra le foto d'infanzia ha scoperto una foto di se stesso vestito come un cowboy mentre si punta una pistola giocattolo alla testa. In quel momento si rese conto che la quintessenza del "cowboy americano" come ritratta nei film spaghetti western, che da bambino ha guardato insieme con la sua famiglia, erano per lui, quasi tutti concepiti e realizzati da produttori e registi italiani. Questo pensiero ha creato le basi tematiche per tutte le opere presenti in questa mostra ed esplora il rapporto a più livelli tra se stesso come artista, le sue origini cubano-americane, l’arte italiana, il cinema e il west americano.

Lo spettatore entra nella stanza della galleria dove incontra una grande parete di neon raffigurante il profilo di uno stereotipato tramonto di film western e la fotografia incorniciata dell'artista da bambino
vestito come un cowboy. Nell’angolo di fronte  è installato un neon a forma di cactus, e disseminati per tutto lo spazio della galleria ci sono dei “Tumbleweeds” gomitoli di rami secchi che spesso i registi di film western usano nella trama come strumento per accentuare la tensione nei momenti più drammatici (i cd Showdow) tra i personaggi del film.

Appena si entra nella seconda stanza della galleria passando attraverso delle tipiche porte da saloon western, Il visitatore si imbatte in una scultura consistente in un manichino che ha il volto dell'artista, ma atteggiato nella ben nota posa del David di Michelangelo.

Rodriguez ha vestito questo manichino come il personaggio di Clint Eastwood in "Man With No Name” la seminale trilogia del regista Sergio Leone. Dietro questa scultura, vi è una proiezione che copre l’intera lunghezza del muro, di una sintesi di questi tre film dove però l'artista ha tagliato tutte le scene in cui i personaggi sono presenti, ciò che rimane e quindi una sorta di versione "città fantasma" di questi film. Insieme ai veri Tumbleweeds nella mostra viene anche presentata una reinterpretazione del Tumbleweed in forma di neon, che agisce come una fonte di luce oltre alla proiezione 

Bert Rodriguez (nato nel 1975 a Miami USA) ha esposto e ricevuto commissioni da molte
prestigiose gallerie ed istituzioni di tutto il mondo.

Tra le più recenti, I’ll cross that bridge when I get to it la sua quarta mostra personale alla Fredric Snitzer Gallery, Miami (2010), IN YOUR OWN IMAGE: The Best of Bert Rodriguez Greatest Hits Vol. I; una mostra presentata al Bass Museum of Art di Miami Beach, FL. (2009), Where You End I Begin; una performance - installazione su incarico della Fondazione Frieze in occasione della Frieze Art Fair, Londra (2008), In the Beginning... per la Biennale del Whitney museum di New York (2008), e A Wall I Built With My Father / A Meal I Made With My Mother, due installazioni site specific per Le Plateau, FRAC iIle de France, Parigi (2008). I progetti in corso includono,una ricerca di stagisti, cercando di mangiare meglio, il suo cane e la formazione Wilson, di essere un gentiluomo.

Rodriguez ha recentemente stato selezionato per partecipare alla Biennale di Liverpool nel settembre 2010..

annarumma404  Via Carlo Poerio 98,  80121 Napoli ( Italy )  tel.081.03322317  info@annarumma404.com

Tommaso Pedone director / videomaker / interior designer                 email: info@tommasopedone.com web: www.tommasopedone.com (coming soon)

