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Subject Mostre ed incontri artistici - Novembre 2009
Messaggio di Gino il lunedì 28 settembre 2009 alle 09.55   -  forum administrator-  forum moderator
Città: Napoli   Iscritto il: venerdì 29 giugno 2001   Posts: 11374   View Gino's profileProfilo Search for other posts by GinoCerca Visit Gino's homepagewww Quote

Carlo Olivari

Art Director
OLIVARI ID&A
InteriorDesign&Art

Via Tasso, 290
80127 Naples Italy
tel +39 081 3414170
mobile +39 3385056522
skype "carloolivari"
 


Messaggio di Gino il sabato 3 ottobre 2009 alle 22.01   -  forum administrator-  forum moderator
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Borders+Segments - Romania
Video Art & Architecture event
 
Dates: November 13-14, 2009
 
Curator: Luca Curci
 
Location: MUZEUL FLOREAN, Baia Mare, Maramures - Romania
 
 
The International Experimental Film Festival is dedicated exclusively to sustaining and promoting the experimental films.

We consider the experimental film to be one of the most interesting expression forms of contemporary art. The interest shown by the public who watched the films, apart from the festival, determined us to change the classical way of approaching an experimental film festival. We’ve therefore decided to change the regulations so that any kind of constrains will be avoided. That is why we eliminate the participation fee and the jury who chooses the winners. Most of the film critics, artists and common art consumers considered the viewing and the real perception of the artistic creation to be more important than establishing a classification based on prize awarding. The involvement of a jury in such a festival leads to a selection based on a subjective opinion and consequently to an artificial point of view, which influences the real perception of the event. Every experimental film has a justification only when it is not a subject of an official analyzes or any other preset value criteria. The Florean Museum’s experimental film collection is a reference point of the contemporary experimental film and is available to anyone who wants to study the phenomenon.
 
.artists
Luca Curci . Italy | Nadia Perrotta . Italy | Justyna Górowska . Poland | Gregory Steel . USA | Nat Wilms . Italy | Jeremy Newman . USA | Patricia Claro . Chile | Jimena Passadore . Argentina | Stephen Anderson . USA | Antje Nilsson . Sweden | Ronis Varlaam . UK | Ger Ger . Germany | Sven de Swerts . Belgium | Peter Wallstrom . Sweden | James A Cook . USA | Russ Chartier & Paul Botelho . USA | Hagackure . Italy | Faisal Anwar . Pakistan | Annalisa Sonzogni . UK | Markus Oberndorfer . Austria | Alison Williams . South Africa | Mauricio Mayorga . Colombia



Messaggio di Gino il lunedì 12 ottobre 2009 alle 12.35   -  forum administrator-  forum moderator
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Architecture & Design
as a Catalyst for Change
 
Dates: November 5-7, 2009
 
Location: Chicago Architecture Foundation
224 S. Michigan Ave., Chicago
 
 
Carol Coletta, of CEOs for Cities, and Damon Rich, Center for Urban Pedagogy, will keynote the first-ever conference of the Association of Architecture Organizations and the Architecture + Design Education Network, taking place in Chicago, November 5-7. The conference, whose theme is Architecture & Design as a Catalyst for Change, is for architects, design professionals, architecture centers and other built environment organizations interested in educating the general public about architecture and design. It will be held at the Chicago Architecture Foundation, in the heart of downtown Chicago.
 
Session topics include:
Initiating Dialogue about Design Excellence
Creating Architectural Exhibitions that Engage
Starting an Architecture Center
Using Social Media to Attract new Audiences
And much more
 
Don’t miss the special session: “A Conversation with the Critics: Imagining the Future of the City.” Panelists include Jonathan Glancey, The Guardian; Paul Goldberger, The New Yorker, Sarah Williams Goldhagen, The New Republic; and Blair Kamin, Chicago Tribune; moderated by Edward Lifson, cultural critic and creator of Chicago Public Radio’s Hello Beautiful!
 
Attendees will gain:
New tools and ideas to help strengthen and support their organizations
New contacts with leaders in the field
New topics and presentation formats for educational and public programming
A refreshed and recharged outlook for the future
 
The Association of Architecture Organizations (AAO) is a nonprofit membership organization dedicated to fostering a strong network of organizations that engage and educate the public about the built environment. It pursues this mission through conferences and workshops, a membership network, the sharing of best practices, and peer-to-peer learning. A+DEN, an affiliate of AAO, was formed in 2005 and is dedicated to fostering the growth and development of architecture and design education on a national level.
 
The Architecture + Design Education Network (A+DEN) further strives to raise youth awareness about the built environment and advance the integration of the design process across the K-12 curriculum.  A+DEN is a partnership of the Chicago Architecture Foundation, the American Institute of Architects, and the American Architectural Foundation.
 
Learn more and register at www.architecture.org/aao
 
Contact: Jill Perney
JPerney@architecture.org
 
Chicago Architecture Foundation
224 S. Michigan Ave., Chicago
www.architecture.org/aao
 



Messaggio di Gino il martedì 13 ottobre 2009 alle 09.37   -  forum administrator-  forum moderator
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CONTEMPORANEA

6-7-8-9 novembre 2009
FORLI' FIERA - Quartiere fieristico- via Punta di Ferro, 2

ORARI DI APERTURA:
venerdì dalle 17,00 alle 20,00
sabato e domenica dalle 10,00 alle 20,00
lunedì dalle 10,00 alle 13,00

contemporanea@fieracontemporanea.it - www.fieracontemporanea.it

FRA UN MESE SI APRE!

Venerdì 6 novembre, alle ore 17.00, nei padiglioni della Fiera di Forlì, si apre la tredicesima edizione di Contemporanea, come sempre ricca di novità e di importanti nuove partecipazioni. I numerosi eventi collaterali, fanno della fiera non solo una manifestazione espositiva ma anche un grande evento culturale. Tra questi vanno menzionati:

Miami Swing by Renzo Arbore a cura di Mirabili – Arte d’Abitare. Una mostra dedicata agli oggetti di design ispirati da Renzo Arbore, ma disegnati e realizzati dagli scenografi/designer Alida Cappellini e Giovanni Licheri. A dare ulteriore prova di contaminazione di stili e brand, fanno da cornice a questi oggetti, le opere di Marco Lodola e di Andy dei Bluvertigo.

l’Arte dell’URSS, nel ventennale del crollo del muro di Berlino 1989 - 2009 - a cura di Galleria d’Arte Cinquantasei – Bologna. Avvenuto il 9 novembre 1989 , si sposa perfettamente con la fiera che chiude esattamente il 9. La mostra è composta da un’ottantina di opere datate dalla Rivoluzione di Ottobre all’89. Le sezioni della mostra sono: satira e propaganda politica, Tempere originali dei manifesti del cinema sovietico, Pittura, in questa sezione è presente Nikolaj Karahan, uno dei più grandi artisti uzbecki del 900,

Tommaso Cascella: “Piazza delle Erbe” sculture, a cura di contemporary arte PANCALDI. Una mostra dedicata al pittore – scultore romano, che documenta con Sei opere in rame di grande dimensioni altrettante attività artigianali

Da Depero a Scepi, dal Futurismo all’Over Ad’Art “la difference”. A cento anni dalla enunciazione del Futurismo che magnificava la nuova epoca della velocità, l’Artista Franco Scepi invoca la lentezza con l’Over Ad’Art Performance: Rallentatore del tempo nello spazio: “LA DIFFERENCE”, con la partecipazione straordinaria della Danzatrice Acrobatica Argentina Gaby Corbo

Spazio allo spazio: artisti e scultori interagiranno nello spazio circostante con opere che trovano la loro peculiarità nei materiali inusuali e nelle dimensioni imponenti

Tutto ciò rende la manifestazione imperdibile per tutti coloro che amano l’arte e le sue innovazioni!



Messaggio di Gino il venerdì 16 ottobre 2009 alle 12.07   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il sabato 17 ottobre 2009 alle 19.46   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il lunedì 19 ottobre 2009 alle 19.28   -  forum administrator-  forum moderator
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Gaia Fugazza and Fani Zguro

 Vlore – The Promenade Gallery – fino al 1/11/09

 

 

Gaia Fugazza and Fani Zguro SarrasineThe Promenade Gallery is an ambitious project, which started in 2007 in order to promote contemporary art in Albania. Starting in September 2009, the gallery will present its new program for 2009/2010 season, which will include personal and collective projects mainly with pieces from emerging artists.

The Promenade Gallery does not aim to be only a centre for contemporary arts, but its ambition is to coordinate interesting art projects inside as well as outside Albania. As such, the Promenade Gallery is determined to keep an open mind towards all arousing proposals.

The Promenade Gallery presents in 11 october 2009 the double solo exhibition of Gaia Fugazza and Fani Zguro.

For the exhibition -Sarrasine- the italian artist Gaia Fugazza shows a series of collages, appropriates images of different architectures in black and white and uses them as an elegant juxtapositions, adopts the content and contexts of the original images to convey his own poignant meanings.

 

The albanian artist Fani Zguro shows a series of video in black and white, using and manipulating '70 albanian noir movies to transform into collating footage.


THE PROMENADE GALLERY
Address: Bulevardi Skele Uji i Ftohte,

9401 Vlore (Albania)
0039 347 72 86 203

00355 69 29 12 759


E-mail: info@thepromenadegallery.org
Web:    www.thepromenadegallery.org

 

 

 

SARRASINE

 

 

Ekziston nje tregim i Balzakut, i cili fillon keshtu: ndodhem ne nje pozicion te volitshem, i ulur

midis nje dritareje dhe nje shezloni, nga njera ane ndodhet pylli, nga ana tjeter nje feste. ne kete

menyre pak a shume vizatoj nje vend ne te cilin ndjej te njejten atmosfere. kerkoj materialet bazike

qe i shkojne per shtat gjendjes dhe i fotografoj. ne nje dhome te erret krijoj kolazhe te ndryshme

te ciat konsistojne ne nje meditim midis realitetit te fotografuar dhe vizatimit tim te pare. (Gaia

Fugazza)

 

 

Fije qe Priten eshte manipulimi i filmit shqiptar me te njejtin titull, i cili eshte shnderruar ne nje

trailer duke i bashkengjitur si kolone zanore hitin e Nick Cave The Curse of Millhaven. Ndersa

videoja tjeter Kalimtare eshte shkeputur nga filmi me te njejtin titull, por duke shfrytezuar vetem

20 sekondat e para te filmit, te cilat shkojne dhe ripersiriten non stop ne loop. Videoja e trete Ti

Kthehesh eshte versioni i ri dhe grotesk i filmit amerikan me te njejtin titull te regjizorit Oliver

Stone. ne kete video artisti perballet me personazhin e vetem te videos ne nje interviste sa cinike

aq edhe te vertete. (Fani Zguro)

 

 

Sarrasine (2009)

Akrelik dhe laps mbi leter, 60x 50 cm

Sarrasine, park (2009)

Print mbi leter, 120 x 76 cm

Vile moderniste me pishine mbi koder (2009)

Teknike e perzier mbi leter, 40x 55 cm

Vile moderniste me pishine mbi koder, klasike (2009)

Print mbi leter baritata me tre negative 35mm, 35 x 45 cm

Vile moderniste me pishine mbi koder, uje diagonal (2009)

Print mbi leter baritata me tre negative 35mm, 35 x 45 cm

Vile moderniste me pishine mbi koder, qiell nokturn (2009)

Print mbi leter baritata me tre negative 35mm, 35 x 45 cm

 



Messaggio di Gino il mercoledì 28 ottobre 2009 alle 13.00   -  forum administrator-  forum moderator
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I colori prendono forme, le forme hanno contorni precisi e anche l'immagine non è certa.
La realtà e l'immaginazione si incontrano o si scontrano, in un dialogo serrato.

OPENING
mercoledi 4 novembre 2009 dalle ore 18,00
Contributi:
Prof. Laurent L'Hote - Art Plastique Paris
Dott. Lorenza Fragomeni - mda Milano
Dott. Emanuela Pitti - mda Milano
Presentazione: Dott. Giovanni Candian
Intervento critico: Dott. Emanuela Pitti

----------------
con la partecipazione di Annalisa Ravasio nell'esecuzione di brani per pianoforte
Le opere rimarranno esposte fino al 30 novembre 2009 in contemporanea con
Hotel Brunelleschi
via Baracchini 12, Milano
Organizzazione mdaEvent
Direzione Artistica mda Milano
www.mdarte.it - info@mdarte.it


Messaggio di Gino il lunedì 2 novembre 2009 alle 13.02   -  forum administrator-  forum moderator
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Newsletter PicaGallery.it

Titolo evento: Racconti da Resina
Artista: Flaviana Frascogna e Roberto Caccioppoli

Vernissage: Mostra fotografica
Data: 4 - 16 Novembre 2009 ore 18.00

 

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it



Messaggio di Gino il lunedì 2 novembre 2009 alle 13.03   -  forum administrator-  forum moderator
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INDEPENDENT FILM SHOW 2009

3 - 4 - 5 - 6 - 7 novembre 2009
Fondazione Morra (Palazzo Ruffo di Bagnara Piazza Dante, 89 Napoli)

Acts (un)framed
a cura di Elisabeth Lebailly
Morgan Fisher Films
a cura di Stoffel Debuysere & Maria Palacios Cruz
(DE)CODING
a cura di Stoffel Debuysere & Maria Palacios Cruz
Films & Performance
Pascal Baes & Aï Suzuki
The rhythms of Absolute Cinema
a cura di Raffaella Morra

Il riconoscimento dell’originale specificità e del valore sempre attuale dell’Independent Film Show sta anche nell’occasione di vivere un’esperienza inattesa. D’incanto, in un luogo distinto, esemplare, ideale, non di fronte ad un quadro ma nel cuore di un’opera, da percorrere con la sensazione di cadere dentro una visione: ne percepiamo i transiti, ne cogliamo i sussurri, ne intercettiamo i silenzi, ne subiamo lo shock percettivo.
L’incredibile attenzione per le immagini in movimento, sviluppatasi in questo decennio, ha scatenato un’ampissima produzione artistica ed una corsa alla creazione di archivi e database che spesso assumono connotati ambigui, non permettendo una chiara comprensione dell’opera né del contesto storico-artistico. Ciò che caratterizza l’Independent Film Show è, invece, una ricerca minuziosa all’interno di una sezione specifica di Cinema, quella più indipendente e sperimentale. L’Independent Film Show 9° edizione, organizzata dalla E-M Arts e coordinata da Raffaella Morra e Katia Rossini, si svolge dal 3 al 7 novembre 2009 presso la Fondazione Morra (Palazzo Ruffo di Bagnara Piazza Dante, 89).
L’Independent Film Show è inoltre occasione di discussione informale tra i curatori, i film-makers e gli spettatori; anche per questa edizione sarà aggiornato il web-site (www.em-arts.org) e realizzato il catalogo italiano/inglese con l’introduzione di Loredana Troise, i testi dei curatori e le schede dei 42 films in programma.
Acts (un)framed, selezionato da Elisabeth Lebailly, combina la performance ed il cinema sperimentale. Dalla sua origine, la performance viola i vincoli dell’istituzione artistica e scuote il suo pubblico. Indubbiamente, la nozione di performance, e tutto ciò che contiene, ispira la questione dei limiti. Diventa un’indagine sulla possibilità di reinventare un linguaggio; per compire questo, l’espressione fisica ed il lavoro corporale aprono un percorso infinito, essenziale per la nostra relazione con il mondo, un canale per la creatività e l’osservazione. Questi films sono forme d’arte interattive che attraversano le tematiche della psichiatria, della tecnicizzazione, del lavoro, del benessere sociale, del rapporto con sé stessi o gli altri... La maggior parte dei films selezionati provengono dalla Nomadic Video Library, un progetto alternativo di distribuzione in Belgio.
Il secondo programma, a cura di Stoffel Debuysere e Maria Palacio Cruz del collettivo belga Courtisane, riunisce una selezione di films realizzati da Morgan Fisher (che sarà a Napoli), visti raramente in Europa e proiettati per la prima volta in Italia. Fisher gioca con i concetti filmici, generando una visione unica ed intima del cinema e della sua rappresentazione fisica. A cominciare dal primo lavoro come film-maker The Director and His Actor Look at Footage Showing Preparations for an Unmade Film (2) del 1968, la selezione attraversa due decadi di lavoro, tra il 1968 ed il 1984. I films di Fisher sono un’esplorazione dell’apparato filmico e del suo materiale fisico, così come dei metodi di produzione cinematografica: dal formato standard della pellicola (35mm) fino all’uso delle immagini backstage, al ruolo narrativo degli inserti ed all’importanza invisibile dell’operatore.
(DE)CODING, curato da Stoffel Debuysere e Maria Palacio Cruz, propone un approccio giocoso alle preoccupazioni generalmente connesse al Film Strutturale; queste opere chiedono allo spettatore di assumere un atteggiamento espansivo nella creazione del senso, siamo invitati a partecipare e risolvere dei puzzle percettivi, ad interpretarli e soprattutto a costruire un’unità dalla loro diversità. I films di Thom Andersen & Malcolm Brodwick, Morgan Fisher, Robert Nelson ed Hollis Frampton (tutti Americani) e del film-maker inglese John Smith esplorano il potere di una regola come principio strutturale del montaggio, suggerendo dei nuovi significati che risultato della riorganizzazione delle immagini e dei suoni.
Pascal Baes, biologo di formazione, pittore e fotografo, ha scelto di concentrarsi sul Cinema, sperimentando ampiamente la tecnica stop-motion e specializzandosi nell’animazione image-by-image. Filmando tutti i fotogrammi separatamente, utilizzando pose lunghe e velocità d’esposizione lente, e congelando il movimento e la ri-animazione, ha creato l’effetto staccato, diventato il suo marchio di fabbrica. Nei suoi films, raramente visti in Italia, Baes cerca di estrarre ulteriormente la relazione tra movimento, immagine e tempo nelle forme cinematografiche che scorrono parallele al nostro contemporaneo ritmo di vita ed alla nostra percezione.
Pascal Baes e Aï Suzuki, sua compagna di vita, si esibiranno inoltre in una performance sensazionale che mira ad uno sradicamento e decostruzione dello spazio e del tempo.
L’Absolute Cinema vuol essere dinamico e non mera riproduzione del mondo naturale; depurato dagli elementi formali ed estetici non necessari crea una successione di immagini inconsuete che lo spettatore deve imparare a riconoscere. The rhythms of Absolute Cinema, curato da Raffaella Morra, mostra un excursus nell’astrazione: dal film Symphonie Diagonale 1924 di Viking Eggeling, agli esperimenti di Mary Ellen Bute, Len Lye, Harry Smith, Marie Menken e Robert Breer. Indagando il suggestivo mondo del Cinema Assoluto, che combina la natura immateriale della luce con le complessità culturali e le possibili connessioni mentali, si arriva allo sviluppo di nuove ricerche e sperimentazioni, esemplificate dai films di Joost Rekveld, Leonardo Carrano&Alessandro Pierattini, e Thomas Draschan.

E-M Arts
Fondazione Morra

INDEPENDENT FILM SHOW 2009

3 - 4 - 5 - 6 - 7 november 2009
Fondazione Morra (Palazzo Ruffo di Bagnara Piazza Dante, 89 Napoli)

Acts (un)framed by Elisabeth Lebailly
Morgan Fisher Films by Stoffel Debuysere & Maria Palacios Cruz
(DE)CODING by Stoffel Debuysere & Maria Palacios Cruz
Films & Performance Pascal Baes & Aï Suzuki
The rhythms of Absolute Cinema by Raffaella Morra

As if its originality and value were not reason enough to admire the Independent Film Show, there is also something else: the opportunity to experience the unexpected. A chance of enchantment, in a particular space, render it exemplary, ideal. Not passively seated before a picture, but getting into the heart of a work, passing through it with the sensation of falling inside a vision - we perceive the transit, we hear the whispers, we interrupt the silences, we undergo the perceptive shock of it all.
The amount of attention paid to the moving images has actually increased over the past ten years, if that seems possible. This may be due to increased artistic production and the appearance of newly-created archives and databases. These latter are often ambiguous affairs, adding little to a clear understanding of the work or its historical and artistic context. What makes the Independent Film Show unique in its field, however, is the detailed look it takes at one particular aspect of cinema - that of the independent and experimental.
The Independent Film Show 9th, organized by E-M Arts and co-ordinate by Raffaella Morra and Katia Rossini, will take place from the 3rd to the 7th of November 2009 at the Fondazione Morra (Palazzo Ruffo di Bagnara, Piazza Dante 89).
The Independent Film Show is also a chance for an informal discussion between curators, film-makers and spectators. The website www.em-arts.org will be newly updated and a colour catalogue in English and Italian will be published with texts by Loredana Troise, the curators and details of all 42 films in the program.
Acts (un)framed, selected by Elisabeth Lebailly, combines performance to experimental film. At its very core, the performance affects the constraints of art institution and shakes its audience. Interestingly, the notion of performance, and everything it comprises, inspires an interrogation of limits. It becomes an investigation into the possibility of reinventing language. To accomplish this, physical expression and body work open an infinite path, essential to our relationship with the world, a channel for creativity and observation. These films are interacting art forms that touch on themes of psychiatry, technicisation, work, social well-being, and the relationship to oneself or the other… Most of the films selected for this programme come from the Nomadic Video Library, an alternative distribution project in Belgium.
The second program, curated by Stoffel Debuysere and Maria Palacio Cruz members of the Belgian Courtisane collective, brings together a selection of Morgan Fisher’s films (he will be in Napoli), rarely seen in Europe and most of which will be screened in Italy for the first time. Fisher plays with the concepts of film, cinema and filmmaking, creating a unique and intimate view of cinema and its physical representation. Beginning with Fisher’s first work as a film-maker in 1968, The Director and His Actor Look at Footage Showing Preparations for an Unmade Film (2), the selection spans two decades of work, between 1968 and 1984. Fisher’s films are an exploration of the film apparatus and its physical material, as well as of movie-making production methods: from film’s standard gauge (35mm) to the use of production stills, the narrative role of inserts and the invisible importance of the projectionist.
(DE)CODING, curated by Stoffel Debuysere and Maria Palacio Cruz, propose a playful approach to concerns generally associated with structural film; these works ask the viewer to take up, within the practice of spectatorship, an expansive attitude towards the creation of meaning. We are invited to participate and solve perceptual puzzles, interpret them, and above all construct unity out of their diversity. The films by Thom Andersen & Malcolm Brodwick, Morgan Fisher, Robert Nelson and Hollis Frampton (all five Americans) and British film-maker John Smith are works that explore the power of a rule as a structuring principle of montage, suggesting possible new meanings that result from the reordering of images and sounds.
Pascal Baes, a trained biologist, painter and photographer, has chosen to focus on cinema, experimenting extensively with stop-motion technique and specialising in image-by-image animation. By filming all frames separately, making use of long exposures and slow shutter speeds, and freezing movement and reanimation, he creates the staccato-effect which has become his trademark. In his films rarely seen in Italy, Baes attempts to further extract the relationship between movement, image and time in cinematographic forms running parallel to our contemporary rhythm of life and our perception.
Pascal Baes and his life companion Aï Suzuki will participate in a wordless performance aiming for an uprooting and a deconstruction of space and time.
Absolute Cinema attempts to be dynamic and not a mere reproduction of the natural world. Cleansed of unnecessary formal and aesthetic elements, it creates a succession of unexpected images which the viewer has to learn to recognise. The rhythms of Absolute Cinema, curated by Raffaella Morra, shows a digression into abstraction: from the film Symphonie Diagonale 1924 by Viking Eggeling, to the experiments of Mary Ellen Bute, Len Lye, Harry Smith, Marie Menken, and Robert Breer. Investigating the evocative world of Absolute Cinema, which combines the immaterial nature of light with cultural complexity and possible mental connections, it leads towards the evolution and development of new research and experimentation, exemplified in the films realized by Joost Rekveld, Leonardo Carrano & Alessandro Pierattini, and Thomas Draschan.

