Dineo Seshee Bopape

“I like to remember things in my own way"

opening 11 febbraio 2010 ore 19.00 - fino al 28 Marzo.

a n n a r u m m a

404

Via Carlo Poerio n. 98,  801 21  N a p o l i

tel.fax +39.081.0322317 www.annarumma404.com

Una proposta sensibile ed innovativa per ballare il Tango

La dinamica dei fluidi, con le sue spirali e i suoi vortici, è il punto di partenza per immaginare il movimento al interno della coppia. Questo concetto, insieme ad alcune tecniche provenenti dal Tai Chi e dalla Contact Improvisation serviranno a sviluppare la consapevolezza e la sensorialità del nostro corpo, facendoci approdare il Tango in modo più intuitivo e sensibile.

L’obbiettivo è quello di giungere ad un tango che sia contemporaneamente fluido e chiaro nella sua forma estetica, e che dia spazio alla nostra immaginazione ed espressività.

(il laboratorio è a numero chiuso, è necessaria la prenotazione)

Javier Cura residente a Berlino,è un artista multidisciplinare.Si è dedicato a tutti gli aspetti del teatro come attore, regista, scenografo e “light designer”.
Si è dedicato alle arti visive come scultore e costruttore di oggetti realizzando esibizioni in Argentina (Museo Nazionale delle Belle Arti), Colombia e USA.
Il suo lavoro è stato riconosciuto con diversi premi, in Argentina ed in Italia. E' insegnante di discipline fisiche quali la Contact Improvisation, le Arti Marziali, il Tango e il teatro fisico.
Gestisce corsi di teatro e training per attori e danzatori a Londra, Berlino, Parigi, Praga.
Artista invitato allo Zip Festival 2005, al Freiburg Contact Festival 2006 ed al Farma Festival diTeatro e Danza in Praga 2007. è stato invitato a condividere la sua proposta innovativa di tango nel “tango alchimie” in Praga( 2008) e questo anno al “Phantastango Festival”in Germania cosi come al West Coast Contact Improvisation Festival in San Francisco, U.S.A



programma:

sab 6 febb
ore 16.00/18.30 laboratorio
ore 18.30/20.00 pratica

dom 7 febb
ore 11.00/13.30 laboratorio
ore 13.30/15.00 pratica

info e prenotazioni
segreteria 081 2461173 - 3398766684
3481220210 (fernando)
Mail: info@chiaradanza.it

Associazione Chiaradanza
Via San Filippo, 10


costo 60 euro (laboratorio+pratica)
sconto 10% per soci chiaradanza/sullerivedeltango/ libretango

Michele Zaza

MasterClass / Incontro con l’artista

In collaborazione con la Fondazione Volume! di Roma

Mercoledì 3 Febbraio 2010, ore 15:00

Interverranno:

Michele Zaza, Mario De Candia, Simonetta Lux.

Mercoledì 3 febbraio 2010, alle ore 15.00, si terrà presso il MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea dell’Università di Roma “La Sapienza”, la Masterclass/Incontro con l’artista, in occasione della quale Michele Zaza illustrerà il progetto realizzato per la Fondazione Volume!.

Interverranno: Michele Zaza; Mario De Candia – critico d’arte, curatore, giornalista; Simonetta Lux - Docente di Storia dell’arte contemporanea presso l’Università La Sapienza di Roma e Direttrice del MLAC.

«Universo rivelato è la conoscenza dell’essere nel mondo. Tutte le cose del mondo esistono dentro di me, e tutte le cose che abitano in me esistono nell’universo. Non esiste una separazione tra me e le cose più vicine, come non esiste una distanza tra me e le cose più lontane». Michele Zaza

Nel corso dell’incontro al MLAC l’artista presenterà il progetto realizzato per la Fondazione Volume!, Universo rivelato, un percorso gnoseologico dell'essenziale e dell'esistenziale, volto alla ricerca e piena comprensione della propria identità mediante un'introspezione realizzata per immagini. La proiezione di volti blu coperti da mani in movimento sono maschere, immagini che rinviano alla zona interiore ed enigmatica dell'essere, ombre rivolte alla ricerca di ciò che avviene al di là dello spazio e del tempo, nella sfera del mito. Una dimensione onirica volta a ricercare la condizione primordiale, la reviviscenza di leggende che legano il corpo contemporaneo dell'artista all'iconografia primitiva attraverso le simbologie del cibo e del sonno, e dei relativi rituali.

Michele Zaza nasce a Molfetta in Puglia il 7 novembre del 1948. La sua ricerca inizia con il ciclo Cristologia, presentato, nel 1972, alla galleria Diagramma/Inga-Pin di Milano. Nel 1973 crea un nucleo di opere intitolato Dissidenza Ignota, esposto da Marilena Bonomo a Bari. Nell’opera principale è rappresentata la madre dell’artista che sta per addormentarsi, tra una pistola poggiata su un cumulo di ovatta e una sequenza di immagini di lei in diversi momenti di vita quotidiana.

Nel 1974, lavori intitolati Naufragio euforico evidenziano l’aspetto contraddittorio della libertà sotto forma di un percorso “a senso unico”.

Segue nel 1975 il ciclo Mimesi, esposto da Massimo Minini a Brescia e da Annemarie Verna a Zurigo. Esistenza e assenza, condizione umana e operare artistico sono a confronto.

Dal 1976 l’irreale non è in antinomia al reale, ma anzi costituisce una realtà in divenire, fatta di curiosi paesaggi di terra e di ovatta, abitati da piccoli oggetti di carta somiglianti a macchine volanti. Nella serie intitolata Anamnesi i personaggi sembrano agire nella dimensione del sogno, nutrendosi di molliche di pane. Sempre nel 1976 Zaza realizza il ciclo Universo Estraneo da Lucio Amelio a Napoli, e poi Fantasia Privata da Yvon Lambert a Parigi. Invece nel 1978 crea opere intitolate Racconto celeste, dove analizza l’incorporeo. Il colore blu della parete cosparsa di stelle-molliche è un cielo che avvolge i volti del padre e della madre. Lo spazio abitativo diviene “spazio celeste”.

Nel 1980, da Leo Castelli a New York, Zaza espone Neo-Terrestre. Nello stesso anno Zaza è invitato alla Biennale di Venezia con una sala personale. Successivamente, nel 1981 è a Parigi con una mostra antologica al Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Mentre a Ginevra, al Cabinet des estampes du Musée d’art et d’histoire nel 1991, e a Mosca nel 1996 presso lo Shchusev Architecture Museum con una serie di nuovi lavori ispirati a Hölderlin.

MidnightSun Savina Tarsitano                     Dates: February 4-23, 2010   Location: Katuaq Culture Centre - Nuuk, Greenland In cooperation with the Italian Culture Institute of Copenaghen   email: reception@katuaq.gl web: www.katuaq.gl

On the 4 of February 2010 will be opened the exhibition entitled “MidnightSun” of the Italian artist Savina Tarsitano at the Cultural Centre of Katuaq in the capital of the Greenland, Nuuk. The opening will be in presence of the Italian Consul Erik Bjerregaard. The Greenlandic tour has been realized thanks to the cooperation of the Italian Culture Institute of Copenhagen.   Katuaq is a cultural venue for the whole of Greenland. It was opened on the 15th of February 1997 and is based in Nuuk. Katuaq is like a musical instrument that can begin to play at any moment. During the day it’s full of dreams - at night it acts like a magnetic field, drawing people into the light. Katuaq is a magical venue whose architecture was inspired by waving northern lights, icebergs and the play of light on ice and snow. The building was designed by architects Schmidt, Hammer & Lassen of Århus Denmark. Savina, born in 1970 in the Southern of Italy, Calabria. n 2007  Savina was artist in residency at the Upernavik Museum to continue her research on “The Island You Want”. Thanks to this experience, in 2008, an International tour exhibition entitled Sole di Mezzanotte”, « MidnightSun », « Soleil de Minuit » started. The exhibition has been showed in Ambronay, France during the International Festival of Baroque Music, in Brussels, Belgium, at the Danish Culture Institute in cooperation with the Italian Culture Institute, in Rome, Italy, at the Gallerati Gallery in cooperation with the Danish Embassy of Rome, in Greenland at the Upernavik Museum, and at the Art Museum of llulissat in cooperation with the Italian Culture Institute of Copenhagen.   During the last five years, through her projects “The island you want”, “The Third Buildings” “Shadow’s Map” she investigated the character, the differentia specifica of island space and historical monuments to develop an artistic theme. This hermeneutic operation touches upon both nature and history. Her research is underpinned on the concept of landing-place through stays in “theme-sites” as the islands, the abbeys, the castles. The works realized with different languages taking  on  the forms of  “ingrown visions” through a relation with the environment, which, beyond its apparent characters, configure itself as a visible territory.   Thanks to this project Savina obtained several fellowships/residency from different countries: Programme Odyssey supported by the French Ministry of Culture and Communication and set up by ACCR, Paris; the Bogliasco Foundation, the Upernavik Museum, the European project Et in Arcadia Ego, and the next will be with at the Chinese European Art Centre of Xiamen, China. Her stays on the island of Suomenlinna in Finland, on the island of Frioul in France, in the town of Bogliasco in Liguria on the Island of Martinique, on the island of Upernavik in Greenland, in the town of Ambronay, and in the town of Bereguardo  at the Palazzo del Majno” and in the town of Coswig at the “Schloß Coswig” were times of empirical investigation and creative development. She arrived armed with a study of chaos theory. This gave her a new way to look at nature: the idea that a point of view informed by scientific theory marked an unusual space for artistic images. Her work records an irreversible vision of the area between mathematics, landscape and historical monuments. Actually she lives and works at the Castle of Coswig (Anhalt) thanks to the European project Et In Arcadia Ego. In particularly, she continues her research on “Emotional Architecture” to explore how an art work establishes a dialogue with the universal archetypes, those who truly incarnate the emotions suggested by the character of the place, rather than with the specific memories the venue is equipped with.  Her artistic research focused on those moments of transition and change in the use of the building; authentic chaotic intervals in which not only “contemporary” architectural forms and structures emerge but the artist is also allowed a new sight. The artistic endeavour seeks to answer to the question of the potential characters a place possesses beyond its own history of assignment, creation, and function. Her work has been exhibited in France, Germany, Italy, Martinique, Greenland, United States (Los Angels), Belgium, Denmark, Finland, Holland.   Savina Tarsitano c/o Castle of Coswig (Anhalt) European project: Et In Arcadia Ego Scholstrasse 44 - D-06869 Coswig (Anhalt) e-mail: s_tarsitano@yahoo.it www.inarcadia.eu/ www.accr-europe.org/persona_fiche.aspx?persona_artiste_id=12  www.savinatarsitano.com

Fabrizio Scala

Coco Chanel da New York a Broggia.

Fabrizio Scala vive e lavora a Napoli, chiude il suo studio legale per dedicarsi completamente all'arte nella sua forma piu' essenziale : il disegno ! Il tratto di un pennarello e' il ''medium'' piu' efficace per scoprire il nuovo mondo, quello Artristico e contestualmente quello Americano...New-York apre nuovi orizzonti, gli svela il carattere della gente comune, lo seduce e lo spinge da subito all'essenzialità del segno, al gusto POP che ha contaminato tutti coloro che ne respirano l'aria...

Nel frattempo si misura con murales di grandi dimensioni e viceversa con piccoli oggetti come magneti e segnalibro che realizza e distribuisce presso la Feltrinelli e Mondadori. I contatti col suo primo pubblico li stringe essenzialmente con le esposizioni al ''Nais moment'' nel dicembre 2005,2006 e 2009.

In occasione del progetto ''artisti in vetrina'' in via Broggia proporrà dal vivo nelle vetrine Ramaglia un lavoro attinente la sua performance NUDI ''coco' chanel da new york a broggia'' che proseguirà nel suo studio di via tasso, 193 il 26 febbraio con il titolo ''coco' chanel da broggia alle curve di tasso'', il completamento di un'idea nata a New York nell' estate del 2009.

Maurizio Barretta

Inaugurazione 1 febbraio

Artisti in Vetrina Gino Ramaglia
via Broggia, 9/10 - Napoli

Maria e' la luce

Mostra collettiva

A cura di Francesco Buonerba e Vincenzo Pettinari

Artisti:
Paolo Bielli, Riccardo De Antonis, Monica De Bei, Rosa di Brigida, Agenore Fabbri, Lino Frongia, Nedda Guidi, Marina Haas, Mark Kostabi, Elisa Montessori, Laura Palmieri, Lily Salvo, Mario Schifano, Giuseppe Sciuti.
Special guest: Dominot

Vergine madre, figlia del tuo figlio,
umile e alta piu' che creatura,
termine fisso d'etterno consiglio.
Dante Alighieri

Le mie mani moriranno, tranciate da un barlume di luce,
per te figlio mio ti accarezzeranno ancora.
Tua madre
Giuseppina Julia

E' difficile dire con parole di figlio cio' a cui nel cuore ben poco assomiglio.
Pier Paolo Pasolini

Lascio a te queste impronte sulla terra tenere dolci
che si possa dire:
qui e' passata una gemma o una tempesta.
Alda Merini

Oh, niuna tanto osato avrebbe dalle donne ellene da me neglette,
che te scelsi a sposa,
te mia nemica, te rovina mia, leonessa e non donna,
e ch' hai natura selvaggia piu' della tirrena scilla.
Euripide

Non sono piu' madre tua io
della nuvola che distilla uno specchio per riflettervi la sua propria lenta cancellatura per mano del vento.
Sylvia Plath

Le, voci di tenebra azzurra... mi sembrano canti di culla,
che fanno ch'io torni com'era... sentivo mia madre...
poi nulla... sul far della sera.
Giovanni Pascoli

Immagine: Giuseppe Sciuti

Vernissage 2 febbraio dalle 18.30

Galleria Monserrato Arte '900
via di Monserrato, 14 - 00186 Roma

Do you want your face?

Ritratti

A cura di Rino Squillante

Dal 2 al 6 febbraio 2010 si terrà presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli la mostra -do you want your face-, questo progetto e' la conseguenza di un percorso di ricerca riguardante le tematiche delle pratiche artistiche contemporanee. Nell'ambito degli argomenti di trattazione del corso di Pittura Extramedia e Public e Social Art condotto da Rino Squillante quest'anno ci si e' concentrati sull'uso e l'importanza sociale del ritratto. Il progetto si sviluppa in una azione che comprende la comunità di persone che frequentano l'Accademia di Belle Arti di Napoli, fotografate e successivamente ritratte in disegni realizzati nella maniera tradizionale dagli studenti del corso.

''do you want your face'' e' composta da circa 600 ritratti di persone che a vario titolo frequentano l'Accademia e dunque risulta come una grossa installazione di social art in cui le tematiche delle relazioni si sviluppano attraverso la comunicazione legata all'uso tradizionale del ritratto rivisitato in chiave contemporanea con la pubblicazione e la condivisione in una piattaforma sociale (la mostra e l'evento pubblico).
In cambio dell'immagine ricevuta attraverso la foto, il ritratto viene donato a chi vi e' rappresentato .