Caption for image: "Palomar" - Italy, 2008 - 17’50’’ - Abstract loop video, based on shooting of a bay in nocturnal view and elaborated with special effects. The video goal is to change basical images in graphical video-paintings.   Tommaso Pedone, director and freelance video-maker graduated from Bologna National Academy of Cinema, works in high definition digital video, taking his ideas from concept through to production. He ranges from dance and theatre productions, music videoclips, video interviews, art/social documentaries, to video-art and multimedia projects, expecially projecting them onto monuments and other large areas. His work is inspired by both cinema, photography and contemporary art, with a special attention to theatre and dance. The aesthetic research brought him to study many different forms of art. He gives particular attention to Interior and Furniture design, contemporary or vintage, ideating and producing his own line of “sculpture/furniture” objects, as “Lespade” serie of wardrobes and sideboards. He also works as interior designer in public and private projects, site-specific. A special attention is dedicated to the Poetry, he wrote and edited an artist’s book titled “Lamp id in-genuo”. Communication attracted him from years and he realizes projects to experiment new forms of art like guerrilla and urban/street art.   Videoprojections Dec-2007  Videoprojection of  video “Videoval” e “Fire” at Galleria Zucca   (Pesaro) May-2008  Videoinstallation on 5 screens (2x1m) and videoprojection of  the video “Palomar”  and  “Highway #11” for the exhibition “Camera Oscura” at Villa Novalis (Pesaro) Jun-2008  Videoprojection of the video “Palomar” for the exhibition “Où va la video?” by Fondazione March  (Padova) Jun-2008  Videoprojection of the video “ I Laudreamont ” for the International Festival “Nuovo Cinema“ of Pesaro, at Teatro Sperimentale (Pesaro) Jun-2008  Videoprojection of  the video “I Laudreamont”, on the frontal side of  Teatro Rossini, during the Notte Bianca of Pesaro Aug-2008  Videoprojection of the video “City Lights” for the exhibition “Apnea” at Rocca Costanza (Pesaro) Oct-2008 Videoprojetion of the video “Ciourihou” with a drama/dance  performance, at Scuola d’arte drammatica Paolo Gnassi (Milano) Nov-2008 Videoprojection of the video “Ciourihou” with a drama/dance performance, at Spazio in due (Bologna) Dec-2008 Direction and multimedial videoprojection on 3 walls of the videos realized for the pieces of the performance “Armonie e sogni d’arpa” by Paola Gnassi at Teatro Sperimentale (Pesaro) May-2009 Videoprojection of the videos “ThemeOne” and “ThemeTwo” for the exhibition “Camera Oscura” at Hotel Alexander Palace Museum (Pesaro) May-2009 Videoprojection and live performance of the project “Ciourihou” at “Festival del Ticino”  - theatrical dance exhibition (Ticino) Sept-2009 Live performance of the project “Ciourihou” at Festival "Oriente Occidente"  - theatrical dance exhibition (Rovereto) Sept-2009 Direction and multimedial videoprojection on church wall of the videos realized for the pieces of the performance “Armonie e sogni d’arpa” by Paola Gnassi at Festival "Interferenze" (Teramo e L'aquila)   Tommaso Pedone Via Leopardi 5 - 61121 Pesaro Tel. +39.329.3958659 | +39.0721.67167 email: tommasopedone@gmail.com | info@tommasopedone.com web:  www.tommasopedone.com | www.myspace.com/tommasopedone

Le Luci delle Pietre Savina Tarsitano and Dinu Flămând         Dates: 19 April - 6 May, 2010 Location: Accademia di Romania (Valle Giulia - Piazza José de San Martin, 1 - 00197, Rome) in cooperation with the Galleria Gallerati and  with the patronage of the Bogliasco Foundation   Berlin, Romanian Culture Institute 25 March - May, 2010 Koenigsallee 20A, D-14193 Berlin www.rki-berlin.de     email: accadromania@hotmail.com web: www.accadromania.it

