SCHEDA MOSTRA

Soggetto organizzatore:

 ROSSO FENICE Arte Contemporanea

Direttore artistico:

Francesco Morante

Luogo: Via San Filippo, 41-43 – 82100 Benevento

Titolo mostra:

ABSTRACTA

TRACCIATI DELL’ASTRAZIONE

Curatore:

Marco Alfano

Artisti:

Valerie Buffetaud

Carmine Di Ruggiero

Mario Lanzione

Guglielmo Longobardo

Fabio Mariacci

Breve nota critica

La mostra Abstracta - Tracciati dell’astrazione, curata da Marco Alfano, presenta una selezione di opere di Valérie Buffetaud, Carmine Di Ruggiero, Mario Lanzione, Guglielmo Longobardo, Fabio Mariacci. Le opere in mostra scandiscono un percorso che individua una campionatura dell’odierna produzione degli artisti, diversi per formazione culturale ed appartenenza generazionale, in un dialogo-confronto che attraverso continuità e divergenze

serve ad intessere un discorso che attiene soprattutto al linguaggio prescelto – di segno decisamente astratto – e al suo “medium”: la pittura. È un tracciato che articola possibilitàche vanno dalle declinazioni astratto-espressive di Carmine Di Ruggiero, artista segnato da esperienze informali sin dalla fine degli anni Cinquanta, alla ricerca che armonizza prospettiva geometrica e diafanità luminose, di Mario Lanzione, dall’irruenza emotiva d’evocazione fluente della natura, di Guglielmo Longobardo, alla celebrazione plastica della forma che articola una corrispondente traduzione materica, di Valérie Buffetaud, sino

all’ampio respiro cromatico di segno neo-delaunayano del giovane Fabio Mariacci. L’idea centrale della mostra è innanzitutto quella di relazionarsi alla pittura come sensibile “corpo”, quale concreta manifestazione del percepibile, cui è concesso nelle possibilità dell’immaginazione di spostarsi “oltre il visibile”; essa rimanda a un codice dell’espressione che si propone esiti diversi dalla pura “registrazione” delle materie attraverso le quali esse si manifestano. È uno sguardo orientato a riconoscere, nelle forme della pittura, una “permanenza” finalizzata a rendere visibile un’indagine ulteriore, imprescindibile all’anima

di ciascun artista.

Marco Alfano

COMUNICATO STAMPA MARIA MOLTENI A CANZO

Laura Luppi

Domenica 20 settembre il comune di Canzo inaugurerà una mostra antologica dedicata all'artista Maria Molteni, che avrà luogo nel loggiato di Palazzo Tentorio. Per l'occasione verrà svelato al pubblico il prestigioso monumento eseguito dalla scultrice milanese e acquisito dal comune per essere collocato nel patio chiuso di

Palazzo Tentorio, edificio storico recentemente ristrutturato e oggi sede degli uffici del Sindaco. La dislocazione delle opere in due sedi distinte permetterà allo spettatore di ripercorre il cammino artistico della Molteni che, attraverso la fusione e l'accostamento di bronzo, ferro e alluminio, fa della materia il mezzo espressivo per una logica di pensiero concisa ed essenziale. Luci soffuse e abbaglianti, volumetrie imponenti ma non prive di leggerezza, contrasti di linee rette e curve in un rapporto di solido equilibrio, restituiscono allo spettatore la forza di una progettazione razionale unita a grandi capacità tecniche ed estro artistico. L'iniziativa, organizzata con il patrocinio della Regione Lombardia (assessorato Culture, Identità e Autonomie della Lombardia), del Comune di Canzo, della Provincia di Como e con l'appoggio dei Lions (sezione di Erba), sarà accompagnata da un catalogo edito dalla Galleria Schubert di Milano e curato dal professore Claudio Rizzi.

Ufficio stampa: Galleria Schubert

02 54 10 16 33

A cura di Marcella Ferro e Pasquale Ruocco

Antonio Ambrosino, Paolo Bini, Sabrina Casadei, Mary Cinque, Tiziana Cipullo, Costabile, Duerama,     Marco Fusco, Carmen Guadagni, Dario Puggioni, Anna Maria Saviano

9-30 settembre 2009

Comunicato Stampa

Mercoledì 9 settembre alle ore 19,00 sarà inaugurata la mostra Sguardi irrequieti. Nuove tracce del contemporaneo curata da Marcella Ferro e Pasquale Ruocco.

I due giovani curatori propongono opere di Antonio Ambrosino, Paolo Bini, Sabrina Casadei, Mary Cinque, Tiziana Cipullo, Costabile, Duerama, Marco Fusco, Carmen Guadagni, Dario Puggioni, Anna Maria Saviano.

“Sguardi irrequieti. Nuove tracce del contemporaneo ­– scrive il prof. Costabile Maurano, sindaco di Castellabate - è un percorso eterogeneo che si dispiega nel prestigioso spazio espositivo del Castello dell’Abate eretto all’interno delle mura fondate da San Costabile Gentilcore, simbolo della nostra comunità, un percorso fatto di sensibilità diverse e di differenti esigenze espressive che si sostanziano in variegati linguaggi”.

La mostra è dedicata e curata da giovani, realizzata, insomma, da un gruppo portavoce della stessa generazione che vede il presente e soprattutto il futuro con una certa inquietudine.

“Che cosa rende questa mia generazione inquieta nell’animo e irrequieta nel modo di vivere la realtà di tutti i giorni – spiega Marcella Ferro nel saggio al catalogo – è senza dubbio l’interrogativo da cui dovremmo partire. Ci hanno chiamato generation Next, generazione X o di passaggio, insomma a tutti è stato chiaro da subito che noi eravamo semplicemente gli eredi de quelle migliaia di ragazzi che con il sessantotto hanno provato a cambiare le regole del mondo e che seppur non riuscendovi, quantomeno hanno fatto sentire la loro voce”.

E riferendosi al paesaggio artistico contemporaneo, continua “senza dubbio all’enorme puzzle dell’arte, ogni giorno, si aggiungono ex novo artisti, curatori, critici, galleristi, ma piuttosto che guardare solo a questa caotica superficie, sarebbe necessario puntare al senso di questo momento storico, cercando di capire come mai, nonostante non si profili per tutti una carriera brillante, tanti giovani credono ancora di poter trovare uno spazio espressivo “vivibile” in questo marasma.”

“Sguardi irrequieti. Nuove tracce del contemporaneo è una mostra – conclude la Ferro - che senza pretese di verità prova a comprendere le dinamiche dell’inquietudine crescente di alcuni interpreti di una generazione in movimento e che sta pattugliando i confini della contemporaneità, senza perdere il filo con il passato, anzi dando al presente il senso di durata, cioè con l’occhio rivolto al futuro, insomma aspirare ad essere avanguardia”.

Per evitare l’omologazione al sistema della moda e della comunicazione, la ricerca continua ed autodistruttiva della novità a tutti i costi, per continuare ad avere un perché, l’arte deve fare affidamento sulla propria capacità di immaginare – sostiene Ruocco – nuovi mondi possibili; del resto “l’immaginazione – regina delle facoltà per Charles Baudelaire - ha creato, al principio del mondo, l’analogia e la metafora. Essa scompone tutta la creazione, e, con i materiali raccolti e disposti secondo le regole di cui non si può trovare origine se non nel più profondo dell’anima, crea un mondo nuovo”.

Per il giovane curatore ravellese è, infatti, “necessario conservare uno sguardo ‘interessato’ che non si fermi sulla superficie delle cose ma, anzi, ne sappia cogliere i dettagli: uno sguardo attento e profondo capace di scandagliare gli interstizi del presente, irrequieto e sedotto dalla molteplicità del reale”.

La mostra resterà aperta fino a mercoledì 30 settembre. 