Coordinamento generale Michela Scioli;
Per Public Zone* : Alfonso Dello Iacono, Imma Esposito, Sara Iafigliola, Maria Lo Presto.
I ritratti sono stati eseguiti dagli studenti iscritti al corso di Pittura del Triennio:Alessandro Armento, Antonio Della Guardia, Maria Giovanna De Sena, Aurora Gioia Nives, Chiara Savarese, Andrea Del Grosso, Rosa Anna Miele, Isabella Delle Cave ,Annamaria Nenna, Elena Paribello, Sonia De Francesco,Viviana Marchio',
*Public Zone e' un collettivo di azione su progetti di public art.

Inaugurazione 2 febbraio 2010 ore 11

Accademia di Belle Arti
via Costantinopoli, 107 - Napoli
Dal martedi al sabato dalle 10 alle 14, il venerdi' dalle 14 alle 18
Ingresso libero

Invito

Titolo evento: O+URANIA
Artista: Patrizio Cianci

Vernissage: Racconto visivo
Data: Venerdì 12 febbraio 2010 - ore 18.00

Visita la pagina dedicata sul sito picagallery

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

STUDIO STEFANIA MISCETTI
via delle Mantellate 14 - 00165 Roma                                     
t/f +39 (0)6 68805880, e-mail: mistef@iol.it


inaugurazione: venerdì 12 febbraio 2010
dalle ore 19.00 alle ore 23
da martedì a sabato orario: 16.00 – 20.00
chiusura: sabato 6 marzo 2010

Studio Stefania Miscetti è lieto di presentare la quarta edizione della rassegna video SHE DEVIL che anche quest’anno, in continuità con le precedenti edizioni, accoglie numerosi curatori ed artisti internazionali, dai più giovani ai più affermati, proponendosi così come una vera e propria piattaforma aperta a nuove e differenti esperienze.

SHE DEVIL, nome di un’eroina della Marvel e titolo del famoso film del 1989 di Susan Seidelman, allude in modo giocoso allo spirito diabolico e bizzarro con cui l’esperienza artistica indaga e attraversa il quotidiano. I video si focalizzano su una ricerca al femminile,  e mettono a diretto confronto i diversi percorsi di indagine. Scopo dell’iniziativa è di sollecitare, a volte con ironia, a volte con realismo, la coscienza collettiva su temi come l'identità femminile, il corpo come luogo di rappresentazione e significato, l'esperienza personale che assurge a dimensione universale anche quando è l’intimità delle artiste ad essere portata in primo piano.

I lavori presentati in questa edizione, selezionati nel panorama artistico italiano ed internazionale - dall’Africa, alle Americhe, all’Asia, all’Europa - indagano più specificatamente il discorso sulla donna e il potere, sulla vulnerabilità, il rapporto con l’identità, l’immagine, il corpo, la tradizione, il ruolo assunto e subito nei contesti domestico e professionale. Attraverso l’accostamento di linguaggi espressivi e prospettive diverse, la mostra ambisce ad investigare una tematica complessa ma quanto mai pregnante e a presentare opere video, mai mostrate a Roma, che complessivamente possano sollecitare una reazione forte e propositiva al tempo presente.

Special guest di questa edizione sarà inoltre Martha Rosler, artista da sempre impegnata nell’analisi politico sociale dei miti e delle realtà della cultura contemporanea. In mostra sarà presentato Vital Statistics of a Citizen, Simply Obtained (1977), lavoro incentrato sul problema dell’oggettivazione dei corpi e l’interiorizzazione delle norme che determinano il significato dell’essere donne.

curatori                invitano gli       artisti

Antonia Alampi                      Anetta Mona Chisa
Raffaele Bedarida                  Moira Ricci
Gianluca Brogna                   Monica De Miranda
Simona Brunetti                    Anna Franceschini
Benedetta Carpi                    Nandipha Mntambo
De Resmini
Gaia Cianfanelli                    Laura Fratangelo
Dobrila Denegri                    Ana Prvacki
Eleonora Farina                   Marinella Senatore
Maria Garzia                         Mariuccia Pisani
Caterina Iaquinta                 Luana Perilli
Orsola Mileti                         Nick Hooker
Manuela Pacella                  Grimanesa Amorós
Cristiana Perrella                Lida Abdul
Lydia Pribisova                   Tamara Moyzes
sybin                                    Grace Ndiritu
Julia Trolp                            Asli Sungu
Chiara Vigliotti                    Tara Mateik

Stephan Balkenhol

Personale

Siamo felici di annunciare una mostra di nuove opere di Stephan Balkenhol, uno dei maggiori scultori contemporanei, che la nostra galleria rappresenta in Italia dal 1996. Balkenhol ha realizzato anche numerose sculture pubbliche, tra le quali recentemente un torso maschile in legno di cedro alto 5 metri, esposto ai Fori Imperiali a Roma dal 25 ottobre 2009 al 15 gennaio 2010.

Nato a Fritzlar (Hessen) in Germania nel 1957, Stephan Balkenhol da piu' di vent'anni infonde nuova vita alla scultura figurativa con opere di grande intensità ed originalità. Dopo aver studiato all'Accademia di Amburgo come allievo dello scultore minimalista tedesco Ulrich Rückriem, Balkenhol scopre ben presto la sua predilezione per il legno come materiale e la sua vocazione a voler "re-inventare la figura".

Le figure vengono scolpite con precisione da un unico tronco di legno ed illuminate dal colore. Nonostante l'uso di questa tecnica tradizionale, i soggetti non aspirano all'eroico, bensi' rappresentano con sobrietà e ironia l' uomo del nostro tempo, che Balkenhol osserva nelle numerose fotografie che scatta per le strade. All' immediatezza della figura scolpita, le sculture di Balkenhol uniscono l'essenzialità della tradizione minimalista, fondendo cosi' due tendenze dell'arte contemporanea diametralmente opposte. La materialità del legno e' sempre presente e i gesti dello scultore rimangono visibili, accentuando la vitalità della superficie. Le figure umane mantengono un'espressione neutrale ed enigmatica, che non svela sentimenti o passioni, ma sembra racchiuderne il mistero.

Le opere di Stephan Balkenhol si trovano nelle collezioni di alcuni tra i piu' prestigiosi musei del mondo, tra cui l' Hirschhorn Museum and Sculpture Garden di Washington, la Tate Gallery di Londra, il Museum für Moderne Kunst di Francoforte e la Nationalgalerie di Berlino. Sono inoltre state presentate in mostre personali in musei europei e americani, tra i quali recentemente il museo Deichtorhallen di Amburgo (2008-2009), la Staatliche Kunsthalle di Baden Baden, il Museum der Moderne di Salisburgo (2006-2007), il Padiglione d' Arte Contemporanea di Milano (2007), il National Museum of Art di Osaka (2005), lo Sprengel-Museum di Hannover (2003) ed il Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela (2001).

Immagine: Female Nude, 2010, wawa wood, cm 52 x 17 x 4,5

Inaugurazione giovedi' 4 febbraio 2010 ore 18

Galleria Monica De Cardenas
Via Francesco Vigano' 4, I - 20124 Milano
Orario: da martedi' a sabato ore 15 - 19
ingresso libero

Di-segni

Taccuino immaginario di appunti, schizzi, progetti e illustrazioni

opere di Mirko Baricchi, Elisa Bertaglia, Marcel Dzama, Carola Faller-Barris, Neil Farber, Pino Pascali, Fabrizio Plessi

Mirko Baricchi, diplomatisi nel 1992 all'Istituto per l'Arte ed il Restauro di Firenze, si stabilisce per un anno a Città del Messico occupandosi di grafica pubblicitaria. Dal suo ritorno in Italia la sua attività pittorica ha un crescendo di consensi in Italia e all'estero. Nel mese di maggio, prima di partire per Los Angeles per la sua prima personale negli USA, presenterà alla Galleria Traghetto a Roma un inedito progetto installativo site-specific formato da centinaia di disegni.

Per Elisa Bertaglia, giovane artista veneta selezionata alla 93sima Collettiva Giovani Artisti della Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia con l'opera che qui proponiamo, -nei disegni si sviluppano le radici piu' profonde dell'immaginario-. Populus e' una composizione di trenta disegni raffiguranti personaggi, animali e piante, -articolati in nuclei tematici che definiscono, nella propria contiguità, differenti trame narrative-.

Marcel Dzama, nato a Winnipeg, in Canada, nel 1974, e' noto per le sue composizioni figurative di penna e acquerello popolate da personaggi di origine umana e animale, nonche' ibridi antropomorfi, terroristi, infedeli, soldati, cowboys e femmes fatales. Dzama e' stato recentemente insignito del prestigioso premio canadese Sobey Art Award. I prossimi progetti dell'artista includono una mostra personale al Muse'e d'Art Contemporain de Montre'al nel 2010.

Carola Faller-Barris, nata a Friburgo, laureata in Pedagogia delle Belle Arti e Teologia all'Università Joannes-Gutenberg a Magonza, lavora con una tecnica disegnativa analitica e iperrealistica rendendo visionarie e surreali le sue opere. Usa un linguaggio minutamente descrittivo e narrativo, per rappresentare singoli oggetti estrapolati dal loro contesto, posti sotto la lente di ingrandimento e riprodotti in un intrico di linee e ombre.

Neil Farber e' con Marcel Dzama uno dei fondatori del collettivo di artisti canadesi The Royal Art Lodge nato nel 1996. Con un disegno semplice ma espressivo che ricorda le illustrazioni dei libri per bambini, l'artista descrive un mondo che oscilla tra le paure dell'infanzia e le fantasie dell'età adulta, nel quale trovatelli-bambini, cani, gatti, fantasmi e figure di Dracula si muovono in situazioni apparentemente innocenti eppure ansiosamente assurde in un continuo rimando alle atmosfere gotiche del dark humour.

Tra il 1958 e il 1967 Pino Pascali, performer geniale, concettuale, gioioso, visse una lunga e proficua collaborazione con Sandro Lodolo, il cui studio Lodolofilm produsse decine di sigle TV, caroselli e spot pubblicitari. Di quel periodo rimangono i disegni, su carta o acetato, singoli o in fotomontaggio, come ad esempio il cartone animato dei Killers, i piccoli gangsters cui la Algida, affezionata madrina delle creaturine di Pascali dal '61, non volle affidare le sorti commerciali del suo listino gelati del '67

Fabrizio Plessi ha scritto sulla sua opera La cariatide dei poveri: -La casa del futuro non sarà una casa, ma una valigia, un pacco, un involucro. Povere cose da trasportare da un punto all'altro della propria povera esistenza. Si', perche' saremo tutti poveri. Non colonne barocche, non cariatidi ellenistiche, ma valige e valige, una sull'altra-, cumuli di valige come vecchi totem, logori da un turbamento in atto, quello del non stare mai fermi.-

Immagine: Cariatide dei poveri, 1992, tecnica mista su carta, cm. 100x70

Inaugurazione: giovedi' 4 febbraio 2010, ore 18.30

Galleria Traghetto Roma
Via Reggio Emilia 25, 00198 Roma
aperto dal martedi' al sabato dalle 14.30 alle 19.30 o per appuntamento
ingresso libero

Gianpaolo Cono

Percorsi Napoletani: Girando per la citta' entro limiti evidenti

Linee interrelate e interagenti, un dedalo che ricalca le connessioni di una struttura portante costruitaci dentro e intorno dal potere delle immagini e della comunicazione, un'istantanea, vista al microscopio, dell'infinita complessità di disvalori che caratterizzano una cultura. Con questa introduzione di Christian Iorio, la Galleria Monteoliveto di Napoli, ci invita al vernissage del 4 febbraio dal titolo: Girando la città entro limiti evidenti e presenta la personale in Italia delle opere pittoriche dedicate alle reti dell'artista napoletano Gianpaolo CONO che rappresenterà insieme ad altri 8 artisti la GalleriaMonteoliveto all'importante Salone di Montecarlo Art Monaco 10.

La mostra traghetta con passione, arte e sensibilità, l'idea-progetto della galleria dei Percorsi napoletani nel 2010. Nel labirinto della città di Napoli, le opere di Gianpaolo Cono raccontano le stratificazioni dell'esistente attraverso la visione prospettica delle reti e spingono verso vie di fuga alle griglie urbane dello spazio- tempo quotidiano, invitando a romperne i rigidi reticolati e offrendo la speranza di una scelta diversa per il nostro ambiente urbano e umano. Brigitte Camus, critico d¹arte francese, definisce l'opera di Cono L'inferno delle reti e dichiara difficile uscire indenni dalle opere di Gianpaolo Cono.

Nel catalogo della Mostra, prefazione di Carmelo Trigiglio, presentazione di Christian Iorio e note critiche di Brigitte Camus (Paris).
Presentazione di Christian Iorio.
In mostra, insieme alle opere dell'artista, anche opere facenti parte di collezioni private in Italia, Inghilterra e Giappone, messe a disposizione dai proprietari.

Inaugurazione 4 febbraio 2010, alle 18

Galleria Monteoliveto
Piazza Monteoliveto, 11- Napoli
Orari di apertura: da martedi' a venerdi' ore 10.30-13.30/16.30-19.30
apertura sabato in occasione di mostre, eventi o vernissage
ingresso libero

Jara Marzulli e PU:RE

Doppia personale

Contemporanea inaugura il nuovo anno con una doppia personale: PU:RE/Jara Marzulli, dedicata alla giovane arte contemporanea. L'esposizione non risparmia forti emozioni, shock visivi e improvvise incursioni di chiassose, ma dosate, cromie, che rapiscono l'osservatore il quale rimane colpito ed incuriosito da questa strana accoppiata di carte vincenti. Seppur tecnicamente abbiano modi compositivi estremamente differenti, praticamente opposti, entrambi nascondono al di sotto della superficie pittorica un messaggio, che a ben guardare non e' poi nemmeno tanto criptato, una necessità interiore di avvicinare l'arte e lo spirito, indagando l'anima del mondo, delle donne e degli uomini.

Le opere selezionate sembrano parlarsi dall'alto dei chiodi a cui sono appese; interagiscono, conversano l'una con l'altra, aprendo dibattiti, discussioni, compostamente lei, vivacemente lui, in un connubio perfetto ed armonico, senza alcuna nota stonata. Ci parla d'amore PU:RE, di un amore amaro. L'incessante esigenza di un distacco dal reale lo porta ad astrarre i soggetti dal proprio contesto, posizionandolo su di una superficie anonima; l'uso del bianco e nero e' una costante necessità d'espressione, cristallizza le figure fermandole nel tempo. Come vecchie foto, testimoni di un passato lontano, acquistano autorevolezza nel trasmettere quel messaggio sempre presente in ognuna di esse, e vengono attualizzate dall'autore attraverso improvvise incursioni di colore.