E-M Arts
Fondazione Morra



Messaggio di Gino il lunedì 2 novembre 2009 alle 13.30   -  forum administrator-  forum moderator
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evaluna libreria delle donne napoli

 

V ENERDI 6 NOVEMBRE ORE 19.30

Quello che resta

2001-2009

Opere di Gabriella Prati

dal 6 al 12 novembre 2009

 

…Quando entro nell’atelier il mio stato è quello dell’incontro…gli oggetti, i resti hanno a loro volta incontrato l’esistente…

 

Quello che mi porta verso di loro è questo loro esserne rimasti segnati, trasformati ma nel loro essere resti, rimasti, hanno acquistato una bellezza, una potenza, una sensualità erotica Un incontro con la materia, con le trame che si scatenano nella stratificazione, nell’errore continuo alla ricerca della trasformazione mia e della materia insieme in un'unica azione sostanza. Quando ho ri-cominciato a cercare un segno, l’azione è nata dal graffio potente di pastelli a cera sul foglio. qualcosa che mi tirasse fuori, che prendesse la sua via e che io potessi  incontrare come nuovo, indipendente da me. Dopo aver intravisto una luce gialla sotto gli strati di nero in un quadro di Franz Kline ho sentito che quella era la strada, lo strato di segni, e ancora  qualcosa che mi escludesse dal prodotto. Anni in cui raccoglievo oggetti, li tenevo da parte, in attesa che afferrassero le mie mani perché li aiutassi a parlare. La stoffa trasfigurata dalla macerazione tramava intorno al ferro arrugginito e al legno bruciato, le colle seccate, tutto il reale muto ed escluso era ciò che restava. Il dolore, la paura di una perdita possibile reale, mi ha riportato il segno di una figura, la madre che porta nel suo ventre la sua vita stessa e che nel dolore, nella paura di una perdita rinasce, con ciò che può essere pianto. Le maternità e i compianti, presenze non cercate che mi affiancavano nel lavoro, mute di significato, solo ineluttabilmente lì, impossibile lasciarle fuori, io ero testimone della loro urgenza. Il rosso l’oro e poi l’azzurro, le terre, impasto di sangue, magnifico splendore sostanziato di materia. Sempre con le mani. Devo proteggere una bambina che ha qualcosa da dire che ha paura di sbagliare devo stare dalla sua parte. Per me tutto si racchiude nel fare, nello scegliere ed essere scelti, nello scoprire fra le crepe, fra il ritmo del segno una presenza assenza, un vuoto rotto, infranto. I segni si intrecciavano strettamente alla poesia, ma io sfuggivo dai nessi in una ripetizione metonimica di ciò che doveva essere, la necessità della parola e del gesto, del segno e del simbolo. Ancora qualcosa lacera, il viso, i corpi, il colore stesso patisce una dimensione piana, il vetro, la plastica trasparente, l’aria rotta da un urlo infranto, da pezzi, ancora pezzi echi di una trasparenza impossibile. le mie mani cercano di ferirsi in quelle trame di stracci e vetri, di pianto e corpi senza volto e volti senza corpo. Così è per me e questo cerco di offrire a chi mi cerca e mi chiede di guidarlo, per cercare il suo segno, la sua traccia, persona grande o piccola che sia, nella ricerca del suo sogno.

 

Gabriella Prati

Nata a Napoli vive a Bologna da più di 30 anni.

Psicologa, insegnante di scuola dell'infanzia, si occupa da anni di bambini e adolescenti e dei loro genitori per aiutarli in una crescita armoniosa favorendo lo sviluppo della sensibilità artistica, relazionale ed ecologica. Dipinge e aiuta le persone nell'individuazione di una personale filosofia di vita e di una autentica espressione artistica. Co-fondatrice dell’associazione culturale il volo di Bologna, il cui fine è la ricerca di percorsi volti al riequilibrio e l’espressione di sé, ha dato vita al progetto Merzbau laboratori e esperienze residenziali di danza, arte e cucina per bambini e adolescenti. Le sue opere sono in mostra permanente presso le sedi e l’atelier dell’associazione culturale  il volo di Bologna. Nel Luglio 2009 ha tenuto una personale presso il laboratorio di studio conservazione e restauro di via dell’inferno 8, Bologna

 

 

Orario: 19.00-23.00; domenica chiuso

Catalogo in galleria

Sino a giovedì 12 novembre 2009

 



Messaggio di Gino il martedì 3 novembre 2009 alle 08.40   -  forum administrator-  forum moderator
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CollettivArtistica MArteLiveNapoli

ospite del Castel dell’Ovo

 

Terminato il Festival, MArteLiveNapoli continua il suo impegno di promozione artistica con le esposizioni dedicate ai migliori pittori (valutati da una giuria di esperti) presenti alle sue finali regionali- tenutesi a Casa della Musica il 9 e 16 Giugno scorso.

Per questo 1° Premio Pittura targato

“MArteLiveNapoli ¨

stata scelta una location d’eccezione.

Il primo e più complesso Festival multi-artistico campano destina ai suoi migliori pittori uno dei luoghi più suggestivi di Napoli: il Castel dell’Ovo.

Il Castello, che farebbe risalire il suo nome all'uovo che Virgilio avrebbe nascosto all'interno di una gabbia nei sotterranei del castello, sarà  la location per la mostra d’opere pittoriche dei 3 migliori pittori che hanno partecipato alla scorsa edizione di MArteLiveNapoli.

Da Mercoledì 4 Novembre a Venerdì 20 Novembre la Sala delle Carceri del Castel dell’Ovo ospiterà le opere di Paola Adamo, Antonio Conte e Roberto Maiorca.

I 3 giovani pittori esporranno oltre alle opere che hanno presentato al Festival anche nuove idee e nuove tele.

I temi e le tecniche proposti dagli artisti sono i più disparati. Si passa dai colori forti (spesso il rosso magenta e il blu cobalto) di Antonio Conte ai colori più tenui e caldi di Paola Adamo (che si dedica fortemente al tema del viaggio come forma di cambiamento) fino al carboncino ed i gessetti colorati  (tecnica antica e difficile che nonostante il taglio moderno dei suoi quadri rappresenta un collegamento temporale con la tradizione dell’arte figurativa e dei madonnari) di Roberto Maiorca.

L’inaugurazione della mostra avverrà 

Mercoledì 4 Novembre alle ore 17.

L’evento a cura di MArteLiveNapoli e dell’associazione culturale DinamicArte con il patrocinio del Comune di Napoli.

Info: dal 4 Novembre al 20 novembre

Orario: dal martedì al sabato 11:00-14:00/15:30-17:30; domenica 11:00-14:00

Lunedì chiuso

MArtePress - Napoli

www.napoli.martelive.it

+39 339 3378840

emanuela.nicoloro@martelive.it

 



Messaggio di Gino il martedì 3 novembre 2009 alle 08.51   -  forum administrator-  forum moderator
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fino al 12.XII.2009
Collezione Farnese
Napoli, Mann

Prendi l’arte e non metterla da parte. L’Archeologico di Napoli scende in deposito, dove rispolvera vecchi tesori e racconta una storia. Quella di un antico Palazzo degli Studi diventato luogo della memoria. Non solo antica...


pubblicato lunedì 2 novembre 2009

Chi mastica un po’ di sano orgoglio partenopeo o semplicemente ha avuto la fortunata occasione di aggirarsi tra i corridoi dei musei napoletani sa perfettamente che, dietro a capolavori quali l’Ercole Farnese o la Danae di Tiziano si cela la storia di un’eredità e del suo viaggio da Roma a Napoli, deviando per Parma.
A tesserla due “arazzieri” d’eccezione come papa Paolo III e il nipote Alessandro Farnese, i quali, nel tentativo di giustificare e allo stesso tempo accrescere il prestigio del casato di famiglia, accumularono con metodi più o meno ortodossi (confische, attribuzioni) e colpi di fortuna un cospicuo nucleo di prestigiose opere d’arte, che le sorti ereditarie consegneranno nelle mani di Carlo di Borbone.
Oggi questa storia fatta d’intrighi, brame di potere e opulenza manifesta - che l’acuto Tiziano già dipinse nel ritratto di famiglia con papa e nipoti ora, neanche a dirlo, a Capodimonte - rivivono in un evento che definire mostra risulta riduttivo. Perché la Collezione Farnese è molto di più: èStatua di Atlante - marmo bianco a grana fine, asiatico - h. m 1,91 - photo Luigi Spina una lacuna che si colma, un processo di musealizzazione che guadagna un’importante traguardo.
“L’intento è quello di presentare ai visitatori la raccolta nel suo insieme”, spiega la soprintendente Mariarosaria Salvatore, “liberandola dai successivi inserimenti di pezzi di particolare pregio, ma delle più varie provenienze”. Un obiettivo ambizioso, egregiamente raggiunto da Carlo Gasparri e dalla sua équipe, privilegiando un allestimento che, con scrupolo filologico, ripercorre ove possibile l’originaria distribuzione delle opere. Ma non è tutto. Transitando nelle sale si scoprono, infatti, chiavi di lettura eterogenee, che fanno del nuovo allestimento una storia fra le storie, tutte reciprocamente destinate, inscindibili.
La collezione diventa allora “testimonianza significativa della cultura antiquaria e dell’interesse per l’antico del Rinascimento”, nella galleria di ritratti di uomini e donne illustri o nei rilievi con episodi di matrice mitologica. È la pagina su cui l’esperienza racconta l’evolversi delle tecniche di restauro, nella scelta di esporre, accanto all’Ercole, le gambe che un tempo sostituivano le originali, realizzate da Giovanni della Porta. È, ancora, latente storia di una famiglia intenzionata a legittimare il proprio potere accumulando i testimoni della grandezza del passato.
A completare questa koiné dei saperi d’arte, la possibilità di riconoscere alleanze tra maestri antichi e moderni, alunnati ideali sgranati nel tempo che possono indurre ad affiancare le teste-mensola realizzate da Nicola Pisano nel duomo di Siena con le sculture usate per le fontane di Palazzo Farnese, oppure aiutare a decifrare il classicismo carraccesco, suggerendo su questa via anche i muti legami esistenti tra i diversi musei napoletani. È il caso della scultura acefala posizionata nelle sale che accolgono le opere dell’originaria Galleria di palazzo, progenitrice delle possenti figure di Annibale Carracci e la cui posa trova un’eco nell’Allegoria Fluviale del bolognese ora a Capodimonte.
Tazza Farnese - prima metà del I sec. a.C. - coppa in pietra sardonica (onice)
Oltre l’esposizione, dunque. Per cogliere un’evoluzione che risiede nella capacità del passato di riscoprirsi alla luce del presente.

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Pittura pompeiana al Mann

carla rossetti
mostra visitata l’11 ottobre 2009


dal 18 settembre 2009 al 12 dicembre 2009
Collezione Farnese
a cura di Carlo Gasparri, Pietro Giovanni Guzzo e Valeria Sampaolo
MANN - Museo Archeologico Nazionale di Napoli
Piazza Museo Nazionale, 19 - 80135 Napoli
Orario: da mercoledì a lunedì ore 9-19.30
Ingresso: intero € 10; ridotto € 6,75
Catalogo Electa Napoli
Info: tel. +39 081440166; fax +39 081440013; www.archeona.arti.beniculturali.it


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Messaggio di Gino il mercoledì 4 novembre 2009 alle 08.53   -  forum administrator-  forum moderator
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Arnaldo Pomodoro



Sculture dal 1960 al 2007

Un grande evento d'arte segna l'apertura di un nuovo spazio espositivo a Roma, la galleria 20ArtSpace: una personale di Arnaldo Pomodoro con 20 sculture dal 1960 al 2007. Arnaldo Pomodoro nasce a Montefeltro nel 1926. Nel 1954 si trasferisce a Milano dove realizza sorprendenti gioielli, un primo approccio alla forma e alla materia nonche' il prodromo della sua carriera artistica.

La mostra offre al pubblico una scelta rappresentativa delle opere realizzate dall'artista dagli anni Sessanta ad oggi in un percorso che segue la sua evoluzione dall'altorilievo alla ricerca sui solidi della geometria fino alle sculture piu' recenti, come Soglia dedicata allo scultore basco Eduardo Chillida, Punto dello spazio e il rilievo Rive dei mari, che con la trama straordinaria dell'osso di seppia rimanda al mare e al suo immaginario. Sopra le superfici piatte, modulate o curve della Colonna del viaggiatore, del Radar, del Papyrus, Pomodoro scolpisce una serie di segni leggeri e ritmici: nodi, denti, lamine, fili che richiamano ermetiche scritture arcaiche e al contempo ricordano gli ingranaggi del motore o i circuiti elettronici.

Sfere, dischi, piramidi, coni, colonne, cubi sono squarciati, corrosi, scavati nel loro intimo per -scoprirne i fermenti interni, il mistero che vi e' racchiuso, la vitalità che vi e' compressa-. Le sculture di Pomodoro affascinano perche' permettono, nell'indagine delle forme e nello scavo dentro la materia che le costituisce, di gettare un ponte tra passato e presente, con una continua capacità di osservazione del reale e di collegamento allo ''spirito del tempo''.

Le sue opere monumentali in bronzo, presenti nelle piazze e nelle maggiori raccolte pubbliche del mondo, hanno il potere di trasformare lo spazio della nostra esistenza, arricchendolo di significati e allegorie e di esprimere con forza inventiva le tensioni e le dinamiche della nostra società.
In mostra e' presente la versione ridotta in scala 1:7 dell'opera Novecento, alta 21 metri per un diametro di 7, collocata a Roma nel Piazzale Pierluigi Nervi nel 2003 per celebrare il passaggio al nuovo millennio, ponendosi al contempo come -riassunto- segnico del secolo passato. Sono presenti anche i bozzetti di due grandi progetti: Corona radiante, un'opera eseguita con la collaborazione di Giuseppe Maraniello nella Cattedrale di St. John a Milwaukee, e lo studio per la Porta dei Re del Duomo normanno di Cefalu' che risale al 1997 ma che non e' stata ancora realizzata.
Accompagna la mostra un catalogo con presentazione di Luciano Caramel e con le fotografie di tutte le opere esposte. La 20ARTSPACE, nuova struttura, nasce, dati i tempi difficili, coraggiosamente (come scrive il maestro in una sua nota al catalogo), con l'intento di contribuire a promuovere l'arte italiana nel mondo, ed offrire, nella Capitale, un'ulteriore proposta di molti prestigiosi protagonisti internazionali.

Inaugurazione 4 novembre ore 18.30

20ArtSpace
Via XX Settembre, 122 - Roma
Ingresso libero



Messaggio di Gino il mercoledì 4 novembre 2009 alle 08.56   -  forum administrator-  forum moderator
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Flaviana Frascogna / Roberto Caccioppoli



Racconti da Resina

A pochi kilometri da Napoli, città ricca di contraddizioni dove antico e moderno si fondono in un' alternanza di prospettive visuali, vivono luoghi in cui la tradizione non cede il posto al cieco progresso. Alle pendici del Vesuvio nel paese di Ercolano, continua a vivere 'il mercato di Resina'. Cca' ngop' s' nasce e la abbasc s' mor'', ha detto Giuseppe, un ragazzo che lavora in uno dei negozi di panni usati del mercato.

Si estende per tutta via Pugliano, una strada che a partire dalla Basilica rappresenta la spina dorsale per gli abitanti del luogo.'

Tutto e' nato a partire dalla fine della seconda guerra mondiale che ha lasciato oltre alla distruzione, enormi capannoni di capi militari americani attorno ai quali e' nato un piccolo commercio, che poi si e' sviluppato nella direzione di un vero e proprio mercato dell'usato, 'Resina' divenuto famoso in tutt' Italia. Il Boom si e' avuto negli anni '70 dove le balle di panni, provenienti dall'America, riempivano via Pugliano. Oggi la situazione e' ben diversa, il mercato di Resina e' vuoto, svuotato dalle economie mondiali, ma anche dalla paura di tornare a Ercolano dopo alcuni attentati di camorra. Quelle strade non hanno troppe luci nelle vetrine, non ci sono enormi parcheggi, le insegne non sono grandi Nomi, ogni negozio ha il nome di chi ci lavora, con un po' di fantasia il negozio di giacche di pelle diventa 'Kojak'. Sui volti della gente c'e' la verità delle espressioni senza trucco, c'e' la semplicità.

La mostra fotografica e' composta da una serie di scatti in cui sono ritratti gli abitanti del posto con un'istintività che lascia parlare i luoghi, gli oggetti e le persone in tutta la loro dignità e splendore. C'e' un desiderio estetizzante, quasi un voler catturare la bellezza, la serenità e l'armonia di persone e luoghi nell'estremo rispetto per i soggetti ritratti: donne, uomini e vecchi abitanti del posto, fotografati senza posa, con il risultato di un realismo efficacemente omogeneo nella composizione.
Ettore Combattente, autore del libro 'Rosso Antico' parlerà sul tema: 'La memoria come riserva del futuro'.

Inaugurazione mercoledi' 4 novembre 2009

PicaGallery
vico Vetriera 16, Napoli
Ingresso libero



Messaggio di Gino il mercoledì 4 novembre 2009 alle 08.57   -  forum administrator-  forum moderator
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fino al 14.XI.2009
Martin Soto Climent
Napoli, T293

Orologi vuoti di istanti. Ma il tempo si può plasmare come materia. Nuova, e più pregnante, personale di Climent e nuovo spazio espositivo. La galleria di via Tribunali affila le armi...


pubblicato martedì 3 novembre 2009

Segni antropici alterati all'estremo, in morfologia e significato. Alternanze di piani esistenziali e cronologici, dal tempo intimo e individuale di memorie e turbamenti a quello pubblico ed esteriore della storia. Una non comune sensibilità alla “qualità ed energia dei materiali”, indagati neo-poveristicamente in tensioni e risposte fisiche, così intensamente da rendere anche le meccaniche reazioni fisionomia e identità, vocaboli di trame a più livelli.
Il labirinto interiore del titolo di Martin Soto Climent (Città del Messico, 1977) avviluppa con agilità molteplici sensi: estetica, verità storico-sociologica, semantica, introspezione. Il dipanarsi elegante di un'astrazione organica distillata persino dall'insospettabile, da forme quotidiane e banali, sigla la versatilità e il rigore della sua ricerca.
Tornato alle raffinate e a lui più congeniali bicromie dopo la parentesi policroma del 2008, motivata dall'osmosi con l'ospitante contesto glamour - l'altro spazio di T293, nel centro partenopeo dello shopping - Climent reitera il rito sciamanico che gli è proprio: suscitare presenze dalle assenze, rianimare nel sottovoce di una narrazione i relitti di un vissuto. E il mormorato desiderio dell'evocazione erotica dello scorso anno diviene struggente nostalgia del lutto e di un futuro che non c’è stato, quello negato dalla sanguinosa repressione della protesta studentesca messicana nel 1968, colpevole anche di mancate rivoluzioni nelle dinamiche interpersonali.
Martin Soto Climent - Laberintome - veduta della mostra presso la Galleria T293, Napoli, 2009
In caduti sul campo si trasfigurano le lastre di marmo e i collant di Marmoles oniricos: oggetti rinvenuti per le strade e riassemblati, come tutti quelli in mostra, coniuganti la potenza evocativa dell'objet trouvé, la forza straniante del ready made e la fermezza di un'indagine che ricava inediti valori formali da nuove disposizioni. Materie pulsanti tra cui c'è anche il chronos, per “giocare col tempo”.
Valorizzando con padronanza le possibilità espressive del nuovo spazio fronte strada della galleria - il cui dialogo col contesto cittadino è esperito solo in parte, visto che per cause logistiche, tranne che ai vernissage, è attualmente visibile solo su richiesta - l'artista plasma infatti la percezione cronologica passando dalla macrostoria del piano inferiore alla microstoria di quello superiore.
Un orologio vuoto di lancette e minuti, bloccato nell'immobilismo di un cambiamento abortito, un asse da stiro, indumenti femminili defunzionalizzati e interpreti della malinconica constatazione di perduranti discriminazioni sessiste, viluppi di coperte riportati alle loro avvolgenti valenze ottiche dalla duplicazione speculare, simbolo di un'intimità domestica confortante ma soffocante.
Martin Soto Climent - Marmoles oniricos - 2009 - marmo, calze - dimensioni variabili - courtesy Galleria T293, Napoli
Come l'obbligo maschilista a un pudore in realtà mortificante, evocato dalle tende di Blind feathers (always fall), propedeutico alla strumentalizzazione voyeuristica e all'inquietante frustrazione di Blind window, in cui la citazione di Duchamp e del Grand Verre evidenzia come, nel tempo, poco sia cambiato in termini di disuguaglianze fra classi e generi.

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La personale del 2008

diana gianquitto
mostra visitata il 7 ottobre 2009


dal 7 ottobre al 14 novembre 2009
Martin Soto Climent - Laberintome
Galleria T293
Via dei Tribunali, 293 - 80121 Napoli
Orario: da martedì a sabato ore 12-19
Ingresso libero
Info: tel. +39 081295882; fax +39 0812142210; info@t293.it; www.t293.it


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Messaggio di Gino il mercoledì 4 novembre 2009 alle 10.37   -  forum administrator-  forum moderator
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Cari Amici delle Scuderie del Quirinale,
mentre prosegue la mostra "Roma. La Pittura di un Impero", le Scuderie sono liete di comunicare una nuova iniziativa dedicata a tutti i visitatori under 30. Tutti i prossimi quattro lunedì pomeriggio del mese di novembre (a partire dalle 14.00), tutti i visitatori che non abbiano ancora compiuto i trent'anni potranno visitare la mostra a soli 4€. Per ogni  ulteriore informazione potete scrivere al nostro indirizzo e-mail info.sdq@palaexpo.it
Cogliamo l'occasione di questa newsletter per comunicarvi che venerdì pomeriggio alla libreria Bookàbar del Palazzo delle Esposizioni Giulio Castelli presenterà il suo ultimo romanzo "Gli ultimi fuochi dell'Impero Romano". Insieme all'autore, Luigi Saitta e Massimo Lugli illustreranno al pubblico le caratteristiche principali di questo secondo episodio (il primo si intitola "Imperator") della trilogia dedicata alla caduta dell'Impero Romano d'Occidente. L'appuntamento è alle 19.00, ingresso da via Milano 15/17.

Rinnovandovi l'invito a visitare la mostra "Roma. La Pittura di un Impero", le Scuderie del Quirinale vi danno appuntamento al prossimo numero della newsletter.