Gerardo Apicella

mary cinque acque chiare

Ravello

Palazzo Sasso, 12 settembre – 12 ottobre 2009

Comunicato stampa

Sabato 12 settembre sarà inaugurata la mostra personale di Mary Cinque che raccoglie una serie di acquerelli realizzati negli ultimi due anni, alla quale l’artista ha dato il titolo di “acque chiare”.

La mostra, promossa da Bruno Mansi ed allestita a Palazzo Sasso, propone quaranta acquerelli che hanno come tema lo spazio e le figure che la giovane artista incontra nella quotidianità: la luce è la cifra del paesaggio della costa amalfitana, che misura gli scarti prospettici, le architetture e il loro dialogare con la natura.

Questi fogli vogliono rimarcare il valore di transitorietà proprio dell’acqua che scorre e, al tempo stesso, di chiarimento (di visione meno superficiale) dei processi che rendono più autentica l’esperienza della realtà, anche se il lento tempo di elaborazione, l’impaginato che riprende quello di un quaderno privato, segnalano la necessità da parte dell’artista di ripensare alle stesse inquadrature, nel tentativo di riscrivere l’immagine con toni diversi.

“In primo luogo  – scrive Massimo Bignardi in catalogo – va rilevata la dimensione del supporto sul quale agisce la sua mano, vale a dire piccoli fogli di cartoncino, la maggior parte poco più grandi di una cartolina che danno l’idea di un ricordo, rimandando ad un’immaginifica corrispondenza, in pratica ad un canale attraverso il quale porsi in contatto con la memoria. Poi il supporto e la tecnica; per il primo la scelta è ricaduta sulla carta ruvida che nella sua natura offre una sorta di matericità o, meglio, di superficie irregolare, porosa e, al tempo stesso, grinzosa che facilita l’addensarsi, della fluida pennellata, in macchie, in campiture irregolari ricche di sbavature, di filamentosi aloni d’acqua. Una superficie dunque che agevola  il formarsi di pieghe, proprie di una pelle viva che cede ai processi del tempo e della sua inesorabile azione. La tecnica alla quale ha fatto ricorso, l’acquerello, è la più semplice per quanto sia la più mentale: dapprima l’artista utilizza pasticche di colore, quelle fornite dall’industria per le “belle arti”, poi, in cerca di un proprio colore, elabora una tinta secondo l’alchimia che, per nostra fortuna, è ancora una prassi dell’arte. Una tecnica mentale perché – rinunciando a priori a qualsiasi saturazione – parte dallo scarto di minimi passaggi tonali  operati sulla massima luminosità rappresentata dal bianco del foglio; insomma un procedere per sottrazione di luce, lasciando ai margini del colore il compito di trattenere l’essenza delle forme, il loro farsi richiamo di presenze o di organizzare l’architettura dello spazio. Mary Cinque sovverte il processo; fa assumere al bianco il valore di impronta di un corpo opaco che seleziona e riduce il passaggio della luce, mentre al colore attribuisce la stessa azione che nei fotogrammi Man Ray affidava alla luce.[…]”.

La mostra che resterà aperta fino al 12 ottobre, è stata resa possibile grazie al supporto di Agriturismo Il castagno, Fës ceramiche, Il ritrovo, Image, L’alambicco, L’angolo dei sapori – caseificio Ruocco, Malafronte floral design, Tabaccheria Cuomo, Terre d’Amalfi, Vini Fausto.

L'arte vola veloce a Varese

COMUNICATO STAMPA

Titolo evento:

Ceramica Contemporanea "EXVOTO"
Artista: Elvira Keller

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

Airswap @ NOTgallery

di Arianna Callegaro & Luca Mazza

Napoli# sessione speciale a cura di Airswap e Mara De Falco
www.airswap.org

dall'11 al 25 settembre

NOTgallery _Piazza Trieste e Trento, 48_80132 Napoli

opening: venerdì 11 settembre ore 19

Marco Manray Cadioli
DER NEUE WANDERER
a cura di Vito Campanelli e Francesco Quarto
in collaborazione con MAO - Media & Arts Office ONLUS

GALLERIA OVERFOTO
vico San Pietro a Majella 6, 80138 Napoli
(piazza Bellini)

11 settembre > 10 ottobre 2009
orari: martedi' > venerdi' 11.00-13.00 e 16.30-19.30, sabato 11.00-14.00

inaugurazione venerdi' 11 settembre 2009
ore 18.00-22.00

l’inaugurazione della mostra avrà inizio con la presentazione (in 
anteprima assoluta)
del libro Internet Landscapes 2003-2007, curato da Vito Campanelli e 
illustrato da Francesco Quarto
per Edizioni MAO - Napoli (2009).
Il libro è un viaggio per immagini (preceduto da un breve testo 
critico) che ripercorre le tappe artistiche
di Marco Cadioli: dalle prime sperimentazioni (2003) sino alle 
avventure come reporter in Second Life (2007).
Alla presentazione prenderanno parte gli autori e l’artista.


Marco Cadioli racconta il proprio viaggio nel mondo virtuale cinese 
HIPIHI.
Come un viandante contemporaneo, l’artista attraversa un metaverso 
nel quale non ha alcun riferimento (l’interfaccia e gli 
“abitanti” parlano una lingua a lui sconosciuta), ciò lo spinge 
ad abbandonarsi ad una deriva nella quale finisce per popolare le 
lande desolate che incontra, con le proprie visioni private di una 
Cina senza tempo: quella impressa nel suo immaginario.
Fiori e dragoni, antichi simboli e architettura tradizionale, i 
tazebao e le icone del maoismo, queste le coordinate di un viaggio 
che Cadioli racconta attraverso un video e alcune stampe, nelle 
quali – rispetto alla sua recente produzione artistica – c’è un 
recupero di gesti e tecniche legati alla manualità. Un continuo 
dentro e fuori dal digitale attuato attraverso la sovrapposizione di 
media nuovi e tradizionali.




           http://www.overfoto.it  

  www.myspace.com/overfoto     
Skype ID:

Galleria Overfoto
             

BILL BECKLEY

Selected works 1969/2009



STUDIO TRISORIO ROMA mercoledì 30 settembre 2009

STUDIO TRISORIO NAPOLI venerdì 2 ottobre 2009

fino al 30 novembre



Con una personale di Bill Beckley lo Studio Trisorio inaugura il suo 
35° anno di attività: mercoledì 30 settembre a Roma e venerdì 2 
ottobre a Napoli alle ore 19.
Insieme ai lavori più recenti verrà presentata una selezione di 
opere degli anni’70 che hanno segnato tappe fondamentali nella 
carriera dell’artista americano.
Pioniere della Narrative Art, basata sulla combinazione di immagini 
fotografiche e testi scritti che assumono valenza iconografica, 
Beckley è stato uno dei primi artisti  ad usare la fotografia a 
colori come mezzo d’espressione artistica. Ha realizzato opere 
concettuali quali Hot and Could Faucets with Drain (1975) acquisita 
nella collezione del MOMA di New York, De Koonig’s Stove (1974) oggi 
al Museum of Fine Arts di Boston  (presenti in mostra a Napoli),  
Pipes and Hics (1980) nella collezione della Tate Modern di Londra.

Dal 2001, con la serie Fourteen Stations, riprende a fotografare 
steli di fiori continuando una ricerca iniziata nel 1974 con il 
lavoro Roses Are, Violets Are, Sugar Are, (in mostra a Roma). Gli 
steli della nuova serie sono messi a fuoco minuziosamente, in modo da 
evidenziarne la trama, e posti contro un fondale neutro perdono ogni 
connotato reale. Il grande formato, i colori saturi e brillanti, 
l’uso di titoli inconsueti, contribuiscono a rendere i soggetti 
sempre più astratti, fino a suggerire - come l’artista stesso 
afferma - similitudini con gli ideogrammi orientali. Con lo stesso 
procedimento sono fotografati anche le calle e i papaveri delle serie 
Gothic Attempt, Old Warriors, Heroin Trade in Afghanistan e Whirling 
Dervish realizzati negli ultimi anni. I fiori, le bolle di sapone e 
le bollicine di soda delle ultime serie Bubbles e Soda Pop, sono 
segni linguistici come i testi nelle opere della Narrative Art.