Jara Marzulli pone, invece, al centro del suo universo creativo il corpo femminile, che diviene mezzo di interazione e comunicazione, strumento di un dialogo muto dove a parlare sono gli occhi, i gesti. L'ago e il filo divengono simbolo di rigenerazione, cura ed espiazione delle ferite di cui portano i segni sulla pelle, sottopelle, indelebili, pronti ad esser richiamati alla memoria. Strumenti antichi, l'ago ed il filo, di passate tradizioni, che ritornano in queste opere crudeli e spietati, nell'ora in cui il ricamo diviene tatuaggio, emblema di unione, allegoria di un'intimità tutta femminile, refuso di un passato lontano non del tutto perduto, radicato nell'essere donna, sopito e distratto dall'evoluzione della specie.

Testo critico a cura di Alessia Cervelli

Vernissage 4 Febbraio 2010 ore 19

Contemporanea Galleria d'Arte
vicolo Sugarelli, 6 - Roma
orari di apertura: martedi'-venerdi' 16:00 - 20:00 e sabato su appuntamento
Ingresso libero

Salvatore Ciaurro

Il tempo di Ciaurro

a cura di Mauro Giancaspro

L'azione del tempo che, progressivamente, allontana la vita dalla bellezza, il dolore e la desolazione dell'uomo che cercano sollievo nel sogno e nella fantasia: da questo nuovo indirizzo di ricerca nasce una nuova, inconfondibile cifra di Salvatore Ciaurro, che espone a Napoli dal 4 febbraio nella sala Leopardi della Biblioteca Nazionale.

Ciaurro non ha rinunciato alla sua vocazione di ritrattista e al piacere di una rappresentazione- Le struggenti e languide figure, dai corpi attraenti ed atletici, - commenta Mauro Giancaspro , curatore della Mostra , nella prefazione al catalogo - perderanno gradualmente la nettezza del contorno e del modellato per farsi piu' assottigliate, piu' evanescenti, piu' trasparenti, piu' pulviscolari. -

-Questa recente metamorfosi - aggiunge Giancaspro- ha certamente incrinato la serenità smaltata delle sue figure muliebri, dei suoi gruppi, delle sue -nature vive introducendo nelle sue tele l'inquietudine dell'inesorabile scorrere del tempo, ma anche la magia del sogno e della malinconia, quella stessa magia che la città di Sintra - ouverture e sipario della mostra - lascia presagire allo spettatore che accede alla esposizione e che resta impressa, a percorso finito, nella sua mente-.Fino al 22 febbraio lun/ven. ore 10-13, 16-18.30 sab. ore 10-12//lydiatarsitano.

Inaugurazione 4 febbraio ore 18

Biblioteca Nazionale Vittorio Emanuele III
Piazza Plebiscito, 1 - Napoli
Orario: lun-ven 10 - 13 e 16 - 18, sabato 10 - 12,30
Ingresso libero

Toy-Tano

Art toys

a cura di Alessandro Cocchia

Venerdi' 5.2.2010 ore 19:00 si inaugura -TOY-TANO-, la collettiva organizzata da ALESSANDRO COCCHIA c/o -PURP- (vico Carceri San Felice n. 23 - Napoli. Info: 328/3565201, www.alessandrococchia.com), visitabile sino al 26.2.2010 dal lunedi' al sabato, dalle 17:30 alle 20:30. Ingresso libero.

La nuova collettiva voluta da Cocchia, coinvolgendo alcune tra le personalità piu' originali ed estrose della scena artistica napoletana, mira a cogliere una tendenza già diffusa all'estero, quella degli -Art Toys-, e farla propria, sino a rielaborarla in maniera inedita e a comunicarla al tessuto piu' vivido e fertile della città. Questo l'intento che ha animato il designer napoletano nell'allestimento presso la sua factory. Accanto a cio', pero', un altro scopo: quello di raccogliere fondi, col ricavato della vendita dei pezzi in mostra, da devolvere alla O.N.L.U.S. -Roadway for Others-, e in particolare al progetto -Roadway for Africa-, per rifornire di farmaci una clinica in Senegal nata beneficamente e operante sul territorio (http://www.roadwayforafrica.com).

Cosi', per una causa piu' che altruistica, una quanto mai varia teoria di -Art Toys- sarà protagonista del corpus espositivo. Gli -Art Toys- sono pura -follia decorativa', nuova ossessione per i collezionisti, che orbitano tra street art, trend creativi underground, web culture, sintassi comunicative non ortodosse, ma sperimentali, con un occhio al Nord Europa e al Giappone, e un altro alle capitali USA. MUNNY e DUNNY, due modelli della Kidrobot (insieme a Toy2R, due tra i marchi produttori piu' forti nel settore), altro non sono che pupazzi (banalizzandoli, cosi' li si potrebbe definire!) di varie dimensioni (dai 7 ai 50 cm di altezza), nati dall'idea dell'artista newyorchese Tristan Eaton e del proprietario della Kidrobot Paul Budnitz, e dopo poco esplosi come fenomeno di massa che dagli appassionati si sta diffondendo, tramite il web, in tutto il mondo. Grande spinta a cio' e' stata data dall'intervento su questi -mini-fantocci-giocattolo' di creativi come Gary Baseman e Jeremyville (il primo ad aver curato una pubblicazione sugli Art Toys), che hanno illustrato, dipinto, personalizzato i modelli neutri, rendendoli pezzi d'arte e da collezionismo unici, o a tiratura rigorosamente limitata. In una parola, li hanno - come si direbbe in inglese - -customizzati-, modificandoli secondo il proprio gusto e stile, facendoli diventare veri e propri oggetti d'arte, con cui in vari paesi vengono organizzate mostre ed esposizioni.

Lo sguardo lungo di Cocchia, creativo al passo coi tempi e perfettamente calato in una cultura globale, ha saputo afferrare questo trend, riproponendolo ad artisti nostrani: graphic designer, fotografi, chef, tatuatori, body artist, creativi, illustratori, writer e videomaker. Ed ecco il risultato: ognuno, secondo le proprie ascendenze e inclinazioni, ha personalizzato il suo MUNNY, conferendogli esclusività. Maria Luisa Firpo, Mario Avallone, Mimmo Moxedano, Alessandro Cocchia, Roberta Della Volpe, Dadà Di Donna, Sayrel Silva, Fabio Fumo, Ruben Sebastien, Pasqualone, Ognissanti, Iabo e Amedeo Califano sono riusciti a travasare il proprio linguaggio artistico in queste creazioni. Cosi' sono nati piccoli Munny floreali, altri travestiti da Stalin-Star, altri ancora incartati con involucri di pregiati cioccolatini francesi artigianali e poi messi in una rete da caciocavallo, minuscole donne manga, ironiche, irriverenti e aggressivamente provocatorie, alcuni che ricordano gli omini di -Mario Bros-. E oltre. Avveniristici esploratori/esploratrici pronti all'allunaggio con stendardi autobiografici, bambolottini che fanno piercing e tatuaggi, Munny ricoperti da inserti di giornale e carta, o con vere e proprie armature di ferro con elmo e alabarda, sino all'apoteosi del tipico San Gennaro di Cocchia, con tanto di tiara e bastone pastorale in rame. Del resto, già dal titolo della mostra s'intravede la miscela di ironia e inventiva: gioco e giocattolo (Toy) che dall'estero qui a Napoli si veste del tipico diminutivo partenopeo -Tano-, per creare un calembour che riecheggia, in assonanza col logo -Purp-, il suo parente stretto, il -totano'

-PURP-, SAVE THE FANTASY FACTORY
Il nome -Purp- non e' una scelta causale: e' la perfetta unione dell'ironia -made in Naples' ('O Purp, il polpo, per i partenopei!) e una nuance cromatica, -purple', viola, cara a Cocchia. Nel cuore antico della città uno spazio giovane, dinamico, versatile, pronto a recepire e rielaborare in maniera inedita i trend piu' originali della street culture e di svariate forme d'arte e comunicazione provenienti dalle capitali nordeuropee e delle megalopoli statunitensi. Un'officina creativa in cui colore e immaginazione la fanno da padroni e le idee piu' innovative vengono accolte, sviluppate e diffuse. Uno spazio espositivo che non ha la presunzione di definirsi gallery, ma che ha tutte le caratteristiche di una fucina in cui estro e inventiva vengono privilegiati in una felice sinergia tra illustrazione, cinema, pittura, fumetto, cartoon e graffiti. Il motto della factory e' -Save The Fantasy-, per chi non ha nessuna intenzione di rinunciare alla magia del gioco e del fantastico.

Inaugurazione 5 febbraio ore 19

Purp
vico Carceri San Felice, 23 - Napoli
Orario: dalle 17:30 alle 20:30, domenica chiuso
Ingresso libero

Helen Marten

Wicked patterns (cattivi schemi)

....................English below

Il 5 febbraio, T293 inaugura la prima mostra personale di Helen Marten intitolata 'wicked patterns' (cattivi schemi). La mostra prende il titolo da una dichiarazione che descrive le applicazioni decorative della formica nei mobili Memphis. Avvolte in queste parole vi sono associazioni in caduta libera: riferimenti al Cubismo, Futurismo, Art Deco, graffiti, alla giungla e alla città, alla fantascienza, ai cartoni animati, alle stampe africane, e ai fumetti giapponesi - un labirinto infinito di marchi, loghi e grafica da cui lanciarsi.

Con il termine 'wicked' tocchiamo vari signigificati linguistici, dall'esperssione -cool' di -cattivissimo' del linguaggio colloquiale, passando per il linguaggio degli SMS (WKD!), fino al perverso, patetico e diabolicamente giocoso signifcato di cattivo comportamento. Questo sfocato, sovrapposto andirivieni di arte e storia del design fornisce un vocabolario già saturo di immagini da mettere insieme. Ed e' da questo riarrangiare e riassorbire roba e quantità stranote di riferimenti culturali, che l'opera trova il suo senso dell'umorismo.

L'araldica, gli allucinogeni e le -emoticon' scivolano attraverso le sacre linee del modernismo fino alla banalità della produzione di massa; le tendenze corporative crollano sotto la pignoleria ornamentale ed il valore d'uso viene mimetizzato sotto una cacofonia di modelli e colori. Il lavoro e' rafforzato anche da un interesse feticistico nei materiali e nella manualità, entrambi messi insieme con uno -sputo' di tipo estetico, e la leccata, lucida brillantezza della fabbricazione industriale: le superfici lisce si alternano ad arrrangiamenti rovinosi, cenni architettonici siedono accanto ad immondizia, fragilità, ossessività e una sorta di grafica erotica. Simboli e personalità sono designati, solo per essere riassegnati o manipolati attraverso livelli ulteriori di dettagli di materia.

'George Nelson', fa un richiamo scherzoso al padre del modernismo americano, mentre due sculture che fanno riferimento a delle sedie accennano a un dialogo umoristico tra autori canonizzati (Rietveld + Wegner). Tintin di Herge' fonde la piu' famosa delle euro-centriche sillhouettes con l'iconografia delle compagnie aeree, sollevando questioni di interesse politico e culturale. L'artista fa un omaggio allo spirito punk del fai da te e all'esuberanza di strada, e difende i giochi infantili da dilettanti. Continuamente spinta, allungata ed esagerata, l'atmosfera che ne risulta e' lasciata ai capricci del gusto, del ritmo e dello stile.

Helen Marten, Nata nel 1985, si e' diplomata presso la Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford.
Vive e lavora a Londra.

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On 5th February, T293 opens Helen Marten's first solo exhibition, 'wicked patterns'. The show poaches its title from a statement describing the decorative applications of Formica in Memphis furniture. Wrapped in these words are a freefall of associations: references to Cubism, Futurism, Art Deco, graffiti, jungles and towns, science fiction, cartoons, African prints, Japanese comics - an endless maze of marks, logotypes and graphics from which to leap. In -wicked' we nudge through linguistic meanings, from the cool -totally wicked' of colloquial language, through glib txt-spk (WKD!), to the perverse, pathetic and playful evil of misbehavior.

This blurry, overlapped to-and-froing of art- and design histories provides an already saturated vocabulary of images on which to piggy-back. And it is from this eking out and reabsorbing of stuff, of already known bundles of cultural baggage, that the work finds its humour. Heraldry, hallucinogens and emoticons skid via modernism's sacred lines to the banality of mass production, corporate leanings collapse under ornamental fussiness and use value is camouflaged beneath a cacophony of patterns and colours.

The work is also underpinned by a fetishised interest in materials and the handmade, both a stuck-together-with-spit kind of aesthetic, and the slick, shiny gloss of industrial manufacture: smooth surfaces alternate with ruinous arrangements, and architectural nods sit alongside trashiness, fragility, obsessiveness and a kind of graphic erotica. Symbols and personalities are designated, only to be reassigned or manipulated through further layers of material detail. -George Nelson', makes playful reference to the father of American Modernism, whilst sculptures referencing two chairs hint at humourous dialgoue between canonised authors (Rietveld + Wegner).

Herge''s Tintin conflates the most famous of Euro-centric sillhouettes with airline iconography, raising questions of polictial and cultural currency. The artist plays homage to the punk spirit of DIY and the exuberance of backyard, amateur or boyish fiddlings is championed. Continually poked, stretched and overblown, the resulting mood is left to the whims of taste, pace and style.

Helen Marten, Born UK, 1985 and graduated from the Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford.
Lives and works in London.

Inaugurazione 5 Febbraio 2010, alle 19

T293, Via Tribunali 293, Napoli
oario: mart-sab 12-19
ingresso libero

Angelo Casciello

Disegni e maquettes

Sabato 6 febbraio 2010, alle ore 18,30, nel Salone delle Conferenze del Fondo Regionale d'Arte Contemporanea di Baronissi, sarà presentata al pubblico la mostra di disegni e maquettes di Angelo Casciello, tra i principali interpreti dell'arte contemporanea italiana.

Sulle pareti della Galleria dei Frati, sessanta disegni, scelti dal curatore il prof. Massimo Bignardi, tracceranno i passaggi di un'esperienza dell'artista poco noto, segnando i tempi che dal 1979, data della sua prima personale alla galleria Lucio Amelio di Napoli, giungono ai primi del duemila, attraverso le opere significative tirate fuori, per l'occasione, dagli album, dalle cartelle, dai notebook.

Il percorso espositivo e' scandito dalle maquettes che segnano, nei desideri del curatore, una sorta di pausa e, al tempo stesso, un avvio di quella metamorfosi che condurrà al segno plastico: dieci piccole sculture, esposte per la prima volta, espressioni di una creatività che ha fatto propria la vitalità del bacino archetipico mediterraneo.

-Questa mostra - rileva Giovanni Moscatiello sindaco di Baronissi - seguirà l'inaugurazione della Stazione di Mugnano della Metropolitana di Napoli, certamente una delle opere del maestro Casciello che maggiormente testimonia la sua capacità di porsi come identità di una cultura artistica che guarda al proprio tempo, alle grandi masse delle città. Aver scelto di indagare gli aspetti del disegno e' stato, ancora una volta, il voler rimarcare il carattere di ricerca che da sempre ha contraddistinto l'attività dal Frac-.

