Carlo Olivari

Borders+Segments - Romania Video Art & Architecture event   Dates: November 13-14, 2009   Curator: Luca Curci   Location: MUZEUL FLOREAN, Baia Mare, Maramures - Romania   web. www.lucacurci.com/artexpo

The International Experimental Film Festival is dedicated exclusively to sustaining and promoting the experimental films. We consider the experimental film to be one of the most interesting expression forms of contemporary art. The interest shown by the public who watched the films, apart from the festival, determined us to change the classical way of approaching an experimental film festival. We’ve therefore decided to change the regulations so that any kind of constrains will be avoided. That is why we eliminate the participation fee and the jury who chooses the winners. Most of the film critics, artists and common art consumers considered the viewing and the real perception of the artistic creation to be more important than establishing a classification based on prize awarding. The involvement of a jury in such a festival leads to a selection based on a subjective opinion and consequently to an artificial point of view, which influences the real perception of the event. Every experimental film has a justification only when it is not a subject of an official analyzes or any other preset value criteria. The Florean Museum’s experimental film collection is a reference point of the contemporary experimental film and is available to anyone who wants to study the phenomenon.   .artists Luca Curci . Italy | Nadia Perrotta . Italy | Justyna Górowska . Poland | Gregory Steel . USA | Nat Wilms . Italy | Jeremy Newman . USA | Patricia Claro . Chile | Jimena Passadore . Argentina | Stephen Anderson . USA | Antje Nilsson . Sweden | Ronis Varlaam . UK | Ger Ger . Germany | Sven de Swerts . Belgium | Peter Wallstrom . Sweden | James A Cook . USA | Russ Chartier & Paul Botelho . USA | Hagackure . Italy | Faisal Anwar . Pakistan | Annalisa Sonzogni . UK | Markus Oberndorfer . Austria | Alison Williams . South Africa | Mauricio Mayorga . Colombia

Architecture & Design as a Catalyst for Change   Dates: November 5-7, 2009   Location: Chicago Architecture Foundation 224 S. Michigan Ave., Chicago   web. www.architecture.org/aao

Carol Coletta, of CEOs for Cities, and Damon Rich, Center for Urban Pedagogy, will keynote the first-ever conference of the Association of Architecture Organizations and the Architecture + Design Education Network, taking place in Chicago, November 5-7. The conference, whose theme is Architecture & Design as a Catalyst for Change, is for architects, design professionals, architecture centers and other built environment organizations interested in educating the general public about architecture and design. It will be held at the Chicago Architecture Foundation, in the heart of downtown Chicago.   Session topics include: Initiating Dialogue about Design Excellence Creating Architectural Exhibitions that Engage Starting an Architecture Center Using Social Media to Attract new Audiences And much more   Don’t miss the special session: “A Conversation with the Critics: Imagining the Future of the City.” Panelists include Jonathan Glancey, The Guardian; Paul Goldberger, The New Yorker, Sarah Williams Goldhagen, The New Republic; and Blair Kamin, Chicago Tribune; moderated by Edward Lifson, cultural critic and creator of Chicago Public Radio’s Hello Beautiful!   Attendees will gain: New tools and ideas to help strengthen and support their organizations New contacts with leaders in the field New topics and presentation formats for educational and public programming A refreshed and recharged outlook for the future   The Association of Architecture Organizations (AAO) is a nonprofit membership organization dedicated to fostering a strong network of organizations that engage and educate the public about the built environment. It pursues this mission through conferences and workshops, a membership network, the sharing of best practices, and peer-to-peer learning. A+DEN, an affiliate of AAO, was formed in 2005 and is dedicated to fostering the growth and development of architecture and design education on a national level.   The Architecture + Design Education Network (A+DEN) further strives to raise youth awareness about the built environment and advance the integration of the design process across the K-12 curriculum.  A+DEN is a partnership of the Chicago Architecture Foundation, the American Institute of Architects, and the American Architectural Foundation.   Learn more and register at www.architecture.org/aao   Contact: Jill Perney JPerney@architecture.org   Chicago Architecture Foundation 224 S. Michigan Ave., Chicago www.architecture.org/aao

Gaia Fugazza and Fani Zguro

 Vlore – The Promenade Gallery – fino al 1/11/09

Gaia Fugazza and Fani Zguro SarrasineThe Promenade Gallery is an ambitious project, which started in 2007 in order to promote contemporary art in Albania. Starting in September 2009, the gallery will present its new program for 2009/2010 season, which will include personal and collective projects mainly with pieces from emerging artists.

The Promenade Gallery does not aim to be only a centre for contemporary arts, but its ambition is to coordinate interesting art projects inside as well as outside Albania. As such, the Promenade Gallery is determined to keep an open mind towards all arousing proposals.

The Promenade Gallery presents in 11 october 2009 the double solo exhibition of Gaia Fugazza and Fani Zguro.

For the exhibition -Sarrasine- the italian artist Gaia Fugazza shows a series of collages, appropriates images of different architectures in black and white and uses them as an elegant juxtapositions, adopts the content and contexts of the original images to convey his own poignant meanings.

The albanian artist Fani Zguro shows a series of video in black and white, using and manipulating '70 albanian noir movies to transform into collating footage.

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

evaluna libreria delle donne napoli

V ENERDI 6 NOVEMBRE ORE 19.30

Quello che resta

2001-2009

Opere di Gabriella Prati

dal 6 al 12 novembre 2009

…Quando entro nell’atelier il mio stato è quello dell’incontro…gli oggetti, i resti hanno a loro volta incontrato l’esistente…

Quello che mi porta verso di loro è questo loro esserne rimasti segnati, trasformati ma nel loro essere resti, rimasti, hanno acquistato una bellezza, una potenza, una sensualità erotica Un incontro con la materia, con le trame che si scatenano nella stratificazione, nell’errore continuo alla ricerca della trasformazione mia e della materia insieme in un'unica azione sostanza. Quando ho ri-cominciato a cercare un segno, l’azione è nata dal graffio potente di pastelli a cera sul foglio. qualcosa che mi tirasse fuori, che prendesse la sua via e che io potessi  incontrare come nuovo, indipendente da me. Dopo aver intravisto una luce gialla sotto gli strati di nero in un quadro di Franz Kline ho sentito che quella era la strada, lo strato di segni, e ancora  qualcosa che mi escludesse dal prodotto. Anni in cui raccoglievo oggetti, li tenevo da parte, in attesa che afferrassero le mie mani perché li aiutassi a parlare. La stoffa trasfigurata dalla macerazione tramava intorno al ferro arrugginito e al legno bruciato, le colle seccate, tutto il reale muto ed escluso era ciò che restava. Il dolore, la paura di una perdita possibile reale, mi ha riportato il segno di una figura, la madre che porta nel suo ventre la sua vita stessa e che nel dolore, nella paura di una perdita rinasce, con ciò che può essere pianto. Le maternità e i compianti, presenze non cercate che mi affiancavano nel lavoro, mute di significato, solo ineluttabilmente lì, impossibile lasciarle fuori, io ero testimone della loro urgenza. Il rosso l’oro e poi l’azzurro, le terre, impasto di sangue, magnifico splendore sostanziato di materia. Sempre con le mani. Devo proteggere una bambina che ha qualcosa da dire che ha paura di sbagliare devo stare dalla sua parte. Per me tutto si racchiude nel fare, nello scegliere ed essere scelti, nello scoprire fra le crepe, fra il ritmo del segno una presenza assenza, un vuoto rotto, infranto. I segni si intrecciavano strettamente alla poesia, ma io sfuggivo dai nessi in una ripetizione metonimica di ciò che doveva essere, la necessità della parola e del gesto, del segno e del simbolo. Ancora qualcosa lacera, il viso, i corpi, il colore stesso patisce una dimensione piana, il vetro, la plastica trasparente, l’aria rotta da un urlo infranto, da pezzi, ancora pezzi echi di una trasparenza impossibile. le mie mani cercano di ferirsi in quelle trame di stracci e vetri, di pianto e corpi senza volto e volti senza corpo. Così è per me e questo cerco di offrire a chi mi cerca e mi chiede di guidarlo, per cercare il suo segno, la sua traccia, persona grande o piccola che sia, nella ricerca del suo sogno.

Gabriella Prati

Nata a Napoli vive a Bologna da più di 30 anni.

Psicologa, insegnante di scuola dell'infanzia, si occupa da anni di bambini e adolescenti e dei loro genitori per aiutarli in una crescita armoniosa favorendo lo sviluppo della sensibilità artistica, relazionale ed ecologica. Dipinge e aiuta le persone nell'individuazione di una personale filosofia di vita e di una autentica espressione artistica. Co-fondatrice dell’associazione culturale il volo di Bologna, il cui fine è la ricerca di percorsi volti al riequilibrio e l’espressione di sé, ha dato vita al progetto Merzbau laboratori e esperienze residenziali di danza, arte e cucina per bambini e adolescenti. Le sue opere sono in mostra permanente presso le sedi e l’atelier dell’associazione culturale  il volo di Bologna. Nel Luglio 2009 ha tenuto una personale presso il laboratorio di studio conservazione e restauro di via dell’inferno 8, Bologna

Orario: 19.00-23.00; domenica chiuso

Catalogo in galleria

Sino a giovedì 12 novembre 2009

CollettivArtistica MArteLiveNapoli

ospite del Castel dell’Ovo

Terminato il Festival, MArteLiveNapoli continua il suo impegno di promozione artistica con le esposizioni dedicate ai migliori pittori (valutati da una giuria di esperti) presenti alle sue finali regionali- tenutesi a Casa della Musica il 9 e 16 Giugno scorso.

Per questo 1° Premio Pittura targato

“MArteLiveNapoli ¨

stata scelta una location d’eccezione.

Il primo e più complesso Festival multi-artistico campano destina ai suoi migliori pittori uno dei luoghi più suggestivi di Napoli: il Castel dell’Ovo.

Il Castello, che farebbe risalire il suo nome all'uovo che Virgilio avrebbe nascosto all'interno di una gabbia nei sotterranei del castello, sarà  la location per la mostra d’opere pittoriche dei 3 migliori pittori che hanno partecipato alla scorsa edizione di MArteLiveNapoli.

Da Mercoledì 4 Novembre a Venerdì 20 Novembre la Sala delle Carceri del Castel dell’Ovo ospiterà le opere di Paola Adamo, Antonio Conte e Roberto Maiorca.

I 3 giovani pittori esporranno oltre alle opere che hanno presentato al Festival anche nuove idee e nuove tele.