European Tour Exhibition “Le Luci delle Pietre” by Savina Tarsitano and Dinu Flămând A poetry and photography journey across Europe   “Le Luci delle Pietre” is a project of the Rumanian poet Dinu Flămând and the Italian artist Savina Tarsitano, a poetry and photography journey across European cultures. The Tour Exhibition has been opened on the 25 of March in Berlin at the Romanian Culture Institute. On the 19 of April the exhibition will be opened at the Accademia di Romania, Rome. The opening will be in presence of the Ambassador Karl-Erik Norrman, Secretary General of the European Culture Parliament, the Professor Pasquale Pesce, Director of Development and Planning - Europe and the Professor Giovanni Magliocco of the University of Bari. In May the poet Flămând will be at the Salone Internazionale del Libro of Turin, in cooperation with the Romanian Culture Institute of Venice. The event is an occasion to celebrate the launch of the poetry anthologies by Dinu Flămând Umbre şi Faleze, published by Edition Brumar de Timisoara (2010) and illustrated by Savina Tarsitano’s shadows photography and La Luce delle Pietre published by Edition Palomar (2009) in the Italian translation by Giovanni Magliocco with the cover page by Savina Tarsitano. Tarsitano and Flamand met in 2005 while in residency at the Liguria Study center in Bogliasco, near Genoa, where the “Shadows” were born first. The series, later called “Icons of the Chaos”, inspired the poems written by Dinu Flamand in a second time. The Shadows are the main interest of the two artists. The story of the shadows, rich in anecdotes and original research, is intertwined with a variety of studies and disciplines that we would not consider at first: art, psychology, astronomy, neurology, are some of the fields in which the shadow has become subject to analysis and study. Shadows as ridges (natural elevations), moving shadows , imperishable, intangible and untouchable. Shadows that suddenly disappear and appear again without allowing any exploration. In the history of painting the relevance assumed by the shadows seems to increase in the artistic periods of maximum naturalism. If we exclude contemporary art, there's no doubt, as Gombrich explains, that shadows are used by major painters to create effects of astonishment and wonder by the alikeness impressed on the pictorial subject. During the Renaissance Humanism the shadow, along with the linear perspective, becomes the factor to shape both pictorial and architectural spaces. In nowadays New York a specific legal instrument, the Zoning Law, has been devised to avoid skyscrapers to overshadow entire streets and blocks. The shadow is only apparently invisible, its concrete presence is in no way less invasive that the one of the object it duplicates, so much so that today we are not surprised anymore to consider it as a unmovable sign, inseparable from the object which creates it. The existence of our shadow is so taken for granted that we sense there is something upsetting and mysterious in what has been created without a shadow. This feeling of anguish, as observed by the psychologist Gustav Jung, is linked to the notion that the shadow is an unconscious double (similitude) of the soul. The works presented by Savina Tarsitano are a tribute to the shadow, and consequently a praise of the light. The shadow is also metaphor of the island, necessary and immovable presence in the ocean of unconsciousness. Favorite harbor, to sight & approach, to contemplate as a projection of one's self, reflected on stone walls, rocks and pavements. The shadow materializes in these works as a "decalcomania" where the soul is projected on the surrounding nature. And it's not by chance that the expressive means used encompass both painting and photography. If it's true that in nature there's no light without shadow, the photographer, by controlling the sources of light can decide to erase every shadow from the object. Savina knows it, that's why her shadows are strongly connected to the light that creates them and to the colors of the islands, changing with the passing of time on the meridian. It's during these travels that Savina, looks for her shadow, nature though, has stitched it to her skin.   The project of the Shadows was continued by Savina Tarsitano in other places, thank to other residency programmes, Fellowships and Institutions: the Upernnavik Museum, the Castle of Coswig, the Nordic Institute for Contemporary Art – in cooperation with the Suonmenlina Governmental Body in Finland – the Caroline Association in Fioul Island, France, the Caribbean Art and Culture Centre Domain de Fonds Saint-Jacques, Martinique and the Centre Culturel de Rencontre in France. Savina Tarsitano was born in Calabria, Italy. She lives between Italy and Germany where she continues her research at the Castle of Coswig in (Anhlat) thanks to the European project Et in Arcadia Ego. Savina research hinges on concept of “approdo” (Italian term meaning landing-place or landfall). She has spent creative periods in “theme-sites” like islands,  abbeys, castles.  Her works, executed using varied techniques, are incarnate visions (ingrown visions) arising from perceived relation with the place, the environment, conceived itself as a visual space.  Her works have been exhibited in Denmark, France, Martinique, Greenland, Italy, Germany, Finland, Belgium, Holland, and the United States (Los Angeles). Dinu Flămând was born in Romania, works and lives in Paris as a writer. The anthologies were written also during his artistic residency at the Naples Foundation, France and at the Sacatar Instituto, Salvador, Bahia, Brazil.   Savina Tarsitano c/o Castle of Coswig (Anhalt) European project: Et In Arcadia Ego Scholstrasse 44-46 D-06869 Coswig (Anhalt) email: s_tarsitano@yahoo.it www.savinatarsitano.com www.inarcadia.eu

Giorgio Turchetti, Stefano Rezzi, Gabriele Funaro

Tornano in galleria, per una mostra a tre, Stefano Rezzi, Giorgio Turchetti e Gabriele Funaro, tutti amanti della buona pittura che alternano il figurativo con ampi periodi di pittura aniconica.