Tra le principali opere esposte si segnalano un gruppo di disegni acquerellati che l'artista ha realizzato, tra la fine degli anni Settanta e i primi degli Ottanta, quale omaggio alla terra, al suo essere spazio e luogo dei segni dell'esistenza, del duro lavoro dei braccianti e, al tempo stesso, alla sua generosità di madre che accoglie la vitalità del seme, pronta a rigenerarsi. Un segno che, nei lavori della metà del decennio Ottanta - in mostra i primi studi delle opere esposte alla Quadriennale di Roma e alla Biennale di Venezia del 1986 -, cederà ad un dettato piu' essenziale, ad una sorta di sintesi che insiste su una linea funzionale.

Il quotidiano esercizio del disegno accompagna da sempre, sin dalle prime prove giovanili, l'esperienza di Casciello: pratica intesa come attraversamento di un'immaginazione fertile, disposta a cogliere le suggestioni, le pulsanti atmosfere del nostro quotidiano. Esercizio che ha tradotto anche in dimensioni ambientali, senza cedere alla tentazione di trasportare in scala monumentale, autoreferenziale, il proprio segno, anzi tessendo una fitta trama narrativa che si pone nello spazio, nell'architettura, cosi' come e' stato per l'intervento dal titolo Apparizioni regali, realizzato alla Reggia di Caserta tra l'estate e l'autunno del 2007 .

-Angelo - scrive Bignardi in merito a questa esperienza - ha lavorato nelle sale della Reggia, anche nelle tarde ore del pomeriggio, quando le architetture, le cose e gli oggetti allungano la loro sagoma di ombra sulla terra e il giorno si fa preannuncio alla sera; ha disegnato solo con il nero, con le ombre che esso lascia come -bave', tracce che raccontano di una sofferta attesa, di qualcosa che, per giorni, ha velato di ansia e trepidazione la sua capacità d'impaginare il futuro. Ha saputo narrare la sua fragile condizione di fronte alla paura che e' propria di chi attende con il fiato sospeso; l'ha saputa elevare, con leggerezza a condizione dello spirito, rinunziando alla gravità terrena del dolore.

Questo grande segno, questo specchio lucido nel quale e' possibile scoprire ogni attimo del suo evolversi come racconto e' posto in dialogo con tre piccole sculture che Casciello ha voluto inserire nel breve tracciato che raccorda tra loro le tre sale: sono corpi che scandiscono lo spazio posti come figure che interloquiscono con la superficie, oggettualizzandone i segni, imprimendo ad essi la cifra di evidenze immaginative-. È la stessa scelta fatta per l'impaginazione dell'allestimento nella Galleria dei Frati e negli spazi adiacenti, ponendo le maquettes di alcune sculture, fondamentali nell'esperienza dell'artista: pause di sculture, dove il segno si fa evidenza plastica, ancora trattenuta nella dolcezza poetica di materiali minimi, la carta, il fil di ferro, l'argilla essiccata, il legno di stuzzicadenti, insomma un repertorio suggerito dall'improvvisazione.

In occasione della mostra sarà pubblicato, dalle edizioni Plectica, il volume dal titolo Angelo Casciello. Le giornate disegnate, un lungo ed articolato saggio di Massimo Bignardi sull'artista e sul suo esercizio quotidiano del disegno, accompagnato da una breve antologia della critica e un apparato biografico e bibliografico curato da Valentina Landi e Stefania Santoro, nonche' un ampio repertorio dei disegni .

Angelo Casciello e' nato a Scafati nel 1957. Frequenta l'Accademia di Belle Arti di Napoli dove si diploma in Pittura. Sin dagli esordi sposa l'idea di una pittura direttamente connessa al mondo agricolo, sia nell'adozione dei materiali (per lo piu' vicini al quotidiano), sia negli spazi. Nel 1979 tiene la sua prima mostra personale alla galleria Amelio di Napoli. Negli anni Ottanta il suo lavoro rimane legato ad una precisa idea di pittura: nelle opere permane il legame indissolubile con la terra, tipico della stagione giovanile, caricato, pero', di valori simbolici. Del 1986 sono la personale presso lo Studio Gianni Caruso di Torino, l'invito alla XI Quadriennale di Roma e ad -Aperto '86- della Biennale di Venezia. Negli anni Novanta la sua pittura torna ad un'esigenza narrativa, scegliendo una rappresentazione che si dona mediante un gioco calibrato di piani; la scultura degli stessi anni si imposta sempre piu' come percorso dialogico con il contesto ambientale in cui va ad inserirsi. In questo giro d'anni gli sono dedicate numerose mostre personali in gallerie e musei del tessuto italiano, tra le quali la mostra antologica del 2003 dedicatagli dalla Città di Napoli in collaborazione con la Regione Campania al Castel dell'Ovo dal titolo Casciello - percorsi 1973-2003. Negli ultimi anni Casciello consolida la ricerca di dialogo con l'ambiente in cui l'opera va ad inserirsi. Esempi di quest'ultima fase sono il lavoro Apparizioni Regali, esposto dal 28 luglio al 14 ottobre 2008 per la Reggia di Caserta (e distrutto dopo l'intervento) e la Stazione di Mugnano della Metropolitana Campana che sarà inaugurata a metà dicembre 2009. È stato nominato dal Papa Benedetto XVI Membro Ordinario della Pontificia Insigne Accademia di Belle Arti e Lettere dei Virtuosi al Pantheon.
Ufficio stampa: Giuseppe Napoli

Servizio Cultura - Sport, Comune di Baronissi
tel. 089 828210 - fax 089 828217
E-mail: cultura@comune.baronissi.sa.it
Web site: http://www.comune.baronissi.sa.it

Inaugurazione sabato 6 febbraio - ore 18,30

Frac, Galleria dei Frati
via convento, Baronissi
Orario di apertura: lunedi' - venerdi' ore 9.00/13.00 - lunedi' e giovedi' anche ore 16.00/19.00
sabato, domenica e festivi: previste aperture straordinarie (Infoline: 089 828210 - 328 8605476)
ingresso libero

Gli artisti della galleria dialogano con diversi autori selezionati

Dopo il successo della prima esposizione allestita lo scorso gennaio nell'ambito del progetto -Only Art Together-, la Galleria d'Arte Contemporanea Artekostia di Albinea (RE) presenta, dal 6 al 24 febbraio, una nuova collettiva con opere di undici autori contemporanei. Il progetto, che si concluderà alla fine di aprile, prevede infatti la realizzazione di un ciclo di cinque esposizioni in cui le ultime ricerche degli artisti che la galleria tratta in esclusiva (Marco Arduini, Nicla Ferrari, Anno Matthias Henke, Costantino Piazza, Michele Sassi ed Andrea Valenti) dialogano, di volta in volta, con diversi autori selezionati nel panorama artistico nazionale ed internazionale.

Artisti affermati e giovani talenti in una rassegna che, piu' che alle leggi del mercato, guarda alla qualità delle proposte, per presentare al pubblico quegli autori che, come spiega il gallerista Costantino Piazza, -immettono nelle loro opere concettualità nuove o affrontano tematiche in modo originale-.

In occasione del secondo momento espositivo, previsto dal 6 al 24 febbraio, accanto alle opere di Marco Arduini, Nicla Ferrari, Anno Matthias Henke, Costantino Piazza, Michele Sassi ed Andrea Valenti, Artekostia ospiterà anche i dipinti di Maddalena Barletta (Bologna), Massimo Canuti (Guastalla, RE), Myriam Cappelletti (Prato), Fiorella Manzini (Bologna) e Federica Rossi (Collecchio, PR), artisti diversi per stile e linguaggio, ma accomunati da una costante ricerca. La mostra sarà visitabile fino al 24 febbraio 2010 con il seguente orario: lunedi'-venerdi' 18.30-23.00, sabato, domenica e festivi 16.00-23.00. Le successive esposizioni si terranno dal 27 febbraio al 17 marzo, dal 20 marzo al 7 aprile e, per finire, dal 10 al 28 aprile.

Marco Arduini e' nato nel 1959 a Reggio Emilia, dove vive e lavora. Diplomato all'Istituto d'Arte Gaetano Chierici di Reggio Emilia, dal 1997 ha preso parte a numerose esposizioni in Italia e all'estero. Nicla Ferrari nasce a Cavriago, dove vive e lavora. Stilista per prestigiose case di moda, dal 2000 si dedica alla pittura, prendendo parte a numerosi concorsi ed esposizioni. Anno Matthias Henke, nato a Marburg (Germania) nel 1965, vive e lavora a Bologna. Dal 1987 ha tenuto numerose esposizioni in Italia ed in Germania. Costantino Piazza, pittore, gallerista e poeta, nasce a Palermo nel 1953. Si trasferisce prima a Milano e poi a Reggio Emilia, dove e' conosciuto con lo pseudonimo di Kostia.
Michele Sassi, nato nel 1970 a Sassuolo (MO), vive e lavora a Villalunga di Casalgrande (RE). Insegnante di scultura, ha preso parte a diverse esposizioni personali e collettive. Andrea Valenti, nato a Siena ma residente a Parma, si e' laureato al Politecnico di Milano. Dopo la prima mostra, allestita nel 1997 a Bologna, ha preso parte a numerose esposizioni personali e collettive.

Ufficio stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte
via S. Pietro Martire 16/A, 42121 Reggio Emilia tel 0522 1970864, fax 0522 1970864, info@csart.it

Inaugurazione 6 febbraio 2010

Galleria d'Arte Contemporanea Artekostia
Via Morandi, 1/B - Albinea (RE)
Orario:
da lunedi' a venerdi' ore 18.30-23, sabato, domenica e festivi ore 16-23
Ingresso libero

Grafiche, pitture, ceramiche e sculture

a cura di Enzo Angiuoni e Luciana Bertorelli

La mostra d'Arte ''EVENTI D'ARTE MITTELEUROPEI 2010'' comprende artisti del Friuli, dell'Austria, della Croazia nonche' artisti del bacino Mediterraneo e naturalmente del nostro territorio.

Artisti partecipanti: Antonia Acri - Augusto Ambrosone - Giuseppe Amoroso - Enzo Angiuoni - Luciana Bertorelli -Letizia Caiazzo - Luigi F. Canepa - Giancarlo Caneva - Laura Carone - Roberto Di Gianpaolo - Claudio Di Lorenzo - Maria Teresa Di Nardo - Claudio Mario Feruglio - Tonina Garofano - Nicola Guarino - Nadia Loletti - Bruno Paladin - Tommaso Resta - Nelly Sanzi - Pippo Spina - Rosa Spina - Emanuela Spazzarini - Gemot Schmerlaib - Beartice Tavernese - GianfrancoVasile.

Sono in tutto 25 artisti di diversa formazione,alcuni con un'esperienza di oltre quarant'anni di attività alle spalle,formatisi presso Accademie prestigiose che hanno aderito con l'entusiasmo del neofita a questa mostra itinerante che toccherà diverse sedi prestigiose sul territorio nazionale...altri giovanissimi ma già sicure promesse...alcuni usano tecniche difficili e un po' desuete come l'acquerello,che richiede una sicurezza ed una leggerezza particolari e come la scultura in marmo e pietra...,altri sono maestri nella grafica digitale con cui elaborano visioni quasi surreali ..

Sono esposte grafiche, pitture,ceramiche e sculture.
Una mostra quindi che riflette le diverse ''anime '' dell'arte e che merita di essere vista.

Il Catalogo sarà presentato nel mese di Aprile 2010.

Inaugurazione 6 febbraio ore 17

Gallerie del cavallo
via fratelli Cervi, 1 - Valleggia (SV)
Orario: 16-19
Ingresso libero

OPERA UNICA

Nunzio De Martino

“NOTE“

Mercoledì 17 Febbraio, si inaugura alle ore 18.30 presso la Galleria Opera Unica,

Via della Reginella, N.26 Roma "Note", mostra personale di Nunzio De Martino

Nunzio De Martino, continua la sua ricerca sull’appropriazione di una coscienza dello spazio e del tempo, di quei gesti minimi che attraversano la storia e incidono la memoria.

Note, unico lavoro in mostra, è un opera composta da un parallelepipedo in legno laccato, sul quale è fissato un ago, nella cui cruna, ci sono dei filamenti di cotone trasportati dallo stesso.

Nel lavoro di De Martino esiste un confine dove le parole finiscono e inizia l’immaginazione, dove la realtà non è solo ciò che banalmente vediamo, ma anche e soprattutto un pensiero che ci eleva in un mondo che va oltre, dove tutto può assumere una connotazione nuova e inaspettata. «Questo può accadere – come suggerisce l’artista – solo se ci spingiamo al di là delle frontiere dell’apparire. Allora ciò che ci circonda, potrà avere un senso diverso che ci sarà svelato solo se saremo pronti ad accoglierlo». Così, dei fili di cotone non saranno più esclusivamente semplici elementi per tessere e un ago non sarà solo un banale strumento per cucire.

Dunque, l’ago inteso come vettore, veicolo; che porta qualcosa dietro di sé; un corpo che trasporta per costruire, riparare, che scivola tra i tessuti della vita, rigido come l’inquietudine di un uomo, ma pure ancora per i suoi filamenti. Un ago è capace sempre di portare con sé la memoria del suo operato. Cuce lungo innumerevoli direzioni. A volte, sulle ali di un destino semplice; altre, su tessuti duri e inaccessibili, lasciando sempre un segno del suo passaggio. Ma qui, in tale spazio, il nostro ago è giunto a un momento specifico, è fisso, come a enfatizzare una fase particolare e unica. È stabile, immobilizzato su se stesso, accentuando la sua presenza qui, è nel suo valore più emblematico e complesso, è di fronte a se stesso ma anche di fronte allo spettatore: vuole osservarsi e farsi osservare. Perché solo così, solo nell’osservarlo più attentamente, si svela un lato nascosto e diverso dal resto, tanto piccolo e impenetrabile e per nulla facile da intercettare: la cruna.

Questo microscopico passaggio che permette al cotone di potersi unire, instaura un legame preziosissimo e inscindibile con ciò che porta o portiamo, con la sua e la nostra memoria, con la sua e la nostra storia. L’ago diviene un corpo che trasporta qualcosa, filamenti che passano, si perdono e si spezzano nel comporre una cucitura. Come le esperienze e i suoi viaggi nella vita. Ma qui i filamenti non si sono perduti, sono insieme all’ago, pronti ad annotare un traguardo al quale giungono e dal quale ripartono. Esistono dietro le proprie esperienze, le loro attese, le loro motivazioni, le loro paure, i sacrifici, le loro banalità. Tutto il proprio vissuto che, senza perdersi, giunge fin qui.

Un semplice ago con cotone ora divengono una nuova realtà, tanto forte da permetterci di andare oltre ciò che da sempre conosciamo, oltre la loro apparenza, donandoci ancora una volta un soffio della grande magia dell’arte.