Bill Beckley è nato ad Hamburgo in Pennsylvania, nel 1946. Ha esposto 
in importanti musei e gallerie  fra cui: Tony Shafrazi Gallery, New 
York; Ace Gallery, Los Angeles; John Gibson Gallery, New York; 
galleria Daniel Templon, Parigi; galleria Hans Mayer, Düsseldorf; 
Park Ryu Sook Gallery, Seoul; Nigel Greenwood Gallery, Londra. Nel 
1984 lo Städtisches Museum Abteiberg di Mönchengladbach gli ha 
dedicato una vasta retrospettiva. Ha esposto inoltre al Museum of 
Modern Art e all’International Centre of Photography di New York. Le 
sue opere sono state acquisite nelle collezioni dei più prestigiosi 
musei d’arte contemporanea del mondo fra cui: il Victoria and Albert 
Museum e la Tate Modern di Londra, il Guggenheim  Museum e il Whitney 
Museum of American Art di New York, la National Gallery of Art di 
Washington D.C, il Kunstmuseum di Basilea, il Musée d'art moderne et 
contemporain di Ginevra, il Musée d'art moderne di Saint-Étienne.

Studio Trisorio Roma
Vicolo delle Vacche 12
00186 - Roma
Tel./Fax 06.68136189
roma@studiotrisorio.com
martedì-sabato ore 16.00-20.00


Studio Trisorio Napoli
Riviera di Chiaia 215
80121 Napoli
Tel./Fax 081 414306
info@studiotrisorio.com
lunedì-venerdi10.00-13.00/16.00-19.30
sabato 10.00-13.00

www.studiotrisorio.com

Invito

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

FESTA DELLA MONTAGNA FIE 2009

Sabato 19 settembre

Ore 9:30 – 13:30

Escursione  a Santa Barbara e Pizzo Corvo*: dalla piazza P. Capasso (Bomerano) si  percorre l’antica mulattiera che per secoli ha collegato Agerola all’approdo costiero di Praia, per giungere alla grotta di Santa Barbara, dove è possibile ammirare i ruderi di un’antica chiesa dell’XI secolo d.C.

Difficoltà: E

Ore 16:30 – 18:30            

Passeggiata attraverso il casale  di Campora* : dalla Piazza 24 Maggio (Campora) antiche stradine, immerse nel tipico paesaggio agrario agerolese, faranno da cornice ad un momento dedicato alla scoperta dei piccoli gioielli di architettura civile e religiosa locali e al sapiente binomio uomo-natura, creatosi nei secoli in questi luoghi.

Difficoltà: T

Ore 17-20        

Piazza Capasso| Mercatino “km Zero”, vendita diretta di prodotti orto- frutticoli agerolesi.

Domenica 20 settembre

Ore 8:30 – 13:00

Circuito del Monte Tre Calli*:  dalla Piazza P.Capasso si giunge in località Pendola, attraverso un’antica gradinata, per poi proseguire lungo il ripido fianco del M. Tre Calli; dalla cima (1.122 m), vasto panorama sulla Penisola Sorrentina, Capri, il Golfo di Salerno e le cime del Tre Pizzi. Proseguendo, quindi, in quota per Capo Muro, si scende al rudere borbonico del “Casino di caccia” di Paipo.

Difficoltà: E

Segue pranzo all’aperto con prodotti e ricette tipiche locali, allietato dal concerto della Paranza di Ravello”.

Ore 17-20        

Piazza P.Capasso| Mercatino “km Zero”, vendita diretta di prodotti orto- frutticoli agerolesi.

Ore 18:00

Sala convegni dell’Hotel Due Torri:

Incontro con l’autore:

ü      Anna Fiore, Beatrice Benocci: “Educazione Ambientale, la Terra il nostro ecosistema”.

Ore 19:00

Incontro dibattito:

ü      “Prospettive di rilancio e riqualificazione dell’agricoltura di montagna nel territorio dei Lattari”.

Note

^*

• Per partecipare alle escursioni è necessario prenotarsi entro il 16 settembre ai n. 3392428730 – 3357315259.
• Per la partecipazione alle escursioni, e al pranzo del giorno 20 settembre, è previsto un contributo pari a 10,00€ a testa.
• Ciascuno partecipa sotto la propria responsabilità e non sono ammessi minori non accompagnati.

PACCHETTO DI SERVIZI E MODALITA’ DI ISCRIZIONE

Onde agevolare la partecipazione alla Festa, l’Associazione Sentieri degli Dei ha concordato con alcuni operatori locali un pacchetto di servizi, al prezzo speciale di euro 70. Il pacchetto include:

·        pernottamento in camera doppia o tripla (notte 19/20 sett.) presso una delle strutture convenzionate con l’evento.

·        pranzo e cena del 19, prima colazione e pranzo all’aperto del 20.

·        servizio di accompagnamento alle escursioni e sconto del 10% al Mercatino degli agricoltori.

Per acquistare il pacchetto rivolgersi direttamente ad una delle seguenti strutture convenzionate:

Per iscriversi solo alle escursioni e al pranzo all’aperto del 20 settembre telefonare al: 3392428730 – 3357315259.

Donne!

12 artiste dalla Campania Felix

a cura di Enzo Battarra

Lunedi' 7 settembre 2009 alle ore 18,00 presso lo Studio Arte Fuori Centro di Roma, via Ercole Bombelli 22, si inaugura la mostra collettiva Donna! 12 artiste dalla Campania Felix a cura di Enzo Battarra, in collaborazione con la Unusual Art Gallery di Caserta. L'esposizione rimarrà aperta fino al 25 settembre 2009, secondo il seguente orario: dal martedi' al venerdi' dalle 17,00 alle 20,00. L'evento e' il quarto appuntamento di Osservazioni 2009 ciclo annuale di quattro mostre collettive promosso dall'Associazione Culturale Fuori Centro.

L'Arte e' Donna! Il breve sostantivo di genere femminile esprime da sempre seduzione e narrazione, creatività e inventiva, provocazione e originalità, doti che si riscontrano sempre nel pianeta delle donne. L'altra metà del cielo ha spesso segnato il passo in termini di notorietà nei riguardi dei piu' acclamati artisti maschi per una serie di contraddizioni storiche e sociali. Ma e' innegabile che negli ultimi anni nel settore delle arti visive, cosi' come in tanti altri ambiti culturali e professionali, quella che un tempo era l'altra metà dell'avanguardia oggi sia diventata la parte preponderante. E questo secolo e' già stato definito il female century.

Femmina e' l'arte, quindi, femmina consapevole delle sue qualità, cosciente delle sue potenzialità. Da queste considerazioni nasce un'ulteriore mostra allo Studio Arte Fuori Centro, intorno alle problematiche della creatività al femminile, realizzata con artiste che operano attivamente nella Campania Felix, privilegiando una pittura che pone al centro dell'immagine una fascinosa figurazione.

Sono dodici artiste: Mathelda Balatresi, Anna Maria Bova, Giovanna D'Amico, Maria Pia Daidone, Anna Giordano, Irene Maltempo, Rosa Panaro, Daniela Pergreffi, Maria Racana, Clara Rezzuti, Valentina Wasla Santonastaso, Carla Viparelli, diverse per formazione, per linguaggio, per tecnica, ma pronte a confrontarsi sui temi dell'identità femminile, senza fare di questo pero' la loro unica essenza espressiva. I lavori rispondono a quei requisiti di attualità validi nel contesto contemporaneo globale, un contesto che non deve dimenticare nemmeno le specificità territoriali e pertanto culturali. Il loro percorso va quindi nella direzione di una -glocalizzazione-, un'arte consapevole del proprio -genius gloci-.