I temi e le tecniche proposti dagli artisti sono i più disparati. Si passa dai colori forti (spesso il rosso magenta e il blu cobalto) di Antonio Conte ai colori più tenui e caldi di Paola Adamo (che si dedica fortemente al tema del viaggio come forma di cambiamento) fino al carboncino ed i gessetti colorati  (tecnica antica e difficile che nonostante il taglio moderno dei suoi quadri rappresenta un collegamento temporale con la tradizione dell’arte figurativa e dei madonnari) di Roberto Maiorca.

L’inaugurazione della mostra avverrà 

Mercoledì 4 Novembre alle ore 17.

L’evento a cura di MArteLiveNapoli e dell’associazione culturale DinamicArte con il patrocinio del Comune di Napoli.

Info: dal 4 Novembre al 20 novembre

Orario: dal martedì al sabato 11:00-14:00/15:30-17:30; domenica 11:00-14:00

Lunedì chiuso

MArtePress - Napoli

www.napoli.martelive.it

+39 339 3378840

emanuela.nicoloro@martelive.it

Arnaldo Pomodoro

Sculture dal 1960 al 2007

Un grande evento d'arte segna l'apertura di un nuovo spazio espositivo a Roma, la galleria 20ArtSpace: una personale di Arnaldo Pomodoro con 20 sculture dal 1960 al 2007. Arnaldo Pomodoro nasce a Montefeltro nel 1926. Nel 1954 si trasferisce a Milano dove realizza sorprendenti gioielli, un primo approccio alla forma e alla materia nonche' il prodromo della sua carriera artistica.

La mostra offre al pubblico una scelta rappresentativa delle opere realizzate dall'artista dagli anni Sessanta ad oggi in un percorso che segue la sua evoluzione dall'altorilievo alla ricerca sui solidi della geometria fino alle sculture piu' recenti, come Soglia dedicata allo scultore basco Eduardo Chillida, Punto dello spazio e il rilievo Rive dei mari, che con la trama straordinaria dell'osso di seppia rimanda al mare e al suo immaginario. Sopra le superfici piatte, modulate o curve della Colonna del viaggiatore, del Radar, del Papyrus, Pomodoro scolpisce una serie di segni leggeri e ritmici: nodi, denti, lamine, fili che richiamano ermetiche scritture arcaiche e al contempo ricordano gli ingranaggi del motore o i circuiti elettronici.

Sfere, dischi, piramidi, coni, colonne, cubi sono squarciati, corrosi, scavati nel loro intimo per -scoprirne i fermenti interni, il mistero che vi e' racchiuso, la vitalità che vi e' compressa-. Le sculture di Pomodoro affascinano perche' permettono, nell'indagine delle forme e nello scavo dentro la materia che le costituisce, di gettare un ponte tra passato e presente, con una continua capacità di osservazione del reale e di collegamento allo ''spirito del tempo''.

Le sue opere monumentali in bronzo, presenti nelle piazze e nelle maggiori raccolte pubbliche del mondo, hanno il potere di trasformare lo spazio della nostra esistenza, arricchendolo di significati e allegorie e di esprimere con forza inventiva le tensioni e le dinamiche della nostra società.
In mostra e' presente la versione ridotta in scala 1:7 dell'opera Novecento, alta 21 metri per un diametro di 7, collocata a Roma nel Piazzale Pierluigi Nervi nel 2003 per celebrare il passaggio al nuovo millennio, ponendosi al contempo come -riassunto- segnico del secolo passato. Sono presenti anche i bozzetti di due grandi progetti: Corona radiante, un'opera eseguita con la collaborazione di Giuseppe Maraniello nella Cattedrale di St. John a Milwaukee, e lo studio per la Porta dei Re del Duomo normanno di Cefalu' che risale al 1997 ma che non e' stata ancora realizzata.
Accompagna la mostra un catalogo con presentazione di Luciano Caramel e con le fotografie di tutte le opere esposte. La 20ARTSPACE, nuova struttura, nasce, dati i tempi difficili, coraggiosamente (come scrive il maestro in una sua nota al catalogo), con l'intento di contribuire a promuovere l'arte italiana nel mondo, ed offrire, nella Capitale, un'ulteriore proposta di molti prestigiosi protagonisti internazionali.

Inaugurazione 4 novembre ore 18.30

20ArtSpace
Via XX Settembre, 122 - Roma
Ingresso libero

Flaviana Frascogna / Roberto Caccioppoli

Racconti da Resina

A pochi kilometri da Napoli, città ricca di contraddizioni dove antico e moderno si fondono in un' alternanza di prospettive visuali, vivono luoghi in cui la tradizione non cede il posto al cieco progresso. Alle pendici del Vesuvio nel paese di Ercolano, continua a vivere 'il mercato di Resina'. Cca' ngop' s' nasce e la abbasc s' mor'', ha detto Giuseppe, un ragazzo che lavora in uno dei negozi di panni usati del mercato.

Si estende per tutta via Pugliano, una strada che a partire dalla Basilica rappresenta la spina dorsale per gli abitanti del luogo.'

Tutto e' nato a partire dalla fine della seconda guerra mondiale che ha lasciato oltre alla distruzione, enormi capannoni di capi militari americani attorno ai quali e' nato un piccolo commercio, che poi si e' sviluppato nella direzione di un vero e proprio mercato dell'usato, 'Resina' divenuto famoso in tutt' Italia. Il Boom si e' avuto negli anni '70 dove le balle di panni, provenienti dall'America, riempivano via Pugliano. Oggi la situazione e' ben diversa, il mercato di Resina e' vuoto, svuotato dalle economie mondiali, ma anche dalla paura di tornare a Ercolano dopo alcuni attentati di camorra. Quelle strade non hanno troppe luci nelle vetrine, non ci sono enormi parcheggi, le insegne non sono grandi Nomi, ogni negozio ha il nome di chi ci lavora, con un po' di fantasia il negozio di giacche di pelle diventa 'Kojak'. Sui volti della gente c'e' la verità delle espressioni senza trucco, c'e' la semplicità.

La mostra fotografica e' composta da una serie di scatti in cui sono ritratti gli abitanti del posto con un'istintività che lascia parlare i luoghi, gli oggetti e le persone in tutta la loro dignità e splendore. C'e' un desiderio estetizzante, quasi un voler catturare la bellezza, la serenità e l'armonia di persone e luoghi nell'estremo rispetto per i soggetti ritratti: donne, uomini e vecchi abitanti del posto, fotografati senza posa, con il risultato di un realismo efficacemente omogeneo nella composizione.
Ettore Combattente, autore del libro 'Rosso Antico' parlerà sul tema: 'La memoria come riserva del futuro'.

Inaugurazione mercoledi' 4 novembre 2009

PicaGallery
vico Vetriera 16, Napoli
Ingresso libero

Da cambiare in cassa con regolare biglietto SIAE

Orari di apertura:
Venerdì 6 dalle 17,00 alle 20,00
Sabato 8 e Domenica 9 dalle 10,00 alle 20,00
Lunedì 9 dalle 10,00 alle 13,00
Luogo : Fiera di Forlì
Via Punta di Ferro 2
contemporanea@fieracontemporanea.it
www.fieracontemporanea.it

City of Angels

Angelo Accardi, Dino Sambiasi, Alfonso e Nicola Vaccari, Kira Zakamoto

Tutte le volte che pensiamo agli angeli pensiamo a creature spirituali, incorporee ma personali, dotate di intelligenza e volontà propria, oppure ad esseri visibili, quelli con il piu' alto grado di perfezione. La storia delle arti e' piena di simbolismi angelici, sono stati scritti libri, girati film, ispirate musiche e soprattutto e' stata prodotta una vastissima iconografia nelle arti figurative. Per tutti questi motivi non sembrava cosa facile presentare quella che in un primo momento mi pareva un'ennesima mostra sui nostri custodi per antonomasia. In effetti, cosi' non e'! Questa mostra e' molto di piu' che un ulteriore omaggio a -quegli- angeli, questa mostra ha la pretesa di mostrare gli angeli nascosti nei quali giornalmente ci si imbatte. L'angelo di cui trattiamo in questa mostra e' tutto quello che oggi distrattamente non si riesce a cogliere nel quotidiano.

La bellezza dei colori che ci vengono dati da un tramonto, gli occhi di un bambino sgranati sul mondo, l'istantanea di un semaforo rosso immerso nella notte, ma anche le persone che si incontrano, quelle che si vedono e quelle che non si vedono, chi ti passa accanto, i senza volto, gli uomini e le donne seduti sul nostro stesso tram, quelli che camminano nella nostra stessa direzione e le migliaia di persone che sappiamo esserci senza saper nulla di loro. Sono gli angeli delle città, sono coloro che popolano gli spazi che viviamo anche noi. Questa mostra non ha la pretesa di chiudere il cerchio sul nostro visibile quotidiano, ma ha una ambizione chiara, ingrandire sempre piu' la domanda di significato che la vita ci propone. Per visitare questa mostra non c'e' bisogno di grande esperienza artistica, c'e' bisogno di saper sognare ad occhi aperti e di saper guardare la realtà una volta finito il sogno. Accardi, i fratelli Vaccari, Sambiasi e Zakamoto, hanno in comune poco a guardarli dal lato tecnico, ma ognuno di loro e' custode geloso di un proprio sentimento artistico, che sfocia in una spiccata sensibilità al gusto del bello non solo nell'apparire ma anche nella sostanza dell'essere opera d'arte, come se ogni loro lavoro venisse fuori con un'anima vera, capace di mostrare, ad uno spettatore attento, le città e i luoghi di cui quegli angeli invisibili sono gli eterni guardiani.
Luca Renna

catalogo a cura di Guido Migheli

Inaugurazione: Giovedi' 5 novembre ore 19:30

Frida Arte
piazza Giuseppe Massari, 16 - Bari
orari: 10:00/13:00 - 17:00/20:00
Ingresso libero

Daniela Caciagli

Silenzi

a cura di Barbara Pavan

La mostra si compone di alcuni lavori realizzati negli ultimi due anni dall'artista toscana che ha intrapreso ormai da tempo una doppia ricerca: da un lato un percorso tecnico-stilistico che l'ha portata ormai ad una forte e personalissima caratterizzazione attraverso la scelta di una tavolozza cromatica tanto essenziale quanto -potente', con i suoi rossi e blu prepotentemente dominanti in tutte le tele. Dall'altra una scelta narrativa che si propone di osservare e raccontare la contemporaneità.