Roma. La Pittura di un Impero
a cura di Eugenio La Rocca, Serena Ensoli, Stefano Tortorella e Massimiliano Papini
24 settembre 2009 - 17 gennaio 2010



Una mostra unica che, per la prima volta, presenta al pubblico la grande tradizione pittorica dell’antica Roma in un percorso di circa 100 opere provenienti dai più importanti musei e siti archeologici del mondo. Curata da Eugenio La Rocca con Serena Ensoli, Stefano Tortorella e Massimiliano Papini, la mostra racconta il ruolo centrale della pittura nella società civile romana, sottolineandone l'originalità, superando il concetto acquisito di una sua dipendenza passiva dall’arte greca e evidenziando la linea di sorprendente continuità con la cultura figurativa moderna.
"Roma. La pittura di un Impero" è un percorso espositivo immaginifico, sapientemente allestito da Luca Ronconi e Margherita Palli, attraverso un mondo antico capace che raffigurò, con realismo e poesia, eventi storici e mitologici ma anche aspetti della natura e della vita quotidiana.
Scenografie parietali, paesaggi bucolici e agresti, vedute di ville e di santuari rurali popolati da figurine che, per grazia e armonia, ricordano le atmosfere sospese di presepi napoletani, vedute di giardini: sono questi i soggetti che accolgono il visitatore all’inizio della mostra prima di raggiungere le preziose raffigurazioni pittoriche della mitologia greca: Amore e Psiche, Polifemo e Galatea, Ercole e Telefo, Perseo e Andromeda. Accanto a loro volteggiano aure (le rappresentazioni dei Venti), ninfe, menadi e satiri librati in aria, come sospesi nel vento che muove i loro panneggi e li trasporta, leggiadri, in viaggio nei secoli.
Un capitolo a parte meritano i sorprendenti ritratti presenti in mostra. Per la prima volta in Italia i visitatori delle Scuderie del Quirinale potranno ammirare alcuni straordinari ritratti, ad affresco, a mosaico o su vetro, rinvenuti in Italia, accanto alle più celebrate opere ritrattistiche dell’oasi egiziana di El Fayyum. E se l’accostamento è illuminante per documentare la perfetta continuità del ritratto, il visitatore è rapito da quegli occhi spalancati, da quella vita profonda e dal senso di enigmaticità che sempre ci tramandano i volti anonimi tramandati da ogni epoca.
La mostra delle Scuderie sottolinea con forza che per “pittura romana” si intende un’arte che va oltre alle testimonianze, sia pure straordinarie, di Pompei ed Ercolano (distrutte dall’eruzione del Vesuvio nel 79 d.C.): è anche l’arte di un Impero al massimo della sua espansione sotto i regni di Domiziano, Traiano, Adriano e Marco Aurelio. Quando si parla di un’arte dell’impero romano non ci si può limitare al periodo di vita di due città campane: si deve andare fino alle soglie del tardo-antico, all’epoca degli ultimi grandi principi dell’impero romano, Costantino e Teodosio.
I prestiti, come si diceva oltre cento, sono opere straordinarie di perfetta eleganza e raffinatezza concesse per la mostra dai più importanti siti archeologici e musei del mondo, tra i quali il Louvre, il British Museum, gli Staatliche Museen di Berlino, l’Antikensammlung di Monaco, il Liebighaus di Francoforte, il Museo dell’Università di Zurigo, ma anche il Museo Archeologico di Napoli, gli Scavi di Pompei, il Museo Nazionale Romano e i Musei Vaticani.
Per festeggiare i primi dieci anni di attività ed esposizioni, le Scuderie del Quirinale dedicano ai propri visitatori un mondo antico a colori. Colori brillanti e accesi, che risplendevano duemila anni fa sulle pareti delle case, sulle facciate delle tombe, all'interno dei templi e degli edifici pubblici, persino sulle statue in marmo o bronzo. La città in calcare e marmi bianchi e lucenti che noi immaginiamo pensando all'antichità non è mai esistita realmente. "Roma. La Pittura di un Impero" ridarà luce e vita a quei colori che, emergendo dal palpitante allestimento disegnato da Luca Ronconi, torneranno a essere protagonisti della geografia della nostra città.

> Vai al sito

ORARIO BIGLIETTI INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI
Da domenica a giovedì dalle 10.00
alle 20.00
venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30  
L'ingresso è consentito fino a un’ora prima dell’orario di chiusura


Messaggio di Gino il mercoledì 4 novembre 2009 alle 12.55   -  forum administrator-  forum moderator
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Da cambiare in cassa con regolare biglietto SIAE

Orari di apertura:
Venerdì 6 dalle 17,00 alle 20,00
Sabato 8 e Domenica 9 dalle 10,00 alle 20,00
Lunedì 9 dalle 10,00 alle 13,00
Luogo : Fiera di Forlì
Via Punta di Ferro 2
contemporanea@fieracontemporanea.it
www.fieracontemporanea.it



Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.38   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.39   -  forum administrator-  forum moderator
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fino al 28.XI.2009
Angelo Bellobono
Napoli, Changing Role

C’era una volta il corpo che comunicava. Un tempo in cui le apparenze non ingannavano e l’abito faceva il monaco. C’era una volta l’appartenenza ideologica a una (sub)cultura. Oggi di noi parlano invece i social network...


pubblicato mercoledì 4 novembre 2009

Se si potesse sintetizzarla con un unico aggettivo, Low Life Wellbeing Center_Bunker House sarebbe una mostra ‘immersiva’. Non però nell’accezione, diffusa nel contesto delle contaminazioni tecno-creative, di coinvolgimento multisensoriale, ma in quella di progressivo e graduale sprofondamento nei contenuti, da cui riemergere con una piacevole sensazione di arricchimento.
Quando il connubio artista/curatore diventa un valore aggiunto, vuol dire che qualcosa ha funzionato. Significa che esiste una progettualità comune, capace di innescare processi meditativi. Ecco, anche in questa tappa partenopea - dopo quella capitolina alle Cantine B.O.X. - l’accostamento Angelo Bellobono (Nettuno, Roma, 1964)/Alessandro Facente ha dato prova di maturità.
Come nella precedente occasione, la struttura architettonica risulta funzionale e determinante nella veicolazione dei messaggi. Due sono i livelli di lettura: uno più corticale, esterno; l’altro più midollare, profondo e soprattutto rivelativo. Lungo tutta la galleria, distribuiti fra l’ingresso e l’ultima stanza, si alternano acrilici su tela di piccole, medie e grandi dimensioni, intervallati nello spazio centrale da due file di disegni che percorrono un’intera parete.
Sia i dipinti, eseguiti con pennellate diluite e liquide, che i lavori su carta, dal tratto più abbozzato e anarchico, sono “campi di condivisione”, un modo inedito per definire quelli che normalmente si chiamano ritratti.
Angelo Bellobono - Low Life Wellbeing Center_Bunker House - veduta dell’installazione presso la Changing Role Move Over Gallery, Napoli 2009
Sono “idee” di punk, raffigurati con tutti quegli elementi, orpelli, simboli che da sempre li caratterizzano: creste, piercing, borchie, anfibi, pantaloni in pelle attillatissimi, catene, sguardi torvi di chi è abbastanza incazzato col mondo. O, forse, non abbastanza.
Perché, scendendo nel sottoscala, una sarcastica videoanimazione in stop-motion, realizzata col medesimo stile disegnativo, scarno ed essenziale, trasforma i “tipacci” del piano di sopra in addomesticati clienti di un centro benessere che, al ritmo di una God Save the Queen in salsa new age, cercano di tonificarsi il Power House praticando il pilates. Con un evidente effetto autoridicolizzante comune a tutte quelle subculture che, svuotate della loro carica eversiva e scomoda, private del “nocciolo duro”, si riducono a pelle e polpa, a innocua esteriorità, in un procedimento che ribalta i termini del “punk is attitude, not fashion”.
Angelo Bellobono - Low Life Wellbeing Center - 2009 - video - 6'10
Un’inversione di tendenza che fa tendenza, emblematica - oltrepassando la circostanzialità dell’esempio - delle modalità di “comunicazione” della nostra epoca. Non è un caso se i social network oggi rappresentano il non-luogo in cui l’individuo riesce, paradossalmente, a esprimere e sollecitare più liberamente le proprie e altrui emozioni, riconoscendosi in una community allargata che, in fondo, non ha nulla di connotante, se non il fatto di trovarsi tutti e simultaneamente di fronte a un monitor.
Così che, nascosti da un paravento virtuale e fisicamente deresponsabilizzati, nessuno ci (ri)mette la faccia.

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Angelo Bellobono a Roma

mara de falco
mostra visitata il 9 ottobre 2009


dal 9 ottobre al 28 novembre 2009

Angelo Bellobono - Low Life Wellbeing Center_Bunker House 

a cura di Alessandro Facente

Changing Role - Main Space
Via Chiatamone, 26 (zona Chiaia) - 80121 Napoli
Orario: da lunedì a venerdì ore 15-19
Ingresso libero
Info: tel. + 39 08119575958; infogallery@changingrole.com; www.changingrole.com


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Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.40   -  forum administrator-  forum moderator
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Cesena () - dal 5 novembre al 13 dicembre 2009
Le forme del Piano

CHIESA DELLO SPIRITO SANTO
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Via Milani 15 (47023)
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Eventi in corso nei dintorni

L’esposizione “Le forme del Piano” documenta le esperienze didattiche sviluppate nei Laboratori e nei Corsi di Urbanistica della Facoltà di Architettura "Aldo Rossi" negli ultimi anni accademici.
orario: Lunedì – Venerdì 16.30 – 19.30
Sabato e Domenica – 10.00 – 13.00/16.30 – 19.30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 5 novembre 2009. ore 17.30
curatori: Enrico Brighi, Valentina Orioli, Stefania Proli
note: Mostra e catalogo ideati e prodotti dalla

Facoltà di Architettura “Aldo Rossi“
genere: documentaria, architettura
email: facarc.mostre@unibo.it
web: www.arch.unibo.it


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Napoli - dal 5 al 7 novembre 2009
Festival Internazionale del Fantastico. Città di Napoli. Il corpo nel/del Fantastico


 [Vedi la foto originale]
PAN - PALAZZO DELLE ARTI NAPOLI - PALAZZO ROCCELLA
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Via Dei Mille 60 (80121)
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Eventi in corso nei dintorni

Si tratta di una rassegna multi-artistica dedicata agli universi del fantastico, nell’ambito della quale si svolgeranno convegni, tavole rotonde, incontri letterari, proiezioni video, installazioni artistiche, mostre fotografiche, spettacoli teatrali, musica e danza.
orario: Tutti gli eventi saranno fruibili liberamente e avranno luogo, dalle 10.00 alle 20.00, tra il PAN e i Gradini Francesco D’Andrea a via dei Mille.
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: ingresso libero
vernissage: 5 novembre 2009.
genere: arte contemporanea, performance - happening, incontro - conferenza, serata - evento, altro
email: adelaide.auriemma@palazzoartinapoli.com


Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.42   -  forum administrator-  forum moderator
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City of Angels



Angelo Accardi, Dino Sambiasi, Alfonso e Nicola Vaccari, Kira Zakamoto

Tutte le volte che pensiamo agli angeli pensiamo a creature spirituali, incorporee ma personali, dotate di intelligenza e volontà propria, oppure ad esseri visibili, quelli con il piu' alto grado di perfezione. La storia delle arti e' piena di simbolismi angelici, sono stati scritti libri, girati film, ispirate musiche e soprattutto e' stata prodotta una vastissima iconografia nelle arti figurative. Per tutti questi motivi non sembrava cosa facile presentare quella che in un primo momento mi pareva un'ennesima mostra sui nostri custodi per antonomasia. In effetti, cosi' non e'! Questa mostra e' molto di piu' che un ulteriore omaggio a -quegli- angeli, questa mostra ha la pretesa di mostrare gli angeli nascosti nei quali giornalmente ci si imbatte. L'angelo di cui trattiamo in questa mostra e' tutto quello che oggi distrattamente non si riesce a cogliere nel quotidiano.

La bellezza dei colori che ci vengono dati da un tramonto, gli occhi di un bambino sgranati sul mondo, l'istantanea di un semaforo rosso immerso nella notte, ma anche le persone che si incontrano, quelle che si vedono e quelle che non si vedono, chi ti passa accanto, i senza volto, gli uomini e le donne seduti sul nostro stesso tram, quelli che camminano nella nostra stessa direzione e le migliaia di persone che sappiamo esserci senza saper nulla di loro. Sono gli angeli delle città, sono coloro che popolano gli spazi che viviamo anche noi. Questa mostra non ha la pretesa di chiudere il cerchio sul nostro visibile quotidiano, ma ha una ambizione chiara, ingrandire sempre piu' la domanda di significato che la vita ci propone. Per visitare questa mostra non c'e' bisogno di grande esperienza artistica, c'e' bisogno di saper sognare ad occhi aperti e di saper guardare la realtà una volta finito il sogno. Accardi, i fratelli Vaccari, Sambiasi e Zakamoto, hanno in comune poco a guardarli dal lato tecnico, ma ognuno di loro e' custode geloso di un proprio sentimento artistico, che sfocia in una spiccata sensibilità al gusto del bello non solo nell'apparire ma anche nella sostanza dell'essere opera d'arte, come se ogni loro lavoro venisse fuori con un'anima vera, capace di mostrare, ad uno spettatore attento, le città e i luoghi di cui quegli angeli invisibili sono gli eterni guardiani.
Luca Renna

catalogo a cura di Guido Migheli

Inaugurazione: Giovedi' 5 novembre ore 19:30

Frida Arte
piazza Giuseppe Massari, 16 - Bari
orari: 10:00/13:00 - 17:00/20:00
Ingresso libero



Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.44   -  forum administrator-  forum moderator
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Daniela Caciagli



Silenzi

a cura di Barbara Pavan

La mostra si compone di alcuni lavori realizzati negli ultimi due anni dall'artista toscana che ha intrapreso ormai da tempo una doppia ricerca: da un lato un percorso tecnico-stilistico che l'ha portata ormai ad una forte e personalissima caratterizzazione attraverso la scelta di una tavolozza cromatica tanto essenziale quanto -potente', con i suoi rossi e blu prepotentemente dominanti in tutte le tele. Dall'altra una scelta narrativa che si propone di osservare e raccontare la contemporaneità.

Solitudine, assenza di identità, incomunicabilità: temi che permeano paradossalmente questa -società della comunicazione' e che Daniela Caciagli rileva costantemente nelle sue opere. Le sue figure senza volto, a volte appena richiamate da una gamba o da un'ombra, fluttuano quasi inconsapevoli in piena solitudine: uomini e donne che si incrociano per strada, in un treno, al bar; individui che condividono piccoli o grandi spazi, brevi momenti-senza mai incontrarsi veramente, senza mai scambiarsi un gesto o una parola. Un mondo che vive sempre di piu' una realtà virtuale e sempre piu' incapace di condividere -luoghi di incontro reali'.

La mostra sarà visitabile fino al 14 novembre 2009.

Note biografiche: Daniela Caciagli e' nata a Bibbona nel 1962. Principali mostre personali recenti: (2009) Firenze, Saci Gallery, -Passages-, collettiva; Roma, Galleria Minima Arte Contemporanea, -Assenze-, a cura di Barbara Pavan, personale; Seravezza, Scuderie Granducali, -Dieci-, a cura di Gianni Costa, collettiva; Milano, Spazio Tadini, -Apre's le solstice- in collaborazione con Mercurio Arte Contemporanea, collettiva; Milano, Galleria Emmediarte, -Figure-.in viaggio-, collettiva; Rieti, Palazzo Marcotulli, -One Planet-, a cura di Simone Fappanni e Barbara Pavan, catalogo, collettiva; Roma, Galleria Montoro, -Frames-, a cura di Barbara Pavan, personale; Nizza, Espace Art Foire de Nice, con il Patrocinio di CCIAA di Rieti e Camera di Commercio Italiana a Nizza, con catalogo; Roma, Galleria Montoro, -Frames', a cura di Barbara Pavan.

Inaugurazione Giovedi' 5 novembre 2009, alle ore 18.30

Studio7 Spazio Arte Contemporanea
via Pennina, 19 - Rieti
Orario: tutti i giorni ore 17-19
Ingresso libero



Messaggio di Gino il giovedì 5 novembre 2009 alle 08.47   -  forum administrator-  forum moderator
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Artissima 16



Internazionale d'Arte Contemporanea a Torino

a cura di Andrea Bellini

"L'arte ci aiuterà ancora una volta a percorrere strade innovative e inattese, a credere nella forza del cambiamento e dell'immaginazione".

La miglior finestra sulla contemporaneità e i giovani artisti, l'appuntamento di riferimento con le piu' importanti gallerie italiane e straniere del contemporaneo: si apre a Torino la nuova edizione di ARTISSIMA, Internazionale d'Arte Contemporanea. Una straordinaria lista di progetti, esposizioni, nuove presenze e i nomi piu' interessanti del panorama internazionale dell'arte contemporanea per tre giorni di eventi in e fuori fiera.

ARTISSIMA 16 e' una fiera costruita con passione e curiosità, caratterizzata da un clima di ricerca che la rende un'esperienza unica per il pubblico. ARTISSIMA, secondo le parole del suo direttore Andrea Bellini, e' una vera e propria avventura intellettuale, un luogo dove e' ancora importante conoscere, scegliere, avere un gusto personale: un tipo di approccio al contemporaneo dedicato ai veri collezionisti e agli amanti dell'arte.

Uno straordinario network internazionale di curatori si riconferma come il valore aggiunto di ARTISSIMA, una rete che consente di esplorare nuovi territori e di entrare in contatto con le realtà creative piu' interessanti: da Shanghai a Los Angeles, da Istanbul a Londra, per individuare i talenti migliori tra artisti emergenti, galleristi, curatori.

ARTISSIMA e' anche un evento dedicato ai giovani, un modello di fiera come luogo ideale che favorisce la circolazione di idee e crea momenti di incontro per offrire sempre nuovi stimoli, una manifestazione che in questi ultimi anni ha dato vita a un complesso di iniziative collaterali differenti che vanno dal cinema alla musica elettronica dal fumetto alla fotografia, dalla video animazione al design. La nuova sfida che ARTISSIMA affronta in questa sedicesima edizione e' rappresentata da ACCECARE L'ASCOLTO, un progetto curatoriale totalmente inedito e particolarmente innovativo che esplora il rapporto tra Arti visive e Teatro.

In fiera: oltre 100 gallerie d'arte contemporanea tra le migliori del panorama artistico nazionale e internazionale diviso tra MAIN SECTION e NEW ENTRIES. Importanti sezioni dal taglio e percorso curatoriale: PRESENT FUTURE, autorevole piattaforma di lancio per le nuove generazioni, un'opportunità unica per scoprire i nomi emergenti dell'arte contemporanea mondiale, e CONSTELLATIONS, selezione di installazioni e grandi lavori di artisti celebri ed emergenti presentati in un allestimento a carattere museale. 3 premi: Premio illy Present Future, Premio Guido Carbone New Entries e una novità, il Premio Ettore Fico. Diversi i progetti: inediti come THE STORE, affermati come ASCOLTA CHI SCRIVE o rinnovati come ARTISSIMA CINEMA, quest'anno presentato all'interno della fiera.

Fuori fiera: ACCECARE L'ASCOLTO - Action, Behaviour, Performance, Instant Theatre in Turin, una novità assoluta, un grande progetto, una rassegna esclusiva di eventi che nei giorni della Fiera coinvolgerà i piu' importanti teatri torinesi, dialogando anche con la nuova edizione di ARTISSIMA FUMETTO a Palazzo Birago e di ARTISSIMA VOLUME al Circolo Esperia. Inoltre a partire da luglio una nuova mostra della collezione FRAC presso la Cittadellarte - Fondazione Pistoletto di Biella.

Un nuovo modello
Giunta alla sedicesima edizione, in questi ultimi anni ARTISSIMA ha saputo sviluppare una identità cosi' forte e unica da conquistare un ruolo competitivo nel panorama internazionale dell'arte contemporanea, trasformandosi, come riconosciuto da critici e collezionisti italiani e internazionali, in una manifestazione ricca di energia nuova, dal taglio giovane e sperimentale, dove la migliore ricerca nel campo delle arti visive viene presentata come una vera e propria avventura culturale.

Con le parole dello stesso direttore, Andrea Bellini, lo scopo di ARTISSIMA e' quello di mettere a punto un nuovo modello di organizzazione economica e culturale, nella convinzione che l'arte contemporanea possa offrire - anche e soprattutto in una situazione di difficoltà come quella attuale - un salvifico cambio di punto di vista. L'arte ci aiuterà ancora una volta a percorrere strade innovative e inattese, a credere nella forza del cambiamento e dell'immaginazione.

Una fiera accessibile
Una riduzione dei costi, già tra i piu' competitivi, per l'acquisto degli stand: questa la risposta concreta che ARTISSIMA offre ai suoi espositori, in considerazione dell'attuale e difficile congiuntura economica. Una scelta che l rende una manifestazione fieristica t l piu' tra le iu' accessibili nel panorama internazionale, in relazione ai riconosciuti standard qualitativi e culturali.

Il progetto sul teatro
Un unico grande percorso tematico caratterizza quest'anno gli eventi collaterali di ARTISSIMA, raccolti nel progetto ACCECARE L'ASCOLTO: una non-stop di cinque giorni interamente dedicata alla relazione tra Arti visive e Teatro, dialettica estremamente attuale per la sempre maggiore attenzione che il mondo dell'arte dedica alle diverse forme di dialogo tra corpo e spazio.

L'idea e' quella di lavorare in un ambito per molti aspetti ancora inesplorato dal punto di vista curatoriale, un luogo nel quale il -non teatro- degli artisti visivi incontra il -teatro tradizionale-. Non si tratta di fare del teatro un luogo espositivo, ne' del luogo espositivo un teatro, ma di considerare il teatro come un luogo da utilizzare -per cio' che e'-: un luogo di spettacolo con i propri codici, le proprie pratiche, le proprie rappresentazioni. ACCECARE L'ASCOLTO ne mostrerà i risultati in modo sperimentale, nel senso artistico e scientifico del termine.

Il titolo dell'evento, in particolare, vuole essere un omaggio a Carmelo Bene e alla sua visione di un teatro da vedere e vivere nella sua totalità. Per Bene e' proprio l'attore e non il testo che dovrebbe recitare a memoria a fare il teatro: la parola assume un nuovo significato, perdendo la funzione meramente comunicativa che rivestiva prima. In questo senso, Bene parlava di un -ascolto accecato-.

Durante la settimana della Fiera, a partire da mercoledi' 4 novembre fino a domenica 8, uno straordinario gruppo di artisti internazionali realizzerà a Torino una serie di lavori totalmente inediti: pie'ces, performance e concerti in scena al Teatro Regio, Teatro Carignano, Teatro Gobetti, Cavallerizza Reale e Teatro Astra.

IN FIERA

MAIN SECTION: le piu' importanti gallerie italiane e straniere Tra tutte le domande di partecipazione pervenute alla Fiera verranno scelti dai Comitati di Selezione i nomi piu' rappresentativi del panorama internazionale per offrire ai collezionisti e al grande pubblico una rassegna di altissima qualità.

NEW ENTRIES: sezione riservata alle giovani gallerie per la prima volta ad Artissima Un gruppo di gallerie d'avanguardia fondate dopo il 2004 sarà ammesso a NEW ENTRIES. I nomi piu' nuovi e interessanti della scena artistica internazionale per creare un osservatorio esclusivo sulla creatività emergente emergente.

PRESENT FUTURE: sezione a inviti dedicata ai talenti emergenti Un gruppo di giovani artisti, selezionati sulla scena artistica mondiale da un Comitato di curatori composto da Aure'lie Voltz, Jimena Acosta Romero, Adam Carr e Simone Menegoi, verranno presentati dalle gallerie di riferimento in un'area indipendente all'interno della Fiera. Una vera e propria mostra, con un percorso curatoriale studiato per creare un continuo dialogo tra le opere.