Inaugurazione lunedi 7 settembre o 18

Studio Arte Fuori Centro
via Ercole Bombelli, 22 - Roma
Orario: martedi'-venerdi' 17-20
Ingresso libero

Abstracta

Tracciati dell'astrazione

La mostra Abstracta - Tracciati dell'astrazione, curata da Marco Alfano, presenta una selezione di opere di Vale'rie Buffetaud, Carmine Di Ruggiero, Mario Lanzione, Guglielmo Longobardo, Fabio Mariacci.

Le opere in mostra scandiscono un percorso che individua una campionatura dell'odierna produzione degli artisti, diversi per formazione culturale ed appartenenza generazionale, in un dialogo-confronto che attraverso continuità e divergenze serve ad intessere un discorso che attiene soprattutto al linguaggio prescelto - di segno decisamente astratto - e al suo -medium-: la pittura.

È un tracciato che articola possibilità che vanno dalle declinazioni astratto-espressive di Carmine Di Ruggiero, artista segnato da esperienze informali sin dalla fine degli anni Cinquanta, alla ricerca che armonizza prospettiva geometrica e diafanità luminose, di Mario Lanzione, dall'irruenza emotiva d'evocazione fluente della natura, di Guglielmo Longobardo, alla celebrazione plastica della forma che articola una corrispondente traduzione materica, di Vale'rie Buffetaud, sino all'ampio respiro cromatico di segno neo-delaunayano del giovane Fabio Mariacci.

L'idea centrale della mostra e' innanzitutto quella di relazionarsi alla pittura come sensibile -corpo-, quale concreta manifestazione del percepibile, cui e' concesso nelle possibilità dell'immaginazione di spostarsi -oltre il visibile-; essa rimanda a un codice dell'espressione che si propone esiti diversi dalla pura -registrazione- delle materie attraverso le quali esse si manifestano.
È uno sguardo orientato a riconoscere, nelle forme della pittura, una -permanenza- finalizzata a rendere visibile un'indagine ulteriore, imprescindibile all'anima di ciascun artista.

Marco Alfano

Inaugurazione 8 settembre ore 18.30

Galleria Rosso Fenice

ArtVerona: il grande evento che apre i dialoghi del mercato dell'arte

Volterra rende omaggio a Mauro Staccioli

X edizione di Museum, museo-teatro a Napoli

Dal 4 al 28 settembre appuntamento con la decima edizione del progetto Museum 2008 “sale teatrali per un museo mentale”.  Il progetto è di Renato Carpentieri attore, regista teatrale e direttore organizzativo di Liberascenaensemble.

Carpentieri racconta così il suo progetto:
Quando abbiamo progettato Museum, sulla base di tentativi fatti negli anni precedenti a Mori e dalla fondazione Morra, ci siamo spaventati davanti al programma: si trattava di mettere in scena 45 sale in 5 anni (siamo riusciti a farne 43) per un totale di circa 34 ore di spettacolo .
Bisognava trovare di volta in volta le persone giuste in tutti i ruoli: attori (in prevalenza giovani), registi, drammaturghi, scenografi, operatori video, organizzatori, ecc. che si abituassero a lavorare con rapidità senza perdere in entusiasmo e con pochi soldi per tutto.
Una grande esperienza di creazione collettiva. Ossigeno da respirare a pieni polmoni. Una grande avventura.

Quello che segue è un tentativo di descrivere quello che facciamo ad uso di chi non non l’ha mai visto. Ma più che di visione è il caso di parlare di partecipazione.
Museum sperimenta un rapporto museo-teatro del tutto originale, uno scambio di bellezza tra le mura della Certosa di San Martino e le parole (degne di essere pronunciate) e i corpi degli attori.

1. I Musei sono stati usati più volte come luoghi di spettacolo, ricreando però quasi sempre un rapporto consueto tra palcoscenico e platea: uno spazio sufficientemente grande, magari con un fondale architettonico appartenente alla struttura museale, diviso nettamente in due, da una parte gli attori e dall’altra gli spettatori. Il Museo diventa cioè un’arena estiva, con il valore aggiunto del conforto e del fascino di un ambiente connotato da un’alta qualità artistica. Oppure uno spettacolo, diviso in più parti, o più spettacoli che si susseguono con il pubblico che si sposta. Oppure brevi spettacoli o piuttosto conferenze-spettacolo intorno a un quadro particolare, una scultura, un episodio architettonico, volti a raccontare genesi e qualità di quell’opera e del suo autore.

2. MUSEUM parte, invece, da presupposti differenti e originali. Il pubblico non è nettamente separato dagli attori, ma abita il loro stesso luogo, vive e respira e si commuove e pensa nello stesso spazio, si scopre dentro la storia raccontata. Il Museo così rivive, abitato per alcune ore da visitatori appassionati, e le sue mura entrano in risonanza con il teatro.

Questo significa un nuovo e differente rapporto col pubblico, e soprattutto con un pubblico diverso, specialmente giovanile. Lo spettatore si sente protagonista degli eventi di cui si fa parola. E per ottenere questo c’è bisogno di una forma originale di allenamento dell’attore (una commistione di modo produttivo tra lo spazio teatrale e il set cinematografico), per una insolita fruizione in cui non ha tutele se non la sua abilità, il suo talento e il testo.
Lo spazio è in piena luce e, ciò che più conta, non è architettonico, geometrico, bensì mentale, perché lo spettacolo non sta davanti a lui, ma lo coinvolge, traspor¬tandolo nel viaggio in compagnia di problemi e di personaggi a cui si è affezionato.

3. E non si tratta di uno spettacolo con il pubblico che si muove da un ambiente all’altro, bensì di 9 (o più) rappresentazioni divise in tre reparti, e quindi tre alla volta in contemporanea, per consentire agli spettatori la scelta dei percorsi. Si tratta di pièces brevi che si svolgono nelle ore diurne (in genere dalle 10,30 alle 14), della durata di quaranta-cinquanta minuti ognuna, variamente dislocate in spazi chiusi o aperti, consentendo anche la visita della struttura museale che li accoglie.
Bisogna quindi scegliere. E gli spettatori sono felici di poterlo fare. Chiedono consigli, si informano, si esprimono opinioni, critiche, si creano rapporti, dialoghi. Affiora qualcosa di primitivo, infantile e gioioso. Un gioco.

4. E gli spettacoli, completamente diversi fra loro, sono però omogenei, si rimandano l’uno all’altro. Non accettando il rifiuto della Memoria- non siamo in un Museo? E le Muse non erano forse figlie di Mnemosine?- che ci veniva proposto dalla cultura dell’ultimo ventennio, siamo partiti, nello scegliere gli autori e le opere, dalla necessità per noi di comunicare ai più giovani i libri che hanno contribuito alla formazione nostra e della nostra generazione (che ha iniziato gli studi universitari negli anni ’60), anche come omaggio ad autori che troppo presto sono stati dimenticati, o sono conosciuti solo per l’opera postuma di tardi esegeti pur essendo alle radici del nostro pensare moderno come uomini di teatro.

Come se avessimo aperto la porta della nostra biblioteca per i nostri amici più curiosi. E siamo intervenuti in tre modi: rispettando quasi completamente il testo (es: Leopardi, Dialogo tra Tristano e un amico; oppure P.K.Dick, Yancy); mettendone in scena un frammento significativo (es: Gadda, La cognizione del dolore: la visita medica) o tentandone una sintesi, cambiando il punto di vista (es: Bulgakov, Il Maestro e Margherita).
Tutti i testi scelti non sono stati scritti per il teatro. In origine sono romanzi, saggi, poesie, musiche: questo, unito alla brevità e alle condizioni della messincena (con luce diurna non sono possibili “effetti”) ha imposto un particolare lavoro drammaturgico unito alla più vigile regia.