Nunzio De Martino

“Note”

Dal 17 al 23 Febbraio 2010

Vernissage 17 Febbraio 2010 ore 18,30

Opera Unica Art Gallery

Via Della Reginella, 26

00186 Roma

Ph. +39 06 68809645

info@operaunica.eu

www.operaunica.eu

STONES

GUIDO DELLA GIOVANNA

Opening 10 FEBBRAIO 2010 dalle h. 17 alle19

BIBLIOTECA CROCE - Via De Mura 2 bis

Napoli

Gianfranco De Angelis

Bianco sporco

a cura di Belinda Vella

LIBERAMENTE ISPIRATO AL MARTIRIO DI UN TRANSESSUALE e' il titolo dell'opera che e' protagonista centrale di BIANCO SPORCO, la personale dell'artista Gianfranco De Angelis in programma DA MERCOLEDÌ 10 FEBBRAIO 2010 A VENERDÌ 26 FEBBRAIO 2010 presso il monumentale Castel dell'Ovo di Napoli.

La mostra e' curata da Belinda Vella, e' realizzata in collaborazione con il Comune di Napoli | Assessorato alla Cultura e si aprirà mercoledi' 10 febbraio 2010 alle ore 17.00 con un vernissage di presentazione al quale prenderà parte l'autore.

-Dopo aver dipinto opere liberamente ispirate alla vita di San Gennaro, di san Sebastiano, si Santa Agata e di Santa Lucia - spiega lo stesso De Angelis - ho continuato la ricerca focalizzando l'attenzione su una figua contemporanea, un uomo capace di commissionare supplizi per il proprio corpo, con lo scopo di raggiungere un nuova collocazione, in grado di restituirgli un giusto equilibrio, e con questo raggiungere -la salvezza'. Un uomo ancora oggi perseguitato da comportamenti sia razziali che di eccessiva approvazione. Il transessuale, uomo che -transita' da un'identità all'altra praticando sanguinosi interventi sull'involucro materico del suo spirito, e' - a mio giudizio - quanto di piu' vicino alle figure dei martiri-.

--nostalgia dolorosa del sembiante. Dolorosa come i segni che circoscrivono le operazioni di un santo in ibridazione, in transizione tra una stazione e l'altra dell'essere. Una trance che e' la quintessenza del corpo santo. Cristo in corpore vili. Cosi' crudelmente trafitto proprio per il suo essere una commessura di impossibili. Exemplum doloroso di quanto costi essere due in uno- [Marino Niola | dal catalogo della mostra

BIANCO SPORCO di Gianfranco De Angelis | 2010)
Carne candida e impassibile, ossessionata dalla salvezza: questo il sottotitolo della mostra di De Angelis, i cui protagonisti sono i martiri, catturati nella loro -imitatio Christi', nel loro aspetto di candore squisitamente umano ma irraggiungibile: da San Gennaro a San Sebastiano, da Santa Agata a Santa Lucia-

Classe 1974, il napoletano Gianfranco De Angelis ha intrapreso, sin dagli anni Novanta, un ampio percorso professionale come artista figurativo, grafico e illustratore, lavorando in numerosi studi partenopei e poi come libero professionista, con una specifica specializzazione nell'ambito della grafica editoriale. Nel corso degli ultimi anni ha esposto sue opere nell'ambito di mostre collettive a Napoli, Ercolano (NA), L'Aquila e in altri luoghi italiani.

Inaugurazione 10 febbraio 2010, ore 17

Castel dell'Ovo
Via Luculliana (80132), Napoli
orario: dal lunedi' al sabato ore 10 -13 e 14,00 - 17,30
domenica e festivi ore 10 - 13
ingresso libero

Guido Della Giovanna

Stones

La poesia, la letteratura, la musica e la filosofia ispirano la mia arte, ma poi a lavoro finito ritrovo nei colori usati i miei sentimenti e le mie emozioni. Questa volta ho usato dei materiali nuovi per me, le pietre, e tutto e' partito da una frase di Kahlil Gibran :

-Fa che i tuoi sogni siano di pietra, in modo che nessuno te li possa distruggere! -

Cosi' ho realizzato una serie di dipinti ispirati ad opere letterarie. Quando si legge un romanzo, una poesia, o si ascolta musica, la nostra mente intraprende un viaggio che ci porta in un mondo emozionale non predefinito non predeterminato non permanente, ed io ho lavorato su queste prerogative, usando tele, colori, legno e pietre, perche' le pietre, sono dure, non silenziose, modificabili lentamente dal tempo e velocemente dall'uomo, poiche' con la loro unione si puo' costruire qualcosa di forte e durevole.

Noi, genere umano, siamo un po' in difficoltà, dovremmo essere duri nelle nostre convinzioni, sostenerci per costruire positivamente qualcosa di forte e durevole, e soprattutto avere sogni forti come le pietre da non poter essere distrutti. E ne abbiamo sogni da poter realizzare !!!

L'arte astratta mi concede questa libertà. È enigmatica. Non devo sempre spiegare le mie pitture e non mi devo preoccupare di come sono interpretate. L'espressionismo astratto forse e' nelle cose.Le persone hanno molti muri bianchi (sia in casa che dentro di se') ed hanno bisogno di qualche cosa di vibrante da poter vedere nelle loro case, qualcosa che sia capace di smuovere le emozioni, qualcosa che ricordi che c'e' ancora la possibilità di emozionarsi. guido della giovanna

Inaugurazione mercoledi' 10 febbraio ore 17.30

Biblioteca Croce
Via De Mura 2 bis c/o Scuola Vanvitelli Via Luca Giordano Napoli
Dal 10 al 22 febbraio h. 09.00 - 19.00
Ingresso libero

Modern and Contemporary Prints Marc Chagall, Chuck Close, Erik Desmazieres, Jim Dine, Sam Francis, Helen Frankenthaler, David Hockney, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Marino Marini, Henri Matisse, Robert Motherwell, Pablo Picasso and Frank Stella   Dates: Through February 22, 2010 Location: Leslie Sacks Fine Art - 11640 San Vicente BLVD - Los Angeles CA 90049   web: www.lesliesacks.com

Modern and contemporary prints are an extension of a long and illustrious lineage that goes back to the Renaissance engravings of Albrecht Dürer, and the 17th century prints of Rembrandt, Rubens, van Dyck and Claude Lorraine. The diffusion of printmaking throughout Europe in the 18th century drew in the Italians, Tiepolo, Piranesi and Canaletto, the mystical Englishman, William Blake, and the Spanish  master, Goya. The posthumous 1863 publication of Goya’s powerful suite of prints, Disasters of War, was of major import, coincident with and an influence upon the emergent Parisian avant-garde who would come to be known as the impressionists. During the impressionist period, the woodblock prints of Hokusai and other Japanese printmakers strongly influenced Manet, Degas, Toulouse-Lautrec, van Gogh, Gauguin, and virtually every other progressive artist working in France at the time, profoundly affecting not only the style of their print images but impressionist and post-impressionist painting as well. It was at this time that artists began to produce limited editions, signing their prints by hand or with a chop mark (monogram), in the manner of Japanese prints. The signature on a print has since come to indicate the artist’s involvement in the printmaking process itself, this being the criterion by which we now define what constitutes an “original print.”   Picasso and Matisse, the prototypical “moderns,” began making original prints in the first decade of the 0th century, followed in the 1920’s by Chagall. All three of these artists created voluminous bodies of work. Picasso is represented in this show by prints from the 1930’s through the 1960’s. Matisse is likewise shown across a wide swath of time, with works from 1906, the Fauve period, through the Jazz Series of 1947. Examples from Chagall include selections from his first suite of color lithographs, Four Tales of the Arabian Nights, published in 1948.   Marino Marini, though best known as a sculptor and particularly for his bronze horse and rider at the Guggenheim in Venice, was trained primarily as a painter and produced some of the most painterly prints of the 20th century. Favoring the etching and aquatint processes, he was able to achieve subtle effects not unlike those of watercolor and gouache while employing a rich and characteristically Italian palette of unlikely yet sumptuous color combinations. Leslie Sacks Editions has published the English language catalogue raisonné of Marini graphics, documenting the artist’s work in prints from 1919 through 1980.   Important Modern and Contemporary Prints includes two of the strongest works from Marini’s Shakespeare portfolios, which are considered the pinnacle of his graphic production.   The artists of the New York School (1940’s and 50’s - Pollock, Rothko, Kline, et al.) are represented with important prints by Robert Motherwell and Helen Frankenthaler. The Motherwells include Burning Elegy and two of his signature red etching aquatints, Gesture and Mexican Night II. Frankenthaler, once married to Motherwell, is the last surviving major figure from the abstract expressionist period. She is represented by her most recent large-scale print, Book of Clouds, a multi-process work in aquatint, etching, woodcut and pochoir with hand coloring. Burning Elegy and Book of Clouds are characteristic of the New York School’s penchant for creating large works that fill the viewer’s field of vision and thereby create an immersive experience.   Frankenthaler and Sam Francis were both associated with lyrical abstraction (aka in France, tachisme and art informel) which followed from abstract expressionism. The Francis work in this show is a dynamic, large scale monotype (unique print) with hand coloring, from the 1980’s, and shares its “super graphic” quality with Frank Stellas from the same period, specifically, excellent examples from Stella’s Polar Coordinates series.   At this point in the chronology we run into a problem of nomenclature as to what differentiates modern from contemporary. One could logically argue that if an artist is alive, the art is contemporary, but the issue of style makes things more complicated. This problem is perhaps most pointedly underscored by the work of the contemporary and quite lively David Hockney, who has explicitly emulated Picasso, Matisse and most recently van Gogh. Several of Hockney’s greatest prints are featured in this show: an important lithograph, Hotel Well III, which references cubism and thus indirectly Picasso, Celia in an Armchair which indirectly references late Matisse, and Rue de Seine which contains a very direct reference to Matisse’s earlier Nice period.   As Hockney is one of the most scholarly and intellectually acute artists of our time, one may assume that apart from personal predilection as to style, he has used style as a statement. If one considers his dedication to draftsmanship – the most fundamental aspect of all artistic practice - and his choice of subjects, these being predominantly still life, portraiture and landscape, it may be said that he’s cut against the grain of critical vogue, paying little attention to the conceptual apart from reaffirming the primacy of modern and classical values though his choice of styles and subjects, as evidenced by the selection of prints in this show.   Though reality doesn’t fully cooperate with efforts to put art into neat little boxes, if one had to select a movement or moment that represents a break with modernism, and so signifies the beginnings of what we call contemporary or post-modern art, it would be the advent of pop art ca. 1960, when high concept and irony came to replace romanticism, including the stereotypic image of the artist as a solitary individualist on an esoteric quest for communion with his or her muse. Conversely, with pop we see the appropriation of images from culture at large, as in the works of Roy Lichtenstein whose silk screens, Seascape and Still Life with Red Jar, appear in this show. By appropriating, as the key motif for his style, the benday dots of which photo-mechanical lithographic images are comprised (the tiny dots used to create images in the printing of magazines, newspapers and posters) Lichtenstein referenced mass media and with it popular culture, beginning with his cartoon images. Departing from this imagery, his later works embrace impressionist, modern and even classical imagery in architecture, thus riffing, ironically, on pop art itself. Printmaking was perhaps the art form most relevant to Lichtenstein’s style, being that he appropriated his signature motif from mass media printing technology.   Jasper Johns was at the forefront of pop with such iconic images as the American Flag, but unlike most of his pop contemporaries who were obsessed with image and concept, Johns’ has always maintained a painterly aesthetic. This can be seen in the painterly quality of his prints. In so doing, Johns’ prints, along with his paintings, have preserved the place of painting in a contemporary art world wherein painting has been increasingly subordinated to concept (though this trend seems to be in the nascent stage of changing). The Johns prints in this show include Cicada, Between the Clock and Bed, and one of his best known images, a Savarin Coffee can - holding paint brushes.   Jim Dine has long sustained an orientation similar to that of Johns, achieving painterly effects with print making processes. Additionally, Dine often embellishes entire editions with hand painting. Moreover, he has underscored the primacy of drawing with many editioned prints that are effectively drawings produced in multiplicity (as is the case with many of Hockney’s editions). Be it graphite pencil on paper or lithographic pencil on a stone, a drawing is a drawing nevertheless and it is the mastery of this most fundamental of all artistic skills that separates the merely conceptual from classic art, though it should be said that the two are not necessarily mutually exclusive. Dine is represented in this exhibition with a large, intensely graphic robe entitled Very Picante, made with an unusual technique employing cardboard plates. Also shown are two of his Venuses in etching and aquatint, classical icons if ever there were.   Chuck Close has become an iconic name in contemporary art, but the underpinning of his signature style - portraits comprised of intricate patterns of pixilated colors - have precedent in neo-impressionism, best known from the late 19th century divisionist, aka pointillist landscapes and seascapes of Seurat and Signac. This said, the thinking behind Close’s work is different than that of the neo-impressionists, and he’s taken the basic form of divisionism to the next level with the development of complex patterns and free form designs within those patterns. Important Modern and Contemporary Prints includes Close’s tour de force self portrait of 2007, a huge 187 color silk screen image measuring 68 x 74 inches. Each color requires a separate screen, and the registration (alignment) of all of the screens is critical, thus a work of this complexity is a staggering technical accomplishment, which in combination with his artistry makes this perhaps the most important print of the new century to date.   Lastly, looking at the amazing 1981 work of contemporary French etcher Erik Desmazieres, L’Atelier Rene Taze III, takes us back to where this narrative began, in reference to the intricate 16th century engravings of Albrecht Dürer, the etchings of Giovanni Piranesi, Jacques Callot and other early masters of European printmaking. Desmazieres’ obsessively detailed, affectionately rendered image of a print shop and its venerable press eloquently express the importance of printmaking, not only in the eyes of this artist, but in the eyes of all of the artists, curators, gallerists and collectors who have fallen under the spell of the print.   Lee Spiro, Director Leslie Sacks Fine Art   This exhibition may be viewed online at www.lesliesacks.com   Gallery info: Leslie Sacks Fine Art 11640 San Vicente BLVD Los Angeles CA 90049   T 310.820.9448 F 310.207.1757 www.lesliesacks.com Lee Spiro (Director): lee@lesliesacks.com

Marinella Senatore

Dineo Seshee Bopape

I like to remember things in my own way

La galleria annarumma404 e' lieta di ospitare nei suoi nuovi spazi la prima personale italiana di Dineo Seshee Bopape (Polokwane ZA, 1981), unica artista sudafricana selezionata per Younger than Jesus, la prima edizione della Triennale al New Museum di New York a cura di M. Gioni, L. Cornell e L. Hoptman.

Ogni progetto dell'artista diventa l'occasione per dislocare eventi appartenenti alla storia collettiva, nonche' alla memoria personale, attraverso un lavoro di destrutturalizzazione dei loro parametri di riferimento. Nei suoi lavori e' evidente una costante tensione verso la defunzionalizzazione dell'oggetto. Legato alla pratica dell' oggetto perfomativo, l'uso di media quali i video, la foto o la pittura, diviene strumento formale per investigare la poetica della materialità delle cose (storia, tempo, eventi) che contemporaneamente vengono spogliati della loro immanenza.

In occasione della personale napoletana -I like to remember things in my own way'', la Bopape presenta una installazione site specific in cui gli oggetti, estrapolati dal quotidiano, acquisiscono una sussistenza effimera. Nella relazione con i video, ciascun elemento crea una narrazione discordante, richiamando tracce di piu' racconti che vivono nella temporaneità dell'installazione.