E' interessante esaminare il motivo di questa alternanza come se il periodo, per cosi' dire astratto, servisse a purificare la pittura allontanando i problemi contingenti, mentre il periodo figurativo, anche con la vena di tipo narrativo proprio di Turchetti e Funaro, servisse a rimettere al centro della pittura tutte le problematiche esistenziali poco esprimibili con la pittura astratta.

Stefano Rezzi si distingue perche' non mette l'uomo al centro della sua pittura, ma e' attratto dai giochi e dai ritmi della natura nel senso piu' ampio.

Giorgio Turchetti, la cui esperienza risale agli anni 50 quando lavorava nel cinema, ha trovato la vena astratta in questi ultimi anni, nata forse da un esigenza di espressività coloristica.

Gabriele Funaro, piu' giovane, vede la tela come l'occasione, attraverso l'impasto di colori, per creare un'atmosfera piu' facile in una struttura narrativa figurativa, piu' complessa e difficile in un contesto aniconico.

Immagine: Giorgio Turchetti, Oscurità trasparente

Inaugurazione lunedi' 12 Aprile 2010, ore 18

Studio Dr Spazio Visivo
Via Angelo Brunetti 43, Roma
Orari: da lunedi' a venerdi' 10.30 - 13, 16.30 - 19.30
festivi su appuntamento
Ingresso libero

L’associazione Casa di Letizia Moratti partecipa al calendario delle iniziative del Fuori Salone 2010 con l’iniziativa “Milano a colori”, realizzata da HOMELESSTUDIO con la cura di Silvio De Ponte. Da giovedì 15 aprile a domenica 18 aprile, dalle ore 18.00 fino alle 21.00, 1 fotografo, 18 giovani artisti e la straordinaria forza del colore stazioneranno in via Montebello 24.
I protagonisti delle performance esprimeranno la loro creatività su gigantografie di immagini fotografiche, scattate per l’occasione da Marco Cisaria con soggetto Milano in bianco e nero. Su queste opere gli artisti interverranno con il loro colore e il loro linguaggio. La Casa si trasformerà in un grande atelier, arredato con mobili funzionali realizzati in cartone con il supporto creativo dei giovani del Politecnico di Milano. Il green incontrerà così la creatività, per lanciare un invito al risparmio e all'ottimizzazione dei consumi. Contemporaneamente sarà ospitata l’installazione luminosa “città dei consumi”di Enrico Sgarbi.
Letizia Moratti, Sindaco di Milano, sarà presente nella sede dell'associazione per incontrare gli artisti ed ascoltare da loro nuove proposte finalizzate allo sviluppo e alla crescita dei talenti. Ancora una volta l’arte vuole dimostrarsi capace di essere motivo di cambiamento, veicolo di un messaggio di positività.

Lomellino Arte Contemporanea
Via Garibaldi, 7 - 16100 - Genova (GE)
Tel. 010 2513863 - Cell. 393 9408724 / 335 8252890
info@lomellinoarte.it - www.lomellinoarte.it

La mostra presenta una selezione antologica di circa 20 opere, oli su tela di grande formato, di Francesco Zefferino: la pittura di Zefferino attinge da internet come unica fonte iconografica, tutte le sue immagini sono tratte da questo immenso contenitore di memoria collettiva che secondo l’artista alimenta un vero e proprio delirio di ubiquità di massa.
Le opere in mostra alla Galleria Lomellino Arte Contemporanea appartengono alle serie più conosciute dell’artista: ritraggono scene di vita metropolitana, scene di quotidiana attesa lungo i percorsi che portano le persone, anonimi personaggi di un dramma che non ha trama, nei luoghi di lavoro, a casa, in ospedale, incontro alla morte o alla vita.
Zefferino usa l’iperrealismo di una pittura nitida e fotografica per fissare un istante fuggevole, un momento infinitesimale. L’evento lo interessa più delle assolutezze della scena urbana, che tradizionalmente sono il topos di molti pittori iperrealisti. Ma questo evento è infinitesimale, è privo di senso. Ecco che allora il titolo subentra con una forza impattante capace di riprogrammare tutta la scena. La maggior parte dei titoli sono dedicati agli ansiolitici. Zefferino dice di citare tutti i farmaci che lui stesso, o persone che conosce, hanno preso o stanno assumendo. “Alprazolam” (2007) è uno di questi.
Zefferino “abita” questi luoghi con una “fantasia” capace di rendere il reale ben più simbolico di qualsiasi simbolo. Egli vede relazioni altrimenti invisibili. E le dipinge.