La memoria non è ricordo di fatti, di episodi, e neanche documentazione di clima, di temperie, di contesti; memoria è possibilità di giudizio, per capire quello che abbiamo davanti e non soltanto quello che abbiamo alle spalle. Questo è diventato MUSEUM: piccoli sondaggi profondi, per costruire teche dei sentimenti, delle passioni, delle ragioni. Per l’oggi.

Lo spettatore riesce quindi a partecipare a tre storie ben diverse l’una dall’altra, nel tempo, nello spazio, come trama, problematica e modalità attoriale, in grado di ampliare il suo modo di guardare il mondo e di conoscere se stesso e gli altri.

Alla fine del percorso teatrale ogni spettatore ha visto dalla sua posizione nella Sala una messinscena diversa, ha creato i suoi legami, ha fatto la sua esperienza, ha visto il suo MUSEUM. Questo è entusiasmante e ci dà la forza di continuare.

“La sala azzurra“, “La sala delle macerie del tempo“, “La sala del labirinto“, sono solo alcuni degli spettacoli in cartellone nella decima edizione di “Museum”, negli spazi della Certosa del Museo di San Martino.
A differenza delle precedenti edizioni, quest’anno le pièces teatrali si svolgeranno nell’arco della mattina, con un doppio appuntamento alle 10.30 e a mezzogiorno. Visitare il museo è anche l’occasione per assistere agli spettacoli a cui, oltre allo stesso Carpentieri, hanno lavorato Antonella Cossia, Linda Dalisi, Elvira Garbato, Stefano Jotti, Giuliano Longone e Amedeo Messina.

Altre info: www.liberascenaensemble.it

Il Segno

Mostra e premiazione del concorso d'arte contemporanea

Sabato 19 settembre 2009 a partire dalle ore 18.00 presso la galleria Zamenhof - in via Zamenhof 11, a Milano - si terrà la cerimonia di assegnazione dei premi dei vincitori del concorso d'arte contemporanea -il Segno-, il finissage della mostra delle opere finaliste (selezionate tra le categorie pittura, scultura, grafica e fotografia), e la presentazione del catalogo dei finalisti.

In giuria: Paolo Levi, Rossana Bossaglia, Virgilio Patarini, Valentina Carrera, Davide Corsetti, Michele Govoni, Sabrina Falzone;

Nel corso della serata, la giuria assegnerà i 5 premi previsti dal concorso nelle rispettive categorie: premio -Vedova- per la migliore opera astratta, premio -Chagall- per la migliore opera figurativa, premio -Man Ray- per la fotografia e le opere digitali, premio -Basquiat- per il miglior artista under 30, e premio -Fontana- per l'opera piu' innovativa.

L'evento e' organizzato dagli enti: Enciclopedia d'Arte Italiana, Unione Nazionale Artisti Indipendenti, Galleria Zamenhof, Atelier Chagall e Apollo e Dioniso Edizioni.

La mostra delle opere finaliste, che si compone delle opere di piu' di 100 artisti selezionati tra le categorie pittura (70 opere), scultura (21), grafica (8) e fotografia (21), durerà dal 9 al 19 settembre 2009 e sarà visitabile negli orari di apertura della galleria: (dal mer. alla dom. dalle ore 15 alle 19)

a cura di: Paolo Levi, Rossana Bossaglia, Virgilio Patarini, Valentina Carrera, Davide Corsetti, Michele Govoni, Sabrina Falzone.

In mostra quadri, grafiche, sculture e fotografie degli artisti: Accorsi Stefano, Agosti Dania, Alasia Silvana, Alessi Salvatore, Alfonsetti Giovanni, Antonelli Tina, Aresca Dino, Aroni Alessandro, Astori Diego, Baini Francesco, Baito Alessandro, Barasciutti Franco, Bazzano Diego, Ike, Bonfanti Santina, Bottini Davide, Bracci Anna Maria, Butt Aftab Ahmed, Carluccio Giorgio, Caserta Noemi, Castagneto Giovanni, Cazzaniga Paolo, Cerioni Stefano, Cesca Bruno, Cevallos Ana, Chacianowska Ewa, Chiesa Giacomo, Chiesa Gioachino, Cifiello Elena, Costantini Roberto, Curioni Lorenzo, D'Amico Giovanni, D'Arienzo Rosalba, De Michele Giuseppe, De Nitto Angioletta, De Paolis Enza, De Santi Bruno, Di Fazio Laura, Di Stefano Paolo, Fabbri Maria Teresa, Ferri Massimo, Ficca Fabrizio, Fujii Nobue, Furlan Manuela, Galletti Omar, Garavaglia Flavio, Gatti Laura, Giacomini Silvia, Giananti Renato, Gobbetti Luca, Grasso Alfio, Grilli Francesca, Griva Franca, Iacopetta Giuseppe, Lasala Domenico, Lauro Milvia, Lavorato Santo, Lessio Lauro, Licini Monica, Lo Giudice Paolo, Luchino Francesco, Luise Alberto, Magno Anna Maria, Marchesi Luigi, Marinelli Giovanni, Marletta Vincenzo, Marrone Maeva, Martinelli Michele, Mazzei Italo, Meneghini Simone, Meucci Massimo, Milano Cristina, Milia Marco, Morello Marco, Morganti Enzo, Murazzano Patrizia, Navarro Pier Sam, Obinu Francesco, Orsenigo Giuseppe, Palazzetti Beatrice, Panozzo Moreno, Pedrali Fabrizio, Pedrini Alessandro, Petrosino Luigi, Piva Gianni, Plini Laura, Poggio Maurizio, Ragazzi Simona, Recluta Michele, Reggiani Elena, Roma Vincenzo, Rossetto Paolo, Rossi Alessandro, Rovati Costanzo, Russo Giovanni, Sani Piero, Schiazza Luciana, Schuchardt Ariane, Serravalli Gianluigi, Sgambato Milena, Siclari Francesco, Sommaruga Emilio, Spiller Linda, Stefanelli Paolo, Storelli Leonardo, Tadros George, Tirnetta Mariangela, Tonetto Aleph, Vairani Federica, Valensin Luciano, Valente Maurizio, Vallarin Bruno, Venturi Laura, Villa Giovanni, Visentini Bernarda.

Premiazione 19 settembre ore 18

Galleria Zamenhof
via Zamenhof, 11 - Milano
Orario: mercoledi - domenica 15-19
Ingresso libero

Clara Garesio

1passione 2mani 3elementi...

Mercoledi' 9 settembre, alle ore 19.00, presso la chiesa di San Salvatore a Salerno, sarà inaugurata la mostra 1passione 2mani 3elementi... Clara Garesio!, promossa da SOPRINTENDENZA PER I BAP DI SALERNO E AVELLINO, che presenta per la prima volta a Salerno le ultime creazioni in ceramica dell'artista torinese, napoletana d'adozione.