Il luogo (installazione) genera una nuova dimensione, in cui i video decostruiscono l'immagine, il piu' delle volte quella dell'artista stessa, dando il via ad un processo di progressiva perdita di fisicità a vantaggio di una feconda confusione di forme, suoni, colori. Ognuno di essi e' il punto di partenza per un nuovo racconto, un nuovo altrove in cui essere ricollocato, un nuovo codice espressivo. Nei collages, come pure nei dipinti, infatti, la pratica e' resa ancora piu' evidente: l'apparente caos in cui si intravedono frammenti dell'immagine dell'artista, e' il mezzo attraverso cui la Bopape realizza una stratificazione di riferimenti visivi, ridefinendo i contorni del reale e del materico, per cercare una nuova armonia narrativa.

Inaugurazione 11 febbraio ore 18.30

annarumma404 (nuovo spazio)
Via Carlo Poerio 98, 80121 Napoli
mart-ven 1-19.30 o su app.
ingresso libero

Giacomo Balla

pittura dinamica = simultaneita' delle forze

a cura di Elena Gigli

Da giovedi' 11 febbraio la Galleria F. Russo di Roma ospiterà la mostra Giacomo Balla pittura dinamica = simultaneità delle forze, sull'inedita tematica del Manifesto del Colore. La mostra, patrocinata dall'Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione del Comune di Roma, e' curata da Elena Gigli che da vent'anni studia l'opera pittorica di Balla, e presenta una ventina di opere che coprono il periodo anni Dieci - fine anni Venti ossia il periodo caratterizzato dalle ricerche di Balla sul colore, tutte provenienti da Casa Balla.

Il tema della mostra e' il Manifesto del Colore pubblicato da Balla nel 1918, nel catalogo della sua mostra alla galleria Bragaglia a Roma (4 ottobre 1918) dove analizza il ruolo del colore nella pittura d'avanguardia.

Si e' sempre parlato del futurismo in generale ma non e' mai stato approfondita la tematica del colore e quindi del suo manifesto. I primi lavori realizzati da Balla erano principalmente in bianco e nero (vedi Guinzaglio in moto del 1912) in seguito riscopre il colore come si evince dai collages dove, proprio attraverso l'uso di carte colorate, troviamo opere del tutto contemporanee.
Non a caso il titolo della mostra, Giacomo Balla pittura dinamica = simultaneità delle forze, e' l'ultimo punto del Manifesto del Colore.

Tanti sono i manifesti apparsi negli anni Dieci e Venti dedicati al Futurismo. Il 1910 vede la pubblicazione di due manifesti pittorici e, su invito degli allievi Boccioni e Severini, Balla sottoscrive il Manifesto dei pittori futuristi insieme a Carra' e Russolo. Dopo appena due mesi, l'11 aprile, sottoscrive La pittura futurista. Manifesto tecnico dove vi si legge: -la nostra brama di verità non puo' non essere appagata dalla Forma ne dal colore tradizionali! Il gesto, per noi, non sarà piu' un momento fermato del dinamismo universale; sarà, decisamente, la sensazione dinamica eternata come tale-.

Nell'anno appena concluso (2009), tanto si e' parlato del futurismo e altrettante mostre sono state inaugurate. Tuttavia questo movimento rivoluzionario non puo' essere circoscritto a quei primi manifesti, ma si devono sfogliare le pagine della storia per arrivare a capire - insieme a Balla - come sentirsi futuristi.

E' con il manifesto del colore del 1918 che entriamo proprio nel clou del momento artistico di Balla ricco di lavori colorati. Dopo infatti gli anni Dieci dove principalmente troviamo opere in bianco e nero, a partire dal momento bellico, Balla - quasi una risposta positiva al pessimismo bellico - guarda al colore.

Siamo al 4 di ottobre 1918: Giacomo Balla espone a Roma nella galleria di Anton Giulio Bragaglia a via Condotti 21 e aprendo il catalogo della Mostra del pittore futurista Balla, si leggono i sette punti del Manifesto del colore:

1. Data l'esistenza della fotografia e della cinematografia, la riproduzione pittorica del vero non interessa ne' puo' interessare piu' nessuno.
2. Nel groviglio delle tendenze avanguardiste, siano esse seni-futuriste o futuriste, domina il colore. Deve dominare il colore poiche' privilegio tipico del genio italiano.
3. L'impotenza coloristica e il peso culturale di tutte le pitture nordiche, impantanano eternamente l'arte, nel grigio, nel funerario, nello statico, nel monacale, nel legnoso, nel pessimista, nel neutro o nell'effeminatamente grazioso e indeciso.
4. La pittura futurista italiana, essendo e dovendo essere sempre piu' un'esplosione di colore non puo' essere che giocondissima, audace, aerea, elettricamente lavata di bianco, dinamica, violenta, interventista.
5. Tutte le pitture passatiste o pseudo - futuriste danno un sensazione di preveduto, di vecchio, di stanco e di già digerito.
6. La pittura futurista e' una pittura a scoppio, una pittura a sorpresa.
7. Pittura dinamica: simultaneità delle forze.

Nella sua Dichiarazione autografa - Autobiografia (inchiostro nero su carta cm. 18 x 14)
il pittore proprio in durante gli anni del primo conflitto mondiale declama che -o' già creato una nuova sensibilità nell'arte espressione dei tempi futuri che saranno colorradioiridesplendoridealluminosisssssssssimiiiiii-.

-Bisogna essere permeato di sensibilità intuitive e passare furtivamente tra gli attimi impercettibili dell'evoluzione per scoprire le nuove vie che portano all'arte futurista, nella quale nessun concetto, nessuna linea, nessuna forma, nessun colore, nessuna sagoma, nessuna frase, nessuna nota musicale ricorderà il minimo, dico minimassimo segno dell'arte passata. -. Anche i minimi tentativi futuristi possono essere il principio della nuova arte futura. E con questo, con una superstrafede indistruttibile, arrivederci tra qualche secolo-, scriverà Balla nel 1927.

Il catalogo di questa mostra sarà edito da De Luca con una presentazione di Umberto Croppi, assessore alle Politiche Culturali del Comune di Roma, una biografia di Balla sugli anni -10 e -20 di Agnese Sferrazza e testi critici della curatrice della mostra Elena Gigli.

Ufficio Stampa Francesca Neerman
mob. 329 68924424
mail f.neerman@tiscali.it

Inaugurazione giovedi' 11 febbraio, ore 18,00

Galleria F. Russo
Via Alibert 20 - Roma
lunedi' 16.30-19.30, da martedi' a sabato (compreso) 10.00-13.00 e 16.30-19.30
ingresso libero

Maurizio Cannavacciuolo

Shin il Kim

Into

Testo critico di Cristiana Perrella

Ad inaugurare l'attività del 2010 e' Into, seconda esposizione di Shin il Kim, artista coreano residente a New York: un approfondimento del percorso incominciato nel 2007 con la prima personale in Italia, Active Anesthesia.

La ricerca di Shin il Kim continua a concentrarsi sul perseguimento di uno stato attivo dell'essere nelle condizioni di passività e di inattività, da lui giudicato come sostanziale della vita quotidiana.

In questa mostra l'artista focalizza la sua ricerca sulla forma interna e sulla struttura dei corpi, per addentrarsi in profondità nella contemplazione dell'idea di attività come generatrice della materia. Come in tutta la sua opera, anche nei nuovi lavori, traspare l'influenza della filosofia buddista, in particolar modo nella pratica della meditazione analitica, con la quale esamina l'importanza delle relazioni che definiscono l'esistenza, esplorandone i suoi piu' delicati equilibri. Sono, infatti, gli elementi mancanti, invisibili, a dare la percezione dell'opera e a renderla leggibile da un punto di vista interno rispetto a una visione esterna del mondo. Gli elementi del microcosmo, come atomi, quark, nervi, vene, ossa, sangue diventano protagonisti, assumendo le sembianze di una classicità contemporanea e tracciando un collegamento tra le radici arcaiche dell'uomo e la loro persistenza nel presente.

La declinazione estetica del lavoro tende il piu' delle volte al minimalismo. Il confine labile tra materiale e immateriale, visibile ed invisibile, trova corrispondenza nella contaminazione dei medium espressivi impiegati: disegni e luci che si trasformano in sculture, come in Duration to Intuition o immagini statiche che diventano puro movimento come nell'opera Inner Echo. In Duration to Intuition, la luce prodotta dal monitor e dalla proiezione si scompone creando una frammentazione visuale che si espande a partire dalle diverse sorgenti video. Le luci diventano parti attive dell'opera e offrono inediti punti di vista e significanti per lo spettatore, che a sua volta e' portato a partecipare attivamente alla comprensione dell'opera.

Preview 11 febbraio ore 18.30

Galleria Riccardo Crespi
Via Mellerio 1, Milano
Orari Lunedi' - Sabato h. 11-13; 15 - 19.30
ingresso libero

Caterina Arciprete

About us

Domus Artis Gallery presenta l'artista Caterina Arciprete, con i suoi accattivanti lavori, spaziando tra dipinti e disegni in tecnica mista, frutto di un percorso creativo ed estroso dettato dal tema rivelatore: -About us-. Introspezione e gioco a due che l'artista partenopea racconta nella sua personale, come e' solita fare. E' una storia a due, mai piu' senza completamento nell'altro, chiunque essi siano o rappresentino, come augurio di comunione: persone, essenze, simboli, sempre due entità che si specchiano e camminano all'unisono. Passioni palesate attraverso le opere, negli squarci del rosso, del rame, del pastello materico, sguardi incastonati nella quotidianità di un'intesa frammentaria, che fugace si legge attraverso le tele.

Storia di passione immaginifica, onirica come spesso avviene nelle opere di Caterina Arciprete che oggi si cimenta nell'utilizzo di nuove materie. Cristalli, colore essiccato, o strati di carta che in alcune opere come -About you- e -About me- si strappano in tagli rivelatori, mentre in altre opere, come -L'anima nuda- raccontano una interiorità svestita, profonda e rivelatrice di mistero. Quest'ultima opera, e' tra l'altro anche un'anteprima della mostra -L'anima vestita-, progetto dell'associazione Kolibri', che Caterina Arciprete presenterà il 10 aprile 2010 al PAN, palazzo delle Arti di Napoli. I disegni, a pastello su carta nera, sono le idee di partenza, le piccole parentesi di un racconto emozionale che Arciprete enfatizza nelle tele che si riempiono di vortici agitati dal vivere, da occhi che contraddistinguono il tratto dell'artista e la identificano in un elemento rivelatore e, piu' propriamente, in questo caso, evocativo -di noi-.

Paesaggi trasfigurati, mani, volti, braccia, figure inquietanti, tumulti, fanno pensare a pulsioni appagate, desideri nascosti e negati, nostalgie, memorie e proiezioni immaginate da Arciprete sempre con un occhio caleidoscopico ricco di coordinate e di esistenzialismo in cui e' facile ritrovarsi. Mistero e chiarezza, ma soprattutto consapevolezza, si conciliano nella pittura surreale della giovane artista che con la rappresentazione, tramuta sofferenze esistenziali, e intrighi dell'anima in colori.

Caterina Arciprete e' nata a Napoli il 10 gennaio del 1974. All'inizio della sua carriera lavora come restauratrice e illustratrice (numerose le pubblicazioni d'arte con Mondadori, Rzzoli, Giunti etc.). Dal 1996 sperimenta nuovi supporti (dalla carta alla tela, plexiglas, legno) per dare vita alle opere che prendono parte a diverse collettive fino alla sua prima personale -Stelle-(Città della scienza, Napoli 2004). Nello stesso anno progetta per Natale -Storie di angeli o gabbiani- personale e allestimento degli spazi interni ed esterni dell'aeroporto di Napoli. Segue il progetto espositivo -Napoli-New York a volo d'uccello-, dipinti pubblicati in un pieghevole realizzato per Eurofly. Questo primo approccio a New York viene poi consolidato dalla sua prima personale americana -L'occhio di Napoli-(Reg. Campania, New York; Istituto Jefferson, Philadelphia 2006); seguita da -Nel regno del nero silenzio- (Reg. Campania N.Y. 2007, Trip gallery Napoli,2007). Altre personali: -Infinito-(studio Zabo, Napoli 2004); -Segni fluttuanti- (collezione di gioielli disegnati in esclusiva per Oste gioielli d'autore Napoli 2008);- Inside- (villa Doria, Napoli 2009); -About us- (Domus Artis galleria, Napoli 2010); -L'anima vestita- (PAN museo arti di Napoli aprile 2010). Collettive: -C'era una volta una regina- (Castel S.Elmo, Napoli 2006); -In viaggio- (Trip gallery, Napoli 2007); -Barbie and China dolls- (NY arts Beijing, Cina 2007, Broadway gallery, NY 2008); -Eta beta project- (Studio D'ars, Milano 2007); -The flag- (NY arts Beijing Cina, 2009); -Di Giacomo- (Pan, Napoli 2009), -Proposte per una collezione-(Villa di Donato, Napoli 2009); Latitude 34/40 (LA artcore, Los Angeles giugno 2010).
http://www.arcipretecontemporaryart.com

Ufficio Stampa: Daniela Ricci, d_ricci@libero.it
cell. 347.0824165
Annalisa Tirrito, annalisa.tirrito@tin.it
cell. 335. 5289607

Inaugurazione: giovedi' 11 febbraio 2010, ore 19

Domus Artis Gallery
Via Vincenzo Cuoco 4, Napoli
aperto dal Martedi al Venerdi dalle 11,00 alle 19,30
orario continuo sabato dalle 11.00 alle 13.30
ingresso libero

La Nativita': il Caravaggio trafugato

Ricordando i 400 anni della morte dell'artista e di 40 anni del furto dell'opera

In occasione dei 400 anni della morte di Caravaggio, la Venerabile -Arciconfraternita dei Bergamaschi in Roma- ha voluto ricordare il grande artista conterraneo esponendo per Natale nella propria chiesa dei Santi Alessandro e Bartolomeo in Piazza Colonna a Roma, detta appunto -dei Bergamaschi-, la riproduzione dell'opera -La Natività-, rubata 40 anni fa a Palermo e mai piu' ritrovata.

L'iniziativa e' promossa a Roma da Luce Monachesi curatrice e direttrice della -Galleria del Cortile e Archivio Sante Monachesi-, in collaborazione con la -Associazione Amici dei Musei Siciliani-. La -Galleria del Cortile- (Via del Babuino, 51) presenta inoltre -Pezzi di Caravaggio-, un'istallazione sulla Natività trafugata (dal 12 febbraio all'11 marzo, dal lunedi' al venerdi', dalle 15 alle 19.30) e dal 12 marzo -Rosso Italiano: Omaggio a Michelangelo Merisi detto il Caravaggio-, (a cura di Mirtilla Rolandi Ricci e Galleria del Cortile). Nel mese di marzo ai Musei Capitolini promuoverà un convegno sul tema: -Caravaggio: la luce dell'ombra-.