Solitudine, assenza di identità, incomunicabilità: temi che permeano paradossalmente questa -società della comunicazione' e che Daniela Caciagli rileva costantemente nelle sue opere. Le sue figure senza volto, a volte appena richiamate da una gamba o da un'ombra, fluttuano quasi inconsapevoli in piena solitudine: uomini e donne che si incrociano per strada, in un treno, al bar; individui che condividono piccoli o grandi spazi, brevi momenti-senza mai incontrarsi veramente, senza mai scambiarsi un gesto o una parola. Un mondo che vive sempre di piu' una realtà virtuale e sempre piu' incapace di condividere -luoghi di incontro reali'.

La mostra sarà visitabile fino al 14 novembre 2009.

Note biografiche: Daniela Caciagli e' nata a Bibbona nel 1962. Principali mostre personali recenti: (2009) Firenze, Saci Gallery, -Passages-, collettiva; Roma, Galleria Minima Arte Contemporanea, -Assenze-, a cura di Barbara Pavan, personale; Seravezza, Scuderie Granducali, -Dieci-, a cura di Gianni Costa, collettiva; Milano, Spazio Tadini, -Apre's le solstice- in collaborazione con Mercurio Arte Contemporanea, collettiva; Milano, Galleria Emmediarte, -Figure-.in viaggio-, collettiva; Rieti, Palazzo Marcotulli, -One Planet-, a cura di Simone Fappanni e Barbara Pavan, catalogo, collettiva; Roma, Galleria Montoro, -Frames-, a cura di Barbara Pavan, personale; Nizza, Espace Art Foire de Nice, con il Patrocinio di CCIAA di Rieti e Camera di Commercio Italiana a Nizza, con catalogo; Roma, Galleria Montoro, -Frames', a cura di Barbara Pavan.

Inaugurazione Giovedi' 5 novembre 2009, alle ore 18.30

Studio7 Spazio Arte Contemporanea
via Pennina, 19 - Rieti
Orario: tutti i giorni ore 17-19
Ingresso libero

Artissima 16

ASSOCIAZIONE ONLUS
PIEDIPERLATERRA
ARTE SCIENZA NATURA EDUCAZIONE
TEL 3385621757 – 3495797340
mail: piediperlaterra@libero.it
web: http://bachecabio.blogspot.com

IL CUSTODE AMBIENTALE
SCUOLE IN CAMPAGNA

PERCORSI IN NATURA ED IN CAMPAGNA ALLA VIGNA DI SAN MARTINO

Come fanno i bambini a comprendere quanto sia importante il cambiamento che la terra sta vivendo, se, isolati nelle proprie case all’interno della grande città, non sperimentano personalmente la vitalità della terra, se non hanno la possibilità di osservare i cambiamenti ed i delicati equilibri che l’ecosistema ha costruito nel corso di migliaia di anni?
Come possiamo fare a lasciare in eredità alle future generazioni la storia della nascita del mondo, a far loro conoscere i cambiamenti che hanno condotto ai nostri giorni, a far sperimentare ai bambini come l’uomo ha abitato nel tempo la terra?
Come sarà possibile stimolare un senso di critica positiva, la valutazione di quanto ciascuno di noi può realmente fare per rimediare agli errori che l’attuale tendenza industriale e tecnologica compie in nome del consumismo e dell’eccessivo sfruttamento delle risorse con le relative ripercussioni sugli equilibri del nostro pianeta?

Ci fu un tempo nel quale gli esseri umani erano completamente dipendenti dalla natura e adattarsi era l’unico modo di sopravvivere. Ad un certo punto però l’uomo si accorse che poteva intervenire sulla natura, modificarla ed interagire con essa. Attraverso un legno, un oggetto contundente, la ferì, la solcò ed in questo solco mise un seme che germogliò. La terra poteva essere fecondata e dare frutti. L’idea di potenza dell’essere umano e la sua ricerca di autonomia e dominio sulle forze naturali, dilagano tra popoli lontani nel tempo e nello spazio ed ancora oggi, in forme sempre più violente e sofisticate pervadono la nostra vita quotidiana.

La storia dell’alimentazione di una società è strettamente legata alla sua cultura. Riti, credenze e conoscenza sono sempre state indirizzate verso il tentativo di propiziare il buon raccolto, di conoscere e prevedere le forze divine per cercarne benevolenza e per la buona sorte, per scongiurare le carestie o per trovare il coraggio per superarle.
Fu grazie alla capacità di osservare la natura ed attraverso le intuizioni, che gli esseri umani riuscirono ad affinare le loro conoscenze, migliorando la comprensione degli equilibri del nostro pianeta e della ciclicità che li sorregge.
Anticamente ogni villaggio viveva di una selezione di varietà di piante che meglio di altre si adattavano alla specificità del microambiente nel quale il villaggio stesso era insediato. Questa selezione di piante era patrimonio della piccola comunità ed era fondamentale per la sicurezza della sua sopravvivenza, la conoscenza sulle modalità di coltivazione era tramandata da padre in figlio con grande attenzione perché da essa dipendevano la vita e la morte.
Tutti insieme, ciascuno per il canto suo, contribuiva alla biodiversità nel pianeta. Saper conservare e far riprodurre un seme era il vero tesoro che bisognava possedere, perché dava speranza per il futuro. La “cura” della natura era un elemento integrante delle attività per la propria conservazione.
La nostra epoca si fonda invece sul distacco dal naturale, su una separazione degli ambiti, sulla frammentazione del sapere e sul demandare le responsabilità con l’alibi della piccola “sopravvivenza quotidiana”. Gli interessi economici di pochi diriggono le “non scelte” di tutti, la resa ed il profitto superano ogni altro valore, dalla dignità al diritto di non estinzione. Per scelte commerciali scompaiono dai campi varietà di ortaggi e di frutta per uniformare le produzioni ad un mercato globale fatto di statistiche, pezzature e standardizzazioni, tutto ciò con ripercussioni catastrofiche sull’ambiente e sulle sue risorse.
Nasce, o meglio rinasce, quindi il concetto e l’esigenza dei “custodi ambientali”, persone che si assumono la responsabilità di garantire e cautelare la vita di una specie vivente e che collaborano tra loro nell’intento, per contribuire alla salvaguardia della biodiversità, tanto importante per il mantenimento degli equilibri dell’ecosistema.

IL “CUSTODE AMBIENTALE”
MOTIVAZIONI DELLA PROPOSTA

Le ragioni che ci hanno spinto ad immaginare percorsi in natura nascono da una ricerca aperta sull’educazione e dall’esigenza di lavorare nella direzione del rispetto ambientale, insegnando ai bambini ad essere abitanti del pianeta, consapevoli di condividere con altre specie animali e vegetali, spazi e risorse. L’intento è quello di stimolare la crescita di un senso critico positivo finalizzato alla comprensione del concetto di sviluppo sostenibile in senso lato, per stimolare l’agire concreto e quotidiano in risposta alla domanda: “che cosa posso fare io?”.

Attraverso la presa in carico, attraverso l’assunzione di responsabilità si impara ad osservare i problemi dal punto di vista di chi si può prodigare per risolverli e superarli e si comprende come ciascuno di noi è attore protagonista di tutto quello che succede sul pianeta e che scelte considerate “semplici” possono condizionare attività e risorse distanti migliaia di chilometri. Ci sembra assurdo non affrontare tematiche così importanti quali quelle dell’educazione alla sostenibilità e del rispetto ambientale e ci è sembrato opportuno partire da azioni concrete come la frequentazione di un contesto naturale per sperimentare direttamente concetti che generalmente si possono sviluppare soltanto in termini teorici.
Gia da qualche tempo si parla del concetto di “custode contadino”, ma all’interno del nostro percorso abbiamo preferito chiamarlo “custode ambientale”, individuo competente e capace di farsi carico della salvaguardia di altre specie viventi, poiche in tali competenze rientra la capacità di considerare una specie vivente come elemento di un ecosistema che deve essere cautelato nella sua globalità per la salvaguardia di ciascuno dei componenti che gli consentono di esistere.

L’IDEA DEI PERCORSI IN NATURA ALLA VIGNA DI SAN MARTINO

Frequentare la campagna per tutto l’anno permette di conoscere l’intero ciclo naturale, l’allungarsi e l’accorciarsi delle giornate, il cambiamento dei colori e la scoperta degli odori, dei suoni, della calma e del silenzio. Le trasformazioni restituiscono all’immaginario il senso della ciclicità, permettendo di comprendere l’importanza delle qualità di ciascun momento in ogni stagione. Il punto di vista si sposta da se stessi alla terra, alle sue necessità per consentire al grano, al cocomero ed alla zucchina di crescere bene. Si scoprono così le esigenze degli altri abitanti del pianeta e quindi anche le proprie.
Per tali ragioni i percorsi elaborati coinvolgono il regno animale e quello vegetale con attività che si basano su cicli annuali, come per i cereali, e su cicli stagionali, come per gli ortaggi. Gli obiettivi sono quelli di far comprendere il concetto di sostenibilità, che altro non è che equilibrio, di condurre verso la scoperta delle numerose vite che la terra ospita, di prendere coscienza che noi non siamo gli unici abitanti e che ciascun essere è fondamentale per reggere questo miracoloso equilibrio, di imparare a provare gioia anche per cose semplici.

PERCORSO DEL GRANO

Il percorso mira a conoscere il ciclo produttivo del grano, provando con le proprie mani l’utilizzo degli strumenti antichi usati per compiere le varie fasi della coltivazione. Fare un viaggio nei riti che accompagnano la nostra cultura da tanti secoli, per la coltivazione di questo cereale che ha un ruolo così importante da assumere grandi valenze simboliche e metaforiche oltre a rappresentare una delle basi della nostra alimentazione.

3 incontri intera giornata + 10 incontri brevi di 3 ore + Piccolo campo di due giorni ed una notte in corrispondenza della festa degli zoccoli (festa del grano)

1 - L’aratura a mano ( 1 Giornata lunga a fine ottobre)
2 - La semina a spaglio e la copertura del seme con il rastrello (1 Giornata lunga a fine ottobre)
3 - La coltivazione, la concimazione, il controllo ed il diserbo del campo (10 incontri brevi durante l’anno)
4 - “Festa degli zoccoli” (festa della mietitura e del grano) : la trebbiatura, la preparazione dei covoni e le composizioni con le spighe, la scocciatura del seme, la festa degli zoccoli, la separazione dei semi dalla pula con i crivi, la macina con il mulinello (corn flakes, farina, couscous). Il lievito, l’impasto, la farina, il pane, la pasta, i biscotti, la pizza, le torte.