Ceramics 2009

«Sono rimasto folgorato davanti a questa esplosione di forme e di colori che sono le sue ceramiche, veri pezzi di arte moderna che non sono da meno alle opere dei grandi artisti del Novecento, da Picasso a Miro', per citare alcuni dei maestri che hanno utilizzato la ceramica come mezzo espressivo. In tal senso, e' per me un onore aver reso possibile questa esposizione, la prima nella città di Salerno, con cui Clara Garesio presenta alcune delle sue ultime creazioni, presenze tangibili del suo inesauribile ed esplosivo talento artistico.»
Giuseppe Zampino, Soprintendente per i BAP di Salerno e Avellino

«Sul versante della ricerca plastica, la ceramica d'arte ha riscoperto da qualche anno una delle piu' sensibili interpreti: Clara Garesio ha vissuto infatti la sua vocazione artistica lavorando per quarant'anni nella penombra, vale a dire ai margini del mercato dell'arte, non estranea tuttavia di quel che muoveva il panorama artistico italiano; questa collocazione appartata, questa sua -assenza-, piuttosto che limitare le possibilità concesse dalla creatività - e' quanto oggi l'artista riconosce in alcune fiere parole trascritte dal figlio Gianluca - ne ha preservato l'ingenuità schietta, una purezza; partendo da tale osservazione, la -penombra- che ha attraversato Clara Garesio, ha significato dunque affinare con pazienza e riserbo la preziosa facoltà di guardare al mondo, con rinnovata capacità di sorprendersi. L'arte ceramica, coltivata con amore, ha salvaguardato quel suo talento formativo in un mondo dell'arte contemporanea che sembra aver perduto il legame coi tempi lenti, col rigore di una disciplina -del fare- necessaria a dare forma all'immaginazione.»
Marco Alfano, Clara Garesio. Dalla penombra, la memoria delle cose dal catalogo della mostra

Clara Garesio
Terminati gli studi nel 1957 presso l'Istituto d'Arte per la Ceramica di Faenza, dove consegue prestigiosi riconoscimenti ed ha per maestri Bucci, Biancini, Liverani e Zama, Clara Garesio inizia, accanto a quella dell'insegnamento, una carriera artistica che ne rivela presto le sicure capacità e la vede partecipe di quella vulcanica e felice stagione che la ceramica Italiana attraversa negli anni '50 e '60.
Oggi Clara Garesio e' un'artista che, con i suoi lavori, testimonia la coerenza di un percorso che conserva dei suoi albori tutta la forza e la freschezza.
Sue opere sono presenti, tra l'altro, presso il MIAAO (Museo Internazionale delle Arti Applicate Oggi) di Torino, il Museo Artistico Industriale di Vietri sul Mare (SA), il Museo della Ceramica di Castelli (TE), il Museo Artistico Industriale di Castellamonte (TO), il Museu da Marioneta a Lisbona e il Museo Manuel Cargaleiro di Castello Branco in Portogallo.

In occasione dell'esposizione e' stato pubblicato un catalogo, edito dalle edizioni Menabo', che presenta testi del Soprintendente per i BAP di Salerno e Avellino, Giuseppe Zampino, di Marco Alfano, ed un'intervista all'artista, a cura di Gianluca Pirozzi.

http://www.youtube.com/watch?v=Zo-gtkyOMKU

Immagine: Piatto, terracotta decorata a smalti policromi con inserti in porcellana, ø 55 cm, 2009.

Inaugurazione: mercoledi' 9 settembre 2009, ore 18

Chiesa di San Salvatore
Via dei Mercanti - Salerno
tutti i giorni dalle 10.30 alle 13.00 e dalle 17.00 alle 21.00

Sguardi irrequieti

Antonella Raio

Infiniti Riflessi

a cura di Diego Esposito

Il lavoro di Antonella Raio si fonda sulla costante e profonda ricerca della conoscenza del se' interiore che viene espresso attraverso ricostruzioni artistiche di ambienti domestici. I suoi lavori consistono in vere e proprie ricostruzioni di alcune parti di interni casalinghi dove l'osservatore "voieristicamente" scopre, improvvisamente, che dietro quell'apparente serenità e tranquillità propria del focolare domestico, a volte, si celano aspetti tragici e opprimenti del vivere.
Le grandi capacità comunicative insite nelle opere della Raio inducono il fruitore ad una attenta analisi introspettiva, riuscendo cosi' a trasformare il messaggio universale dell'arte in un dialogo intimo e privato. La riflessione sulla sofferenza spingerà, quindi, per contrasto il visitatore ad una profonda riflessione sul piacere e sulla ricerca di felicità, considerati gli aspetti salienti e imprescindibili dell'essere umano.
Su questo contesto il curatore del progetto, Diego Esposito, ha pensato di dedicare ad Antonella Raio una mostra con opere inedite di proprietà dell'artista.
Le sculture in esposizione saranno installate in modo tale da suggerire al visitatore la sensazioni di entrare in una casa, come se entrasse nella propria casa, e potendo, quindi, direzionarsi verso il salotto, verso la cucina o la camera da letto, e percependo cosi' sensazioni opposte di liberazione e di oppressione. Un'ulteriore riflessione artistica della Raio si fonda sulla ricerca degli aspetti soprannaturali dell'essere umano che si esprimono nel magico e nel superstizioso.
Antonella Raio e' una giovane artista napoletana con esperienze lavorative maturate in Italia, i cui lavori hanno suscitato grande interesse di pubblico e di critica; tutto il suo lavoro si basa sulla polarità interno-esterno dell'uomo e sul concetto di funzione ed estetica degli oggetti del quotidiano, espressi attraverso forme e materiali contrastanti come l'acciaio e il legno, l'acqua e il fuoco, visibili in specchi che formano diaframmi fra il di qua e il di là, il dentro e il fuori.
Il percorso espositivo composto da 6 istallazioni di grandi dimensioni e da alcune fotografie che raccontano storie di vita quotidiana, attraverso la familiarità dei luoghi e la ripetitività dei gesti nonche' la ripresa dell'antico elemento ritualistico.

Una importante funzione documentaria sarà fornita dal catalogo (Massa Editore), che conterrà le foto delle opere esposte e una lettura analitica delle stesse. Saranno inoltre presenti contributi critici sulle opere presentate e una sezione di saggi espressamente commissionati per questo evento e affidati al curatore Diego Esposito e ad altri specialisti del settore.

Immagine: Narciso (2008), Napoli

Col patrocinio dell'Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli

Inaugurazione 9 settembre ore 18,00.

Museo di Castel Nuovo Maschio Angioino
Sala Loggia piazza Municipio Napoli
Orario di apertura dal Lunedi' al Sabato dalle ore 9 alle ore 19. La biglietteria chiude alle ore 18.
Ingresso al museo: euro 5.00 - Gruppi di almeno 15 persone: euro 4.
Esenzioni: giovani fino 18 anni e anziani oltre i 65 anni; scolaresche accompagnate da insegnanti; studenti universitari (D.M. 13/5/93 - facoltà artistiche) - membri ICOM.
Ridotto: euro 4
Per le scolaresche e' consigliabile prenotare la visita presso la segreteria del Museo.
Possessori di ARTECARD euro 2,50

Starting Collection, la guida online per scoprire opere che non costano più di 6.000 euro

Vecchio

L'elogio della vecchiaia

A cura di Enzo Mazzarella

Per festeggiare gli 80 anni di Gino Paradisi la Galleria Monserratoarte900 apre un significato dove la vecchiaia non viene vista come un incubo, ma come un altro periodo dove l'erotismo risorge in situazioni nuove, e loro, i vecchi, servono a insegnarci la bellezza della vecchiaia che ci fa tornare bambini con le rughe, una fortezza erotica, una carta geografica del nostro vissuto, ed ognuno non puo' altro che amarli, non come saggi, ma come persone fisiche. Che c'e' di piu' affascinante che vedere un corpo che ha visto passare tanti soli? E che conserva una bellezza raggiungibile a pochi? E su questo tema si cimentano non solo pittori storici ma anche contemporanei.

Un giorno, vidi un mio giovane amico,
Maurizio,
uscire da un anfratto con un signore.
Lui disse: -hai visto quant' e' bello?- Io lo guardai,
poi lui rispose -credo settantacinque anni,
credi li avrà?-
Io risposi -forse ottanta-.
Poi decisi era bello!