“Con la rete abbiamo la possibiltà di comunicare con chiunque in ogni luogo, di mascherare la nostra identità, di essere sempre sotto controllo, di sfuggire al controllo. Per questo utilizzo come fonte per i miei soggetti esclusivamente la rete.” (Francesco Zefferino)

Il suo post-realismo gioca sulla non convenzionalità di una ritrattistica che aspira a sondare le pieghe nascoste del soggetto, ma usa il soggetto come una cavia da laboratorio per sondare le pieghe nascoste della pittura. Quelle pieghe che restano sconosciute fino a che essa non apprende dell’esistenza dell’immagine elettronica, di un’immagine autoprodotta dalla gente comune, da non professionisti dell’immagine e anzi da una congerie infinita di differenti produttori d’immagini. In fondo Zefferino vuole ridare la parola alle immagini personali il cui risvolto è l’anonimia. Immagini di tutti e di nessuno, ma in ogni modo immagini reali di persone reali senza pose e senza necessità di rappresentazione.
“Zefferino narra, con il mezzo tradizionale e contemplativo della pittura, gli albori di una nuova civiltà dell’immagine, ancora tutta “a venire”: quella che farà riferimento alla produzione e al consumo di immagini prodotte in modo indipendente e in modo indipendente pubblicate in rete.” (Nicola Davide Angerame)

Collettiva

La Galleria Riccardo Crespi presenta la mostra collettiva Natura & Destino, dall'omonimo testo dell'etologo austriaco Konrad Lorenz (1903-1989). Gli artisti, una ventina tra italiani e internazionali, sono stati invitati a ripensare alla relazione fra natura e destino mediante la loro ricerca artistica che si esprime attraverso diverse tecniche che vanno dal disegno alla fotografia, dalla scultura all'installazione, dalla performance al video.

La riflessione di Lorenz, partendo dall'osservazione scientifica del mondo animale, teorizza una terza via tra innatismo e comportamentismo per rispondere a uno degli interrogativi piu' controversi dell'esistenza, il destino, ipotizzato come il risultato di cause, in parte determinabili e in parte imprevedibili. Per l'etologo austriaco esiste una corrente di vita che intreccia a doppio filo il destino di tutti gli esseri viventi. Ed e' proprio nella riflessione sul mistero della natura come corrente di vita comune a tutte le specie, che l'uomo manifesta la sua naturale propensione alla ricerca della conoscenza e dell'apprendimento attraverso quella peculiarità della sua mente, che e' l'intuizione.

In questo senso l'intuizione, appare sia come momento improvviso e risolutivo di ragionamenti razionali e scientifici, ma anche come scintilla generatrice della magia artistica, per cui l'arte e la scienza trovano in questa imperscrutabile abilità dell'essere umano il loro profondo legame.

Artisti: Roberto Ago (Italia, 1972), Kristine Alksne (Lettonia, 1980), Paola Anziche' (Italia, 1975), Eden Bannet (Israele, 1980), Beth Campbell (Usa, 1971), Letizia Cariello (Italia,1965), Beatrice Catanzaro (Italia, 1975), Loredana di Lillo (Italia, 1979), Francesca Grilli (Italia, 1978), Katie Holten (Irlanda, 1975), Talia Keinan (Israele, 1978), Maria Laet (Brasile, 1982), Marcelo Moscheta (Brasile, 1976), Stephanie Nava (Francia, 1973), Perino (New York, 1973) & Vele (Italia 1975), Paride Petrei (Italia, 1980), Maddalena Sisto (Italia, 1951-2000), Eugenia Vanni (Italia, 1980), Gal Weinstein (Israele, 1970) .

La mostra sarà accompagnata da un catalogo - italiano, inglese, tedesco - con contributi di Marco Antonini, Eugenia Bertele', Chiara Bertola, Ilaria Bonacossa, Lorenzo Bruni, Federica Bueti, Caroline Corbetta, Milovan Farronato, Ilaria Gianni, Cristiana Perrella, Michele Robecchi, Gabi Scardi, Marco Tagliafierro.