PERCORSO DELL’ORTO
Semina autunnale - semina invernale
ortaggi – leguminose – tuberi -aromi

Quella dell’orto è una proposta che mira a ripercorrere l’arte di interagire con la natura al fine dell’alimentazione dell’uomo, disporre uno spazio per coltivare ed allevare quanto utile al proprio nutrimento per conoscere e scoprire i ritmi che accompagnano la terra e le sue creature. Il percorso è indirizzato alla scoperta delle relazioni tra ambiente, piante ed animali.
Vedere il frutto del proprio lavoro dà un altro sapore alle cose, si comprende forse il significato di “coltivare”.
Il percorso prevede la sistemazione di un pezzetto di terra per la coltivazione di ortaggi, di legumi, di tuberi e di cereali, per l’allevamento di un animale ai fini della produzione di concime, per la creazione di una compostiera che attraverso i lombrichi crei humus per la fertilizzazione. L’idea è quella di vivere gli impegni del contadino e della campagna che provvede al proprio sostentamento.

3 incontri intera giornata + 10 incontri brevi di 3 ore

1 - Preparazione e suddivisione del terreno(1 Giornata lunga)
2 - Sesto del campo, creazione del sistema di irrigazione e semina (1 Giornata lunga)
3 - Cura, concimazione, e diserbo (10 incontri di 3 ore)
4 - Festa del raccolto (1 Giornata lunga)

IL GIARDINO DELLE MERAVIGLIE
“adotta un pezzetto di terra”

Il percorso si basa sull’adozione ed uso di un piccolo pezzetto di terra: coltivarci qualcosa, trasformarlo, interagire con esso, considerandolo come un ecosistema, per comprendere come interagiscono gli elementi che lo costituiscono; valutare i cambiamenti e gli adattamenti che la natura restituisce all’opera dell’uomo e scoprire quanto sia difficile creare habitat equilibrati e funzionali come quelli creati dalla natura, sperimentare quanto tempo occorre affinchè determinate condizioni ambientali possano ripresentarsi (la ciclicità in senso lato). Osservare il cambiamento, mentre si manifesta contemporaneamente in una miriade di varietà e specie, vegetali ed animali.

ALLEVAMENTI ANIMALI

L’allevamento delle galline permette di conoscere il ciclo vitale di un animale domestico di grande adattabilità, consentono di sperimentare un esempio di ciclo del consumare e del produrre rifiuti, alcuni dei quali, gli organici possono essere nutrimento perfetto per questo animale. La produzione delle uova permette l’osservazione quasi immediata della trasformazione, e di come qualcosa che per noi è diventato rifiuto, diventa cibo per un altro essere, che crea un cibo per noi …comprendere che quello che non può essere utilizzato da altri esseri, quando conlude il proprio ciclo di utilizzo, diventa veleno per la terra e per i suoi abitanti.
Riflettere e sperimentare attorno alla pratica dello sviluppo sostenibile.
Altro animale che abbiamo ipotizzato di allevare (nel senzo che la sua presenza è da prevedere non prima di qualche mese dall’inizio delle attività) è la capra, anch’essa è molto adattabile. Il suo ciclo vitale e l’utilizzo del letame da essa prodotto permettono di riflettere sull’importanza che, anche le cose meno “belle” hanno e del loro ruolo fondamentale nel contribuire all’equilibrio che governa il mondo. Cosa che spesso l’uomo non ha. La capra introduce alla pastorizia, che è una pratica antichissima. La cura dell’animale e la sua mungitura, conoscere il ciclo del latte e di qualche suo derivato per abituare alla genuinità dei sapori e far conoscere la vita di un altro appartenente al regno animale.

ALLEVAMENTO DEI LOMBRICHI

I lombrichi costituiscono un anello importantissimo per la fertilità del terreno. Per loro natura, infatti, sono responsabili dell’areazione del terreno che avviene attraverso i cunicoli che scavano per la creazione del loro habitat, mentre attraverso l’attività digestiva del materiale organico di cui si nutrono creano il famoso ”humus” tanto importante per la fertilità del terreno.
All’interno delle attività una delle sezioni prevede la realizzazione di una compostire per l’allevamento dei lobrichi e la creazione del compost.

EVENTI DI UNA GIORNATA

Novembre

“Raccolta delle olive”: posizionare le reti, i sistemi di raccolta, la conservazione in salamoia.

Fine aprile - maggio

“Festa del grano”: mietitura, creazioni con le spighe, danza degli zoccoli per la scocciatura dei semi, la macina, il lievito di pasta acida, l’impasto, le pizze, il pane e la pasta, uso del forno a legna.

Concerti di Natura - Musica Classica- (cadenza mensile)

Percorso di sensibilizzazione all’ascolto. Attraverso un percorso laboratoriale sul suono si vuole stimolare nei bambini la capacità di comprendere un insieme “musicale”, di parteciparlo e condividerlo con dei musicisti in un contesto di musica classica all’interno di un contesto di natura.

Teatro di Luna Piena

Spettacoli teatrali per bambini legati alla ciclicità della luna, per conoscere il cielo e le stelle e la mitologia che nei tempi hanno accompagnato la relazione con il cielo.

È possibile concordare ed elaborare altri percorsi con i referenti di scienza della scuola.

N.B. LA DISPONIBILITA’ DEI PERCORSI E’ MOLTO LIMITATA

Fondazione Morra - Museo Nitsch
vico lungo Pontecorvo 29/d
80135 Napoli Italy
T +39 081 5641655
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org

PERMESSO DI SOGGIORNO

Un’OperaGallery2009

Via Bellini 26, Napoli

Inaugurazione 13 Novembre ore 19

Dal 13 al 29 Novembre 2009

A cura di Mariano Ipri, Giuseppe Ruffo, Pietro Tatafiore

“La situazione è questa, è trascesa, non commentabile e soprattutto mi viene di chiedere ma mò c’amma fa”? - Questa domanda potrebbe sembrare una preoccupazione un interrogativo a cui non poter dare risposta - invece no ci troviamo di fronte ad un monito, ad un avviso, una denuncia che  riguarda lo stato attuale delle cose nel nostro territorio. A suonare il campanello d’allarme sono Kaf & Cyop, assieme ad un gruppo di persone che ormai  formano un laboratorio con il quale negli ultimi dieci anni, grazie ad una sinergia di intenti e di volontà, hanno saputo sviluppare il concetto contemporaneo di un’arte partecipativa, una vera e propria arte a cielo aperto. Negli anni il loro tipo di  provocazione è sempre stato dirompente all’interno di un contesto che apre le porte alla collettività : luoghi pubblici, muri,scale, sono le loro tele; spray,bombolette e acrilico i loro pennelli. Non hanno placato l’istinto di provocazione ma, lo hanno fatto crescere assieme ad una consapevolezza di rottura, una rottura che è presente in tutti i loro lavori: pennuti, scimmie, creature quasi oniriche sono alcuni fra i simboli-soggetti da loro utilizzati per evidenziare all’interno della jungla cittadina temi come quelli di un consumismo sfrenato o dell’assenza di una coscienza comune. Uno spaccato di realtà, quello napoletano che spesso si divide fra sacro e profano, è ciò su cui lavorano ; una realtà spesso taciuta alla quale danno voce con disinvoltura e serietà . Abbiamo già  avuto il piacere di ammirare i loro lavori esposti al di fuori di un  contesto metropolitano ma, essenzialmente espositivo come quello di Largo Baracche in occasione della mostra personale “Buio” nel 2007 dove sono riusciti a dare voce a tutti i sensi, soprattutto a  quelli interiori e ad eludere il bagliore della vista, sottolineando l’importanza di poter “aprire gli occhi” su ciò che ci viene nascosto e della Sala Gemito, in occasione della mostra collettiva  “Chiamata all’Arte” nel 2009, alla quale hanno partecipato con una serie di guaches napoletane, inserendovi all’interno delle creature al di fuori del concetto spazio-tempo, che in maniera quasi ludica mettono le mani sulla città.  Tutto questo è un richiamo perenne all’attualità degli avvenimenti, il lavoro di Kaf&Cyop si sintetizza in un’articolazione ogni presente di un’indistinta denuncia che infrange le leggi di una tradizione folkloristica dettata dai mandolini e dai putipù, irrompe nella vita di tutti i giorni e subliminalmente entra a far parte del quotidiano, un quotidiano partenopeo veloce,attento,giovane e sensibile. A partire dal 13 Novembre, questa volta all’interno di Un’Opera Gallery, con “Permesso di Soggiorno”, ci proporranno un pezzo unico, volto alla riflessione sull’emarginazione, un pezzo proposto in chiave surreale ma, estremamente legato ad un’oggettività volutamente realistica. Tag,segni,timbri faranno da corollario all’ennesima affermazione del loro talento.

Un’Opera Gallery Napoli tel. +39 3933641664  Email: 1operagallery@gmail.com

	A Sense Of Place       Dates: November 13-17, 2009   Location: THE GALLERY - Upstairs @ The Bear 296A Camberwell New Road London SE5 0RP   web. www.thebear-freehouse.co.uk
What happens when 4 artists, from completely different backgrounds and experiences, meet by chance in London? Darren Hewitt, Tate Sisters, Alex Morell and Nadia Perrotta investigate the concept of “a sense of place”. Darren: “Having a sense of place for many can be elusive but by where we go and who we meet. Only by those experiences and people can we hope to realise who we really are and what really matters thus finally start to know what a sense of place is”. Nadia: “Is a never-ending journey. Every place is like the other, the vision is perpetual, life flows in front of us, in a fake delirium. No roots linking us to anything, lonely and alienated, the only certainties are vain hopes. The exaltation of the super-man is leading us to what? We are earthen vessels, destined to the earth. Because at the end of everything, what is left from our journey is the memory of the route". Alex: “Exploring the intricacy and mechanic of the city, its different faces across the planet, the sense of place is reflected in the only reminder of the city's place in its natural environment: the sky above it, that can change the city's personality”. Tate Sisters: “We use bold colours and stenciled text, to express a sense of place within relationships. Our ideas are inspired by personal experiences and overheard conversations".   THE GALLERY Upstairs @ The Bear 296A Camberwell New Road London SE5 0RP tel. +44.0207.2747037 info: +44.07985.508433 www.thebear-freehouse.co.uk   It's LIQUID News is an e-mail announcement service that provides information about exhibitions at some of the world's leading art galleries selected. It's LIQUID News reaches the combined audiences of International Art Fairs, galleries, museums, and is thus a powerful tool for getting directly to this influential audience with information about exhibition programs and other events.   International galleries, museums, institutions, private and public groups, artists, architects, designers, are invited to join It's LIQUID News service. Each advertisement takes the form of an e-mail announcement, and features a press release, an image, and a link to the announcer's website. Announcements are distributed directly to over 60,000 international collectors, consultants, advisers, critics, writers, curators, dealers and other visual arts professionals. Database demographics: 40% in North America, 45% in Europe, 15% in other locations (South America, Australia, Japan, etc.). Additionally all announcements are permanently archived on It's LIQUID web site, creating a valuable research resource of some of the most important events world wide. It's LIQUID News offers an unprecedented opportunity for participating clients to reach the most dynamic members of the community of professionals worldwide.   If you are interested in our services, or you want to open an It's LIQUID office in your city, please contact us at support@itsliquid.com.   Thanks for all,  It's LIQUID Group more details. www.itsliquid.com