Giuseppina Julia

Gli artisti:

Paolo Bielli
Pasquale de Antonis
Riccardo de Antonis
Jole Fossati
Lino Frongia
Raul Gaudenzi
Nedda Guidi
Marina Haas
Alessandro Kokocinski
Laura Palmieri
Mariano Rossano
Lily Salvo
Mario Schifano
Giuseppi Sciuti
Carlo Socrate
Andrea Spadini

Vernissage: 10 settembre dalle ore 18

Galleria Monserratoarte900
Via di Monserrato 14 - Roma
Ingresso gratuito

E' in rete ARTFAIRONLINE la prima fiera italiana via internet d'arte moderna e contemporanea

A Torino per perfezionarsi e discutere di management e fund raising della cultura

Gaia Vittozzi

Man Ray

The Fifty Faces of Juliet (1941-1955)

a cura di Janus e Maurizio Vanni

"La testa di una donna e' il suo completo ritratto fisico, ma, quale che sia il suo fascino, "il ritratto di un essere che si ama deve poter essere non solo un'immagine alla quale si sorride, ma un oracolo che si interroga", ha detto Andre' Breton. Cosi' in ogni caso, chiediamo anzitutto di una donna: ha la testa?"
Man Ray

Dal 12 settembre al 6 dicembre 2009, il Lu.C.C.A. - Lucca Center of Contemporary Art propone la mostra Man Ray. The Fifty Faces of Juliet, realizzata in collaborazione con la Fondazione Marconi di Milano.

Verranno presentati al pubblico i cinquanta ritratti che l'artista scatto' alla moglie, Juliet Browner, tra il 1941 e il 1955. The Fifty Faces of Juliet fu pensato da Man Ray agli inizi degli anni '50 come libro in omaggio a sua moglie Juliet, ma anche come un -saggio' di opere foto-grafiche iniziato a Los Angeles nel 1941. Cinquanta fotografie, stampe originali in diverse tecniche e stili, alcune colorate a mano, di diverso formato che Man Ray ha dedicato a Juliet, la musa definitiva della sua vita.

Man Ray e' uno degli esponenti piu' significativi dell'arte del ventesimo secolo. Nato a Philadelphia nel 1890 da una famiglia ebrea di immigrati ucraini, entro' a contatto con gli artisti europei e soprattutto con Marcel Duchamp attraverso la galleria di Alfred Stieglitz di New York e gli artisti della prima edizione dell'Armory Show. Divento' in breve tempo uno dei protagonisti del Dadaismo americano realizzando con materiali di recupero oggetti fantastici di ispirazione surrealista esaltandoli anche attraverso la fotografia. Nel 1921 si stabili' a Parigi dove grazie a Duchamp si inseri' nel milieu artistico e intellettuale che avrebbe dato vita al Surrealismo. In quegli anni la sua attività procedette di nuovo in molteplici direzioni parallele: la pittura, la fotografia, la grafica, la realizzazione dei famosi oggetti d'affezione. Man Ray sviluppo' nuove tecniche di ripresa e stampa, come il rayograph, il fotomontaggio, la solarizzazione e il cliche'-verre. Divenne un fotografo ricercato da artisti, dalla moda e dalla borghesia di quegli anni. Nel 1940 per sfuggire al pericolo nazista ritorno' a New York da cui si allontano' quasi subito per trasferirsi in California, ad Hollywood, dove incontro' Juliet Browner, un'affascinante modella di ventotto anni dai lineamenti fauneschi e gli occhi a mandorla che le davano un aspetto vagamente esotico (Man). Nel 1946 Juliet sarebbe diventata sua moglie a Beverly Hills dove anche Max Ernst e la pittrice Dorothea Tanning si sposarono e i due amici si fecero da testimoni l'uno all'altro. Max Ernst dedico' all'avvenimento un suo dipinto chiamandolo Doppio matrimonio a Beverly Hills.

Nel periodo californiano, Man Ray pur continuando ad occuparsi di fotografia, si dedico' soprattutto alla pittura e ai suoi oggetti d'affezione. Nel 1951 non appena la situazione in Europa si normalizzo', Man e Juliet partirono alla volta di Parigi dove si stabilirono in rue Fe'rou 2 bis a Saint-Germain-des-Pre's. Man Ray mori' a Parigi il 18 novembre 1976 e venne sepolto nel cimitero di Montparnasse. Sulla lastra ovale della sua tomba si puo' leggere la scritta: Unconcerned but not indifferent-Love Juliet e su quella rettangolare di Juliet che lo raggiunse nel 1991: Together again.

Man Ray, attraverso la fotografia ha offerto a se stesso e ai suoi modelli l'occasione di esplorare le possibilità creative dell'io, muovendosi straordinariamente dai registri piu' onirici e surreali alla pantomima, al puro divertissement. Juliet ne e' stata uno dei soggetti piu' ricchi e straordinari. The Fifty Faces of Juliet sono il racconto di un amore e di una vita. Cinquanta ritratti in cui l'immagine di Juliet viene di volta in volta inventata, riscritta, modificata, esaltata con il segno della matita, con un intervento grafico, con la sovrapposizione di una stoffa, di un velo trasparente, occultata dietro una maschera, il suo volto incorniciato con un grande cappello alato, svelata nella sua nudità, trasformata in un ricamo.

In occasione di questa esposizione e' stato pubblicato un libro d'artista: "Man Ray - The Fifty Faces of Juliet", con la riproduzione delle cinquanta fotografie, testi di Man Ray, Giorgio Marconi, Janus, Maurizio Vanni; Carlo Cambi Editore, Poggibonsi (SI) - Fondazione Marconi, Milano http://www.carlocambieditore.it

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Inaugurazione: Sabato 12 settembre 2009 ore 17,30.

Orario di apertura al pubblico:
Martedi' - Domenica 10.00 - 19.00
Lunedi' chiuso
La biglietteria e' aperta fino a un'ora prima dalla chiusura
Biglietti
Intero 7,00 -
Ridotto 5,00 - per gruppi superiori alle 15 unità, minori di 18 e maggiori di 65 anni; residenti nel Comune di Lucca, scolaresche (primarie e secondarie), disabili; soci Touring Club Italiano.
Gratuito per bambini fino ai 6 anni, un accompagnatore per ogni gruppo, accompagnatore disabile, due accompagnatori per scolaresche, giornalisti con tesserino, guide turistiche con tesserino, militari e forze dell'ordine con tesserino.

Il laboratorio di Leonardo

I codici, le macchine e i disegni

Al Castello Visconteo, due mostre dal taglio inedito rinsaldano, a 500 anni di distanza, il rapporto che univa il genio del Rinascimento alla città ducale.

Dal 13 settembre 2009 al 5 aprile 2010, -IL LABORATORIO DI LEONARDO - I CODICI, LE MACCHINE E I DISEGNI- presenterà, grazie a innovative tecnologie, le ricostruzioni fisiche e la piu' ampia e affascinante collezione di scritti e disegni di Leonardo da Vinci mai proposta in Italia.
Dal 3 ottobre 2009 al 31 gennaio 2010, -SPLENDORI DI CORTE. GLI SFORZA, IL RINASCIMENTO, LA CITTÀ-, ripercorrerà i legami tra la città di Vigevano, la signoria sforzesca, la figura di Leonardo da Vinci e le testimonianze artistiche presenti su tutto il territorio lomellino.

Leonardo e Vigevano. Il rapporto che lega il genio del Rinascimento e la città ducale si rinsalda, a 500 anni di distanza, con due mostre, dal taglio inedito, che saranno protagoniste a partire dal prossimo autunno.

Infatti, il Castello Visconteo ospiterà, dal 13 settembre 2009 al 5 aprile 2010, IL LABORATORIO DI LEONARDO - I CODICI, LE MACCHINE E I DISEGNI, un grande evento, prodotto da Leonardo 3, che proporrà un'esperienza -totale- su Leonardo da Vinci. Grazie a tecnologie innovative il pubblico conoscerà i codici piu' importanti del grande Genio e inedite ricostruzioni fisiche e digitali di strumenti straordinari come la Macchina Volante, il Leone Meccanico, oltre a entrare in contatto con i disegni e i dipinti presentati con la tecnologia HyperView. Per la prima volta i visitatori potranno sfogliare virtualmente, grazie alla tecnologia Virtual Codex, il Codice Atlantico, il Codice del Volo e il Manoscritto B di Leonardo da Vinci. In particolare, l'intervento effettuato sul Manoscritto B risulta di grande importanza storica, in quanto tutte le pagine sono state restaurate digitalmente e si presentano quindi come appena scritte da Leonardo.