In catalogo, inoltre, sarà presente un testo scritto dall'antropologa Sofia Rasini e uno scritto dallo psicologo Paolo Nepoti.

Ufficio stampa: Cecilia Collini
press@riccardocrespi.com - Tel + 39 349 6444004

Immagine: LetIizia Cariello, Garden in Sils Maria, 2008
fotografia, 30 x 40 cm image (62 x 72 framed), Opera unica

Inaugurazione 13 aprile 2010, ore 18.30

Galleria Riccardo Crespi
Via Mellerio 1, Milano
Orari: Lunedi' - Sabato 11-13; 15 - 19.30
ingresso libero

Giovanni Cuofano

La materia in divenire

A cura di Roberto Sanchez

Presentazione di Rosario Pinto

È un'interessante prospettiva creativa quella di Giovanni Cuofano e vale ad istituire un intrigante processo di analisi del reale del quale non vengono proposte le immediate istanze di una raffigurazione restituiva dell'oggetto, ma le imprese talvolta drammatiche del passaggio della storia.

Il punto di partenza di Cuofano e' quello,infatti,di un indagine sul dato materico; ma esso non e' inteso come referente logico-estetizzante di una dimensione astrattamente intellettuale e di una proiezione eidetica del fare, ma si istituisce come proprio analitico di una oggettività pregnante ed invadente, quella piu' significativamente ingombrante e preoccupante del rifiuto, di cio' che,insomma, la società contemporanea rigetta da se',spesso,senza averne addirittura esaurito fino in fondo l'utilizzo funzionale.

Da qui parte Giovanni Cuofano e nelle sue sculture,come nella sua pittura,eleva il rifiuto a spessore materico, a costituente primario dell'ordito espressivo,per farne non certamente la metafora di un mondo, ma l'espressione tangibile dei contenuti alienanti di una civiltà che si vergogna - o che sembra farlo - di cio' che riduce nel contesto invadente del suo surplus di consumo. L'informale non poteva essere, quindi,che il logico alveo stilistico,per Cuofano, quello entro il quale poter esprimere con pienezza il dato del suo prodotto creativo; e le colorazioni stesse abbrunate e annerite delle sue opere contengono il massimo della pregnanza significativa che la negazione della luce puo' ingenerare nell'oggetto che ha smesso per sempre d'essere seducente e splendente per ridursi a mero ammasso d'incongrua definizione funzionale. L'arte restituisce non solo per dignità alla materia, ma mostra che il processo evolutivo non s'arresta laddove l'esigenza di conferire l'oggetto a rifiuto attesta la resa incondizionata del mondo economico di fronte all'evenienza dei tempi.

L'arte, con l'opera di Cuofano,mostra di sapere e di potere andare di là,oltre gli stessi confini di un riciclo opportunistico dell'oggetto, cui il rifiuto e' chiamato per suggerne l'estrema stilla di fonte energetica o d'ulteriore fonte di approvvigionamento di materia prima. L'estetica non riscopre in opere come quelle di Cuofano la mitica del bello, ma crea il passo decisivo per l'appropriazione o, se meglio puo' dirsi, della ri-appropriazione significativa del nucleo centrale della sua datità pre-baumgarteniana che le appartiene. Questo, tutto cio', a nostro avviso, e' una conquista.
Rosario Pinto

Inaugurazione martedi' 13 aprile 2010, ore 18,30

Museo Minimo
Via detta San Vincenzo 3 angolo Via Leopardi 47 Fuorigrotta - 80125 Napoli
Orari: lunedi' e mercoledi' h. 15-18; Martedi', giovedi' e venerdi' h. 9-12
Ingresso libero

Luca De Martino

“IN-STALLA”

Dal 24/04/2010 al 25/04/2010

Fattorie Albatros

Via Trefole, 21

Quarto Napoli

Supercalifragilistic (Mistaken Landscapes)

Le Ville Matte arti visive si svolge nel Comune di Villasor, negli spazi dell'Ex Convento dei Cappuccini, con momenti di studio e ricerca presso il Castello Seviller (dotato di biblioteca e mediateca) e in tutto il paese.
L'edizione 2010 si avvierà il 14 aprile e terminerà il 15 maggio.