Astrazioni e Geometrie

Collettiva

Biblioteca Comunale “Benedetto Croce”

Via Francesco De Mura, 2 bis - Napoli

( angolo via Luca Giordano)

18 novembre 2009

Inaugurazione ore 17,00

A cura di Gianni Nappa

Interverranno:

Il Presidente della 5° Municipalità Mario Coppeto

L’Assessore alla Cultura 5° Municipalità Gianpaolo de Rosa

Il critico d’arte Gianni Nappa

In mostra opere di:

Vittorio Fortunati – Francesco Gallo - Renato Milo - Antonio Perrottelli - Marta Pilone - Remo Romagnuolo - Mario Stoccuto

ASTRAZIONI E GEOMETRIE

La linea poetica da interpretare per l’affermazione di un clima nuovo, ormai instaurato dagli anni trenta e consolidato dalle esperienze ispirate dall’astrattismo geometrico di Mondrian e di Kandiskij, trova ancora oggi  immutata fermezza nella ricerca di artisti che da anni interpretano l’astrazione come cifra anche morale. L’affermazione di un sentimento geometrico, sotto forma di costante costruzione di nuove ipotesi, libera il campo da interpretazioni correntizie, svolge un ruolo di evidenziazione della libera creazione di forme inserite nello spazio, inventa ludicamente il suo pensiero di futuro, sfrutta la cinetica, compone, non costruisce né decostruisce.

I colori, le forme geometriche, il concretizzarsi di volumi e spazi sottintesi nella spinta energetica, sono volani di una rincorsa verso il nuovo tempo che sarà, sono adesione per la libera capacità di concepire lo spazio come pulsione interiore nell’astrazione cromatica, sono la determinazione di un ordine concettuale, sostanziale per l’intuizione, per il gioco costante di misurarsi con il bello. Convinzione nel percorso artistico degli artisti di questa collettiva, che unendo esperienze differenti, ne sottolinea la effervescenza, dando un motivo di comprensione in più della forza meridionale e napoletana in questo caso, nello sviluppo di movimenti attuali, protesi verso una sempre maggiore qualità delle opere, di una maggiore condivisione nell’affermazione di un fare non in contrapposizione, ma in completa autonomia.

Occasione di confronto e opportunità di approfondimento dei percorsi dei sette artisti attraverso le opere attuali, nella ricerca di una costante che li accumuna nel solco della geometria.

Gianni Nappa

Renato Milo

E’ nato nel 1958 a Napoli, dove vive ed opera.

Ha compiuto i propri studi presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Ha lavorato come grafico presso l’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici “Palazzo Serra di Cassano” di Napoli ed ha insegnato al 1° Istituto Statale d’Arte di Napoli “Palizzi”. Nel 1996 è entrato a far parte del “Movimento Internazionale Madi”. Le sue più recenti realizzazioni di forme poligonali in plexiglass sono costituite da prismi che si susseguono con cadenze geometriche e ritmiche. Questi elementi posizionati in ordine crescente e decrescente creano un gioco di luci e di colori dando origine a ludiche estroflessioni ottiche. Ha partecipato ed è presente in permanenza in numerose gallerie d’arte e musei. Dal 1998 partecipa alle iniziative culturali di Arte Struktura. Sue opere in musei, collezioni pubbliche e private nazionali e internazionali.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Spazio Arte Pisaniello, Fondazione Tonioli, Verona, 2008. Arte Madi Internazionale, Scoglio di Quarto, Milano, 2008. Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Antonio Perrottelli

E’ nato a Napoli nel 1946, dove vive e opera.

Consegue il diploma di Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Aderisce a vari gruppi e movimenti. Negli anni ’90 adotta forme geometriche tridimensionali per creare uno spazio-forma e determinare un movimento che varia secondo la posizione dell’osservatore. Attualmente egli usa materiali plastici. Le trasparenze e i riflessi della luce che attraversano i piani paralleli, quelli in opposizione e le linee che vanno illusoriamente oltre lo spazio dell’opara sottolineano la manifestazione dell’infinito e della variabilità continua del nostro cosmo non delimitato ed in perenne trasformazione. Dal 1998 collabora con Arte Strktura, partecipando a tutte le iniziative del Centro ed entra a far parte del “Movimento Internazionale Madi”. Sue opere in musei e collezioni pubbliche e private nazionali ed internazionali.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Marta Pilone

E’ nata a Portici – Bellavista (Napoli), dove risiede ed opera.

Ha conseguito il diploma di incisore di corallo all’Istituto Statale d’Arte di Torre del Greco (Napoli) ed i diplomi di scultura e quello di pittura all’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Le sue opere sono realizzate con vari materiali, tra questi il legno marino ed il plexiglass. Quest’ultimo, lavorato a caldo ed in tensione, le consente di articolare le forme in maniera diversa che l’aspetto cromatico ed il movimento contribuiscono a mettere in perfetta sintonia con lo spazio circostante, in modo da ottenere una percezione diversificata dell’immagine variando l’angolo di osservazione. Le sue composizioni, in virtù della possibilità di manipolazione, sono quasi sempre trasformabili e coinvolgono pienamente il “fruitore” che ha modo così di partecipare attivamente al fenomeno dell’interazione. Nel 1998, a Milano è entrata in Arte Struktura e inizia a far parte del “Movimento Internazionale Madi”.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Spazio Arte Pisaniello, Fondazione Tonioli, Verona, 2008. Arte Madi Internazionale, Scoglio di Quarto, Milano, 2008. Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Ha partecipato ad importanti mostre in campo nazionale ed internazionale, le sue opere sono presenti in musei e collezioni pubbliche, private, nazionali ed internazionali.

Mario Stoccuto

E’ nato a Napoli nel 1958, affianca alla sua attività di Architetto la passione per le arti figurative, dal 1997 espone in numerose mostre personali e collettive. Nell'ultima ricerca di indirizzo geometrico l'esistente lascia il passo ad un nuovo  ambito di studio  e ricerca che nel  solco della regola tra forme e linee vede l'artista sondante livelli  a lui congeniali e dove esprime una nuova  visione concreta e concettuale della dimensione  spaziale.

Forme e soluzioni  che operano una stratificazione non solo materiale dei concetti geometrici di base, ne esaltano le pulsioni  e spinte dinamiche attraverso un accurato uso dei materiali e uno studio sulle linee, come costruttrici e bisettrici al tempo stesso dell'insieme di piani.

Un ponte sospeso vede passare sotto di se volumi e materie, e Stoccuto nelle sue opere tratteggia con rigorosa ricerca strutturale, la condizione dei piani interconnessi, sovrastrutture della forma geometrica che scorrono parallelamente alla forma pensiero, con l’approfondimento del colore come ipotesi di argine e definizione di un percorso artistico, fondato e sviluppato sul fare geometrico e dove il materiale e la tridimensionalità sono lo spunto per l’affermazione di un ordine anche architettonico dei piani costruiti.  Tra le ultime mostre: Collettiva "Arte&Gusto" – Ercolano (Napoli) - Miglio d'Oro Park Hotel – 2008  Collettiva "Liberamenteblu" Linead'arte officina creativa - Napoli  - 2009  -  Collettiva "Neapolitan Beauty" - San Sebastiano al Vesuvio (Napoli) 2009 -  In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Francesco Gallo                                                                                                                                                 

E’ nato a Napoli nel 1961. Sin dall’inizio della sua carriera artistica ha svolto la sua ricerca nell’ambito della astrazione geometrica, nelle sue opere privilegia come supporto l’utilizzo della carta in tutte le sue forme, sfumature e variazioni Disegni per un comporre in stretta e rigorosa armonia geometrica, dove il dato sostanziale è la composizione spaziale che in forma bidimensionale deve costruire assi visivi e di interposizione tra gli spazi costruiti e lo spazio vuoto. Una continuità lineare che si dipana tra forme geometriche interdipendenti l’una dall’altra, ma che nell’insieme compositiva rivelano una “pianta” di un ordine di ricerca sulla costruzione di nuovi spazi; le città o anche il susseguirsi di strutture cellulari che danno vita ad una perfezione assiale, e dove, nel tessuto costruito triangoli e figure geometriche sono un continuo divenire del prossimo cambiamento che Gallo compone come un modulo, con possibilità illimitate di sviluppo.

Il colore è a sottolineare delle costanti ripetitive che come nei multipli numerici formano la base da cui sperimentare soluzioni e teoremi. Perfettamente in linea con il fare geometrico e con una volontà di decostruire l’esistente e sostituirli con la spinta del ragionamento creativo.                                                              Tra le ultime mostre: Collettiva “Arte Exange” – Museo della gente senza storia  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008 - Collettiva "Liberamenteblu" Linead'arte officina creativa - Napoli  - 2009   --  In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009   - Napoli - Officina Creativa Linead’arte 20 x 20 Terza Edizione 2009 - Marano di Napoli “Aspettando la biennale del libro d’artista - Palazzo Merolla 2009 - S. Pietro a Paterno (NA) “Today Mater Lux”  Palazzo Carrizzo/Masseria Luce 2009                                                                                                     