Ma non e' tutto. Le macchine -prenderanno vita- dal foglio in 3D, cosicche' i progetti piu' complessi di Leonardo risulteranno comprensibili al grande pubblico. Infatti, oltre a ingrandire i particolari con un dettaglio mai visto prima d'ora, i principali disegni saranno illustrati da animazioni tridimensionali e da modelli fisici, che li renderanno immediatamente leggibili nei loro meccanismi.
L'iniziativa rappresenta la piu' ampia e affascinante collezione di scritti e disegni di Leonardo da Vinci mai presentata in Italia e abbraccia un significativo periodo della vita dell'artista, architetto, ingegnere e scienziato. Il fascino di questa esposizione e' dato dalla sua eterogeneità: ci si trova in maniera imprevedibile dinanzi a straordinari disegni dedicati alla meccanica, all'ingegneria, all'architettura, alla matematica, alla geometria, all'astronomia, alla botanica, alla zoologia, all'anatomia, alle arti militari e alla fisica.

Ospitata nelle scuderie ducali del Castello, dal 3 ottobre 2009 al 31 gennaio 2010, la mostra SPLENDORI DI CORTE. GLI SFORZA, IL RINASCIMENTO, LA CITTÀ, curata da un comitato scientifico composto da: Alberto Ghinzani, Luisa Giordano, Mariolina Olivari, Giovanni Patrucchi, Nicoletta Sanna e Antonio Zavaglia, analizzerà i legami tra la città di Vigevano, la signoria sforzesca, la figura di Leonardo da Vinci e le testimonianze artistiche presenti su tutto il territorio lomellino.
Il ducato degli Sforza coincise a Vigevano con una vera e propria età dell'oro. Soprattutto l'affetto degli ultimi due duchi, Ludovico il Moro e Francesco II, che a Vigevano erano addirittura nati, fece della città una piccola Milano, raffinata e ricca come la capitale. I migliori architetti, pittori e scultori milanesi furono impiegati anche a Vigevano, a partire da Leonardo e Bramantino. Sulla scorta delle committenze ducali, le confraternite e le famiglie piu' agiate della Lomellina, tra Quattro e Cinquecento, fecero a gara nel farsi promotrici di iniziative che portarono nei paesi del territorio dipinti, sculture lignee, tessuti preziosi, oreficerie.

Di questo ricco patrimonio rimangono ora alcune vestigia, che la mostra riporta a Vigevano, per dare un'immagine dello splendore che caratterizzo' questo periodo. Il percorso espositivo, organizzato il sei sezioni, consentirà di ammirare, per la prima volta nella loro interezza, i tre Compianti lignei lomellini (Vigevano, Chiesa di San Dionigi di Anonimo Maestro Lombardo, Gropello Cairoli - Maestro lombardo (forse Brescia) attivo tra fine XV e inizio XVI secolo, Gambolo' - Giovanni Angelo del Maino e bottega, tra 1532 e 1536), tre capolavori assoluti della scultura lignea del Rinascimento lombardo, mai presentati assieme, ne' in formazione completa.
Dalla Biblioteca Ambrosiana di Milano giungeranno a Vigevano alcuni disegni raffiguranti Francesco e Cesare Sforza, realizzati da artisti leonardeschi come Giovanni Antonio Boltraffio e il Maestro della Pala Sforzesca.
Torneranno a Vigevano alcuni importanti frammenti ricamati in oro, finora del tutto sconosciuti, provenienti dalla Cattedrale di Sant'Ambrogio di Milano, e li si esporrà a fianco di altri manufatti tessili straordinari. S'incontreranno, inoltre, dipinti, codici miniati, sculture, monete, affreschi staccati provenienti da chiese e castelli della Lomellina.

L'apertura della mostra costituirà l'occasione per presentare alla città il restauro finanziato da un illuminato privato monzese con l'interessamento della Soprintendente Mariolina Olivari, del meraviglioso e imponente Crocifisso ligneo scolpito, gessato e dipinto, di autore ancora anonimo ma sicuramente attribuibile a un bravo scultore lombardo del XVI secolo, conservato, fino a questo momento, nel Duomo di Vigevano.
L'itinerario si completerà con la visita del Museo del Tesoro del Duomo, dov'e' esposto cio' che rimane del tesoro che Francesco II volle donare alla sua città natale prima di morire, come la grande Pace, considerata un vertice dell'arte orafa milanese del primo Cinquecento, il nucleo di arazzi fiamminghi piu' importante che ci sia in Italia dopo quello di Trento e le tavole raffiguranti il Ciclo della Passione del pittore cinquecentesco, nato a Vigevano, Bernardino Ferrari.

Le due mostre, sotto l'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, sono parte integrante del progetto -Leonardo e Vigevano-, ideato e organizzato da Comune di Vigevano, Provincia di Pavia, Fondazione Banca del Monte di Lombardia e Consorzio A.S.T Agenzia per lo Sviluppo Territoriale, che propone mostre, laboratori interrativi, esperienze multimediali, percorsi storico-ambientali, degustazioni e acquisto di prodotti agricoli, secondo un percorso che coniuga la valorizzazione dei beni culturali con la capacità attrattiva del territorio.
Fino ad aprile 2010, la figura di Leonardo, che conobbe Vigevano e vi soggiorno', sarà il punto di incontro delle diverse risorse del territorio (ambiente, natura, storia, arte), rivelando un aspetto meno noto ma di grande fascino del genio: quello di uomo nuovo del Rinascimento che si interessava di acque, architettura e agricoltura.

La frase che nel 1494 Leonardo annota nei suoi scritti, -Adi' 2 febbraio 1494 alla Sforzesca ritrassi scalini 25 di 2/3 l'uno larghi braccia 8-.- [ MS. H, f.65v.] e piu' tardi nel 1506-1510 [COD. Hammer, f.32v.] nasce proprio da uno dei suoi viaggi nei dintorni di Vigevano presso la villa Sforzesca, primo esempio in Italia di azienda agricola sperimentale fortemente voluta da Ludovico il Moro e, negli anni di permanenza di Leonardo a Milano, interessata da imponenti lavori di sfruttamento delle acque.

Il progetto Leonardo e Vigevano intende far conoscere e promuovere l'utilizzo degli strumenti multimediali ed interattivi per valorizzare l'ingente patrimonio storico della città. L'obiettivo piu' generale e' la costituzione di un centro di ricerca dove sviluppare e sperimentare le nuove tecnologie da coniugare a una moderna fruizione dei beni culturali.
Una Piazza Ducale e un castello Visconteo-Sforzesco con caratteristiche uniche al mondo, una tradizione imprenditoriale con eccellenze nel comparto calzaturiero e nella tecnologia dell'area -pelle', un ambiente naturale di pregio e la presenza del Parco fluviale della Valle del Ticino, a 30 chilometri da Milano, fanno di Vigevano e del suo territorio un'imperdibile meta per un turismo qualificato.

Catalogo: edizioni Leonardo 3

Ufficio stampa
CLP Relazioni Pubbliche
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Preview della mostra riservata alla stampa Venerdi 11 Settembre 2009, Ore 11.30
Castello Visconteo, sala dell'Affresco (Ingresso da P.zza Ducale)

Inaugurazione 12 settembre 2009

Castello Visconteo
Piazza Ducale - Vigevano (PV)
Orari: dal martedi' alla domenica, dalle 9.30 alle 18.30. Lunedi' chiuso
Ingresso: intero, 7 Euro; ridotto, 6 Euro, ridotto scuole 3 Euro