CONSTELLATIONS: sezione dedicata a opere di grandi dimensioni a carattere museale Installazioni, sculture, grandi opere di artisti celebri ed emergenti, selezionate da due curatori internazionali, Heike Munder e Mihnea Mircan, saranno esposte in un'ampia area dedicata all'ingresso della Fiera in una mostra a carattere museale.

Opere in mostra: MARINA ABRAMOVIC
Art must be beautiful, artist must be beautiful, 1975
Lia Rumma, Milano/Napoli

JOHN ARMLEDER
Untitled, 2008
Massimo De Carlo, Milano

STEFAN BURGER
Jump into the void under inspection of a commission of experts, 2006,
freymond-guth & co, Zurich

RICHARD HUGHES
Superking, 2008
The Modern Institute, Glasgow

IRWIN
Corpse of Art, 2003-2004
Gregor Podnar, Berlin/Ljubljana

DAVID NOONAN
Untitled, 2009
Hotel, London

SEB PATANE
Absolute Körperkontrolle, 2006
Maureen Paley, London - Fonti, Napoli

SANTIAGO SIERRA
Dientes de los ultimos gitanos de Ponticelli, 2008
prometeogallery, Milano/Lucca

JOANNE TATHAM & TOM O'SULLIVAN
Innner becomes outer and outer becomes other or You've gotta get into it to get out of it, 2007
Francesca Pia, Zurich - The Modern Institute, Glasgow

FRANZ WEST
Senza titolo, 1989
RAM, Roma

ASCOLTA CHI SCRIVE: visite guidate per il grande pubblico
Critici e giornalisti di grandi testate nazionali accompagneranno il pubblico alla scoperta della Fiera e dell'arte contemporanea, ciascuno in un percorso totalmente libero e individuale. I visitatori interessati potranno prenotare la -loro- visita.

ARTISSIMA CINEMA: tra arti visive, teatro, musica, danza, poesia, cinema e video arte Il progetto Accecare l'ascolto arriva anche all'interno della Fiera con un fitto programma curato da Yann Chateigne' Tytelman e RoseLee Goldberg insieme a un gruppo di curatori e artisti internazionali. Una presentazione a piu' voci proporrà per ARTISSIMA CINEMA una serie di proiezioni, dando vita a un'esplorazione continua delle relazioni tra arte, teatro e cinema, attraverso video e film d'artista, lungo e mediometraggi, sequenze scelte e documenti rari.

THE STORE: una celebrazione dell'oggetto d'arte, una riflessione critica sul mercato Curato da Adam Carr e presentato per la prima volta nel 2008 presso la galleria Tulips & Roses di Vilnius, THE STORE proporrà al grande pubblico una collezione di opere a basso costo, altrimenti difficilmente accessibili, realizzate da circa 30 artisti internazionali: un negozio speciale e un'opportunità unica per tutti i visitatori di ARTISSIMA di entrare in possesso di una piccola opera d'arte.

FUORI FIERA

ACCECARE L'ASCOLTO: Action, Behaviour, Performance, Instant Theatre in Turin. Durante la settimana di ARTISSIMA da mercoledi' 4 novembre fino domenica 8 uno straordinario gruppo di artisti internazionali lavorerà in cinque celebri teatri torinesi: il Teatro Regio, capolavoro dell'architetto torinese Carlo Mollino; il Teatro Carignano, uno splendido teatro italiano del '700 appena restaurato, e poi ancora la Cavallerizza Reale, il Teatro Gobetti e il Teatro Astra. Tutti gli eventi, dalle pie'ces teatrali alle performance, ai concerti, saranno totalmente inediti.
Protagonisti del programma saranno artisti di diverse generazioni, ma sempre delle figure chiave nell'ambito del rapporto tra Arti visive e Teatro: Pablo Bronstein, Steven Claydon, Guy de Cointet, Cao Fei, Gelitin, Matt Mullican, Michelangelo Pistoletto, Antonio Rezza & Flavia Mastrella, Jim Shaw, Joanne Tatham e Tom O'Sullivan, Erik e Harald Thys, Tris Vonna-Michell, Nico Vascellari e Bedwyr Williams. Il progetto, ideato da Andrea Bellini, si avvale della collaborazione di un gruppo di curatori tra cui Andrea Busto, Cecilia Canziani e Ilaria Gianni, Yann Chateigne' Tytelman, Luigi Coppola, Davide Quadrio e Defne Ayas, Caterina Riva, Francesco Stocchi, Aure'lie Voltz, Catherine Wood.

ARTISSIMA VOLUME: i nessi, le suggestioni e le influenze tra le arti visive e la musica Un programma di concerti e dj-set legato alle piu' interessanti, innovative e sperimentali esperienze sonore che negli ultimi anni si sono mosse a stretto contatto con il mondo delle arti visive. Saranno proposte una serie di performance live e concerti nell'ambito di Accecare l'ascolto, progetti ideati in esclusiva per ARTISSIMA a cura di Guillaume Sorge/ Dirty Sound System, considerato uno dei piu' rappresentativi esponenti della scena elettronica francese e da Yann Chateigne' Tytelman, curatore del progetto -teatro-.

ARTISSIMA FUMETTO: dal mondo dei fumetti: nuovi e attualissimi linguaggi espressivi Dopo le mostre dedicate nel 2007 al piu' noto artista italiano, GIPI, e nel 2008 a una giovane promessa del fumetto italiano, Michelangelo Setola, ARTISSIMA FUMETTO propone dal 3 novembre a Palazzo Birago, sede della Camera di commercio di Torino, Genevie've Castre'e. L'artista canadese, che attualmente vive negli Stati Uniti ed ha già esposto in America e in molti paesi europei presenta per la prima volta i suoi lavori in Italia. Genevie've Castre'e, che e' anche cantante e performer sotto il nome di Woelv, presenterà una selezione dei suoi lavori piu' significativi (acquarelli, tavole, disegni) e si esibirà in una performance musicale live per un'anteprima ideale al programma Accecare l'ascolto.

FRAC: Fondo Regionale Arte Contemporanea Nel 2008 ARTISSIMA ha curato a Vercelli e a Boves le prime due mostre del FRAC, il Fondo Regionale Arte Contemporanea istituito nel 2007 dalla Regione Piemonte e Contemporanea, finalizzato all'acquisizione di opere di giovani artisti durante la Fiera. Il FRAC ha come obiettivo la promozione e diffusione dell'arte contemporanea tra i giovani e sul territorio. La prossima mostra verrà inaugurata il 3 luglio 2009 a Biella negli spazi di Cittadellarte / Fondazione Pistoletto e includerà tutte le 26 opere sinora acquisite nella collezione del FRAC.

ARTISSIMA e' un marchio di Regione Piemonte, Provincia di Torino e Città di Torino, per incarico dei tre Enti, e' promossa dalla Fondazione Torino Musei, costituita dal Comune di Torino per curare e valorizzare il patrimonio artistico e museale della CittàCittà. La sedicesima edizione di ARTISSIMA viene realizzata attraverso il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, congiuntamente a Camera di commercio di Torino, Compagnia di San Paolo e Fondazione CRT. Inoltre, la manifestazione si avvale della collaborazione di: Main Sponsor UniCredit Group, UniCredit Private Banking Partners illycaffe', Nationale Suisse Palazzo Infinito dell'Arte, Depart Foundation L'organizzazione di ARTISSIMA e' curata da Artissima srl, una società costituita nel 2008 per gestire i rapporti artistici e commerciali della Fiera.

GALLERIE

MAIN SECTION
1/9 unosunove, Roma / Air De Paris, Paris / Loraini Alimantiri Gazonrouge, Athens / Andersen's Contemporary, Copenhagen / Art : Concept, Paris / Artericambi, Verona / Alfonso Artiaco, Napoli / Enrico Astuni, Bologna, Pietrasanta / BALICEHERTLING Paris / Laura Bartlett London / Bortolami BALICEHERTLING, Bartlett, Bortolami, New York / Isabella Bortolozzi, Berlin / Bernard Bouche, Paris / Bugada & Cargnel (Cosmic), Paris / Cardi Black Box, Milano / carlier | gebauer, Berlin / Chert, Berlin / Antonio Colombo, Milano / Continua, San Gimignano, Beijing, Le Moulin / Raffaella Cortese, Milano / Corvi-Mora, London / Guido Costa, Torino / Ellen de Bruijne, Amsterdam / Monica De Cardenas, Milano, Zuoz / Massimo De Carlo, Milano / Alessandro De March, Milano / Elizabeth Dee, New York / frank elbaz, Paris / Evergreene, Geneva / Fonti, Napoli / Enrico Fornello, Milano / Carl Freedman London / freymond guth & co Zurich / gb agency Freedman, freymond-guth co, agency, Paris / gdm, Paris / Gentili Apri, Berlin / Glance, Torino / Grimm, Amsterdam / Harris Lieberman, New York / Reinhard Hauff, Stuttgart / Hotel, London / IBID PROJECTS, London / In Arco, Torino / Alison Jacques, London / Jarach, Venezia / Kamm, Berlin / francesca kaufmann, Milano / Klosterfelde, Berlin / Andrew Kreps, New York / Krinzinger, Vienna / Le Case d'Arte, Milano / Kate MacGarry, London / Magazzino d'Arte Moderna, Roma / Primo Marella, Milano, Beijing / Kamel Mennour, Paris / Meyer Riegger, Karlsruhe, Berlin / Francesca Minini, Milano / Massimo Minini, Brescia / Monitor, Roma / Museum 52, London, New York / Neu, Berlin / Franco Noero, Torino / nogueras blanchard, Barcelona / Noire, Torino / Nordenhake, Berlin, Stockholm / Lorcan O'Neill, Roma / Maureen Paley, London / francescopantaleone, Palermo / Parra & Romero, Madrid / Alberto Peola, Torino / Peres Projects, Berlin, Los Angeles / Giorgio Persano, Torino / Friedrich Petzel, New York / Photo&Contemporary, Torino / Photology, Milano, Bologna / Francesca Pia, Zurich / Pianissimo, Milano / Pinksummer, Genova / Gregor Podnar, Berlin, Ljubljana / Produzentengalerie, Hamburg / ProjectB, Milano / ProjecteSD, Barcelona / prometeogallery, Milano, Lucca / RAM, Roma / Raucci/Santamaria, Napoli / Regina, Moscow / Sonia Rosso, Torino / Lia Rumma, Milano, Napoli / S.A.L.E.S., Roma / Esther Schipper, Berlin / Rüdiger Schöttle, Munich / Suzy Shammah, Milano / Side 2, Tokyo / Škuc, Ljubljana / franco soffiantino, Torino / Sprovieri, London / Sutton Lane, London, Paris / Jiri Svestka, Prague / T293, Napoli / TaiK, Helsinki, Berlin / The Modern Institute, Glasgow / TUCCI RUSSO, Torre Pellice / Vistamare, Pescara / Vitamin Creative Space, Guangzhou, Beijing / Barbara Weiss, Berlin / Max Wigram, London / Xippas, Paris, Pacy sur Eure, Athens / ZERO..., Milano

NEW ENTRIES
A Palazzo, Brescia / Miguel Abreu, New York / Federico Bianchi, Lecco / Circus Berlin / Paolo Maria Deanesi, Rovereto / DUVE, Berlin / Gaga, Mexico City / WILFRIED LENTZ, Rotterdam / Maribel López, Berlin / Lüttgenmeijer, Berlin / Norma Mangione, Torino / mother's tankstation, Dublin / New Galerie de France, Paris / Parrotta, Stuttgart / renwick, New York / Federica Schiavo, Roma / Sommer & Kohl, Berlin / Jonathan Viner | Fortescue Avenue, London / ZAK | BRANICKA, Berlin, BRANICKA Berlin Cracow

PRESENT FUTURE
NINA BEIER & MARIE LUND, Croy Nielsen, Berlin / PETER BÖHNISCH, Ferenbalm-Gurbrü Station, Karlsruhe / MARIANA CASTILLO DEBALL, Barbara Wien, Berlin / TOMAS CHAFFE, Moot, Nottingham / PAOLO CHIASERA, Francesca Minini, Milano - PSM, Berlin / GINTARAS DIDŽIAPETRIS, Tulips & Roses, Vilnius / LUCA FRANCESCONI, Umberto Marino, Napoli / KARIM GHELLOUSSI, Catherine Issert, Saint Paul / NICK LAESSING, Faye Fleming & Partner, Geneva / JORGE MÉNDEZ BLAKE, OMR, Mexico City / ADRIEN MISSIKA & STÉPHANE BARBIER BOUVET, BLANCPAIN, Geneva / ALEX MÜLLER, Vera Gliem, Cologne / EDGAR ORLAINETA, Sara Meltzer, New York / GYAN PANCHAL, frank elbaz, Paris / DAN REES, Tanya Leighton, Berlin / SAMUEL RICHARDOT, BALICEHERTLING, Paris.

Organi di selezione

MAIN SECTION + NEW ENTRIES
consiglio direttivo
Olivier Antoine, galleria Art : Concept, Parigi
Isabella Bortolozzi, galleria Isabella Bortolozzi, Berlino
Ulrich Gebauer, galleria carlier | gebauer, Berlino
Mario Cristiani, galleria Continua, San Gimignano, Pechino, Le Moulin
Elizabeth Dee, galleria Elizabeth Dee, New York
Darren Flook, galleria Hotel, Londra
Franco Noero, galleria Franco Noero, Torino

comitato consultivo
Joseph Dalle Nogare, Bolzano
Marc e Jose'e Gensollen, Marsiglia
Maurizio Morra Greco, Napoli
Renato Preti, Milano

PRESENT FUTURE

comitato curatoriale
Aurelie Voltz, curatrice indipendente, Berlino (coordinamento)
Jimena Acosta Romero, curatrice indipendente, Città del Messico
Adam Carr, curatore indipendente e scrittore, Londra
Simone Menegoi, curatore indipendente, Verona

Fondazione Torino Musei
http://www.fondazionetorinomusei.it
info@fondazionetorinomusei.it
t. +39 011 4429518 - f +39 011 4429550
via Magenta 31 - 10128 Torino

ARTISSIMA
http://www.artissima.it
info@artissima.it
t. +39 011 19744106 - f +39 011 19746106
via Bertola 34 - 10122 Torino

per informazioni e materiale fotografico
adicorbetta
comunicazione@adicorbetta.org
http://www.adicorbetta.org

Immagine: Main Section, Armin Linke, Mole Antoneliana, 2005
Galleria Vistamare, Pescara

Anteprima e vernissage - 5 novembre 2009 (su invito)

Lingotto Fiere
via Nizza 280/294, Torino
Apertura al pubblico tutti i giorni ore 12 - 20
intero: - 13,00 ridotto: - 9,00 (ragazzi 12-18 anni. Over 65 anni)
Studenti universitari su presentazione del libretto universitario. Militari in divisa.



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ASSOCIAZIONE ONLUS
PIEDIPERLATERRA
ARTE SCIENZA NATURA EDUCAZIONE
TEL 3385621757 – 3495797340
mail: piediperlaterra@libero.it
web: http://bachecabio.blogspot.com

IL CUSTODE AMBIENTALE
SCUOLE IN CAMPAGNA

PERCORSI IN NATURA ED IN CAMPAGNA ALLA VIGNA DI SAN MARTINO

Come fanno i bambini a comprendere quanto sia importante il cambiamento che la terra sta vivendo, se, isolati nelle proprie case all’interno della grande città, non sperimentano personalmente la vitalità della terra, se non hanno la possibilità di osservare i cambiamenti ed i delicati equilibri che l’ecosistema ha costruito nel corso di migliaia di anni?
Come possiamo fare a lasciare in eredità alle future generazioni la storia della nascita del mondo, a far loro conoscere i cambiamenti che hanno condotto ai nostri giorni, a far sperimentare ai bambini come l’uomo ha abitato nel tempo la terra?
Come sarà possibile stimolare un senso di critica positiva, la valutazione di quanto ciascuno di noi può realmente fare per rimediare agli errori che l’attuale tendenza industriale e tecnologica compie in nome del consumismo e dell’eccessivo sfruttamento delle risorse con le relative ripercussioni sugli equilibri del nostro pianeta?


 

Ci fu un tempo nel quale gli esseri umani erano completamente dipendenti dalla natura e adattarsi era l’unico modo di sopravvivere. Ad un certo punto però l’uomo si accorse che poteva intervenire sulla natura, modificarla ed interagire con essa. Attraverso un legno, un oggetto contundente, la ferì, la solcò ed in questo solco mise un seme che germogliò. La terra poteva essere fecondata e dare frutti. L’idea di potenza dell’essere umano e la sua ricerca di autonomia e dominio sulle forze naturali, dilagano tra popoli lontani nel tempo e nello spazio ed ancora oggi, in forme sempre più violente e sofisticate pervadono la nostra vita quotidiana.

La storia dell’alimentazione di una società è strettamente legata alla sua cultura. Riti, credenze e conoscenza sono sempre state indirizzate verso il tentativo di propiziare il buon raccolto, di conoscere e prevedere le forze divine per cercarne benevolenza e per la buona sorte, per scongiurare le carestie o per trovare il coraggio per superarle.
Fu grazie alla capacità di osservare la natura ed attraverso le intuizioni, che gli esseri umani riuscirono ad affinare le loro conoscenze, migliorando la comprensione degli equilibri del nostro pianeta e della ciclicità che li sorregge.
Anticamente ogni villaggio viveva di una selezione di varietà di piante che meglio di altre si adattavano alla specificità del microambiente nel quale il villaggio stesso era insediato. Questa selezione di piante era patrimonio della piccola comunità ed era fondamentale per la sicurezza della sua sopravvivenza, la conoscenza sulle modalità di coltivazione era tramandata da padre in figlio con grande attenzione perché da essa dipendevano la vita e la morte.
Tutti insieme, ciascuno per il canto suo, contribuiva alla biodiversità nel pianeta. Saper conservare e far riprodurre un seme era il vero tesoro che bisognava possedere, perché dava speranza per il futuro. La “cura” della natura era un elemento integrante delle attività per la propria conservazione.
La nostra epoca si fonda invece sul distacco dal naturale, su una separazione degli ambiti, sulla frammentazione del sapere e sul demandare le responsabilità con l’alibi della piccola “sopravvivenza quotidiana”. Gli interessi economici di pochi diriggono le “non scelte” di tutti, la resa ed il profitto superano ogni altro valore, dalla dignità al diritto di non estinzione. Per scelte commerciali scompaiono dai campi varietà di ortaggi e di frutta per uniformare le produzioni ad un mercato globale fatto di statistiche, pezzature e standardizzazioni, tutto ciò con ripercussioni catastrofiche sull’ambiente e sulle sue risorse.
Nasce, o meglio rinasce, quindi il concetto e l’esigenza dei “custodi ambientali”, persone che si assumono la responsabilità di garantire e cautelare la vita di una specie vivente e che collaborano tra loro nell’intento, per contribuire alla salvaguardia della biodiversità, tanto importante per il mantenimento degli equilibri dell’ecosistema.

IL “CUSTODE AMBIENTALE”
MOTIVAZIONI DELLA PROPOSTA

Le ragioni che ci hanno spinto ad immaginare percorsi in natura nascono da una ricerca aperta sull’educazione e dall’esigenza di lavorare nella direzione del rispetto ambientale, insegnando ai bambini ad essere abitanti del pianeta, consapevoli di condividere con altre specie animali e vegetali, spazi e risorse. L’intento è quello di stimolare la crescita di un senso critico positivo finalizzato alla comprensione del concetto di sviluppo sostenibile in senso lato, per stimolare l’agire concreto e quotidiano in risposta alla domanda: “che cosa posso fare io?”.


 

Attraverso la presa in carico, attraverso l’assunzione di responsabilità si impara ad osservare i problemi dal punto di vista di chi si può prodigare per risolverli e superarli e si comprende come ciascuno di noi è attore protagonista di tutto quello che succede sul pianeta e che scelte considerate “semplici” possono condizionare attività e risorse distanti migliaia di chilometri. Ci sembra assurdo non affrontare tematiche così importanti quali quelle dell’educazione alla sostenibilità e del rispetto ambientale e ci è sembrato opportuno partire da azioni concrete come la frequentazione di un contesto naturale per sperimentare direttamente concetti che generalmente si possono sviluppare soltanto in termini teorici.
Gia da qualche tempo si parla del concetto di “custode contadino”, ma all’interno del nostro percorso abbiamo preferito chiamarlo “custode ambientale”, individuo competente e capace di farsi carico della salvaguardia di altre specie viventi, poiche in tali competenze rientra la capacità di considerare una specie vivente come elemento di un ecosistema che deve essere cautelato nella sua globalità per la salvaguardia di ciascuno dei componenti che gli consentono di esistere.

L’IDEA DEI PERCORSI IN NATURA ALLA VIGNA DI SAN MARTINO

Frequentare la campagna per tutto l’anno permette di conoscere l’intero ciclo naturale, l’allungarsi e l’accorciarsi delle giornate, il cambiamento dei colori e la scoperta degli odori, dei suoni, della calma e del silenzio. Le trasformazioni restituiscono all’immaginario il senso della ciclicità, permettendo di comprendere l’importanza delle qualità di ciascun momento in ogni stagione. Il punto di vista si sposta da se stessi alla terra, alle sue necessità per consentire al grano, al cocomero ed alla zucchina di crescere bene. Si scoprono così le esigenze degli altri abitanti del pianeta e quindi anche le proprie.
Per tali ragioni i percorsi elaborati coinvolgono il regno animale e quello vegetale con attività che si basano su cicli annuali, come per i cereali, e su cicli stagionali, come per gli ortaggi. Gli obiettivi sono quelli di far comprendere il concetto di sostenibilità, che altro non è che equilibrio, di condurre verso la scoperta delle numerose vite che la terra ospita, di prendere coscienza che noi non siamo gli unici abitanti e che ciascun essere è fondamentale per reggere questo miracoloso equilibrio, di imparare a provare gioia anche per cose semplici.

PERCORSO DEL GRANO

Il percorso mira a conoscere il ciclo produttivo del grano, provando con le proprie mani l’utilizzo degli strumenti antichi usati per compiere le varie fasi della coltivazione. Fare un viaggio nei riti che accompagnano la nostra cultura da tanti secoli, per la coltivazione di questo cereale che ha un ruolo così importante da assumere grandi valenze simboliche e metaforiche oltre a rappresentare una delle basi della nostra alimentazione.

3 incontri intera giornata + 10 incontri brevi di 3 ore + Piccolo campo di due giorni ed una notte in corrispondenza della festa degli zoccoli (festa del grano)

1 - L’aratura a mano ( 1 Giornata lunga a fine ottobre)
2 - La semina a spaglio e la copertura del seme con il rastrello (1 Giornata lunga a fine ottobre)
3 - La coltivazione, la concimazione, il controllo ed il diserbo del campo (10 incontri brevi durante l’anno)
4 - “Festa degli zoccoli” (festa della mietitura e del grano) : la trebbiatura, la preparazione dei covoni e le composizioni con le spighe, la scocciatura del seme, la festa degli zoccoli, la separazione dei semi dalla pula con i crivi, la macina con il mulinello (corn flakes, farina, couscous). Il lievito, l’impasto, la farina, il pane, la pasta, i biscotti, la pizza, le torte.