Remo Romagnuolo

Remo Romagnuolo è nato a Pietrastornina (Avellino) nel 1943 e dal 1944 vive ed opera a Napoli.  Lontano da scuole e correnti, da autodidatta , ha iniziato a sperimentare le varie tecniche artistiche studiando la grammatica del disegno, la teoria dei colori e la teoria dell'arte fin da giovanissimo. Negli anni '60 e '70 ha realizzato diverse opere riscuotendo apprezzamenti di critica e premi in Campania e nel Veneto. Le sue opere sono in possesso di diversi collezionisti, associazioni ed enti pubblici e una tela sulla sofferenza è situata nella basilica di S. Carlo alle Mortelle in Napoli.                                                                                                                     Agli inizi del nuovo secolo, dopo una lunga attività formativa presso gli atelier dei maestri Giancarlo Rossi e Ferdinando Sapio, ha ripreso a dipingere più assiduamente alla ricerca di emozioni con nuove sperimentazioni, con l'obiettivo di riportare la propria idea di mondo attraverso l'arte e con l'impegno di utilizzare, nelle proprie opere, una duplice rappresentazione come strumento per indurre lo spettatore ad attivare riflessioni su fenomeni della realtà.                                                                                                                  Tra le ultime mostre: Collettiva “Arte Exange” – Museo Civico  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008 -  Personale “Emozioni  tra realtà e fantasia” - Museo Civico  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008  Collettiva "Arte&Gusto" – Ercolano (Napoli) - Miglio d'Oro Park Hotel – 2008 - Concorso (1° Premio) e mostra  A.R.T.E. nel Museo degli strumenti musicali di Roma 2008 - Collettiva "Neapolitan Beauty" - San Sebastiano al Vesuvio (Napoli) 2009 – 40 C/arte Napoletane – Spazio di Monte Giordano – Roma 2009 –  40 C/Arte Napoletane – Galleria Monteoliveto – Nizza (Francia) – 40 C/Arte Napoletane  Espace Equilibrius Bruxelles (Belgio) – Premio Internazionale Terna  2° edizione                                                                                                            

Vittorio Fortunati   

E’ nato a Napoli nel 1932 dove risiede con studio in via Bernardo Cavallino n° 45, pittore scultore, dal 1958 è presente al dibattito artistico Nazionale e Internazionale con partecipazioni a mostre e rassegne in Italia e all’estero, ottenendo premi, e il consenso di critici d’arte, che hanno scritto di lui saggi e articoli su quotidiani e riviste specializzate. Negli anni ’50, periodo di fermento nuovo per l’arte moderna a Napoli, Fortunati incontra l’artista Raffaele Lippi, avendo così l’occasione di apprender tutto su tecnica, colore e disegno. Altro incontro importante per la sua formazione, è quello con Guido Tatafiore, dal quale apprende il rigore e la consapevolezza di se stesso. Importante conquista per la formazione di una sua ricerca personale, che lo porta tra le zone antiche di Napoli, attratto dalle mura, dai colori, dai contrasti di luce e dalla complessa storia di questa città che spesso è motivo di ispirazione delle sue tele. La materia, la luce, e lo spazio, sono gli strumenti espressivi con i quali interpreta la realtà. Negli anni ’80 incontra gli artisti napoletani più avanzati, Renato Barisani, Carmine Di Ruggiero, Gianni De Tora ed altri, con cui instaura un rapporto di reciproca amicizia e negli anni ’90-’91 partecipa con loro a due eventi artistici di rilievo: una mostra all’Istituto “Grenoble” di Napoli e un’altra a Roma presso l’Accademia d’Egitto a Valle Giulia. Negli anni successivi continua la sua attività artistica a Napoli e fuori, partecipando inoltre a mostre di Mail Art in Italia e all’estero, proseguendo sempre quella propria ricerca su materia, luce e spazio che tuttora continua. 

Le schede sono tratte tra gli altri testi da: “Oltre la geometria” – Catalogo ed. Gutenberg a cura di Ciro Pirone – “In-forma geometrica” – Catalogo ed. Gutenberg a cura di Saverio Cecere e Rosario Pinto.

Da fonti web e cataloghi d’arte e precedenti scritti di Gianni Nappa

Collezionando Gallery
Via Monti di Creta 55
Roma

Sabato, 14 nov 2009, 18.00

Ada Egidio e Gian Marco Volpi

Saranno felici di accogliervi all'inaugurazione dell'esposizione

"EVOLUZIONI"

di Romina Wainsten

Alla presenza dell'artista Sabato 14 novembre 2009 a partire dalle ore 18:00 La mostra si terrà fino al 15 dicembre 2009

Collezionando Gallery Via Monti di Creta 55 00167 Roma Tel. 06-6624970

 Email

collezionandogallery@hotmail.it

Il Museo dell’Ara Pacis sarà scenario di prestigio della mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”, dedicata alla produzione e alla cultura del design.

Il Design e il Made in Italy considerati dal punto di vista del progetto: così si potrebbe riassumere il senso di quella che si preannuncia come una delle manifestazioni espositive più interessanti della Capitale per il prossimo autunno-inverno, tutta dedicata alla produzione e alla cultura del design.

Dal 5 novembre 2009 al 31 gennaio 2010, a Roma, il Museo dell’Ara Pacis, sempre più eletta sede delle esposizioni dedicate al design, sarà scenario di prestigio della mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”.

Organizzata dalla Fondazione Valore Italia - che opera per la valorizzazione del design italiano e la realizzazione dell’Esposizione Permanente del Made in Italy – la mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”, curata da Alessandra Maria Sette e realizzata in collaborazione con Ministero per i Beni e le Attività Culturali – Direzione Generale degli Archivi, Ministero dello Sviluppo Economico – Direzione Generale UIBM, il Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione, Fondazione ADI – Compasso d’Oro, e con il patrocinio di altre importanti istituzioni ed enti di categoria, si concentra su un aspetto poco noto, eppure fondamentale, della cultura industriale italiana: come nasce un oggetto? E come si evolve il suo progetto? La creatività al servizio della produzione industriale: è questo il punto di partenza della mostra, che intende focalizzare l’attenzione sugli aspetti progettuali che precedono la realizzazione di un oggetto.

Già dalla fine dell’‘800, ma ancor più nel ‘900, con un momento di massima espressione nell’immediato secondo dopoguerra, l’inventiva tipicamente italiana si coniuga, da una parte, con la necessità di colmare il ritardo accumulato nei
confronti degli altri Stati europei sul piano dello sviluppo, dall’altra con i problemi strutturali del nostro Paese, come la mancanza di materie prime, una cultura rurale ancora molto diffusa, l’assenza di grandi gruppi industriali, ecc. La mostra intende mettere in evidenza, attraverso documenti affascinanti e davvero sorprendenti, in gran parte inediti, ovvero i brevetti di modello e di invenzione depositati presso l’Archivio Centrale dello Stato e l’Ufficio Italiano Brevetti e Marchi, un aspetto originale e poco conosciuto della storia dell’industria italiana.

Il percorso espositivo, che ripercorre un secolo di innovazione e di design italiano, con incursioni nelle ricerche più attuali, suddiviso per settori merceologici (arredamento, moda, agroalimentare, trasporti), è scandito dai preziosi certificati originali dei brevetti di molti prodotti, alcuni diventati delle vere icone del design e della produzione italiana, altri novità assolute. A rendere questo viaggio ancora più affascinante e ricco sarà la presenza di molti di questi oggetti brevettati e di tutti quei materiali documentari – disegni, progetti, bozzetti, filmati, pubblicità, contributi audio – relativi alle invenzioni, alle aziende, alla loro storia e ai loro protagonisti, provenienti da archivi storici e musei d’impresa, da Rai Educational, da Radio 24, e da altri archivi privati, che aiuteranno meglio a raccontare le idee e la loro realizzazione.

Sarà così possibile imbattersi con meraviglia, per citarne solo alcuni, nella Vespa o in una Moka Bialetti, nella bottiglietta del Campari Soda o nella poltrona Vanity Fair, nella macchina da cucire Mirella o in una scarpa di Ferragamo, ma anche nel nuovissimo lampadario Hope e nell’originale sgabello Forchets…e scoprire nei loro brevetti le linee di un disegno e di una tecnologia capaci di resistere nel tempo e continuare ad ispirare nuova creatività.

Un viaggio reso possibile dalla partecipazione attenta di grandi aziende italiane che hanno fatto la storia del design e che ancora oggi rappresentano il meglio del nostro Paese.

La mostra è arricchita da ulteriori importanti eventi ed iniziative: saranno organizzati incontri e workshop con singoli architetti e designer di fama mondiale e con affermati imprenditori italiani. Lo scopo di questi appuntamenti è quello di illustrare al pubblico la sinergia tra creatività, anche internazionale, e le aziende italiane.

Ad accompagnare l’esposizione, un catalogo a colori, in italiano e in inglese, che raccoglie tutto il materiale in mostra, includendo inoltre una autorevole rassegna di saggi critici scritti da professionisti, docenti universitari, esperti del settore. Il volume intende così fare anche il punto su alcune delle principali questioni oggi al centro del dibattito sul design. In particolare ha l’obiettivo di ridefinire la stessa nozione di design, riportando la disciplina alle sue originarie connotazioni più propriamente inventive, circoscrivendone quindi i contenuti alla produzione italiana brevettata, cioè a quella che, per i suoi riconosciuti contenuti innovativi, sul piano tecnico, funzionale, materico, tipologico, morfologico, costruttivo ma anche puramente comunicativo ed estetico, si pone come vera e propria invenzione.

Un appuntamento da non perdere che ha il privilegio di mostrare al grande pubblico un saper immaginare unico, che ha poi la sua massima espressione in un saper fare altrettanto inconfondibile, elementi fondanti di un patrimonio di valori che ha percorso e che continua a percorrere tutta la progettazione e la produzione italiana. Il risultato è quella immagine di bello e ben fatto del Made in Italy in grado di farsi riconoscere in ogni angolo del mondo.

Palombi Editore

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Info

Da Martedì a Domenica dalle ore 9.00 alle ore 19.00
Chiuso Lunedì
La biglietteria chiude un'ora prima

Non è prevista integrazione sul costo del biglietto
Intero € 6,50
Ridotto € 4,50
Gratuità e riduzioni

060608 tutti i giorni dalle 9.00 alle 21.00

Fondazione Valore Italia

Con il patrocinio di:
Presidenza del Consiglio dei Ministri
Ministero degli Affari Esteri
Regione Lazio
Provincia di Roma

In collaborazione con:
Associazione ADI
Fondazione Compasso d’Oro
Associazione Museimpresa
Confindustria
Ordine degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori di Roma e Provincia
InArch
Massimo & Sonia Cirulli Archive

Fondazione Valore Italia
Comune di Roma Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione
Sovraintendenza ai Beni Culturali
Ministero dello Sviluppo Economico
Ministero per i Beni e le Attività Culturali
BNL
Unicredit Banca di Roma
Monte dei Paschi di Siena
Vodafone
Atac
Lottomatica

Zètema Progetto Cultura Srl - Supporto Organizzativo e servizi museali

Prima o poi ogni muro cade

Installazione site-specific collettiva

a cura di Ruggero Maggi

installazione site-specific collettiva proposta dal Milan Art Center

1989-2009 XX Anniversario della caduta del Muro di Berlino. Attraverso un originale percorso espositivo open air nel centro storico di Milano, l'arte contemporanea diventa protagonista di una manifestazione che trasforma la città in un Museo -a cielo aperto-.