Prestigiosa partnership patrocinante e' data dalla Dr.ssa Anna Coliva, direttore della -Galleria Borghese- di Roma, dove da poco si e' conclusa la splendida mostra -Caravaggio & Bacon-, proprio per celebrare questo centenario significativo. Dal 20 febbraio al 13 giugno saranno invece le Scuderie del Quirinale a ricordare il centenario di Caravaggio con una nuova mostra.

Nell'estate del 1609, a Palermo, Caravaggio, artista controverso e geniale, realizzava per l'Oratorio della Compagnia di San Lorenzo: la -Natività con i Santi Lorenzo e Francesco d'Assisi-, che deve la presenza del -poverello d'Assisi- al fatto che l'Oratorio, all'epoca, era sotto la giurisdizione della Venerabile Compagnia di San Francesco. Il Caravaggio, disperato, in fuga da Malta, braccato per un omicidio, chiese a quella natività aiuto al proprio dolore, al dolore dell'uomo, a cui trova risposta nel dito dell'Angelo che punta un dito verso l'alto e l'altro verso il bimbo. Il mistero dell'incarnazione e quello della redenzione, che l'ombra annuncia, sono la via dell'uomo al cielo.

Caravaggio morirà a Porto Ercole il 18 luglio 1610. L'opera fu trafugata nella notte tra il 17 e il 18 ottobre del 1969. Da allora se ne sono perse le tracce. Il giallo resta fitto sia per ricostruzioni giornalistiche, sia per allusioni fatte, anche se in contraddizione le une dalle altre, da alcuni pentiti di mafia. La Natività e' tra le prime dieci opere d'arte rubate nella classifica mondiale stilata dalla FBI. La cornice vuota, a quarant'anni di distanza, resta ancora avvolta dal mistero. L'esposizione di una copia del Caravaggio trafugato, in questo quarto centenario della morte dell'artista, puo' servire a non cancellare la memoria di una grande opera.

Le iniziative

Giovedí 11 febbraio
presso il restaurato oratorio cinquecentesco dell'Arciconfraternita dei Bergamaschi (con accesso dalla chiesa in Piazza Colonna o dal cortile in Via di Pietra 70), ore 18
-Il Caravaggio trafugato-
Proiezione del documentario di GIANNI MINOLI, prodotto da Magazzini Einstein - Rai Educational, sul furto dell'opera.

Tavola rotonda con l'illustre partecipazione di VITTORIO SGARBI. Interverranno il Direttore della Galleria Borghese ANNA COLIVA, l'ex comandante del Comando Carabinieri Tutela del Patrimonio Culturale Generale ROBERTO CONFORTI, il giornalista del Corriere della Sera FELICE CAVALLARO (esperto in questioni di mafia), il criminologo e professore alla Sapienza di Roma VINCENZO MASTRONARDI, il Presidente dell'Associazione Amici dei Musei Siciliani BERNARDO TORTORICI DI RAFFADALI.

Venerdi' 12 febbraio
presso la Galleria del Cortile, Via del Babuino 51, dalle ore 18 alle ore 21
-Pezzi di Caravaggio-
istallazione sull'opera trafugata, curata da LUCE MONACHESI
La mostra continuerà fino all'11 marzo ed e' visitabile dal lunedi' al venerdi', dalle 15 alle 19,30.

Giovedí 25 febbraio
presso il restaurato oratorio cinquecentesco dell'Arciconfraternita dei Bergamaschi (con accesso dalla chiesa in Piazza Colonna o del cortile in Via di Pietra 70), ore 18
-Il Caravaggio trafugato- - continuazione
Continua il dibattito presentando due libri. Interverranno gli autori.
-Caro Vincenzo-, romanzo di ANTONIO AMATO, che ricostruisce la storia del furto;
-Caravaggio in Sicilia, il percorso smarrito-, di ALVISE SPADARO, che ricostruisce l'iter della copia della Natività, eseguita dal pittore Paolo Geraci (1621-1631) che fu rubata al tempo per diatribe tra palermitani e catanesi, quasi fosse un triste presagio.

Arciconfraternita dei Bergamaschi in Roma
Via di Pietra, 70 - Roma - TEL. 06.69920723
aperta tutti i giorni dalle 16 alle 18
igresso libero

Galleria del Cortile Archivio Sante Monachesi
Via del Babuino, 51 - Roma - TEL. 06.3234475
ingresso libero

Vanessa Beecroft

VB66 Performance/sculpture

La Galleria Massimo Minini e la Galleria Lia Rumma
sono liete di annunciare la performance VB66 di Vanessa Beecroft.

A cura di Lia Rumma

Lunedi' 15 febbraio 2010, a Napoli, nell'edificio progettato alla fine degli anni venti dall'architetto Luigi Cosenza, sede attuale del Mercato Ittico, Vanessa Beecroft presenterà al pubblico la performance VB66.

La performance costituisce la scelta espressiva di Beecroft sin dagli esordi. Profondamente radicata nella cultura classica, Beecroft crea con le sue performance tableaux vivants che nascono da immagini spesso ispirate alla pittura e alla scultura del passato.
L'artista pone al centro della propria riflessione i temi dello sguardo, del desiderio, dell'alienazione. Le donne, private di ogni possibilità di dialogo o di relazione, appaiono congelate al di là di un'invisibile barriera. Al tempo stesso il loro isolamento produce l'effetto di far rimbalzare lo sguardo di chi guarda su se stesso, generando una situazione di disagio.

Lo spazio architettonico e' di fondamentale importanza per costruire il tema visivo delle performance. Nei diversi sopralluoghi in città compiuti nel corso del 2009, Vanessa Beecroft e' rimasta particolarmente colpita dal suggestivo nitore delle forme razionaliste di Palazzo Cosenza, tanto da sceglierlo come sfondo dell'evento napoletano.
Un mercato che si tiene in un monumento architettonico e' un "lusso" - sostiene l'artista - connaturato alla città, dove l'arte e l'architettura sono a stretto contatto con la vita del cittadino, dove la strada e' un museo "a cielo aperto".
Un gruppo di sculture di donne a grandezza naturale, frammenti di gesso e circa 40 ragazze dipinte di nero, occuperanno i numerosi tavoli del mercato. I corpi vivi, quelli calcati dal vero e i frammenti formeranno un insieme pensato come un monumento transitorio dedicato alla città e alla sua storia che continua a mescolare la contemporaneità con il passato.
I frammenti ricordano cio' che resta della tradizione plastica classica, rimandano al ritrovamento dei corpi nell'antica città di Pompei, ma anche al disagio del corpo femminile, tema esplorato dall'artista già esplorato nelle precedenti performance. Il colore nero a coprire i corpi delle ragazze, delle sculture e dei frammenti rende la scena drammatica, iconica ma svolge anche un'altra funzione: e' una pennellata estraniante sul complesso della performance.

L'evento, promosso e sostenuto dalla Regione Campania - Assessorato al Turismo in collaborazione con il Comune di Napoli e l'Ente Provinciale per il Turismo di Napoli, presenterà al pubblico di Napoli un'immagine solo apparentemente nota attraverso cui ripensare la propria tradizione artistica, storica, emozionale.

Vanessa Beecroft nasce a Genova nel 1969 da padre inglese e madre italiana. Vive tra New York e Los Angeles. Diplomata a Milano all'Accademia di Belle Arti di Brera, si trasferisce a New York alla fine degli anni '90 dove porta avanti una folgorante carriera artistica, iniziata in Italia nel 1993. Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 1997 e nel 2001. Tra le numerose performance realizzate in Italia e all'estero si ricordano VB 35 al Guggenheim di New York nel 1998 e VB 48 al Palazzo Ducale di Genova. Nel 2001 VB 45 ha inaugurato i nuovi spazi della Kunsthalle di Vienna. In occasione della mostra personale al Castello di Rivoli del 2003, l'artista ha presentato la performance VB 52.
L'ultimo progetto del 2009, VB 65 al PAC di Milano, ha coinvolto 20 immigrati africani, seduti a una tavola di 12 metri come a un'ultima cena.

Courtesy Galleria Lia Rumma Napoli/Milano Galleria Massimo Minini Brescia

L'evento e' promosso e sostenuto dalla Regione Campania, Assessorato al Turismo,
in collaborazione con il Comune di Napoli e l'Ente Provinciale per il Turismo.
Produzione Hi! production s.r.l. Milano

L'ingresso del pubblico verrà regolato in base all'affluenza.
Durante la performance VB66 di Vanessa Beecroft il pubblico potrà essere rappresentato nelle fotografie o nelle riprese audiovisive che potranno essere distribuite e commercializzate.
La presenza di ciascun spettatore e' considerata accettazione.
Durante la performance sarà assolutamente vietato effettuare riprese fotografiche e video.

Lunedi' 15 febbraio 18.30-21.30
Dress code: nero

Mercato Ittico
piazza Duca degli Abruzzi Napoli

Ann Veronica Janssens

Personale

La galleria Alfonso Artiaco e' lieta di annunciare l'inaugurazione della mostra personale di Ann Veronica Janssens il 12 Febbraio alle ore 19,30, in presenza dell'artista.

-Nulla e' piu' bello della percezione individuale- (Ann Veronica Janssens)

Grazie ad un originale approccio allo studio dei materiali, iniziato negli anni '80, e all'interesse per i fenomeni della -riduzione- la Janssens basa la sua indagine sulla -manifestazione- dell'inafferrabile. La diversità della materia e delle sue possibili variazioni aiutano l'artista non a catturare l'elusivo bensi' a sperimentare le molteplici forme che questo puo' assumere.

Dalle sue prime -costruzioni-, estensioni spaziali di architetture esistenti (Villa Gillet a Lione, 1989) a Horror Vacui (padiglione Belga alla Biennale di Venezia del 1999) o ai suoi interventi quali Blue, Red and Yellow (2001) e Stella (2006) l'incontro tra lo spettatore/corpo e lo spazio diviene un'esperienza sensoriale. Il luogo modificato dopo l'intervento viene percepito dal fruitore da principio in maniera -estranea- per poi assumere una consapevolezza diversa dello stesso spazio e del movimento attraverso esso.

Proprio per questo Ann Veronica Janssens descrive le sue proposte di sculture come studi e esperimenti, basati su fatti tecnici o scientifici. Le opere diventano testimonianza della ricerca e della volontà dell'artista di suggerire al visitatore -una perdita di controllo, l'assenza della prepotenza della materialità, il tentativo di scappare dalla tirannia dell'oggetto- (Ann Veronica Janssens). Le esperienza spazio-temporali, ottenute grazie ad elementi quali la luce, il colore e/o il suono, sono piu' vicine alla pratica dell'ipnosi ma con la volontà di ritornare alla realtà piuttosto che scappare da essa.

Ann Veronnica Janssens torna alla galleria Alfonso Artiaco dopo la prima personale tenutasi nel 2007 mostrando, proprio, l'evoluzione dei suoi -esperimenti-. Si puo' notare all'interno della sua mostra che anche quando il suo lavoro tratta di sculture dove la plasticità e' posta in primo piano, come in Plastilon, Verre d'eau (2009), la forma e la materia utilizzata raccontano, ancora, della rifrazione della luce e delle possibilità plastiche insite nei materiali di uso quotidiano. In IPN, 3 m (2010), una lunga trave di acciaio grezzo lavorata e specchiata da un lato, e' inclinata verso la luce, generando un effetto simile alla liquefazione. Lo spazio viene cosi' riempito da una profondità ottenuta dal suo stesso riflesso. I due video Oscar (2009) e La boule (2009) che accompagnano le sculture raccontano ancora in maniera differente il modificarsi dello spazio e del tempo.

Ann Veronica Janssens nasce nel 1956 a Folkestone in Inghilterra. Vive e lavora in Belgio. Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 1999 nel Padiglione belga con l' installazione Horror Vacui. Si sono svolte sue mostre personali: nel 2009 a WIELS Contemporary Art Centre (Belgium), nel 2007 al Museum Morsbroich (Leverkusen, Germany), nel 2005 a The Institute Berlin of the Physikalisch-Technische Bundesanstalt, a Berlino; nel 2003 al Openluchtmuseum voor Beeldhouwkunst, Middelheim di Anversa, e al Muse'e d'Orsay a Parigi; nel 2002 alla Ikon Gallery di Birmingham, alla Terrasse du Centre International pour l'architecture, la ville et le paysage di Bruxelles; nel 2001, alla Neue Nationale Galerie, a Berlino, alla Kunstverein, di Monaco e nel 2000 alla Kunstverein, di Salisburgo -

Inaugurazione 12 Febbraio 2010, alle ore 19,30

Alfonso Artiaco
P.za dei Martiri 58, Napoli
ingresso libero

Paola di Domenico

Me Captured in Optical Fantasies

a cura di Raffaella Barbato

Nell'ambito della rassegna -Giochi di Ruolo: un Percorso con le Donne-, promossa dalla Associazione culturale GRAGNANOOLTRE, verrà inaugurata negli spazi suggestivi del campanile dell'ex convento di San Michele Arcangelo a Gragnano, la mostra fotografica della giovane artista partenopea Paola di Domenico, allieva di Fabio Donato, che per l'occasione presenterà -Me Captured in Optical Fantasies-, uno dei lavori del suo esordio artistico. La mostra a cura di Raffaella Barbato, propone un ciclo di foto ispirate al mondo femminile, dove il femminile -come dichiara la curatrice- non e' manifestato solo dalla scelta dei soggetti raffigurati, ma e' un modus di sentire e percepire la realtà fenomenica.

-Specchio del transitorio e dell'effimero per Paola di Domenico, la fotografia e' quinta scenica, outopia -non luogo- in cui poter essere altro. L'artista indaga ed interroga la natura ingannevole ed enigmatica della fotografia, ventre in cui (ri)costruire, in un ambientazione storica precisa -le texture optical usate dall'artista si ispirano al desinig anni 60'- un nuovo alter ego. Una memoria reinventata dal gusto glamour, in cui echeggiano atmosfere dadaiste e surrealiste; Un fare, quella dell'artista, luogo del sentire e della sospensione percettiva, teatro del dramma dell'identità indagata, persa e ritrovata- (Raffaella Barbato)

La mostra patrocinata della Provincia di Napoli e dalla Tess-Costa del Vesuvio, resterà aperta fino al 5 marzo del 2010, tutti i venerdi' e sabato del mese, dalle ore 17,30 alle 20,30.

Vernissage, venerdi' 12 febbraio alle ore 18:30

Monastero San Michele Arcangelo
Via Santa Croce, 1 - Gragnano (NA)
Tutti i venerdi' e sabato dalle ore 17,30 alle 20,30
Ingresso libero

Damir Ocko

The Age of Happiness

La galleria Tiziana Di Caro ha il piacere di inaugurare la mostra personale di Damir Očko (Zagreb, 1977), intitolata The Age of Happiness, sabato 13 febbraio 2010 dalle ore 19.00 alle ore 22.00.

Il video, la scultura, il disegno, la scrittura e la musica sono i media utilizzati dall'artista croato. I suoi lavori sono popolati da solenni figure, inquadrate all'interno di ambientazioni complesse, che rimandano alla realtà solo in alcuni segmenti formali.