Il programma di residenza coinvolge un gruppo di massimo 10 artisti di provenienza nazionale ed internazionale, offrendogli vitto, alloggio, nonche' spazi e materiali di lavoro e studio.
Il programma 2010 ha come titolo "Supercalifragilistic - Mistaken Landscapes" e vedrà come visiting professor Giancarlo Norese, come curatrice ospite Chiara Agnello e come ospiti esterni Jiri Kovanda, Luigi Negro, Umberto Cavenago, Luca Scarabelli e Mauro Cossu.

Gli artisti selezionati per il 2010 sono:
- Beatrice Catanzaro (IT)
- Invernomuto/Simone Bertuzzi (IT)
- Invernomuto/Simone Trabucchi (IT)
- Estelle Deschamp (FR)
- Markus Wernli Saito (CH-JP)
- Rene'e Lotenero (US)
- Marika Asatiani (NL/Georgia)
- Augusto Buzzegoli (IT/DE)
- Rita Correddu (IT)
- Giulia Casula (IT)

Il progetto ideato da Giancarlo Norese - Supercalifragilistic (Mistaken Landscapes) - affronta il tema dell'architettura e del paesaggio, riflette sulle contraddizioni esistenti fra gli spazi trasformati dall'uomo e quelli autogenerati dal caso e dalla necessità. "I 'refusi architettonici' - spiega il visiting professor - sono anomalie che contengono una carica simbolica capace di resistere all'omologazione, di mettere in discussione le nostre certezze ma allo stesso tempo di generare calore, vicinanza e senso di appartenenza alla comunità".
Oltre all'attività quotidiana di studio e sperimentazione, il programma della residenza prevede workshop e laboratori con artisti, suggeriti da Giancarlo Norese: Jiří Kovanda (Praga), Luigi Negro (Lecce), Umberto Cavenago (Milano), Luca Scarabelli (Como), Mauro Cossu (Cagliari). Con loro verranno approfonditi i temi dello spazio, le relazioni fra gli ambienti, la vera natura delle macerie, l'influenza delle azioni urbane sulla nostra quotidianità, i suoni che abitano e determinano un luogo.

Nel ruolo di curatrice ospite 2010, Chiara Agnello - già direttore artistico dell'organizzazione per l'arte contemporanea Careof e curatrice del DOCVA Documentation Center for Visual Arts di Milano - e' chiamata a fornire un supporto alla formazione degli artisti in residenza, creando occasioni di confronto con le realtà presenti sul territorio (studio visit, incontri con collezionisti ecc.).
La curatrice, inoltre, e' a disposizione per visionare il portfolio degli artisti non partecipanti alla residenza, che operano prevalentemente nella Provincia di Cagliari e sarà disponibile a dei colloqui (per fissare un appuntamento, scrivere a info@levillematte.it).
Durante la residenza sono previsti momenti di incontro aperti al pubblico tra cui conferenze, lectures, cene (su prenotazione), dove potranno partecipare tutti coloro che sono interessati al progetto. -

Alla fine del periodo di residenza e' prevista la presentazione dei materiali elaborati durante il mese di permanenza, con una mostra che inaugura il 15 maggio 2010, e la realizzazione di una successiva pubblicazione finale a cura di Kaleidoscope.

L'iniziativa rientra nel piu' ampio progetto LE VILLE MATTE - residenze d'artista, promosso dalla Provincia di Cagliari, attraverso il Settore delle Politiche Culturali nato con l'intento di offrire soggiorni di studio e ricerca in Sardegna, che incentivino le nuove produzioni nei settori della musica, della scrittura e delle arti visive. Una rete di residenze, organizzate in piccoli centri di alto valore ambientale e paesaggistico, che puo' favorire un fruttuoso scambio fra la cittadinanza e la scena nazionale e internazionale.
Coinvolgere le istituzioni culturali della Regione, creare occasioni di confronto attraverso un programma di conferenze e incontri con la scena locale e gli operatori del settore, attivare proficue collaborazioni con gli artisti in residenza e dare loro visibilità, avviare in Sardegna dei poli di produzione artistica innovativi e stimolanti, che contribuiscano a migliorare l'immagine del paese e ad incrementare il turismo culturale e sostenibile: questi gli obiettivi primari de LE VILLE MATTE.
LE VILLE MATTE include altre 2 residenze: una dedicata alla musica, che si terrà dal 25 giugno al 24 luglio 2010, e una dedicata alla scrittura, in programma tra settembre e ottobre 2010. Al termine dell'intero progetto si prevede una pubblicazione finale.