Prima o poi ogni muro cade. Un'asserzione che in se' circoscrive una speranza, un'azione diretta, un'immagine che si frantuma e disperde i propri frammenti a terra, ma che sottintende anche un'azione intima ed introspettiva che ogni individuo dovrebbe affrontare per demolire al proprio interno quelle sottili pareti che, inesorabilmente, si elevano. Gli artisti contemporanei invitati dovranno creare opere che travalichino i confini per unirsi in uno spazio ideale in cui ogni muro viene infranto ed i cui frammenti, come meteore, ricongiungano cio' che l'uomo ha voluto dividere. Questi frammenti saranno a stretto contatto con la terra. Come la caduta del muro ha ridato vita, movimento, transito alle persone ed alle idee, cosi' sotto la Galleria del Corso un mosaico di installazioni delineerà di volta in volta, nuovi tragitti e nuovi spazi, che gli stessi visitatori potranno percorre ed attraversare.

Artisti:
Donatella Baruzzi, Luisa Bergamini, Anna Boschi, Nirvana Bussadori, Maria Caboni, Angelo Caruso, F.Romana Corradini, Teo De Palma, Gianni De Tora, Marcello Diotallevi, Roberto Franzoni, Bruno Freddi, Fabrizio Galli, Salvatore Giunta, Isa Gorini, Claudio Grandinetti, Franca Lanni, Live Art, Fabrizio Martinelli, Gianni Marussi, Rita Mele, Franco Montemagno, Clara Paci, Giorgio Pahor, Armando Pelliccioni, Giovanna Pesenti, Renata Petti, Tiziana Priori, Claudio Rotta Loria, Jeannette Rütsche, Eugenia Serafini, Elena Sevi, Micaela Tornaghi.

9 novembre inaugurzione ore 16.30

Galleria del Corso
Galleria Vittorio Emanuele II - Milano
orari: 10.30 - 18.00
Ingresso libero

Il Muro di Berlino

Another break in the wall / Ilaria Margutti

Una mostra collettiva e una personale

Another break in the wall

collettiva a cura di Cristina Ferraro e Manuela Congedi

Wannabee Gallery, in collaborazione con Anteo SpazioCinema e Peacereporter, nell'anno che celebra il ventesimo anniversario della caduta del muro di Berlino, presenta il piu' importante evento artistico dell'anno: due mostre, una personale ed una collettiva, che occuperanno l'intera location del Revel Scalo d'Isola per un mese.

artisti:
Alisa Rensik (Russia - San Pietroburgo)
Andrea Simoncini (Italia - Milano)
Anna Madia (Italia - Torino)
Annalu' (Italia - Venezia)
Chris Hartschuh (Germania - Berlino)
Claudio Ballestracci (Italia - Cesena)
Claudio Monnini (Italia - Milano)
Davide Orlandi Dormino (Italia - Roma)
Enzo Santambrogio (Italia - Como)
Felipe Cardena (Spagna - Barcellona)
Francesco Corbetta (Italia - Como)
Iacopo Raugei (Italia - Firenze)
Ilaria Margutti (Italia - Arezzo)
Louise Beckinsale (UK - Ascot)
Ludmilla Radchenko (Siberia - Omsk)
Nicolo' Lanfranchi (Itaia - Milano
Marco Pozzi (Italia - Varese)
Marianna Gasperini (Italia - Milano)
Marilou Desmeules (Germania - Berlino)
Morgan Derrik Mia (UK - Londra)
Paula Bogati (Germania - Berlino)
Rossella Roli (Italia - Milano)
Samantha Lina (Italia - Milano)
SungHong Min (Korea - Seoul)
Svetlana Grebenyuk (Ucraina - Kiev)
Vania Elettra Tam (Italia - Milano)
Virginia Panichi (Italia - Firenze)
Winkler + Noah (Italia - Roma)

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Ilaria Margutti
Il filo dell'imperfetto

personale di a cura di Alessandra Redaelli

Si diploma dapprima all'istituto d'arte di Sansepolcro a Urbino in disegno animato e successivamente all'Accademia di Belle Arti di Firenze. Senza mai abbandonare l'interesse per la pittura, per un periodo lavora nel campo del restauro e successivamente intraprende la carriera di insegnante di disegno e storia dell'arte al liceo scientifico.
Ora insegna al Liceo scientifico di Sansepolcro dove vive.

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In collaborazione con il Cinema Anteo di Milano, via Milazzo 9 tel 026597732 verranno organizzate ogni domenica mattina a partire dall'8 novembre proiezioni di film connessi al contesto berlinese ed al significato che le barriere hanno ricoperto nel tessuto urbano e nelle menti del mondo. Durante il periodo espositivo verrà presentato il documentario sulla cortina di ferro realizzato da PeaceReporter in occasione del ventennale della caduta del muro di Berlino:

Domenica 8 novembre
Good bye Lenin
un film di Wolfgang Becker
presentazione opere Ilaria Margutti

Domenica 15 novembre
presentazione documentario sulla cortina di ferro da parte di Peacereporter

Domenica 22 novembre
Private
un film di Saverio Costanzo
presentazione opere Claudio Monnini

Domenica 29 novembre
Il muro
un film di Simone Bitton
presentazione opere Francesco Corbetta

Inaugurazione delle mostre lunedi' 9 novembre ore 18.30

Wannabee Gallery
via Thaon de Revel, 3 Milano
orari di apertura:
Lun-Ven: 11:00 - 20:00
Sab 11:00 -19:00

La Changing Role Move Over Gallery ha il piacere di annunciare la propria partecipazione

MINT 09

MILANO INTERNATIONAL ANTIQUES & MODERN FAIR

Giardini Indro Montanelli - Via Palestro

STAND 29

ANEE' OLOFSSON - MATTEO SANNA

Inaugurazione Mercoledì 11 Novembre > ore 18,30

Vernissage November 11th > h.18.30

12  > 15 Novembre 2009 H 12.00/21.00

12-15 November 2009 h 12pm / 9pm

ECCELLENZE

SALONE DEDICATO AL LUSSO E AL BUON GUSTO

TARI' - Asi Sud - Marcianise (CE)

Kevin Francis Gray, Anneè Olofsson, Mihail Milunovic, Franco Rasma, Angelo Bellobono, Stefano Cerio, Riccaro Albanese, Betty Bee, Luisa Bruni, Matteo Sanna, Nunzio De Martino, Enzo Distinto, Giuseppe Gonella, Lamberto Teotino, Angelo Volpe.

Inaugurazione Venerdì 13 Novembre > ore 20.30

Vernissage November 13th > h.20.30

14  > 15 Novembre 2009 H 9.30/21.30

20 Novembre 2009 H 18.30/21.30

21  > 22 Novembre 2009 H 9.30/21.30

14-15 November 2009 h 9.30am/9.30 pm

20 November 2009 h 6.30pm/9.30 pm

21-22 November 2009 h 9.30 am/9.30 pm

Changing Role Move Over Gallery

Vicolo del Bollo, 13 - 00186 Roma

+39.06.83507085  +39.08119575958   www.changingrole.com

Changing Role- Move Over Gallery

Main Space - Napoli, Via Chiatamone 26

+39 08119575958

New Space - Roma,Vicolo del Bollo 13

+39 0683507085

www.changingrole.com

infogallery@changingrole.com

Artisti dell'area del Mediterraneo

Titolo evento: Mostra di pittura
Artista: Gianpotito de Sanctis

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

Burri e Fontana in scena. Nuova grande mostra alla Fondazione Puglisi Cosentino di Catania

UN GIORNO NELLA VITA DELLA CITTA’
E’ COSI’ CHE VIVIAMO?
Riti, Visioni e Azioni
con
Gary Brackett, David Copley, Antonia Masulli Matera e Jeff Nash
del Living Theatre di New York
con la partecipazione degli allievi del Master Class

Venerdì 13 novembre 2009 ore 21.00
Fondazione Morra
Palazzo Ruffo di Bagnara

Ingresso gratuito

Frammenti di desideri, sogni, bisogni, speranze di cambiamento: giovani che si muovono con energia ed affermazione verso la nuova vita.

Gary Brackett e Antonia Masulli Matera membri della compagnia storica degli anni '70 di New York City, hanno con un gruppo di giovani allievi, qui a Napoli, realizzato una creazione collettiva utilizzando gli strumenti, le tecniche e l'utopica visione rivoluzionaria dello storico movimento Living Theatre.

Per ulteriore informazioni

www.livingeuropa.org
+39 347 8344336 / +39 329 1542615
livingeuropa@gmail.com

Fondazione Morra
Palazzo Bagnara p.zza Dante, 89
80135 Napoli Italy
T +39 081 5641655
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org

Breve storia del Living Theatre
Il Living Theatre è una compagnia teatrale sperimentale contemporanea, fondata a New York nel 1947 da Judith Malina e Julian Beck.
Sin dall'inizio ha coniugato la forma teatrale con l'impegno civile e politico, in senso libertario. Si riconoscono due fasi nella storia della compagnia: il primo periodo, dalla fondazione fino al 1960, il gruppo svolge in prevalenza attività stabile a Broadway e rappresenta soprattutto opere di nuovi drammaturghi americani: Gertrude Stein, William Carlos Williams, John Ashbery, Paul Goodman, o tratte da scrittori europei contemporanei (Jean Cocteau, Federico García Lorca, Pirandello). Nella seconda fase, che prese il nome di "movimento Off-Broadway", inizia una nuova forma di attività come compagnia itinerante, prevalentemente in Europa (anche per ragioni di scomodità politica) e cicli di rappresentazioni più innovative, con forme di recitazione via via più sganciate dalla "finzione" e dal personaggio.
Arrivato in Italia nel 1961, il Living Theatre ha recitato in centinaia di paesi, piccoli e grandi, spesso in luoghi (cantieri, scuole, strade...) e contesti poco usuali. La compagnia ha portato così al pubblico italiano opere che hanno cambiato la fisionomia del teatro moderno, in cui predomina la ricerca collettiva degli attori e delle attrici e l'interazione creativa con il pubblico presente.
Complessivamente, il Living Theatre ha rappresentato più di 80 produzioni, recitate in diverse lingue e in 25 paesi. Il gruppo lavora sempre in maniera autonoma e collettiva, con la direzione di Judith Malina e di Hanon Reznikov (mancato nell'Aprile 2008), subentrato nel 1985 a Julian Beck, dopo la scomparsa di quest'ultimo. Dal 1999 al 2004 la sede europea del Living Theatre è stata presso Rocchetta Ligure, in val Borbera in Piemonte. Dal 2004 la compagnia è tornata a New York.
Il progetto di Rocchetta Ligure viene interrotto nel 2003, a causa della perdita da parte della compagnia della sede, da allora il regista Gary Brackett e Antonia Masulli Matera del Living Theatre di New York decidono di muoversi per l’ Italia e l’ Europa, portando il lavoro del Living Theatre nelle città e nei paesi con cui viene a contatto. E’ grazie a questi viaggi, che il Living incontra in Italia un nuovo gruppo di attivisti teatranti che, decidono di ridare vita al progetto Living Theatre Europa.