Il corpus delle opere presenti, molto articolato e ricco di suggestioni, si sviluppa in varie direzioni. Il titolo della mostra coincide con il film presentato in galleria, The Age of Happiness, in cui l'artista analizza le diversità della percezione, come elemento capace di creare un sistema strutturato, nella relazione fra l'essere umano e il mondo in cui vive, derivante dall'esigenza di esaminare diversi frammenti della realtà per poi connetterli tra loro.

In una vetrina sono conservati diversi tipi di lavori: un libro d'artista di 280 pagine, influenzato dal video, e contenente una raccolta di segni grafici, a loro volta ispirati ad un sistema di codifica dei suoni utilizzato negli anni Sessanta da compositori di musica elettronica. L'aspetto formale, essenzialmente astratto, conserva un intenso potenziale sonoro, legato a The Age of Happiness, una sorta di compendio di segni che hanno funzione narrativa.

Un blocco di ritagli e collage che rimanda alla prima scena del film, caratterizzata da una ripresa sempre piu' ravvicinata del sole, fuori fuoco, e sbilanciata dalla potenza accecante della luce. E infine una pagina contenente un paradosso tratto da Rene' Daumal, particolarmente significativo per l'artista. In essa il testo e' organizzato graficamente per presentarsi come una vera e propria composizione formale, dove la parola, la lettera e la frase si sostituiscono al tratto e al segno, per diventare esse stesse significanti e significati. In un'altra vetrina ottagonale vi e' un modello schematico con vari elementi contenuti nel film, come l'armonia basata sui lavori di Alexander Nikolayevich Scriabin, insieme a riferimenti a strumenti musicali poco diffusi come la glassarmonica o l'ondes Martenot. L'intero progetto e' corredato da disegni, che non vogliono essere un'appendice alla mostra, ma un segmento che ne argomenta la struttura. Il disegno, che per l'artista e' uno strumento atto a chiarire le incertezze che ognuno puo' incontrare nel contesto del percorso creativo, conserva, comunque, una sua autonomia; ognuno di essi e' caratterizzato da elementi connessi con la realtà, ma immersi in ambientazioni surreali. La versatilità dei mezzi utilizzati per la realizzazione di questi lavori tuttavia non ne compromette mai il senso e la coerenza formale.

In occasione della mostra e' stata redatta una conversazione tra Maria Rosa Sossai e Damir Očko, il cui testo sarà disponibile in galleria.

Inaugurazione sabato 13 febbraio 2010 dalle ore 19.00 alle ore 22.00

Galleria Tiziana Di Caro
via delle Botteghelle, 55 - Salerno
orari: dal martedi' al sabato, dalle 15.30 alle 20.30 o su appuntamento
ingresso libero

love

Un confronto a piu' voci sul tema dell'amore

a cura di Massimo Giovannelli

Si inaugura sabato 13 febbraio 2010, alle ore 19.00, negli spazi duecenteschi dell'Ex Convento di Santa Croce, a S.Anatolia di Narco (Pg), la mostra d'arte contemporanea I LOVE, a cura di Massimo Giovannelli, con il Patrocinio del Comune di S.Anatolia di Narco.

La mostra presenta opere di Arianna Bonamore, Elisabetta Fazi, Piero Leonardi, Patricia Mallia, Raffaella Simone e Christina Thwaites. Un confronto a piu' voci sul tema dell'amore, ora affrontato in tono ironico, ora piu' profondo. Sei artisti, sei differenti linguaggi per esprimere un sentimento che e' multiforme eppure sempre uguale a se' stesso.

E' paradossalmente -divino', l'amore passionale raccontato da Arianna Bonamore nelle sue tele: opere che affondano le radici nelle antiche leggende e nella mitologia per suggerire all'osservatore la natura magica e misteriosa dell'amore, capace di illuminare di eternità sia l'amante che l'amato. La scultura di Elisabetta Fazi sottolinea invece l'ambivalenza dell'amore: la sua scatola e' rifugio e soccorso come l'amore materno, ma ricorda anche che il confine tra cio' che ci protegge e cio' che ci imprigiona e' sottile e spesso difficile da identificare.

Le opere di Patricia Mallia trovano nella contrapposizione amore/dolore la propria forza espressiva: una tensione generata da emozioni e sentimenti potenti, che, come nelle sue sculture, rendono l'uomo ora solido quanto la pietra, ora fragile come il vetro. Amore doloroso che ritorna anche nelle opere di Raffaella Simone: poesie, parole, pegni d'amore, piccoli brandelli di vita quotidiana, si intrecciano in lavori che diventano autentici ex voto, testimoni di amori travagliati, contrastati, univoci. Di tutt'altra natura e' l'amore universale, cosmico, che permea le tele di Christina Thwaites. L'artista percepisce questo sentimento come capacità e possibilità di ognuno di -provare amore' e in quanto tale ci arricchisce e ci rende veramente protagonisti di ogni istante della nostra vita. Un amore che non necessita di destinatari o di destinazioni perche' basta a se' stesso, e' gratuito e, appunto, universale.

Piero Leonardi utilizza le fotografie rielaborate dei suoi papaveri che diventano farfalle per esprimere metaforicamente e con ironia la libertà dell'amore, sentimento capace di farci superare i ristretti confini del nostro piccolo io. Cosi' come questi fiori rossi volteggiano e giocano nel cielo blu piu' leggiadri di qualsiasi farfalla, l'amore sa insegnarci a oltrepassare i limiti che spesso ci imponiamo, ingabbiati nei nostri pregiudizi e nelle nostre paure. Ci strappa dalla terra dalla quale continuiamo a osservare la vita che ci gira intorno, trasforma i nostri sogni in ali con cui spiccare il volo, ci sospinge verso il cielo nel turbini'o vorticoso e coinvolgente del vento della vita.

inaugurazione sabato 13 febbraio 2010, alle ore 19

Convento Santa Croce
Piazza Convento, 4 - Sant'Anatolia di Narco (PG)
Orario: 11-14 e 18-22, mercoledi chiuso
Ingresso libero

Gaia Vittozzi

Pupa (perche' non e' mai quello che sembra)

La pupa e' uno stadio che si manifesta nel corso dello sviluppo post-embrionale degli insetti olometaboli e che precede lo stadio di adulto. Nel corso del tempo, questo termine e' stato, e viene utilizzato, anche per definire una bella donna. Pupa e' una giovane avvenente ed e' curioso come essa venga associata ad uno stato larvale proprio degli insetti, esseri che, per antonomasia brutti, non hanno di certo un bel aspetto. La bruttezza e' sovente collegata alla cattiveria. Il male, e i secoli lo dimostrano, e' stato sempre raffigurato od impersonato da esseri sui quali la fantasia umana s'e' accanita in maniera del tutto malevola. Nella cultura occidentale e non, sono molteplici le associazioni demone - insetto, un esempio n'e' il famigerato Belzebu', il signore delle mosche. Si pensa che per ogni essere umano ci sia un angelo. Si usa pensare che in ogni essere umano ci sia un demone. Il male ha sempre una sua attrattiva ed alcune persone non lo trovano solo affascinante, in alcuni casi causa eccitamento. Troverete una donna su quella tela, una pupa. il suo volto e' segnato dalla violenza, dal male. Su di lei, insetti. Eppure lei e' felice, perche' ieri notte... lui e' stato fantastico.

- Se guardate i miei figli e una volta posato lo sguardo altrove, rimanete inquieti, sappiate che si tratta dello stesso sintomo che provo io guardando il mondo. Sono storie riconoscibili, non v'e' nessuna forma astratta. Essa e' fin troppo chiara. Ma questi racconti non hanno alcuna connessione con la realtà; questi accadono altrove, forse in parallelo. Sono nella mia testa, sono il frutto della mia osservazione. Una pura e semplice elaborazione mentale. Piu' innocui di quanto possa essere la realtà stessa. Atti di potenza che giacciono immobili nella loro tensione. Mera mimesi distorta. L'essere umano come il mio paese delle meraviglie.-

Gaia Vittozzi
Inaugurazione 17 febbraio

Artisti in Vetrina Gino Ramaglia
via Broggia, 9/10 - Napoli
Dalle 17 alle 19,30
Ingresso libero

Luigi Vollaro

Lucia Oreto

ricorda il Trio Sancarlino

alla Libreria Treves

Piazza del Plebiscito

Lunedì 15 Febbraio 2010, ore 18

Lunedì 15 Febbraio 2010, alle ore 18, alla Libreria Treves (Piazza del Plebiscito – Napoli), sarà presentato il libro “Il Trio Sancarlino”, scritto da Lucia Oreto, pubblicato dall’Istituto Grafico Editoriale Italiano di Rodolfo Rubino.

L’incontro con l’artista Lucia Oreto sarà moderato e curato da Maurizio Vitiello; relatori: Pino Cotarelli e Rosario Ruggiero.

Scheda sul libro “Il Trio Sancarlino”,

pubblicato dall’Istituto Grafico Editoriale Italiano,

a cura di Maurizio Vitiello.

A Napoli ci sono stati, ci sono e ci saranno sempre piccoli gruppi di teatranti.

E’ da tempo che l'editore-poeta Rodolfo Rubino organizza e pubblica i ricordi di poeti e di artisti napoletani.

La sua casa editrice, l’Istituto Grafico Editoriale Italiano, riesce a proporre indiscutibili novità e rarità.

Il libro di Lucia Oreto ricorda i momenti teatrali ed umani de “Il Trio Sancarlino”, in cui anche lei è stata protagonista, come Colombina, con Pasquale Esposito, ultimo Don Anselmo Tartaglia, ed Antonio Sigillo, ultimo Pulcinella.

Fondamentalmente, a questi suoi due carissimi maestri della commedia dell’arte è dedicato questo libro.

Lucia Oreto li ricorda e li ringrazia per averle trasmesso passione, amore e dedizione all’arte.

Il libro che si apre con una prefazione di Giulio Mendozza, presenta articoli da ritagli di giornali, foto, locandine, aneddoti, note, un’intervista di Marilena Pitta a Lucia Oreto, una silloge di poesie e altro, e tutto questo diventa memoria, che non dovrebbe più subire oblio.

Lucia Oreto ha conosciuto tanti personaggi del mondo teatrale e della canzone napoletana, da Nino Taranto a Pupella Maggio, da Rosalia Maggio a Nunzio Gallo, da Renato De Falco a Salvatore Tolino, solo per fare qualche nome …

Lucia Oreto, in conclusione, scrive “Ci vorrebbero pagine intere per annotare aneddoti sul Trio Sancarlino. Una cosa è certa. E’ che mi mancano moltissimo, Pasquale Esposito, con la sua verve, l’ironia, il senso dell’humour in tutte le situazioni; Antonio Sigillo, con la sua pacatezza, la sua dolcezza, i suoi racconti sul teatro ed i suoi utili insegnamenti. Due personalità opposte. Ma l’una all’altra complementare, che sulle scene creavano un afflato unico da artisti veraci. Spero, con questo mio contributo, modesto, ma sentito, di riuscire a tramandare il teatro del popolo, teatro delle maschere napoletane: Pulcinella, Colombina e Don Anselmo Tartaglia.”

La garbata e brava Lucia Oreto non ha dimenticato gli amici ed i suoi passi sulla scena, che ancora continuano in serate ed in omaggi; anche quest'anno ha partecipato con entusiasmo a serate culturali e di intrattenimento musicale riscuotendo calorosi applausi.

"Ultimo Taglio"
di Lello Masucci

Napoli | Cinema Filangieri
18 febbraio 2010
20,30

Visita la pagina dedicata sul sito picagallery

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

Gaia Vittozzi

Pupa (perche' non e' mai quello che sembra)

La pupa e' uno stadio che si manifesta nel corso dello sviluppo post-embrionale degli insetti olometaboli e che precede lo stadio di adulto. Nel corso del tempo, questo termine e' stato, e viene utilizzato, anche per definire una bella donna. Pupa e' una giovane avvenente ed e' curioso come essa venga associata ad uno stato larvale proprio degli insetti, esseri che, per antonomasia brutti, non hanno di certo un bel aspetto. La bruttezza e' sovente collegata alla cattiveria. Il male, e i secoli lo dimostrano, e' stato sempre raffigurato od impersonato da esseri sui quali la fantasia umana s'e' accanita in maniera del tutto malevola. Nella cultura occidentale e non, sono molteplici le associazioni demone - insetto, un esempio n'e' il famigerato Belzebu', il signore delle mosche. Si pensa che per ogni essere umano ci sia un angelo. Si usa pensare che in ogni essere umano ci sia un demone. Il male ha sempre una sua attrattiva ed alcune persone non lo trovano solo affascinante, in alcuni casi causa eccitamento. Troverete una donna su quella tela, una pupa. il suo volto e' segnato dalla violenza, dal male. Su di lei, insetti. Eppure lei e' felice, perche' ieri notte... lui e' stato fantastico.

- Se guardate i miei figli e una volta posato lo sguardo altrove, rimanete inquieti, sappiate che si tratta dello stesso sintomo che provo io guardando il mondo. Sono storie riconoscibili, non v'e' nessuna forma astratta. Essa e' fin troppo chiara. Ma questi racconti non hanno alcuna connessione con la realtà; questi accadono altrove, forse in parallelo. Sono nella mia testa, sono il frutto della mia osservazione. Una pura e semplice elaborazione mentale. Piu' innocui di quanto possa essere la realtà stessa. Atti di potenza che giacciono immobili nella loro tensione. Mera mimesi distorta. L'essere umano come il mio paese delle meraviglie.-

Gaia Vittozzi

Inaugurazione 17 febbraio ore 19,00

Artisti in Vetrina Gino Ramaglia
via Broggia, 9/10 - Napoli
dalle 17 alle 19,30
Ingresso libero

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inaugurazione venerdì 19 febbraio 2010 - h 19:30

dal 19 febbraio all' 11 marzo 2010

Esposizione di pittura degli artisti curati dalla In Form of Art Galllery

Orari di apertura: lunedì, mercoledì, giovedì, sabato 10:00-13:00/16:00-19:30

martedì, venerdì 16:00-19:30

domenica su appuntamento

In Form of Art Gallery

Palazzo Volpicelli, via Port’Alba 30 – Napoli

Tel. +39 081 192 79 352

www.informofart.com

gallery@informofart.com

Biglietto: ingresso libero

Artisti: Marco Chiuchiarelli, Monika Natalia Mazur, Carlo Alberto Palumbo, Alessandro Papari

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In un’epoca in cui il saper fare viene sempre più accantonato a favore dell’ improvvisazione dilettantistica e di inutili concettualismi, la In Form of Art Gallery in controtendenza propone una serie di opere pittoriche realizzate da quattro dei suoi principali artisti in cui si evince l’indiscussa maestria e l’alto valore contenutistico.

In Form of Art s.r.l.

Via Montesanto 52 - 80135   Napoli

tel: +39 081 544 87 40

www.informofart.com

info@informofart.it

C’ERA UNA VOLTA UN FUTURO