PERCORSO DELL’ORTO
Semina autunnale - semina invernale
ortaggi – leguminose – tuberi -aromi

Quella dell’orto è una proposta che mira a ripercorrere l’arte di interagire con la natura al fine dell’alimentazione dell’uomo, disporre uno spazio per coltivare ed allevare quanto utile al proprio nutrimento per conoscere e scoprire i ritmi che accompagnano la terra e le sue creature. Il percorso è indirizzato alla scoperta delle relazioni tra ambiente, piante ed animali.
Vedere il frutto del proprio lavoro dà un altro sapore alle cose, si comprende forse il significato di “coltivare”.
Il percorso prevede la sistemazione di un pezzetto di terra per la coltivazione di ortaggi, di legumi, di tuberi e di cereali, per l’allevamento di un animale ai fini della produzione di concime, per la creazione di una compostiera che attraverso i lombrichi crei humus per la fertilizzazione. L’idea è quella di vivere gli impegni del contadino e della campagna che provvede al proprio sostentamento.

3 incontri intera giornata + 10 incontri brevi di 3 ore

1 - Preparazione e suddivisione del terreno(1 Giornata lunga)
2 - Sesto del campo, creazione del sistema di irrigazione e semina (1 Giornata lunga)
3 - Cura, concimazione, e diserbo (10 incontri di 3 ore)
4 - Festa del raccolto (1 Giornata lunga)

IL GIARDINO DELLE MERAVIGLIE
“adotta un pezzetto di terra”

Il percorso si basa sull’adozione ed uso di un piccolo pezzetto di terra: coltivarci qualcosa, trasformarlo, interagire con esso, considerandolo come un ecosistema, per comprendere come interagiscono gli elementi che lo costituiscono; valutare i cambiamenti e gli adattamenti che la natura restituisce all’opera dell’uomo e scoprire quanto sia difficile creare habitat equilibrati e funzionali come quelli creati dalla natura, sperimentare quanto tempo occorre affinchè determinate condizioni ambientali possano ripresentarsi (la ciclicità in senso lato). Osservare il cambiamento, mentre si manifesta contemporaneamente in una miriade di varietà e specie, vegetali ed animali.

ALLEVAMENTI ANIMALI

L’allevamento delle galline permette di conoscere il ciclo vitale di un animale domestico di grande adattabilità, consentono di sperimentare un esempio di ciclo del consumare e del produrre rifiuti, alcuni dei quali, gli organici possono essere nutrimento perfetto per questo animale. La produzione delle uova permette l’osservazione quasi immediata della trasformazione, e di come qualcosa che per noi è diventato rifiuto, diventa cibo per un altro essere, che crea un cibo per noi …comprendere che quello che non può essere utilizzato da altri esseri, quando conlude il proprio ciclo di utilizzo, diventa veleno per la terra e per i suoi abitanti.
Riflettere e sperimentare attorno alla pratica dello sviluppo sostenibile.
Altro animale che abbiamo ipotizzato di allevare (nel senzo che la sua presenza è da prevedere non prima di qualche mese dall’inizio delle attività) è la capra, anch’essa è molto adattabile. Il suo ciclo vitale e l’utilizzo del letame da essa prodotto permettono di riflettere sull’importanza che, anche le cose meno “belle” hanno e del loro ruolo fondamentale nel contribuire all’equilibrio che governa il mondo. Cosa che spesso l’uomo non ha. La capra introduce alla pastorizia, che è una pratica antichissima. La cura dell’animale e la sua mungitura, conoscere il ciclo del latte e di qualche suo derivato per abituare alla genuinità dei sapori e far conoscere la vita di un altro appartenente al regno animale.

ALLEVAMENTO DEI LOMBRICHI

I lombrichi costituiscono un anello importantissimo per la fertilità del terreno. Per loro natura, infatti, sono responsabili dell’areazione del terreno che avviene attraverso i cunicoli che scavano per la creazione del loro habitat, mentre attraverso l’attività digestiva del materiale organico di cui si nutrono creano il famoso ”humus” tanto importante per la fertilità del terreno.
All’interno delle attività una delle sezioni prevede la realizzazione di una compostire per l’allevamento dei lobrichi e la creazione del compost.

EVENTI DI UNA GIORNATA

Novembre

“Raccolta delle olive”: posizionare le reti, i sistemi di raccolta, la conservazione in salamoia.

Fine aprile - maggio

“Festa del grano”: mietitura, creazioni con le spighe, danza degli zoccoli per la scocciatura dei semi, la macina, il lievito di pasta acida, l’impasto, le pizze, il pane e la pasta, uso del forno a legna.

Concerti di Natura - Musica Classica- (cadenza mensile)

Percorso di sensibilizzazione all’ascolto. Attraverso un percorso laboratoriale sul suono si vuole stimolare nei bambini la capacità di comprendere un insieme “musicale”, di parteciparlo e condividerlo con dei musicisti in un contesto di musica classica all’interno di un contesto di natura.

Teatro di Luna Piena

Spettacoli teatrali per bambini legati alla ciclicità della luna, per conoscere il cielo e le stelle e la mitologia che nei tempi hanno accompagnato la relazione con il cielo.

È possibile concordare ed elaborare altri percorsi con i referenti di scienza della scuola.

N.B. LA DISPONIBILITA’ DEI PERCORSI E’ MOLTO LIMITATA

Fondazione Morra - Museo Nitsch
vico lungo Pontecorvo 29/d
80135 Napoli Italy
T +39 081 5641655
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org



Messaggio di Gino il venerdì 6 novembre 2009 alle 09.01   -  forum administrator-  forum moderator
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PERMESSO DI SOGGIORNO

 

Un’OperaGallery2009

Via Bellini 26, Napoli

Inaugurazione 13 Novembre ore 19

Dal 13 al 29 Novembre 2009

A cura di Mariano Ipri, Giuseppe Ruffo, Pietro Tatafiore

 

“La situazione è questa, è trascesa, non commentabile e soprattutto mi viene di chiedere ma mò c’amma fa”? - Questa domanda potrebbe sembrare una preoccupazione un interrogativo a cui non poter dare risposta - invece no ci troviamo di fronte ad un monito, ad un avviso, una denuncia che  riguarda lo stato attuale delle cose nel nostro territorio. A suonare il campanello d’allarme sono Kaf & Cyop, assieme ad un gruppo di persone che ormai  formano un laboratorio con il quale negli ultimi dieci anni, grazie ad una sinergia di intenti e di volontà, hanno saputo sviluppare il concetto contemporaneo di un’arte partecipativa, una vera e propria arte a cielo aperto. Negli anni il loro tipo di  provocazione è sempre stato dirompente all’interno di un contesto che apre le porte alla collettività : luoghi pubblici, muri,scale, sono le loro tele; spray,bombolette e acrilico i loro pennelli. Non hanno placato l’istinto di provocazione ma, lo hanno fatto crescere assieme ad una consapevolezza di rottura, una rottura che è presente in tutti i loro lavori: pennuti, scimmie, creature quasi oniriche sono alcuni fra i simboli-soggetti da loro utilizzati per evidenziare all’interno della jungla cittadina temi come quelli di un consumismo sfrenato o dell’assenza di una coscienza comune. Uno spaccato di realtà, quello napoletano che spesso si divide fra sacro e profano, è ciò su cui lavorano ; una realtà spesso taciuta alla quale danno voce con disinvoltura e serietà . Abbiamo già  avuto il piacere di ammirare i loro lavori esposti al di fuori di un  contesto metropolitano ma, essenzialmente espositivo come quello di Largo Baracche in occasione della mostra personale “Buio” nel 2007 dove sono riusciti a dare voce a tutti i sensi, soprattutto a  quelli interiori e ad eludere il bagliore della vista, sottolineando l’importanza di poter “aprire gli occhi” su ciò che ci viene nascosto e della Sala Gemito, in occasione della mostra collettiva  “Chiamata all’Arte” nel 2009, alla quale hanno partecipato con una serie di guaches napoletane, inserendovi all’interno delle creature al di fuori del concetto spazio-tempo, che in maniera quasi ludica mettono le mani sulla città.  Tutto questo è un richiamo perenne all’attualità degli avvenimenti, il lavoro di Kaf&Cyop si sintetizza in un’articolazione ogni presente di un’indistinta denuncia che infrange le leggi di una tradizione folkloristica dettata dai mandolini e dai putipù, irrompe nella vita di tutti i giorni e subliminalmente entra a far parte del quotidiano, un quotidiano partenopeo veloce,attento,giovane e sensibile. A partire dal 13 Novembre, questa volta all’interno di Un’Opera Gallery, con “Permesso di Soggiorno”, ci proporranno un pezzo unico, volto alla riflessione sull’emarginazione, un pezzo proposto in chiave surreale ma, estremamente legato ad un’oggettività volutamente realistica. Tag,segni,timbri faranno da corollario all’ennesima affermazione del loro talento.

Un’Opera Gallery Napoli tel. +39 3933641664  Email: 1operagallery@gmail.com

 



Messaggio di Gino il venerdì 6 novembre 2009 alle 09.02   -  forum administrator-  forum moderator
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Atelier Bovisa

Sandro Chia

Triennale Bovisa

a cura di Maurizio Vanni

 

10 novembre 2009  15 gennaio 2010

Inaugurazione 9 novembre 2009, ore 19.00

Press preview 9 novembre 2009 dalle 11.30 alle 13.00

 
 
 

La Triennale di Milano presenta Atelier Bovisa Sandro Chia, artista di fama internazionale, esponente della Transavanguardia, movimento teorizzato da Achille Bonito Oliva nel 1979, secondo appuntamento dopo quello dedicato a Enzo Cucchi.

Grazie ad Atelier Bovisa Triennale Bovisa si trasforma in un laboratorio vivo dove il visitatore ha la possibilità di attingere direttamente al lavoro e alle parole dell’artista in un confronto dialettico aperto.

Il “fare” è messo al centro della mostra: le opere e una serie di incontri-workshop organizzati all’interno degli spazi espositivi faranno conoscere i processi creativi dell’artista per rivelarne aspetti inediti, fornendo nuove modalità di lettura del suo lavoro. Ma non solo: gli incontri permetteranno di creare momenti di scambio e confronto creativo fra le discipline, mettendo in contatto l’artista con pubblici disparati e interlocutori eterogenei.

 

In mostra sarà presente il lavoro simbolo della mostra Istruzioni per l’uso. La supercacciata dall’Eden, insieme a cinque grandi dipinti ad olio realizzati appositamente e a cinque video installazioni che contribuiscono a ricreare l’atmosfera dell’atelier dell’artista. Un’installazione-parete si propone poi come una storia illustrata in cui vengono intersecati oltre settanta disegni realizzati dal maestro, un racconto minore inedito, una sorta di autobiografia per immagini, di dis-segni collegati ad aneddoti, pensieri e vicende esistenziali; una sala interamente dedicata al design creato in collaborazione con Cleto Munari completa il percorso.

La mostra e il calendario degli incontri si propongono di fornire ad ogni visitatore delle istruzioni per l’uso per comprendere meglio il ruolo dell’arte nella vita di tutti i giorni, filtrandola attraverso gli occhi dell’artista, ma soprattutto partecipando attivamente con lui stesso. Sandro Chia è, infatti, sempre presente in mostra: nelle opere, con le citazioni di sue frasi e pensieri che scandiscono la grafica del percorso espositivo e, fisicamente, durante gli incontri programmati all’interno dello spazio.

 

I tre dialoghi, infatti, saranno parte integrante della mostra e non semplici appendici di approfondimento: svolti all’interno della sala dedicata agli oli su tela, accanto al tema principale, quello dell’arte contemporanea e della sua ricezione da parte del pubblico, affronteranno argomenti specifici, moderati dal curatore della mostra, per ognuno dei quali l’artista condividerà con i partecipanti il suo punto di vista, le sue istruzioni per l’uso. Gli incontri in programma sono: “Economia e Arte. L’importanza del marketing nella cultura contemporanea”, “Il cuore delle cose. L’arte contemporanea e i cinque sensi” e “Eros e Logos. Creatività neuroestetica e l’emisfero destro del nostro cervello”.

 

A tutti gli incontri parteciperanno l’artista Sandro Chia e il curatore della mostra Maurizio Vanni

 

Martedì 10 novembre, ore 18.30

Economia e Arte. L’importanza del marketing nella cultura contemporanea.

Partecipano Davide Rampello, presidente della Triennale di Milano; Lavinia Savini, avvocato esperta di legislazione dell'arte; Guido Galimberti, art advisor; Diego Bagaglia, esperto di art management.

 

Martedì 1 dicembre 2009

Il cuore delle cose. L’arte contemporanea e i cinque sensi

Partecipano Cleto Munari, designer; Antonio Petrocelli, attore; Stefano Bader, esperto di fragranze.

Per gli orari www.triennale.it

 

Martedì 12 gennaio 2010

Eros e Logos. Creatività neuroestetica e l’emisfero destro del nostro cervello

Partecipano Gianfranco Marchesi, psichiatra esperto di neuroestetica; Bianca Pananti, psicologa; Fiorella Pierobon, pittrice e ex conduttrice televisiva

Per gli orari www.triennale.it

 

 

La mostra Atelier Bovisa è Sandro Chia, a cura di Maurizio Vanni, è prodotta dalla Fondazione La Triennale di Milano con il supporto di Monica Bollini.

 

INTESA SANPAOLO  Partner di Atelier Bovisa perchè ogni occasione offerta per allargare la conoscenza di ciò che il talento italiano sa offrire in campo artistico rappresenta per la Banca un atto di fiducia e di stimolo nelle capacità e nelle potenzialità del nostro Paese.

 

Atelier Bovisa

Sandro Chia

Triennale Bovisa

10 novembre 2009 - 15 gennaio 2010

Inaugurazione 9 novembre ore 19.00

Press preview 9 novembre 2009 dalle 11.30 alle 13.00

A cura di Maurizio Vanni

Orari:

martedì-domenica 11.00-21.00

giovedì 11.00-23.00

Per tutto il 2009 Triennale Bovisa è Free Bovisa offrendo l’ingresso libero a tutte le mostre del 2009 senza costi e senza limiti di orario.

 
 
 
 


Messaggio di Gino il venerdì 6 novembre 2009 alle 09.05   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 7 al 30 novembre 2009
Maurizio Cimino - Ciudad de la Furia


 [Vedi la foto originale]
GIU*BOX GALLERY
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Via Giuseppe Bonito 21 Bis (80129)
Napoli
info@giubox.it
www.giubox.it
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Eventi in corso nei dintorni

In occasione del II° Festival del Cinema dei Diritti Umani [Napoli, 9>15 novembre 2009], Giu*Box Gallery ospita "Ciudad de la Furia", reportage fotografico di Maurizio Cimino a Buenos Aires.
orario: lunedì - mercoledì - venerdì ore 16.30-18.30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 7 novembre 2009. ore 19.00
catalogo: in galleria. Edizioni Arte Tipografica in collaborazione con l’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici
curatori: Pasquale Lettieri
autori: Maurizio Cimino
patrocini: Istituto Italiano per gli Studi Filosofici, Facoltà di Sociologia dell’Università degli Studi di Napoli “Federico II” ed Associazione Culturale “Cinema e Diritti”
genere: fotografia, personale


Messaggio di Gino il venerdì 6 novembre 2009 alle 09.06   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 7 novembre al 7 dicembre 2009
Istituto per la Diffusione delle Scienze Naturali / Atelier Scienza - Panorami sonori del mondo antico

Maria Oliva Auricchio - ritrovamenti
 [Vedi la foto originale]
L'ATELIER
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Via Tito Angelini 41 (80129)
+39 0815581367 , +39 08119565579 (fax)
latelier@fastwebnet.it
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Eventi in corso nei dintorni

La mostra progettata Claudio Rodolfo Salerno, verte sulla valorizzazione del suono e sul recupero dei panorami sonori del mondo antico legati alle attività dell’uomo e ai suoni della natura.
orario: Da lunedi a venerdi ore 15 – 19
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 7 novembre 2009. ore 18,30
catalogo: in galleria. a cura di Caludio Salerno e Giovanni Aliotta, pp. 316, gratis
curatori: Paola Ricciardi
autori: Maria Oliva Auricchio, Gabriele Pierro, Paola Ricciardi, Luigi Stazio
patrocini: Giunta Regionale della Campania
Settore Spettacolo e Tempo Libero
genere: documentaria, archeologia, fotografia, arte antica, arte contemporanea, presentazione, incontro - conferenza, serata - evento, altro, disegno e grafica
 



Messaggio di Gino il venerdì 6 novembre 2009 alle 09.07   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 6 al 16 novembre 2009
Fausto Morviducci - Oltre la siepe

Fausto Morviducci pensieri cm 80 x 100 acrilico su tela 2009
 [Vedi la foto originale]
CASTEL DELL'OVO
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Via Luculliana (80132)
casteldellovo@comune.napoli.it
www.comune.napoli.it
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra personale
orario: tutti i giorni dalle 10 alle 18, domenica e festivi dalle 10 alle 14
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 6 novembre 2009. delle 18 alle 20.30 a Napoli presso la Sala delle Terrazze
catalogo: in galleria.
curatori: Edoardo di Mauro
autori: Fausto Morviducci
note: testi critici di Edoardo Di Mauro e Diana Gianquitto
genere: arte contemporanea, personale
 



Messaggio di Gino il sabato 7 novembre 2009 alle 16.28   -  forum administrator-  forum moderator
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La Mediterranea arte
 
è lieta di invitarla
 
Mercoledì 11 novembre 2009 alle ore 18 sarà inaugurata la mostra
 
LEMKE - WASCHIMPS
 
 
   
 
 
 
 
 
Due pittori,due generazioni, due culture che s’incontrano
 
 
ORARIO: 11-13.30 / 17 - 19.30
chiusi il sabato pomeriggio
 
 
 
 
info
 
 
 


Messaggio di Gino il sabato 7 novembre 2009 alle 16.39   -  forum administrator-  forum moderator
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A Sense Of Place
 
 
 
Dates: November 13-17, 2009
 
Location: THE GALLERY - Upstairs @ The Bear
296A Camberwell New Road London SE5 0RP
 
 
What happens when 4 artists, from completely different backgrounds and experiences, meet by chance in London? Darren Hewitt, Tate Sisters, Alex Morell and Nadia Perrotta investigate the concept of “a sense of place”.

Darren: “Having a sense of place for many can be elusive but by where we go and who we meet. Only by those experiences and people can we hope to
realise who we really are and what really matters thus finally start to know what a sense of place is”.

Nadia: “Is a never-ending journey. Every place is like the other, the vision is perpetual, life flows in front of us, in a fake delirium. No roots
linking us to anything, lonely and alienated, the only certainties are vain hopes. The exaltation of the super-man is leading us to what? We are earthen vessels, destined to the earth. Because at the end of everything, what is left from our journey is the memory of the route".

Alex: “Exploring the intricacy and mechanic of the city, its different faces across the planet, the sense of place is reflected in the only reminder
of the city's place in its natural environment: the sky above it, that can change the city's personality”.

Tate Sisters: “We use bold colours and stenciled text, to express a sense of place within relationships. Our ideas are inspired by personal
experiences and overheard conversations".
 
THE GALLERY
Upstairs @ The Bear
296A Camberwell New Road London SE5 0RP
tel. +44.0207.2747037
info: +44.07985.508433
www.thebear-freehouse.co.uk
 

It's LIQUID News is an e-mail announcement service that provides information about exhibitions at some of the world's leading art galleries selected. It's LIQUID News reaches the combined audiences of International Art Fairs, galleries, museums, and is thus a powerful tool for getting directly to this influential audience with information about exhibition programs and other events.
 
International galleries, museums, institutions, private and public groups, artists, architects, designers, are invited to join It's LIQUID News service. Each advertisement takes the form of an e-mail announcement, and features a press release, an image, and a link to the announcer's website. Announcements are distributed directly to over 60,000 international collectors, consultants, advisers, critics, writers, curators, dealers and other visual arts professionals. Database demographics: 40% in North America, 45% in Europe, 15% in other locations (South America, Australia, Japan, etc.).

Additionally all announcements are permanently archived on It's LIQUID web site, creating a valuable research resource of some of the most important events world wide. It's LIQUID News offers an unprecedented opportunity for participating clients to reach the most dynamic members of the community of professionals worldwide.
 
If you are interested in our services, or you want to open an It's LIQUID office in your city, please contact us at support@itsliquid.com.
 
Thanks for all, 
It's LIQUID Group
more details. www.itsliquid.com
 



Messaggio di Gino il sabato 7 novembre 2009 alle 16.53   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - sab 7 novembre 2009
Plartonvideo - Mischer’traxler


 [Vedi la foto originale]
PLART
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Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Giuseppe Martucci 48 (80121)
+39 08119565703 , +39 08119565726 (fax)
info@plart.it
www.plart.it
individua sulla mappa Exisat
individua sullo stradario MapQuest
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Eventi in corso nei dintorni

Il Museo Plart di Napoli ospita, nell’ambito della rassegna Plartonvideo curata da Marco Petroni, i giovani designer austriaci mischer’traxler, recenti vincitori del prestigioso premio DMY promosso dal Bauhaus Archiv / Museum für Gestaltung di Berlino con il progetto “Idea of a tree”. L’evento si avvale della collaborazione di Giovanni Innella.
biglietti: free admittance
vernissage: 7 novembre 2009. Dalle ore 11.00 alle 19.00
curatori: Marco Petroni
autori: Mischer’traxler
genere: performance - happening, serata - evento
email: petronimarco@gmail.com


Messaggio di Gino il sabato 7 novembre 2009 alle 17.09   -  forum administrator-  forum moderator
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Astrazioni e Geometrie

Collettiva

 

Biblioteca Comunale “Benedetto Croce”

 

Via Francesco De Mura, 2 bis - Napoli

( angolo via Luca Giordano)

 

18 novembre 2009

Inaugurazione ore 17,00

A cura di Gianni Nappa

Interverranno:

Il Presidente della 5° Municipalità Mario Coppeto

L’Assessore alla Cultura 5° Municipalità Gianpaolo de Rosa

Il critico d’arte Gianni Nappa

 

In mostra opere di:

Vittorio Fortunati – Francesco Gallo - Renato Milo - Antonio Perrottelli - Marta Pilone - Remo Romagnuolo - Mario Stoccuto

 

ASTRAZIONI E GEOMETRIE

La linea poetica da interpretare per l’affermazione di un clima nuovo, ormai instaurato dagli anni trenta e consolidato dalle esperienze ispirate dall’astrattismo geometrico di Mondrian e di Kandiskij, trova ancora oggi  immutata fermezza nella ricerca di artisti che da anni interpretano l’astrazione come cifra anche morale. L’affermazione di un sentimento geometrico, sotto forma di costante costruzione di nuove ipotesi, libera il campo da interpretazioni correntizie, svolge un ruolo di evidenziazione della libera creazione di forme inserite nello spazio, inventa ludicamente il suo pensiero di futuro, sfrutta la cinetica, compone, non costruisce né decostruisce.

I colori, le forme geometriche, il concretizzarsi di volumi e spazi sottintesi nella spinta energetica, sono volani di una rincorsa verso il nuovo tempo che sarà, sono adesione per la libera capacità di concepire lo spazio come pulsione interiore nell’astrazione cromatica, sono la determinazione di un ordine concettuale, sostanziale per l’intuizione, per il gioco costante di misurarsi con il bello. Convinzione nel percorso artistico degli artisti di questa collettiva, che unendo esperienze differenti, ne sottolinea la effervescenza, dando un motivo di comprensione in più della forza meridionale e napoletana in questo caso, nello sviluppo di movimenti attuali, protesi verso una sempre maggiore qualità delle opere, di una maggiore condivisione nell’affermazione di un fare non in contrapposizione, ma in completa autonomia.

Occasione di confronto e opportunità di approfondimento dei percorsi dei sette artisti attraverso le opere attuali, nella ricerca di una costante che li accumuna nel solco della geometria.