Ai sensi dell'art.13 del D.Lgs. 30 giugno 2003, n.196 Codice in materia di protezione dei dati personali) si comunica che questa newsletter ha il solo scopo di far conoscere gli eventi culturali organizzati o promossi dalla Fondazione Morra o dal Museo Nitsch.

Jara Marzulli 

"SOTTO-PELLE"

video installazione di Masciare,

inaugurazione venerdì 13 ore 19.30

Spazio Nodo

via Cattaro 14, Bari

Simon Keenleyside

Safe In The Magic Of My World

La Blindarte contemporanea e' lieta di inaugurare, giovedi' 12 novembre 2009, la seconda personale in galleria di Simon Keenleyside. La mostra sarà aperta al pubblico fino al 18 gennaio 2010.

Nei suoi nuovi dipinti l'artista inglese prosegue l'esplorazione dei luoghi nei quali e' cresciuto e che ancora oggi lo circondano, l'Essex, in Inghilterra.
Simon Keenleyside ritrae questi luoghi con una sorprendente capacità di svelare il mistero e gli intrighi che li circondano; evoca attraverso i suoi dipinti non soltanto luoghi fisici, ma anche stati mentali, desideri ed ansie che lo accompagnano durante i percorsi alla scoperta del territorio.

Molti dei motivi dei suoi lavori sono gli elementi - memorie dei tempi precedenti che, presenti in ordine sparso sul territorio, caratterizzano i paesaggi dell'Essex: resti della prima e seconda guerra mondiale, torri d'acqua e containers abbandonati dalle industrie locali, muri di confine parzialmente abbattuti che circondano la città. La presenza di questi spettri del passato aggiunge al paesaggio un alone di mistero ed allo stesso tempo offre momenti di condivisione di una memoria collettiva inglese.

Nei nuovi dipinti l'artista rilegge il -suo- paesaggio grazie ad un'intensa luce che vede promanarsi dalle limitrofe periferie costiere, e che si riflette ed illumina tutti i paesaggi vicini creando una forte tensione cromatica.
Il risultato e' dato dall'utilizzo della pittura fluorescente che caratterizza l'intero corpo del lavoro.
Nei lavori di Keenleyside la fisicità della pittura e' sempre preminente, l'atto di aggiungere e sottrarre materia, riempire e nascondere quanto già dipinto, contribuisce alla formazione di un mondo pieno di continue sorprese, dove la pittura supera la materia e diviene essa stessa paesaggio. Il paesaggio viene cosi' trasformato in un luogo in cui la familiarità si fonde con visioni oniriche, e si rivela la trascendente bellezza di un posto dove l'ordinario e il magico si incontrano.

Simon Keenleyside, 1975, vive e lavora in Gran Bretagna. Dopo essersi diplomato al Royal College of Art, l'artista ha esposto in numerose mostre nel Regno Unito, in Danimarca, in America ed in Italia. Nel 2002 ha vinto il BOC Emerging Artist Award e nel 2004 il Lexmark European Art Prize. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni come la Boc group, Comme de Garcons, Hiscox plc, Mario Testino, Amlyn Collection, Marsh McLennan, RCA Collection, TI Group.

Immagine: Somewhere only we know, olio su lino, cm 32x40

Opening giovedi' 12 Novembre ore 19

Blindarte
via Caio Duilio 4d/10 - 80125 Napoli
lunedi' - venerdi' 10-13 e 16-19

MONSTRUM

VASSILIS PATMIOS KAROUK

a cura di  AUGUSTINE ZENAKOS

opening 13 Novembre ore 19:00

dal 13 Novembre 2009 al 1 Gennaio 2010

orari: dal martedì al venerdì 10.30/13.00   16.30/19.30

sabato su appuntamento

Che cosa è un mostro?

Durante  la stesura, mentre un altro accusato sta andando al processo all’ Aia, noi siamo di nuovo invitati a guardare nel cuore dell'oscurità. Questo, dicono, è il male assoluto: la straordinaria forza innaturale che, ogni tanto, impone se stessa alla nostra comunità - il mostro.

Ma che mostro è questo? Non sono mai sicuro.

Come tengo a dire, la più grande bugia del nostro tempo è che noi tutti essenzialmente siamo d'accordo. Naturalmente, sappiamo che ci sono conflitti nel mondo, guerre, crimini e ogni sorta di cose terribili, ma in qualche modo noi ci convinciamo sempre che questi eventi capitano a dispetto della nostra vera natura, come aldifuori della normalità; loro sono perversioni della “natura”, concettualmente emarginati nel regno della devianza. La democrazia liberale contemporanea sembra averci persuasi  che il consenso è il nostro vero stato fondamentale, mentre la violenza - nonostante sia frequente - è  meramente  accidentale.

Noi  inevitabilmente,  in modo quasi voyeuristico, ci focalizziamo su questa violenza accidentale  - cosa che Slavoj Žižek avrebbe chiamato violenza soggettiva - ciò che ne risulta è moralizzazione. L'arte contemporanea non fa eccezione a questa fallacità. Molti artisti hanno assunto il ruolo di commentatori di questo spettacolo continuo, perché, infatti, che altro c'è da fare entro i confini di un accordo universale?

Comunque, qualcuno potrebbe dire che la democrazia liberale contemporanea sta mascherando le sue origini: non è la grandezza dell’ umanità in sè, ma la realizzazione che l'umanità è capace di grandezza malgrado la sua capacità di male, che costituisce il cuore dell’ umanesimo.  Infatti, il male era con noi prima di qualsiasi altra cosa, e l'umanità (humanity) - nel suo doppio significato di “humankind” e “humanness”  - è una nozione più oscura e sporca di quella che si potrebbe sperare.

Una delle conseguenze di questa cecità  verso le nostre implicite antinomie è la morte delle grandi narrative. La maggioranza di noi non osa toccarle, purtroppo non per qualche tipo di umiltà, ma perchè queste ci sembrano irrilevanti: in un mondo dove il consenso regna supremo, le grandi narrative sono considerate come una irrilevanza, un esercizio rétrò al meglio, il racconto di una storia consolatoria e familiare.

Quello che trovo particolarmente affascinante nell’arte di Vassilis P. Karouk è il fatto che lui non è un commentatore. Mentre il paradigma contemporaneo lo spinge constantemente in una direzione diversa, lui lotta con la grande narrativa come se fosse l’unico modo. Questo si verifica anche nei suoi ultimi quadri, come nel suo film, “ Motivo”, un tenebroso, penetrante sguardo sul perpetuo problema della divisione della ricchezza.

Per Vassilis P. Karouk l'umano è un mostro, ma non in senso accidentale, neppure nel modo in cui viene definito dal pubblico moralizzato o dalla legge internazionale. L’umano è un mostro come parte della sua costituzione. Ancora, al di sopra e oltre la sua costituzione, l’umano è anche capace di essere violento per scelta, cadendo direttamente nel truismo shakespeariano che lo condana a non essere bestia. Questo mostro umano - poteva essere qualcosa altro che umano? - lentamente appare, mentre il velo della percezione della violenza come coincidenza  si sgretola, viaggiando nella narrativa.

Quello che è strano, comunque, è che diventa un mostro soltando quando siamo attrati da lui, perché, qualunque cosa l’arte di Karouk possa essere, è anche spudoratamente sincera: c’è attrazione celata nei posti più tenebrosi, abbastanza differente dal piacere voyeuristico che ricaviamo dai nostri incontri quotidiani con gli orrori del mondo. Questa attrazione non è piacevole; è più affine all’ essere soggetto ad un magnete, un’incessante attrazione verso il lato più oscuro dell’umanità.

Penso a questo specialmente oggi, dove la moralità è diventata un oggetto di attività amministrativa, tale visione è particolarmente pregnante. E`il confronto con il mostro che rende possibile la moralità, non la pretesa che esso non esista, o, ancora peggio, che esso esista, ma sia un altro.

Mentre ascolto, nel notiziario, qualcuno che cerca di convicermi che l’ordine e la normalità vengono finalmente, anche se lentamente, restaurate (L’ultima cosa che ha pronunciato era - il tuo nome). Mi sento grato per L’orrore! L’orrore! Mi sento grato che ci sia un narratore, che posso sentire il dondolare della barca, che posso vedere il canale tranquillo che sembra condurre nel cuore di un’ immensa tenebra.

Augustine Zenakos

Le frasi in corsivo sono estratte da “Cuore di Tenebra” di Joseph Conrad.

 VASSILIS PATMIOS KAROUK  è nato ad Atene il 1977 dove vive e lavora

2004 - 2006   MA, Digital Forms of Art, University of Fine Arts, Athens

1998 - 2003  BA, University of Fine Arts, Athens

2001               University of Fine Arts, Utrecht, Netherlands

Principali mostre personali e collettive:

2009

The Beautiful is just the first degree of the Terrible, curated by Apostolos Kalfopoulos, State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Greece

Heaven,2nd Athens Biennial, curated by Nadja Argyropoulou, Athens, Greece

Paint-id, Macedonian Museum of Contemporary Art, curated by Sotiris Bahtsetzis, Thessaloniki, Greece

Goldfish Suddenly Dead, Extra City Centre for Contemporary Art, curated by XYZ,  Antwerp,  Belgium

Motivo, Loraini Alimantiri Gazonrouge, Athens, Greece

2008

Future Tech, Loraini Alimantiri Gazonrouge, Athens, Greece

Velvet Festival, Zourlokandero: H.E.R.O.E.S., Bios, Athens, Greece, curated by Nadja Argyropoulou

2007

Destroy Athens, 1st Athens Biennial, curated by Xenia Kalpaktsoglou, Poka-Yio, Augustinos Zenakos, Athens, Greece

I Syghroni Elliniki Skini, ArtAthina, curated by Nadja Argyropoulou, Athens, Greece

AKNEOS GALLERY

Palazzo Monte Manso di Scala

via Nilo 34, 80134 Napoli

tel: +39 0815524714

email: info@akneos.com

www.akneos.com