PROGRAMMA DEGLI EVENTI APERTI AL PUBBLICO

14 APRILE ore 18.00, c/o Castello Seviller - Villasor
"Presentazione del progetto Le Ville Matte - Arti Visive"
Intervengono:
-Piero Comandini - Assessore alle Politiche Culturali e al Turismo
-Walter Marongiu - Sindaco di Villasor
-Giorgio Murtas e Francesca Sassu - ideatori e coordinatori dell'iniziativa Le Ville Matte
-Giancarlo Norese e Luigi Negro - visiting professor e ospite esterno della residenza arti visive 2010
-Artisti in residenza 2010 - presentazione libera.

25 APRILE ore 10.30, c/o Castello Seviller - Villasor
"L'artista nell'era della sua riproducibilità tecnica - Opportunità di formazione, mobilità e promozione per i giovani artisti"
Intervengono:
-Chiara Agnello "Careof DOCVA- Documentation Center for Visual Arts - Milano - consigli pratici per l'uso"
-Emiliana Sabiu "Cherimus in Wonderland - l'esperienza dell'associazione culturale Cherimus"
-Luca Scarabelli e Giancarlo Norese "l'estetica del fallimento".
A seguire, pranzo (per partecipare al pranzo, chiamare il numero +39 366.2676612)

3 MAGGIO ore 18.00, c/o Castello Seviller - Villasor
"Jiri Kovanda Case History"
incontro con lo storico artista ceco e lecture del suo lavoro dagli anni Settanta ad oggi.

15 MAGGIO, ore 18.00, c/o Ex Convento dei Cappuccini - Villasor
Inaugurazione della mostra "Supercalifragilistic (Mistaken Landscapes) - the show"
Presentazione dei progetti elaborati dagli artisti durante il programma di residenza 2010.
Date di apertura: dal 15 maggio al 6 giugno 2010
Orari: da martedi' a domenica ore 10.00-13.00, 17.00-20.30. Chiuso il lunedi' - Ingresso libero.

Il cibo.
Aperte al pubblico su prenotazione anche le cene, che vengono periodicamente organizzate, dal 14 aprile al 15 maggio, come serate conviviali per favorire non solo l'interazione fra gli artisti in residenza, ma anche gli incontri fra questi e gli abitanti locali o i visitatori. Coloro che vogliono partecipare sono invitati a portare una pietanza da condividere con i commensali (info e prenotazioni: tel. +39 366.2676612, orario: 10-14, 16-20).

Ufficio stampa nazionale e internazionale: Marta Colombo +39 340 3442805 martacolombo@gmail.com
Ufficio stampa regionale: Stefania Giganti +39 329 3604710 sgiganti@provincia.cagliari.it

Villasor
Ex Convento dei Cappuccini - piazza Nino Brundu Cagliari

Fortunato Masucci

La Changing Role Move Over Gallery ha il piacere di presentare

I CATALOGHI ON LINE DI

VIOLAZIONE DI DOMICILIO

ARIANNA CATOSSA, JACOPO BENASSI, NERO, MATTEO SANNA

link:

http://issuu.com/guidocabib/docs/violazione_di_domicilio_catalogo_1

LA COSA PIU' PERICOLOSA DA FARE E' RIMANERE IMMOBILI

GIUSEPPE GONELLA

link:

http://issuu.com/g-gonella/docs/gonella_giuseppe_la_cosa_piu__pericolosa_..2010_

Inoltre la Changing Role è lieta di segnalare le mostre:

- Digital Brains, a cura di A. Trabucco alla galleria Artandgallery di Milano dal 28 Aprile al 27 Maggio, nella quale sarà presente LAMBERTO TEOTINO con un suo nuovo lavoro. www.lambertoteotino.com

- Impresa Pittura, a cura di R. Gavarro al CIAC - Centro Internazionale per l'Arte Contemporanea - Castello Colonna di Gennazzano (RM), dal 15 Maggio al 26 Settembre, nella quale sarà presente ANGELO BELLOBONO. www.castello-colonna.it/ciac