 

Gianni Nappa

 

 

 

Renato Milo

 

E’ nato nel 1958 a Napoli, dove vive ed opera.

Ha compiuto i propri studi presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Ha lavorato come grafico presso l’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici “Palazzo Serra di Cassano” di Napoli ed ha insegnato al 1° Istituto Statale d’Arte di Napoli “Palizzi”. Nel 1996 è entrato a far parte del “Movimento Internazionale Madi”. Le sue più recenti realizzazioni di forme poligonali in plexiglass sono costituite da prismi che si susseguono con cadenze geometriche e ritmiche. Questi elementi posizionati in ordine crescente e decrescente creano un gioco di luci e di colori dando origine a ludiche estroflessioni ottiche. Ha partecipato ed è presente in permanenza in numerose gallerie d’arte e musei. Dal 1998 partecipa alle iniziative culturali di Arte Struktura. Sue opere in musei, collezioni pubbliche e private nazionali e internazionali.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Spazio Arte Pisaniello, Fondazione Tonioli, Verona, 2008. Arte Madi Internazionale, Scoglio di Quarto, Milano, 2008. Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

 

Antonio Perrottelli

 

E’ nato a Napoli nel 1946, dove vive e opera.

Consegue il diploma di Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Aderisce a vari gruppi e movimenti. Negli anni ’90 adotta forme geometriche tridimensionali per creare uno spazio-forma e determinare un movimento che varia secondo la posizione dell’osservatore. Attualmente egli usa materiali plastici. Le trasparenze e i riflessi della luce che attraversano i piani paralleli, quelli in opposizione e le linee che vanno illusoriamente oltre lo spazio dell’opara sottolineano la manifestazione dell’infinito e della variabilità continua del nostro cosmo non delimitato ed in perenne trasformazione. Dal 1998 collabora con Arte Strktura, partecipando a tutte le iniziative del Centro ed entra a far parte del “Movimento Internazionale Madi”. Sue opere in musei e collezioni pubbliche e private nazionali ed internazionali.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

 

 

Marta Pilone

 

E’ nata a Portici – Bellavista (Napoli), dove risiede ed opera.

Ha conseguito il diploma di incisore di corallo all’Istituto Statale d’Arte di Torre del Greco (Napoli) ed i diplomi di scultura e quello di pittura all’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Le sue opere sono realizzate con vari materiali, tra questi il legno marino ed il plexiglass. Quest’ultimo, lavorato a caldo ed in tensione, le consente di articolare le forme in maniera diversa che l’aspetto cromatico ed il movimento contribuiscono a mettere in perfetta sintonia con lo spazio circostante, in modo da ottenere una percezione diversificata dell’immagine variando l’angolo di osservazione. Le sue composizioni, in virtù della possibilità di manipolazione, sono quasi sempre trasformabili e coinvolgono pienamente il “fruitore” che ha modo così di partecipare attivamente al fenomeno dell’interazione. Nel 1998, a Milano è entrata in Arte Struktura e inizia a far parte del “Movimento Internazionale Madi”.

Tra le ultime mostre: Arte Madi Internazionale, Spazio Arte Pisaniello, Fondazione Tonioli, Verona, 2008. Arte Madi Internazionale, Scoglio di Quarto, Milano, 2008. Arte Madi Internazionale, Galleria “Al Blu di Prussia”, Napoli, 2009.

In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Ha partecipato ad importanti mostre in campo nazionale ed internazionale, le sue opere sono presenti in musei e collezioni pubbliche, private, nazionali ed internazionali.

 

Mario Stoccuto

 

E’ nato a Napoli nel 1958, affianca alla sua attività di Architetto la passione per le arti figurative, dal 1997 espone in numerose mostre personali e collettive. Nell'ultima ricerca di indirizzo geometrico l'esistente lascia il passo ad un nuovo  ambito di studio  e ricerca che nel  solco della regola tra forme e linee vede l'artista sondante livelli  a lui congeniali e dove esprime una nuova  visione concreta e concettuale della dimensione  spaziale.

Forme e soluzioni  che operano una stratificazione non solo materiale dei concetti geometrici di base, ne esaltano le pulsioni  e spinte dinamiche attraverso un accurato uso dei materiali e uno studio sulle linee, come costruttrici e bisettrici al tempo stesso dell'insieme di piani.

Un ponte sospeso vede passare sotto di se volumi e materie, e Stoccuto nelle sue opere tratteggia con rigorosa ricerca strutturale, la condizione dei piani interconnessi, sovrastrutture della forma geometrica che scorrono parallelamente alla forma pensiero, con l’approfondimento del colore come ipotesi di argine e definizione di un percorso artistico, fondato e sviluppato sul fare geometrico e dove il materiale e la tridimensionalità sono lo spunto per l’affermazione di un ordine anche architettonico dei piani costruiti.  Tra le ultime mostre: Collettiva "Arte&Gusto" – Ercolano (Napoli) - Miglio d'Oro Park Hotel – 2008  Collettiva "Liberamenteblu" Linead'arte officina creativa - Napoli  - 2009  -  Collettiva "Neapolitan Beauty" - San Sebastiano al Vesuvio (Napoli) 2009 -  In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009.

Francesco Gallo                                                                                                                                                 

E’ nato a Napoli nel 1961. Sin dall’inizio della sua carriera artistica ha svolto la sua ricerca nell’ambito della astrazione geometrica, nelle sue opere privilegia come supporto l’utilizzo della carta in tutte le sue forme, sfumature e variazioni Disegni per un comporre in stretta e rigorosa armonia geometrica, dove il dato sostanziale è la composizione spaziale che in forma bidimensionale deve costruire assi visivi e di interposizione tra gli spazi costruiti e lo spazio vuoto. Una continuità lineare che si dipana tra forme geometriche interdipendenti l’una dall’altra, ma che nell’insieme compositiva rivelano una “pianta” di un ordine di ricerca sulla costruzione di nuovi spazi; le città o anche il susseguirsi di strutture cellulari che danno vita ad una perfezione assiale, e dove, nel tessuto costruito triangoli e figure geometriche sono un continuo divenire del prossimo cambiamento che Gallo compone come un modulo, con possibilità illimitate di sviluppo.

Il colore è a sottolineare delle costanti ripetitive che come nei multipli numerici formano la base da cui sperimentare soluzioni e teoremi. Perfettamente in linea con il fare geometrico e con una volontà di decostruire l’esistente e sostituirli con la spinta del ragionamento creativo.                                                              Tra le ultime mostre: Collettiva “Arte Exange” – Museo della gente senza storia  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008 - Collettiva "Liberamenteblu" Linead'arte officina creativa - Napoli  - 2009   --  In –Forma Geometrica, Castel Nuovo, Napoli, 2009   - Napoli - Officina Creativa Linead’arte 20 x 20 Terza Edizione 2009 - Marano di Napoli “Aspettando la biennale del libro d’artista - Palazzo Merolla 2009 - S. Pietro a Paterno (NA) “Today Mater Lux”  Palazzo Carrizzo/Masseria Luce 2009                                                                                                     

Remo Romagnuolo

Remo Romagnuolo è nato a Pietrastornina (Avellino) nel 1943 e dal 1944 vive ed opera a Napoli.  Lontano da scuole e correnti, da autodidatta , ha iniziato a sperimentare le varie tecniche artistiche studiando la grammatica del disegno, la teoria dei colori e la teoria dell'arte fin da giovanissimo. Negli anni '60 e '70 ha realizzato diverse opere riscuotendo apprezzamenti di critica e premi in Campania e nel Veneto. Le sue opere sono in possesso di diversi collezionisti, associazioni ed enti pubblici e una tela sulla sofferenza è situata nella basilica di S. Carlo alle Mortelle in Napoli.                                                                                                                     Agli inizi del nuovo secolo, dopo una lunga attività formativa presso gli atelier dei maestri Giancarlo Rossi e Ferdinando Sapio, ha ripreso a dipingere più assiduamente alla ricerca di emozioni con nuove sperimentazioni, con l'obiettivo di riportare la propria idea di mondo attraverso l'arte e con l'impegno di utilizzare, nelle proprie opere, una duplice rappresentazione come strumento per indurre lo spettatore ad attivare riflessioni su fenomeni della realtà.                                                                                                                  Tra le ultime mostre: Collettiva “Arte Exange” – Museo Civico  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008 -  Personale “Emozioni  tra realtà e fantasia” - Museo Civico  - Altavilla Irpina (Avellino) 2008  Collettiva "Arte&Gusto" – Ercolano (Napoli) - Miglio d'Oro Park Hotel – 2008 - Concorso (1° Premio) e mostra  A.R.T.E. nel Museo degli strumenti musicali di Roma 2008 - Collettiva "Neapolitan Beauty" - San Sebastiano al Vesuvio (Napoli) 2009 – 40 C/arte Napoletane – Spazio di Monte Giordano – Roma 2009 –  40 C/Arte Napoletane – Galleria Monteoliveto – Nizza (Francia) – 40 C/Arte Napoletane  Espace Equilibrius Bruxelles (Belgio) – Premio Internazionale Terna  2° edizione                                                                                                            

Vittorio Fortunati   

E’ nato a Napoli nel 1932 dove risiede con studio in via Bernardo Cavallino n° 45, pittore scultore, dal 1958 è presente al dibattito artistico Nazionale e Internazionale con partecipazioni a mostre e rassegne in Italia e all’estero, ottenendo premi, e il consenso di critici d’arte, che hanno scritto di lui saggi e articoli su quotidiani e riviste specializzate. Negli anni ’50, periodo di fermento nuovo per l’arte moderna a Napoli, Fortunati incontra l’artista Raffaele Lippi, avendo così l’occasione di apprender tutto su tecnica, colore e disegno. Altro incontro importante per la sua formazione, è quello con Guido Tatafiore, dal quale apprende il rigore e la consapevolezza di se stesso. Importante conquista per la formazione di una sua ricerca personale, che lo porta tra le zone antiche di Napoli, attratto dalle mura, dai colori, dai contrasti di luce e dalla complessa storia di questa città che spesso è motivo di ispirazione delle sue tele. La materia, la luce, e lo spazio, sono gli strumenti espressivi con i quali interpreta la realtà. Negli anni ’80 incontra gli artisti napoletani più avanzati, Renato Barisani, Carmine Di Ruggiero, Gianni De Tora ed altri, con cui instaura un rapporto di reciproca amicizia e negli anni ’90-’91 partecipa con loro a due eventi artistici di rilievo: una mostra all’Istituto “Grenoble” di Napoli e un’altra a Roma presso l’Accademia d’Egitto a Valle Giulia. Negli anni successivi continua la sua attività artistica a Napoli e fuori, partecipando inoltre a mostre di Mail Art in Italia e all’estero, proseguendo sempre quella propria ricerca su materia, luce e spazio che tuttora continua. 

 

Le schede sono tratte tra gli altri testi da: “Oltre la geometria” – Catalogo ed. Gutenberg a cura di Ciro Pirone – “In-forma geometrica” – Catalogo ed. Gutenberg a cura di Saverio Cecere e Rosario Pinto.

Da fonti web e cataloghi d’arte e precedenti scritti di Gianni Nappa

 



Messaggio di Gino il domenica 8 novembre 2009 alle 10.49   -  forum administrator-  forum moderator
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Collezionando Gallery
Via Monti di Creta 55
Roma

Sabato, 14 nov 2009, 18.00

Ada Egidio e Gian Marco Volpi

Saranno felici di accogliervi all'inaugurazione dell'esposizione

"EVOLUZIONI"

di Romina Wainsten

Alla presenza dell'artista Sabato 14 novembre 2009 a partire dalle ore 18:00 La mostra si terrà fino al 15 dicembre 2009

Collezionando Gallery Via Monti di Creta 55 00167 Roma Tel. 06-6624970

 Email

collezionandogallery@hotmail.it



Messaggio di Gino il domenica 8 novembre 2009 alle 14.31   -  forum administrator-  forum moderator
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5 Novembre 2009 - 31 Gennaio 2010
Disegno e Design - Brevetti e Creatività Italiani
Tipologia: Architettura e Design

Il Museo dell’Ara Pacis sarà scenario di prestigio della mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”, dedicata alla produzione e alla cultura del design.

Il Design e il Made in Italy considerati dal punto di vista del progetto: così si potrebbe riassumere il senso di quella che si preannuncia come una delle manifestazioni espositive più interessanti della Capitale per il prossimo autunno-inverno, tutta dedicata alla produzione e alla cultura del design.

Dal 5 novembre 2009 al 31 gennaio 2010, a Roma, il Museo dell’Ara Pacis, sempre più eletta sede delle esposizioni dedicate al design, sarà scenario di prestigio della mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”.

Organizzata dalla Fondazione Valore Italia - che opera per la valorizzazione del design italiano e la realizzazione dell’Esposizione Permanente del Made in Italy – la mostra “Disegno e Design - Brevetti e Creatività italiani”, curata da Alessandra Maria Sette e realizzata in collaborazione con Ministero per i Beni e le Attività Culturali – Direzione Generale degli Archivi, Ministero dello Sviluppo Economico – Direzione Generale UIBM, il Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione, Fondazione ADI – Compasso d’Oro, e con il patrocinio di altre importanti istituzioni ed enti di categoria, si concentra su un aspetto poco noto, eppure fondamentale, della cultura industriale italiana: come nasce un oggetto? E come si evolve il suo progetto? La creatività al servizio della produzione industriale: è questo il punto di partenza della mostra, che intende focalizzare l’attenzione sugli aspetti progettuali che precedono la realizzazione di un oggetto.

Già dalla fine dell’‘800, ma ancor più nel ‘900, con un momento di massima espressione nell’immediato secondo dopoguerra, l’inventiva tipicamente italiana si coniuga, da una parte, con la necessità di colmare il ritardo accumulato nei
confronti degli altri Stati europei sul piano dello sviluppo, dall’altra con i problemi strutturali del nostro Paese, come la mancanza di materie prime, una cultura rurale ancora molto diffusa, l’assenza di grandi gruppi industriali, ecc. La mostra intende mettere in evidenza, attraverso documenti affascinanti e davvero sorprendenti, in gran parte inediti, ovvero i brevetti di modello e di invenzione depositati presso l’Archivio Centrale dello Stato e l’Ufficio Italiano Brevetti e Marchi, un aspetto originale e poco conosciuto della storia dell’industria italiana.

Il percorso espositivo, che ripercorre un secolo di innovazione e di design italiano, con incursioni nelle ricerche più attuali, suddiviso per settori merceologici (arredamento, moda, agroalimentare, trasporti), è scandito dai preziosi certificati originali dei brevetti di molti prodotti, alcuni diventati delle vere icone del design e della produzione italiana, altri novità assolute. A rendere questo viaggio ancora più affascinante e ricco sarà la presenza di molti di questi oggetti brevettati e di tutti quei materiali documentari – disegni, progetti, bozzetti, filmati, pubblicità, contributi audio – relativi alle invenzioni, alle aziende, alla loro storia e ai loro protagonisti, provenienti da archivi storici e musei d’impresa, da Rai Educational, da Radio 24, e da altri archivi privati, che aiuteranno meglio a raccontare le idee e la loro realizzazione.

Sarà così possibile imbattersi con meraviglia, per citarne solo alcuni, nella Vespa o in una Moka Bialetti, nella bottiglietta del Campari Soda o nella poltrona Vanity Fair, nella macchina da cucire Mirella o in una scarpa di Ferragamo, ma anche nel nuovissimo lampadario Hope e nell’originale sgabello Forchets…e scoprire nei loro brevetti le linee di un disegno e di una tecnologia capaci di resistere nel tempo e continuare ad ispirare nuova creatività.

Un viaggio reso possibile dalla partecipazione attenta di grandi aziende italiane che hanno fatto la storia del design e che ancora oggi rappresentano il meglio del nostro Paese.

La mostra è arricchita da ulteriori importanti eventi ed iniziative: saranno organizzati incontri e workshop con singoli architetti e designer di fama mondiale e con affermati imprenditori italiani. Lo scopo di questi appuntamenti è quello di illustrare al pubblico la sinergia tra creatività, anche internazionale, e le aziende italiane.

Ad accompagnare l’esposizione, un catalogo a colori, in italiano e in inglese, che raccoglie tutto il materiale in mostra, includendo inoltre una autorevole rassegna di saggi critici scritti da professionisti, docenti universitari, esperti del settore. Il volume intende così fare anche il punto su alcune delle principali questioni oggi al centro del dibattito sul design. In particolare ha l’obiettivo di ridefinire la stessa nozione di design, riportando la disciplina alle sue originarie connotazioni più propriamente inventive, circoscrivendone quindi i contenuti alla produzione italiana brevettata, cioè a quella che, per i suoi riconosciuti contenuti innovativi, sul piano tecnico, funzionale, materico, tipologico, morfologico, costruttivo ma anche puramente comunicativo ed estetico, si pone come vera e propria invenzione.

Un appuntamento da non perdere che ha il privilegio di mostrare al grande pubblico un saper immaginare unico, che ha poi la sua massima espressione in un saper fare altrettanto inconfondibile, elementi fondanti di un patrimonio di valori che ha percorso e che continua a percorrere tutta la progettazione e la produzione italiana. Il risultato è quella immagine di bello e ben fatto del Made in Italy in grado di farsi riconoscere in ogni angolo del mondo.

Curatore/i
Alessandra Maria Sette
Catalogo

Palombi Editore

Galleria di immagini

Info

Orario

Da Martedì a Domenica dalle ore 9.00 alle ore 19.00
Chiuso Lunedì
La biglietteria chiude un'ora prima

Biglietto d'ingresso

Non è prevista integrazione sul costo del biglietto
Intero € 6,50
Ridotto € 4,50
Gratuità e riduzioni

Informazioni

060608 tutti i giorni dalle 9.00 alle 21.00

Sito web
Organizzazione

Fondazione Valore Italia

Con il patrocinio di:
Presidenza del Consiglio dei Ministri
Ministero degli Affari Esteri
Regione Lazio
Provincia di Roma

In collaborazione con:
Associazione ADI
Fondazione Compasso d’Oro
Associazione Museimpresa
Confindustria
Ordine degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori di Roma e Provincia
InArch
Massimo & Sonia Cirulli Archive

Con la collaborazione di

Fondazione Valore Italia
Comune di Roma Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione
Sovraintendenza ai Beni Culturali
Ministero dello Sviluppo Economico
Ministero per i Beni e le Attività Culturali
BNL
Unicredit Banca di Roma
Monte dei Paschi di Siena
Vodafone
Atac
Lottomatica

Con il contributo tecnico di

Zètema Progetto Cultura Srl - Supporto Organizzativo e servizi museali



Messaggio di Gino il lunedì 9 novembre 2009 alle 08.54   -  forum administrator-  forum moderator
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Avellino - dal 9 novembre al 9 dicembre 2009
Laudato sie

Gianfranco De Felice
 [Vedi la foto originale]
BANCA SELLA SUD ARDITI GALATI
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Corso Europa 8g (83100)
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Eventi in corso nei dintorni

Una mostra d’arte contemporanea promossa dall’Associazione Culturale Studio7.it. L’edizione campana di questo progetto espositivo è curata da Monna Lisa Salvati e sarà suddivisa in diverse sedi sul territorio che ospiteranno ognuna un versetto del celebre cantico francescano. La mostra giunge in quest’occasione alla terza edizione, dopo la presentazione a Vitorchiano (Vt) e la successiva esposizione a S.Anatolia di Narco (Pg).
orario: Lunedì al venerdì 8:30/13:30- 14:30/15:30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 9 novembre 2009.
curatori: MonnaLisa Salvati
autori: Adriano Annino, ArtGei, Arianna Bonamore, Alfredo Bonanni, Gianfranco De Felice, Maria Rosa Frigieri, Graziella Gola, LuBott, Filippo Maria Gianfelice, Luana Pascali, Raffaella Simone, Patrizia Valcarenghi
telefono evento: +39 3204571690
genere: arte contemporanea, collettiva
email: monnalisa.salvati@tiscali.it
web: www.associazionestudio7.it
 



Messaggio di Gino il lunedì 9 novembre 2009 alle 08.59   -  forum administrator-  forum moderator
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Prima o poi ogni muro cade



Installazione site-specific collettiva

a cura di Ruggero Maggi

installazione site-specific collettiva proposta dal Milan Art Center

1989-2009 XX Anniversario della caduta del Muro di Berlino. Attraverso un originale percorso espositivo open air nel centro storico di Milano, l'arte contemporanea diventa protagonista di una manifestazione che trasforma la città in un Museo -a cielo aperto-.

Prima o poi ogni muro cade. Un'asserzione che in se' circoscrive una speranza, un'azione diretta, un'immagine che si frantuma e disperde i propri frammenti a terra, ma che sottintende anche un'azione intima ed introspettiva che ogni individuo dovrebbe affrontare per demolire al proprio interno quelle sottili pareti che, inesorabilmente, si elevano. Gli artisti contemporanei invitati dovranno creare opere che travalichino i confini per unirsi in uno spazio ideale in cui ogni muro viene infranto ed i cui frammenti, come meteore, ricongiungano cio' che l'uomo ha voluto dividere. Questi frammenti saranno a stretto contatto con la terra. Come la caduta del muro ha ridato vita, movimento, transito alle persone ed alle idee, cosi' sotto la Galleria del Corso un mosaico di installazioni delineerà di volta in volta, nuovi tragitti e nuovi spazi, che gli stessi visitatori potranno percorre ed attraversare.

Artisti:
Donatella Baruzzi, Luisa Bergamini, Anna Boschi, Nirvana Bussadori, Maria Caboni, Angelo Caruso, F.Romana Corradini, Teo De Palma, Gianni De Tora, Marcello Diotallevi, Roberto Franzoni, Bruno Freddi, Fabrizio Galli, Salvatore Giunta, Isa Gorini, Claudio Grandinetti, Franca Lanni, Live Art, Fabrizio Martinelli, Gianni Marussi, Rita Mele, Franco Montemagno, Clara Paci, Giorgio Pahor, Armando Pelliccioni, Giovanna Pesenti, Renata Petti, Tiziana Priori, Claudio Rotta Loria, Jeannette Rütsche, Eugenia Serafini, Elena Sevi, Micaela Tornaghi.

9 novembre inaugurzione ore 16.30

Galleria del Corso
Galleria Vittorio Emanuele II - Milano
orari: 10.30 - 18.00
Ingresso libero



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Il Muro di Berlino



13 agosto 1961 - 9 novembre 1989

Il MURO DI BERLINO, lungo piu' di 155 km, alto 3,60 metri, contava 302 torri di osservazione. In 28 anni, dalla costruzione nel 1961 alla demolizione nel 1989, ha tagliato in due una città, un Paese, il mondo intero. Fu la cruda rappresentazione di un mondo diviso, della Cortina di ferro che separo' l'Europa e della Guerra fredda che, dopo la Seconda Guerra Mondiale, contrappose due blocchi politico-economico-militari con alla testa gli Stati Uniti di America e l'Unione Sovietica. Il MURO fu straziante lacerazione di famiglie, amicizie, affetti, fu sconforto e disperazione, fu teatro di fughe disperate e della tragedia di centinaia di cittadini tedeschi che, per la ricerca della libertà, trovarono la morte.

Parteciperanno gli artisti che collaborano con la Galleria 196, in prevalenza donne:
Ugo Balbo, Francesco Canini, Valentina De Martini, Florence Di Benedetto, Stefania Di Filippo, Massimo Feliziani, Giovanna Gammarota, Ro'sa Gi'slado'ttir, Giusy Lauriola, Vanessa Palomba, Alessandra Pierelli, Ivana Puljić, Liliana Sarrocco, Piera Scognamiglio, Caterina Vitellozzi, Flaminia Violati, Valentina Zelli.
Ogni artista interpreterà il tema con il proprio metodo espressivo.

PERFORMANCE UN MURO PER RICOSTRUIRE L'AQUILA:
Il giorno dell'inaugurazione verrà srotolato il MURO IDEALE, realizzato dagli artisti che partecipano alla collettiva.
Il MURO e' una tela lunga 25 metri, dipinta con tecniche miste.
Ogni invitato potrà comprarne una parte e contribuire cosi' alla ricostruzione di una città distrutta dal recente terremoto: L'AQUILA. Un grazie particolare a Arte3, Cristiano Cascelli, Manuela de Leo, Benedetta Proto, Laura e Linda Rotili, Massimo Zilli.

L'arte come linguaggio universale abbatte tutte le barriere che l'uomo tende a costruire: barriere culturali, sociali, ideologiche, razziali e tutti i tipi di barriere che discriminano, escludono ed opprimono.
Il ruolo del vero artista e' sempre stato, e ancor di piu' oggi, ha un grande valore, quello di creare nuove espressioni capaci di aprire nuove visioni del mondo, nuovi canali di comunicazione e far circolare le idee liberamente.

L'abbattimento di tali muri porta 2 grandi benefici:
Umanità: l'arte serve all'umanità, e' l'espressione massima della creatività dell'uomo e contribuisce attivamente al progresso dell'umanità.
Piacere: l'arte genera piacere personale e benessere collettivo.
La mostra dedicata all'anniversario del crollo del MURO DI BERLINO vuole sottolineare questi aspetti e dar voce ad artisti diversi che hanno, ognuno a modo suo, interpretato il concetto dell'arte come abbattimento di ogni tipo di -muro- nella società di oggi. La molteplicità delle espressioni artistiche presenti nella mostra vuole ribadire la ricchezza di voci diverse e libere da ogni "muro".

Con il patrocinio del Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione

Inaugurazione lunedi' 9 novembre ore 19.00

Galleria 196
via dei Coronari, 194 Roma
Orari: lunedi' ore 16-19.30
da martedi' a sabato ore 10-13.30 e 16-19.30


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Another break in the wall / Ilaria Margutti



Una mostra collettiva e una personale

Another break in the wall

collettiva a cura di Cristina Ferraro e Manuela Congedi

Wannabee Gallery, in collaborazione con Anteo SpazioCinema e Peacereporter, nell'anno che celebra il ventesimo anniversario della caduta del muro di Berlino, presenta il piu' importante evento artistico dell'anno: due mostre, una personale ed una collettiva, che occuperanno l'intera location del Revel Scalo d'Isola per un mese.

artisti:
Alisa Rensik (Russia - San Pietroburgo)
Andrea Simoncini (Italia - Milano)
Anna Madia (Italia - Torino)
Annalu' (Italia - Venezia)
Chris Hartschuh (Germania - Berlino)
Claudio Ballestracci (Italia - Cesena)
Claudio Monnini (Italia - Milano)
Davide Orlandi Dormino (Italia - Roma)
Enzo Santambrogio (Italia - Como)
Felipe Cardena (Spagna - Barcellona)
Francesco Corbetta (Italia - Como)
Iacopo Raugei (Italia - Firenze)
Ilaria Margutti (Italia - Arezzo)
Louise Beckinsale (UK - Ascot)
Ludmilla Radchenko (Siberia - Omsk)
Nicolo' Lanfranchi (Itaia - Milano
Marco Pozzi (Italia - Varese)
Marianna Gasperini (Italia - Milano)
Marilou Desmeules (Germania - Berlino)
Morgan Derrik Mia (UK - Londra)
Paula Bogati (Germania - Berlino)
Rossella Roli (Italia - Milano)
Samantha Lina (Italia - Milano)
SungHong Min (Korea - Seoul)
Svetlana Grebenyuk (Ucraina - Kiev)
Vania Elettra Tam (Italia - Milano)
Virginia Panichi (Italia - Firenze)
Winkler + Noah (Italia - Roma)

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Ilaria Margutti
Il filo dell'imperfetto

personale di a cura di Alessandra Redaelli

Si diploma dapprima all'istituto d'arte di Sansepolcro a Urbino in disegno animato e successivamente all'Accademia di Belle Arti di Firenze. Senza mai abbandonare l'interesse per la pittura, per un periodo lavora nel campo del restauro e successivamente intraprende la carriera di insegnante di disegno e storia dell'arte al liceo scientifico.
Ora insegna al Liceo scientifico di Sansepolcro dove vive.

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In collaborazione con il Cinema Anteo di Milano, via Milazzo 9 tel 026597732 verranno organizzate ogni domenica mattina a partire dall'8 novembre proiezioni di film connessi al contesto berlinese ed al significato che le barriere hanno ricoperto nel tessuto urbano e nelle menti del mondo. Durante il periodo espositivo verrà presentato il documentario sulla cortina di ferro realizzato da PeaceReporter in occasione del ventennale della caduta del muro di Berlino:

Domenica 8 novembre
Good bye Lenin
un film di Wolfgang Becker
presentazione opere Ilaria Margutti

Domenica 15 novembre
presentazione documentario sulla cortina di ferro da parte di Peacereporter

Domenica 22 novembre
Private
un film di Saverio Costanzo
presentazione opere Claudio Monnini

Domenica 29 novembre
Il muro
un film di Simone Bitton
presentazione opere Francesco Corbetta

Inaugurazione delle mostre lunedi' 9 novembre ore 18.30

Wannabee Gallery
via Thaon de Revel, 3 Milano
orari di apertura:
Lun-Ven: 11:00 - 20:00
Sab 11:00 -19:00



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Napoli - dal 9 al 15 novembre 2009
I femminielli. (Id)entità e corpi sociali


 [Vedi la foto originale]
GALLERIA TOLEDO
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Via Concezione A Montecalvario 34 (80134)
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Eventi in corso nei dintorni

Rassegna di arte, cinema, teatro sul tema dei femminielli napoletani. Mostra fotografica di Luciano Ferrara
vernissage: 9 novembre 2009.
curatori: Nicola Sisci, Paolo Valerio
autori: Luciano Ferrara
genere: fotografia, arte contemporanea, performance - happening, serata - evento, altro, personale, collettiva


Messaggio di Gino il lunedì 9 novembre 2009 alle 09.05   -  forum administrator-  forum moderator
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MR. B.R.A.
ALLO STUDIO TRISORIO


17 novembre 2009, alle ore 19.00
fino al 5 dicembre 2009


a cura di Lydia Pribisova e Laura Trisorio

Studio Trisorio Roma
Vicolo delle Vacche, 12
mart-sab.16.00/20.00
roma@studiotrisorio.com
info@studiotrisorio.com
www.studiotrisorio.com


Martedì  17 novembre 2009 alle ore 19.00 si inaugura presso lo Studio Trisorio di Roma la  prima personale in Italia di Mr. B.R.A., l’autore fittizio, alter ego degli artisti Richard Fajnor  e Marek Kvetan. Il progetto sperimentale Mr. B.R.A 3.9. consiste in un’installazione site-specific.

Combinando campioni della propria pelle con l’aiuto di un team di biologi, i due artisti slovacchi hanno ricostruito in laboratorio l’identità ibrida di Mr. B.R.A.
La video-documentazione in mostra racconta il procedimento della creazione dell’epidermide di Mr. BRA, dal prelievo dei campioni, alla coltivazione in laboratorio. Le pareti della galleria verranno ricoperte con una soluzione delle cellule di pelle nuova, realizzando così un processo di fusione con lo spazio. Un campione della pelle di Mr. B.R.A sarà presentato anche come oggetto in una vetrina. Gli inizi della collaborazione di Marek Kvetan e Richard Fajnor risalgono al 2002. La maggior parte delle opere di Mr. B.R.A.: le registrazioni di performance, le azioni e le installazioni, sono frutto di un processo in continuo divenire che può proseguire anche durante lo svolgimento della mostra.

Marek Kvetan è nato nel 1977 a Piestany (Slovacchia) e vive a Bratislava; Richard Fajnor è nato nel 1965 a Skalica (Slovacchia) e vive a Brno (Repubblica Ceca). I due artisti hanno esposto in molti spazi pubblici e privati come Wannieck Gallery of Modern Art, Brno (2007), Prague Biennale 3, Karlin Hall, Praga (2007), Galleria Nazionale Slovacca, Bratislava (2006), Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlino (2006), 20 Höhenmeter, Wallensteinplatz, Vienna (2005), International Biennale of Contemporary Art, Galleria Nazionale di Praga (2005).


Questo progetto è stato realizzato con il sostegno del Ministero della Cultura della Repubblica Slovacca, in collaborazione con l´Istituto Slovacco di Roma



Messaggio di Gino il martedì 10 novembre 2009 alle 09.00   -  forum administrator-  forum moderator
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La Changing Role Move Over Gallery ha il piacere di annunciare la propria partecipazione

 

 

MINT 09



MILANO INTERNATIONAL ANTIQUES & MODERN FAIR



Giardini Indro Montanelli - Via Palestro



STAND 29



ANEE' OLOFSSON - MATTEO SANNA

 

 

Inaugurazione Mercoledì 11 Novembre > ore 18,30

Vernissage November 11th > h.18.30

 

 

 

12  > 15 Novembre 2009 H 12.00/21.00

12-15 November 2009 h 12pm / 9pm




ECCELLENZE



SALONE DEDICATO AL LUSSO E AL BUON GUSTO



TARI' - Asi Sud - Marcianise (CE)



Kevin Francis Gray, Anneè Olofsson, Mihail Milunovic, Franco Rasma, Angelo Bellobono, Stefano Cerio, Riccaro Albanese, Betty Bee, Luisa Bruni, Matteo Sanna, Nunzio De Martino, Enzo Distinto, Giuseppe Gonella, Lamberto Teotino, Angelo Volpe.

 



Inaugurazione Venerdì 13 Novembre > ore 20.30

Vernissage November 13th > h.20.30



 

14  > 15 Novembre 2009 H 9.30/21.30

20 Novembre 2009 H 18.30/21.30

21  > 22 Novembre 2009 H 9.30/21.30

14-15 November 2009 h 9.30am/9.30 pm

20 November 2009 h 6.30pm/9.30 pm

21-22 November 2009 h 9.30 am/9.30 pm

 

 

 

Changing Role Move Over Gallery

Vicolo del Bollo, 13 - 00186 Roma

+39.06.83507085  +39.08119575958   www.changingrole.com

 

 

 

Changing Role- Move Over Gallery

Main Space - Napoli, Via Chiatamone 26

+39 08119575958

New Space - Roma,Vicolo del Bollo 13

+39 0683507085

www.changingrole.com

infogallery@changingrole.com



Messaggio di Gino il martedì 10 novembre 2009 alle 09.08   -  forum administrator-  forum moderator
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Guido Albi Marini - Eclissi (selfportrait)

 [Vedi la foto originale]
PHILOMARINO ARTE CONTEMPORANEA
vai alla scheda di questa sede
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Scale Di San Pasquale A Chiaia 53 (80132)
+39 0810607742 , +39 0810607756
info@philomarino.com
www.philomarino.com
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Messaggio di Gino il martedì 10 novembre 2009 alle 09.11   -  forum administrator-  forum moderator
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Artisti dell'area del Mediterraneo



Collettiva itinerante

Il 10 Novembre, alle ore 18.00, nel Chiostro di San Francesco di Sorrento Na si inaugura la Mostra Internazionale d'Arte Contemporanea dal titolo -Artisti dell'area del Mediterraneo-. Il Chiostro di San Francesco nella stratificazione dei vari stili rappresenta, un contesto particolarmente idoneo per ospitare il progetto Artistico - Culturale di Enzo Angiuoni. In questa occasione il pubblico e' invitato ad una collettiva di Arte Visiva Contemporanea

La Mostra e' l'ultima di una serie di Rassegne che hanno ottenuto un grande successo. Eventi arditi, ricche di idee e realtà tradotti in materia, in colori. Mostre dove tutta l'anima dell'agire dell'uomo del Mediterraneo e' proiettata in immagini, materiali, segni di tempo e di spazio, segni di storia e di sottomissioni. Eventi fortemente voluti da una rosa di artisti affermati, perche' bravi, tenaci e motivati, sostenuta dagli enti locali e promossa dalle associazioni Arteuropa Atripalda Avellino, Aura Udine, Semata Taranto. La Mostra itinerante ha avuto inizio nel mese di Aprile a San Michele Salentino (Brindisi) per poi proseguire in Calabria al Parco Archeologico Scolacium di Roccelletta di Borgia CZ, al Castello di Santa Severina Crotone e poi in Campania alla Reggia di Caserta, Palazzo Mazziotti Caiazzo (Caserta), alla galleria Diana Arte Frattamaggiore Na, al Castello Ducale di Bisaccia Av, per raggiungere poi Palazzo dei Capitani di Ascoli Piceno, il Salone Abbazia Sesto Reghena (Pordenone), in Puglia al Castello Aragonese di Taranto, e alla città di Ostuni

La presentazione della Mostra e' affidata al Prof. Massimo Pasqualone, docente presso l'università -G. D'Annunzio-di Chieti, presso l'università di Teramo, presso l'Istituto Superiore di Scienze Religiose -S.Pio X di Chieti-Vasto, presso l'Università Petre Andrei di Iasi (Romania).

All'inaugurazione interverranno, le autorità Comunali di Sorrento, il Sindaco Dott. Marco Fiorentino e l'Assessore alla Cultura Dott. Rosario Fiorentino, la Presidente della FIDAPA sez. Penisola Sorrentina Anna Imperato , l'ideatore del progetto artistico - culturale M° Enzo Angiuoni di Avellino, il Critico d'Arte Rosario Pinto, il M° Giancarlo Caneva; coordina gli interventi la Presidente dell'Associazione Studio ROSART di Catanzaro, Prof.ssa Rosa Spina.

Rosa Spina dichiara:
La mostra prende il nome di -ARTISTI DELL'AREA DEL MEDITERRANEO- per le influenze culturali e geografici dei luoghi espositivi, adagiati nel Mar Mediterraneo, che sono stati testimoni di numerosi passaggi di popoli e di diverse culture. La mostra evento itinerante vuole trasmettere il messaggio di grandezza e immensità dell' Arte, il Mar Mediterraneo e' stato l'unione dei popoli ed e' l'unione degli artisti.
Nel Chiostro di San Francesco esporranno un gruppo di artisti di diversa provenienza sia geografica che stilistica, ma che hanno reso tutti ugualmente, nella propria ricerca, la diversità espressiva una ricchezza da condividere; e allo stesso tempo una testimonianza che l'arte al di sopra di ogni pregiudizio puo' essere un mezzo di confronto e di dialogo. L'espressione contemporanea dell'arte interagisce tra le testimonianze storiche e in questi locali museali assume una pregnanza straordinaria nel suo significato piu' profondo.

Artisti:
Claudio Feruglio di Padova; Augusto Ambrosone di Avellino; Enzo Angiuoni di Avellino; Pippo Spina di Cosenza; Letizia Caiazzo di Piano di Sorrento (NA); Giancarlo Caneva di Cividale del Friuli (UD); Roberto Di Giampaolo di Silvi Marina (TE); Rosa Spina di Catanzaro; Maria Teresa Di Nardo di Taranto; Nicola Guarino di Teora (AV); Nadia Lolletti di Sulmona (AQ); Kika Bohr di Milano;Concetta Palmitesta di Chieti; Lucia Basile di Taranto; Antonia Acri di Brindisi; Lucio Alfonsi di Ascoli Piceno; Rita Fasano di Brindisi; Serpic di Udine; Bluer di Padova; Giuseppe Amoroso di Avellino; ALeph di Venezia; Attilio Melato di Padova; Marinka di Bari;Gianluca Anselmo; Maris Marconi; Sossio Capazzo; Rita D'Emilio; Vittoria Amadio; Sofia Albamosova; Michele lo Console

La mostra e' accompagnata da un catalogo con cinquanta tavoli a colori delle opere, con testi critici, di Massimo Pasqualone, Lucia Basile e Carlo Roberto Sciascia. L'esposizione e' patrocinata dal Comune i Sorrento ed e' promossa dalle Associazioni Culturali ArtEUROPA di Avellino e AURA di Udine che hanno come scopo di promuovere la cultura nelle forme e discipline piu' varie in cui esse si manifestano e come finalità di sensibilizzare e valorizzare le energie e potenzialità culturali nel campo dell'arte visiva.

Nella presentazione di Massimo Pasqualone si legge:
-L'arte e' uno strumento di conoscenza e ogni artista, l'artista vero, estroietta sulla tela, sul tondo di ceramica, sul sacco di canapa, sulla carta, sul cartone, su di una colonna di cartongesso, insomma dove e come meglio crede, i sentimenti, le emozioni, le ansie, le gioie, le tristezze che si sedimentano nell'anima e che l'ispirazione fa eruttare nell'opera d'arte.
Il catalogo, che io ho l'onore di presentare, e' un cammino tra questi sentimenti e l'itineranza delle mostre, per cui mi complimento in modo vivissimo con gli organizzatori, e' la dimostrazione che oggi in Italia c'e' un fermento straordinario di proposte e di ricerche visive-. [-]

Nel testo critico di Lucia Basile, intitolato -L'Arte si mette in mostra- si legge:
-Una rassegna internazionale d'arte contemporanea dal sapore attraversa tutta l'Italia da Nord a Sud. Un vero e proprio museo itinerante ospitato presso prestigiose sedi istituzionali, pinacoteche e saloni di rappresentanza. È cosi' che progetti artistici come questo, di alto spessore culturale, diventano una ghiotta occasione di conoscenza, di arricchimento non solo per gli occhi, ma anche per il cuore che si incrementa delle sensazioni che le opere stesse suscitano-.[-]

Nel testo critico di Calo Alberto Sciascia dal titolo -I nuovi parametri dell'arte-si legge:
[-] In ultimo e' nato il (personal computer), postazione di lavoro a disposizione di tutti e ed internet, mezzo mediante il quale tutti possono conoscere cosa succede in ogni parte del mondo e dialogare anche con persone abitanti anche alle antipodi. [-] Ma questa rivoluzione riguarda anche i luoghi dell'arte, divenuti spesso virtuali e, quindi, non fisicamente reali; sono stati creati siti web, che propongono mostre di opere [-] Tempo e spazio hanno ormai perso la loro fisicità. Il tempo dello spazio crolla di fronte alla velocizzazione delle comunicazioni; lo spazio non possiede piu' una sua fisionomia temporale.[-]

Inaugurazione 10 novembre ore 18

Convento San Francesco
Via San Francesco - Sorrento (NA)
Ingresso libero


Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 08.58   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 09.06   -  forum administrator-  forum moderator
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INAUGURAZIONE : Giovedì 12 Novembre 2009
13 Novembre 2009 – 9 gennaio  2010
 

YELENA VOROBYEVA & VIKTOR VOROBYEV

Kazakhstan. Blue Period

 
Galleria Impronte contemporary art

Via Montevideo, 11 , Milano

www.impronteart.com
info@impronteart.com

 

 
Kazakhstan. Blue Period # 11, 2002 – 2005
 

 
 

Giovedì 12 Novembre , dalle ore 18.30 la Galleria Impronte di Milano inaugura Kazakhstan. Blue Period, la prima personale in Europa della coppia di artisti Kazaki Yelena Vorobyeva & Viktor Vorobyev.

I due artisti, presenti al Padiglione Asia Centrale della Biennale di Venezia quest’anno e nel 2005, hanno cominciato a lavorare a progetti comuni verso la metà degli anni Novanta, esplorando diversi linguaggi come la scultura, la pittura, la fotografia, l’installazione , la performance.

Il ciclo fotografico Kazakhstan. Blue Period rimanda al periodo della storia del loro Paese durante il quale, ottenuta l’indipendenza, il colore blu turchese della nuova bandiera fu adottato come nuovo simbolo nazionale. La serie di fotografie, realizzate viaggiando in tutto il Kazakistan, documentano con ironia come questo colore abbia sostituito il rosso dell’ era sovietica, e costituiscono un insieme omogeneo e poetico caratterizzato da un comune denominatore, il blu, e da un profondo interesse per i dettagli del quotidiano.

La serie di sculture Petrifications , presenti in mostra, illustra come gli oggetti di uso quotidiano possano sfuggire alla distruzione consumistica e divenire “immortali”: un ferro da stiro pietrificato, un cellulare , una lampadina oppure una teiera diventano, grazie al lavoro manuale dell’artista, opere d’arte da inserire nel museo del futuro come testimonianze del nostro presente. Nella mentalità centro-asiatica anche l’ oggetto tecnologico viene ironicamente concepito come un dono della natura.
E non è ancora chiaro - affermano gli artisti , “  se è l’uomo a consumare il prodotto o il prodotto a consumare l’ uomo . “

 
 
Kazakhstan. Blue Period # 18, 2002 – 2005
 


Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 09.09   -  forum administrator-  forum moderator
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*
Newsletter PicaGallery.it

Titolo evento: Mostra di pittura
Artista: Gianpotito de Sanctis

 


Data: Mercoledì 18 novembre 2009 - ore 18.00

 

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it



Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 09.11   -  forum administrator-  forum moderator
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Da MABRUK e20
venerdi' 13 novembre dalle ore 17.00
aperitivo tra le creazioni di
Gabriella Novelli con le ceramiche
 Antonella del Piero con il decoupage
 Tiziana Tafuri con le sculture in ceramica
 Francesca Belmonte con i quadri
Info:
 


Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 09.16   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 10.44   -  forum administrator-  forum moderator
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Burri e Fontana in scena. Nuova grande mostra alla Fondazione Puglisi Cosentino di Catania

MATERIA E SPAZIO

vernice per la stampa sabato 14 novembre | ore 12 | apertura al pubblico dal 15 novembre | fondazione puglisi cosentino - palazzo valle | catania


Per realizzare la più essenziale esposizione che sia mai stata dedicata al confronto tra i due titani dell'arte italiana del '900, si sono messe insieme tre Fondazioni: quelle intitolate ai due artisti (la Fondazione Fontana di Milano e la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri di Città di Castello) e la Puglisi Cosentino che, con la curatela di Bruno Corà, propone ed organizza la grande mostra che sarà allestita appunto a Palazzo Valle, nel cuore storico di Catania.
Protagonista, dal 15 novembre 2009 al 14 marzo 2010, sarà il confronto tra opere sceltissime dei due interpreti dell'arte contemporanea a livello internazionale, artisti che, ognuno con specifiche invenzioni pittorico-plastiche, hanno segnato i gradi più avanzati della ricerca artistica negli ultimi sessant'anni, imprimendo alle arti visive una svolta di radicale mutamento.

L'evento ha la particolarità di proporre, vis a vis, i capolavori dei due maestri, opere attentamente selezionate per documentare un arco temporale che vede entrambi impegnati con vigore nell'affermazione delle due distinte poetiche: il primato della materia per Burri e la concezione spaziale per Fontana. Ambiti di ricerca che, anche dopo la scomparsa dei due protagonisti, continuano ad essere il terreno di ricerca di tutte le generazioni a loro successive: dagli artisti minimalisti e dell'arte povera sino ai protagonisti dell'arte dell'environment e della scultura en plein air.
A partire dalla condivisa volontà di sottolineare l'essenziale contributo fornito dall'arte dei due grandi maestri, si è proceduto all'individuazione dei nuclei più significativi della loro creazione.

Così, se per Burri la materia è stata di volta in volta 'presentata' nelle elaborazioni dei "Catrami", dei "Sacchi", delle "Plastiche", delle "Combustioni", dei "Ferri", dei "Cellotex", dei "Cretti", fino allo straordinario "Cretto di Gibellina" che trova proprio in Sicilia la sua dimensione a scala paesaggistica, per Fontana l'assidua definizione della spazialità avviene sotto il segno dei suoi "Concetti spaziali", siano essi le sculture del '47 o i "Buchi" e i "Tagli _ Attese" degli anni tra il '49 e il '58, oppure gli "Ambienti", le "Nature", i "Quanta" e i "Teatrini" e altre straordinarie creazioni in metallo o al neon che concludono la sua vicenda artistica.

La mostra (circa 100 le opere scelte da Bruno Corà) sarà allestita negli eleganti saloni di Palazzo Valle, capolavoro del barocco catanese. L'allestimento renderà possibile l'osservazione contestuale delle opere. Una sezione del percorso espositivo sarà dedicata alle grafiche e ai disegni dei due maestri, rendendo così possibile un approfondimento delle fasi preliminari e di studio dell'opera dei due maestri.

Importante anche il volume: oltre a documentare tutti i cicli di lavoro dei due artisti presenti nella mostra, conterrà un saggio del curatore, che porrà in luce sia le relazioni dei due maestri con le avanguardie storiche, sia l'influenza da loro esercitata sulle correnti artistiche successive. Apparati biobibliografici aggiornati delle singole personalità concluderanno la pubblicazione.

"Il nostro obiettivo, afferma Alfio Puglisi Cosentino, Presidente della Fondazione Puglisi Cosentino, è di approfondire la riflessione avviata con la mostra inaugurale di Palazzo Valle, mostra dedicata alle "Costanti del classico nell'arte del XX e XXI secolo", esposizione che ha goduto di un oggettivo, amplissimo consenso di critica e di pubblico. Forti di quella prima, importante esperienza, proponiamo il confronto ravvicinato tra due degli artisti italiani più internazionali del Novecento. Un confronto che sarà accompagnato da un intenso programma di iniziative che la Fondazione Puglisi Cosentino sta definendo per offrire al meglio, a siciliani e turisti, un evento di assoluto spessore"



BURRI E FONTANA. Materia e Spazio
Dal 15 novembre 2009 al- 14 marzo 2010
Fondazione Puglisi Cosentino - Palazzo Valle, via Vittorio Emanuele 122
Orario: dal martedì alla domenica 10-13.30; 16.00-19.30 il sabato sino alle 21.30; chiuso il lunedì; aperture straordinarie su prenotazione
Biglietti interi:8 euro, ridotti: 5 euro, scolaresche: 2,50 euro.

Mostra a cura di Bruno Corà, promossa dalla Fondazione Puglisi Cosentino in collaborazione con la Fondazione Fontana (Milano) e la Fondazione Burri (Città di Castello) e con il contributo di Presidenza della Regione Siciliana, Assessorato Regionale BB. CC. AA e PI, Assessorato Regionale al Turismo, Sensi Contemporanei. Main Sponsor: Finsole Spa.Media Sponsor: Corriere della Sera. Catalogo edito da Silvana Editoriale a cura di Bruno Corà, Chiara Sarteanesi e Valeria Ernesti.

Per informazioni e prenotazioni:
Fondazione Puglisi Cosentino tel. + 39 095 7152228, + 39 095 7152118
info@fondazionepuglisicosentino.it
www.fondazionepuglisicosentino.it




Messaggio di Gino il mercoledì 11 novembre 2009 alle 19.41   -  forum administrator-  forum moderator
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UN GIORNO NELLA VITA DELLA CITTA’
E’ COSI’ CHE VIVIAMO?
Riti, Visioni e Azioni
con
Gary Brackett, David Copley, Antonia Masulli Matera e Jeff Nash
del Living Theatre di New York
con la partecipazione degli allievi del Master Class

Venerdì 13 novembre 2009 ore 21.00
Fondazione Morra
Palazzo Ruffo di Bagnara

Ingresso gratuito

Frammenti di desideri, sogni, bisogni, speranze di cambiamento: giovani che si muovono con energia ed affermazione verso la nuova vita.

Gary Brackett e Antonia Masulli Matera membri della compagnia storica degli anni '70 di New York City, hanno con un gruppo di giovani allievi, qui a Napoli, realizzato una creazione collettiva utilizzando gli strumenti, le tecniche e l'utopica visione rivoluzionaria dello storico movimento Living Theatre.

Per ulteriore informazioni

www.livingeuropa.org
+39 347 8344336 / +39 329 1542615
livingeuropa@gmail.com

Fondazione Morra
Palazzo Bagnara p.zza Dante, 89
80135 Napoli Italy
T +39 081 5641655
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org

Breve storia del Living Theatre
Il Living Theatre è una compagnia teatrale sperimentale contemporanea, fondata a New York nel 1947 da Judith Malina e Julian Beck.
Sin dall'inizio ha coniugato la forma teatrale con l'impegno civile e politico, in senso libertario. Si riconoscono due fasi nella storia della compagnia: il primo periodo, dalla fondazione fino al 1960, il gruppo svolge in prevalenza attività stabile a Broadway e rappresenta soprattutto opere di nuovi drammaturghi americani: Gertrude Stein, William Carlos Williams, John Ashbery, Paul Goodman, o tratte da scrittori europei contemporanei (Jean Cocteau, Federico García Lorca, Pirandello). Nella seconda fase, che prese il nome di "movimento Off-Broadway", inizia una nuova forma di attività come compagnia itinerante, prevalentemente in Europa (anche per ragioni di scomodità politica) e cicli di rappresentazioni più innovative, con forme di recitazione via via più sganciate dalla "finzione" e dal personaggio.
Arrivato in Italia nel 1961, il Living Theatre ha recitato in centinaia di paesi, piccoli e grandi, spesso in luoghi (cantieri, scuole, strade...) e contesti poco usuali. La compagnia ha portato così al pubblico italiano opere che hanno cambiato la fisionomia del teatro moderno, in cui predomina la ricerca collettiva degli attori e delle attrici e l'interazione creativa con il pubblico presente.
Complessivamente, il Living Theatre ha rappresentato più di 80 produzioni, recitate in diverse lingue e in 25 paesi. Il gruppo lavora sempre in maniera autonoma e collettiva, con la direzione di Judith Malina e di Hanon Reznikov (mancato nell'Aprile 2008), subentrato nel 1985 a Julian Beck, dopo la scomparsa di quest'ultimo. Dal 1999 al 2004 la sede europea del Living Theatre è stata presso Rocchetta Ligure, in val Borbera in Piemonte. Dal 2004 la compagnia è tornata a New York.
Il progetto di Rocchetta Ligure viene interrotto nel 2003, a causa della perdita da parte della compagnia della sede, da allora il regista Gary Brackett e Antonia Masulli Matera del Living Theatre di New York decidono di muoversi per l’ Italia e l’ Europa, portando il lavoro del Living Theatre nelle città e nei paesi con cui viene a contatto. E’ grazie a questi viaggi, che il Living incontra in Italia un nuovo gruppo di attivisti teatranti che, decidono di ridare vita al progetto Living Theatre Europa.

Ai sensi dell'art.13 del D.Lgs. 30 giugno 2003, n.196 Codice in materia di protezione dei dati personali) si comunica che questa newsletter ha il solo scopo di far conoscere gli eventi culturali organizzati o promossi dalla Fondazione Morra o dal Museo Nitsch.


Messaggio di Gino il giovedì 12 novembre 2009 alle 09.47   -  forum administrator-  forum moderator
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Jara Marzulli 

"SOTTO-PELLE"

video installazione di Masciare,

inaugurazione venerdì 13 ore 19.30

Spazio Nodo

via Cattaro 14, Bari

 

 



Messaggio di Gino il giovedì 12 novembre 2009 alle 09.56   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il giovedì 12 novembre 2009 alle 09.59   -  forum administrator-  forum moderator
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fino al 2.XII.2009
Luca Francesconi
Napoli, Umberto Di Marino

La vastità dei campi arati e i circoscritti spazi d’una galleria. La zappa e il pennello. Francesconi svela affinità tra categorie apparentemente lontane e rifonda la concezione di tempo. A cavallo delle fasi lunari...


pubblicato mercoledì 11 novembre 2009

Luca Francesconi (Mantova, 1979; vive a Parigi e Milano) ci ha abituati a un’arte problematica, legata a doppio filo con la storia e le branche di pensiero a essa tangenti, come l’alchimia, la filosofia, la metafisica, l’arte popolare.
Di ritorno in città, l’artista dal cripticismo minimale propone una ricerca sul tempo, condotta “sfogliando” calendari e almanacchi. Sono proprio le prassi agricole a finire sotto l’occhio attento del mantovano, perché “è tramite l’agricoltura che l’uomo ha avuto le prime necessità di confrontarsi con il tempo, di ordinarlo e di iniziare a maneggiarlo, quindi teorizzarlo”.
I principi della rotazione, le attività di semina e raccolta sono infatti pratiche legate a cadenze determinate da una misurazione arbitraria - nel senso di misurazione stabilita dall’uomo - del tempo, scandita dal ciclico alternarsi delle stagioni, del giorno e della notte.
Non più tempo lineare-progressivo, cristianamente inteso, dunque, ma luogo di una verità destinale e storica dell’essere, condizione dell’esistenza intesa come progetto. Così, le sculture realizzate con argilla di fiume, una tavola lignea che reca impresse tracce di colore, un arcolaio bronzeo, interpretabili come metafore delle varie declinazioni del fare artistico, diventano frutto di un proposito, progettualità concretizzatasi, ancora una volta, a partire da una organizzazione del lavoro e raccontano dell’uomo, questa volta artista, homo faber, artigiano, la cui arte è legata a una manualità. La traccia di questo fare è il tempo dell’opera d’arte.
Luca Francesconi - Calendario delle Semine - veduta dell’allestimento press la Galleria Umberto Di Marino, Napoli 2009
Tempo che si fa fisico e tangibile in Calendario delle Semine, dove sulla mensola che reca pochi, essenziali oggetti è lo spazio, che pausa il loro disporsi, a misurare il tempo, così da essere non più mero contenitore, ma partecipe del contenuto, arrivando a modificarlo, rinnovarlo, ridefinirlo. È quanto accade prendendo in esame l’attività curatoriale; dice, infatti, Francesconi: “Disporre oggetti sulla mensola è la medesima operazione che, in proporzioni maggiori, un curatore fa in una mostra, ovvero adopera lo spazio secondo ritmi e dimensioni”.
Questa sostanziale analogia tra i due concetti, da sempre al centro di dibattiti filosofici, la si ritrova ritornando con i “piedi nella terra”, nella misura in cui il campo arato costituisce il luogo dove si dispiega il progetto creatore della natura, a cui l’uomo consacra la propria fatica, la propria dedizione secondo precise e ben determinate cadenze che diventano allora ritmo, ritualità: la natura si fa temp(i)o.
Luca Francesconi - Calendario delle Semine - veduta dell’allestimento press la Galleria Umberto Di Marino, Napoli 2009
È alla fine del percorso espositivo che questa sacralità antropomorfa fa la sua comparsa: una mastodontica zampa di gallina, un cuoio serpentino, un carapace sono di fatto moderne icone di discendenza bizantina, in cui s’adombra l’elemento energetico che partecipa al processo perenne della vita, lo spirito divino che vi presiede.

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La prima volta a Napoli

carla rossetti
mostra visitata il 18 ottobre 2009


dall'otto ottobre al 2 dicembre 2009
Luca Francesconi - Calendario delle Semine
Umberto Di Marino Arte Contemporanea
Via Alabardieri, 1 (zona Chiaia) - 80121 Napoli
Orario: da lunedì a venerdì 15-20; sabato ore 11-14 e 16-20
Ingresso libero
Info: tel + 39 0810609318; fax +39 0812142623; info@galleriaumbertodimarino.com; www.galleriaumbertodimarino.com


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Simon Keenleyside



Safe In The Magic Of My World

La Blindarte contemporanea e' lieta di inaugurare, giovedi' 12 novembre 2009, la seconda personale in galleria di Simon Keenleyside. La mostra sarà aperta al pubblico fino al 18 gennaio 2010.

Nei suoi nuovi dipinti l'artista inglese prosegue l'esplorazione dei luoghi nei quali e' cresciuto e che ancora oggi lo circondano, l'Essex, in Inghilterra.
Simon Keenleyside ritrae questi luoghi con una sorprendente capacità di svelare il mistero e gli intrighi che li circondano; evoca attraverso i suoi dipinti non soltanto luoghi fisici, ma anche stati mentali, desideri ed ansie che lo accompagnano durante i percorsi alla scoperta del territorio.

Molti dei motivi dei suoi lavori sono gli elementi - memorie dei tempi precedenti che, presenti in ordine sparso sul territorio, caratterizzano i paesaggi dell'Essex: resti della prima e seconda guerra mondiale, torri d'acqua e containers abbandonati dalle industrie locali, muri di confine parzialmente abbattuti che circondano la città. La presenza di questi spettri del passato aggiunge al paesaggio un alone di mistero ed allo stesso tempo offre momenti di condivisione di una memoria collettiva inglese.

Nei nuovi dipinti l'artista rilegge il -suo- paesaggio grazie ad un'intensa luce che vede promanarsi dalle limitrofe periferie costiere, e che si riflette ed illumina tutti i paesaggi vicini creando una forte tensione cromatica.
Il risultato e' dato dall'utilizzo della pittura fluorescente che caratterizza l'intero corpo del lavoro.
Nei lavori di Keenleyside la fisicità della pittura e' sempre preminente, l'atto di aggiungere e sottrarre materia, riempire e nascondere quanto già dipinto, contribuisce alla formazione di un mondo pieno di continue sorprese, dove la pittura supera la materia e diviene essa stessa paesaggio. Il paesaggio viene cosi' trasformato in un luogo in cui la familiarità si fonde con visioni oniriche, e si rivela la trascendente bellezza di un posto dove l'ordinario e il magico si incontrano.

Simon Keenleyside, 1975, vive e lavora in Gran Bretagna. Dopo essersi diplomato al Royal College of Art, l'artista ha esposto in numerose mostre nel Regno Unito, in Danimarca, in America ed in Italia. Nel 2002 ha vinto il BOC Emerging Artist Award e nel 2004 il Lexmark European Art Prize. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni come la Boc group, Comme de Garcons, Hiscox plc, Mario Testino, Amlyn Collection, Marsh McLennan, RCA Collection, TI Group.

Immagine: Somewhere only we know, olio su lino, cm 32x40

Opening giovedi' 12 Novembre ore 19

Blindarte
via Caio Duilio 4d/10 - 80125 Napoli
lunedi' - venerdi' 10-13 e 16-19



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Napoli - gio 12 novembre 2009
RearViewMirror


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PAN - PALAZZO DELLE ARTI NAPOLI - PALAZZO ROCCELLA
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+39 0817958605 , +39 0817958608 (fax)
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www.palazzoartinapoli.net
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Eventi in corso nei dintorni

Cento pagine, 16x24 centimetri, una copertina fronte-retro che avvolge l'intera rivista nell'orizzonte di un unico scatto: RearViewMirror, edito da Postcart e disponibile da settembre 2009 in abbonamento, nelle librerie e nelle maggiori edicole al prezzo di 10 euro, è il nuovo magazine quadrimestrale dedicato alla fotografia documentaria.
biglietti: ingresso libero
vernissage: 12 novembre 2009. ore 18
autori: Marta Sarlo
genere: presentazione, incontro - conferenza
email: adelaide.auriemma@palazzoartinapoli.com
 

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Messaggio di Gino il giovedì 12 novembre 2009 alle 10.16   -  forum administrator-  forum moderator
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MONSTRUM

VASSILIS PATMIOS KAROUK

a cura di  AUGUSTINE ZENAKOS

opening 13 Novembre ore 19:00

dal 13 Novembre 2009 al 1 Gennaio 2010

orari: dal martedì al venerdì 10.30/13.00   16.30/19.30

sabato su appuntamento

 

Che cosa è un mostro?

Durante  la stesura, mentre un altro accusato sta andando al processo all’ Aia, noi siamo di nuovo invitati a guardare nel cuore dell'oscurità. Questo, dicono, è il male assoluto: la straordinaria forza innaturale che, ogni tanto, impone se stessa alla nostra comunità - il mostro.

Ma che mostro è questo? Non sono mai sicuro.

Come tengo a dire, la più grande bugia del nostro tempo è che noi tutti essenzialmente siamo d'accordo. Naturalmente, sappiamo che ci sono conflitti nel mondo, guerre, crimini e ogni sorta di cose terribili, ma in qualche modo noi ci convinciamo sempre che questi eventi capitano a dispetto della nostra vera natura, come aldifuori della normalità; loro sono perversioni della “natura”, concettualmente emarginati nel regno della devianza. La democrazia liberale contemporanea sembra averci persuasi  che il consenso è il nostro vero stato fondamentale, mentre la violenza - nonostante sia frequente - è  meramente  accidentale.

Noi  inevitabilmente,  in modo quasi voyeuristico, ci focalizziamo su questa violenza accidentale  - cosa che Slavoj Žižek avrebbe chiamato violenza soggettiva - ciò che ne risulta è moralizzazione. L'arte contemporanea non fa eccezione a questa fallacità. Molti artisti hanno assunto il ruolo di commentatori di questo spettacolo continuo, perché, infatti, che altro c'è da fare entro i confini di un accordo universale?

Comunque, qualcuno potrebbe dire che la democrazia liberale contemporanea sta mascherando le sue origini: non è la grandezza dell’ umanità in sè, ma la realizzazione che l'umanità è capace di grandezza malgrado la sua capacità di male, che costituisce il cuore dell’ umanesimo.  Infatti, il male era con noi prima di qualsiasi altra cosa, e l'umanità (humanity) - nel suo doppio significato di “humankind” e “humanness”  - è una nozione più oscura e sporca di quella che si potrebbe sperare.

Una delle conseguenze di questa cecità  verso le nostre implicite antinomie è la morte delle grandi narrative. La maggioranza di noi non osa toccarle, purtroppo non per qualche tipo di umiltà, ma perchè queste ci sembrano irrilevanti: in un mondo dove il consenso regna supremo, le grandi narrative sono considerate come una irrilevanza, un esercizio rétrò al meglio, il racconto di una storia consolatoria e familiare.

Quello che trovo particolarmente affascinante nell’arte di Vassilis P. Karouk è il fatto che lui non è un commentatore. Mentre il paradigma contemporaneo lo spinge constantemente in una direzione diversa, lui lotta con la grande narrativa come se fosse l’unico modo. Questo si verifica anche nei suoi ultimi quadri, come nel suo film, “ Motivo”, un tenebroso, penetrante sguardo sul perpetuo problema della divisione della ricchezza.

Per Vassilis P. Karouk l'umano è un mostro, ma non in senso accidentale, neppure nel modo in cui viene definito dal pubblico moralizzato o dalla legge internazionale. L’umano è un mostro come parte della sua costituzione. Ancora, al di sopra e oltre la sua costituzione, l’umano è anche capace di essere violento per scelta, cadendo direttamente nel truismo shakespeariano che lo condana a non essere bestia. Questo mostro umano - poteva essere qualcosa altro che umano? - lentamente appare, mentre il velo della percezione della violenza come coincidenza  si sgretola, viaggiando nella narrativa.

Quello che è strano, comunque, è che diventa un mostro soltando quando siamo attrati da lui, perché, qualunque cosa l’arte di Karouk possa essere, è anche spudoratamente sincera: c’è attrazione celata nei posti più tenebrosi, abbastanza differente dal piacere voyeuristico che ricaviamo dai nostri incontri quotidiani con gli orrori del mondo. Questa attrazione non è piacevole; è più affine all’ essere soggetto ad un magnete, un’incessante attrazione verso il lato più oscuro dell’umanità.

Penso a questo specialmente oggi, dove la moralità è diventata un oggetto di attività amministrativa, tale visione è particolarmente pregnante. E`il confronto con il mostro che rende possibile la moralità, non la pretesa che esso non esista, o, ancora peggio, che esso esista, ma sia un altro.

Mentre ascolto, nel notiziario, qualcuno che cerca di convicermi che l’ordine e la normalità vengono finalmente, anche se lentamente, restaurate (L’ultima cosa che ha pronunciato era - il tuo nome). Mi sento grato per L’orrore! L’orrore! Mi sento grato che ci sia un narratore, che posso sentire il dondolare della barca, che posso vedere il canale tranquillo che sembra condurre nel cuore di un’ immensa tenebra.

Augustine Zenakos

Le frasi in corsivo sono estratte da “Cuore di Tenebra” di Joseph Conrad.

 

 VASSILIS PATMIOS KAROUK  è nato ad Atene il 1977 dove vive e lavora

2004 - 2006   MA, Digital Forms of Art, University of Fine Arts, Athens

1998 - 2003  BA, University of Fine Arts, Athens

2001               University of Fine Arts, Utrecht, Netherlands

Principali mostre personali e collettive:

2009

The Beautiful is just the first degree of the Terrible, curated by Apostolos Kalfopoulos, State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Greece

Heaven,2nd Athens Biennial, curated by Nadja Argyropoulou, Athens, Greece

Paint-id, Macedonian Museum of Contemporary Art, curated by Sotiris Bahtsetzis, Thessaloniki, Greece

Goldfish Suddenly Dead, Extra City Centre for Contemporary Art, curated by XYZ,  Antwerp,  Belgium

Motivo, Loraini Alimantiri Gazonrouge, Athens, Greece

2008

Future Tech, Loraini Alimantiri Gazonrouge, Athens, Greece

Velvet Festival, Zourlokandero: H.E.R.O.E.S., Bios, Athens, Greece, curated by Nadja Argyropoulou

2007

Destroy Athens, 1st Athens Biennial, curated by Xenia Kalpaktsoglou, Poka-Yio, Augustinos Zenakos, Athens, Greece

I Syghroni Elliniki Skini, ArtAthina, curated by Nadja Argyropoulou, Athens, Greece

 

 

 

AKNEOS GALLERY

Palazzo Monte Manso di Scala

via Nilo 34, 80134 Napoli

tel: +39 0815524714

email: info@akneos.com

www.akneos.com

 



Messaggio di Gino il venerdì 13 novembre 2009 alle 09.08   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - ven 13 novembre 2009
Living Theatre - Un giorno nella vita della città. E' così che viviamo?

FONDAZIONE MORRA - PALAZZO BAGNARA
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Piazza Dante 89 (80135)
+39 081454064 , +39 081454064 (fax)
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org
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Eventi in corso nei dintorni

Gary Brackett e Antonia Masulli Matera membri della compagnia storica degli anni '70 di New York City, hanno con un gruppo di giovani allievi, qui a Napoli, realizzato una creazione collettiva utilizzando gli strumenti, le tecniche e l'utopica visione rivoluzionaria dello storico movimento Living Theatre.
biglietti: ingresso libero
vernissage: 13 novembre 2009. ore 21
autori: Living Theatre
genere: performance - happening, serata - evento
email: livingeuropa@gmail.com
web: www.livingeuropa.org


Messaggio di Gino il venerdì 13 novembre 2009 alle 09.09   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - sab 14 novembre 2009
William Kentridge - I am not me. The horse is not mine


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MADRE - MUSEO D'ARTE DONNA REGINA
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Via Luigi Settembrini 79 (80139)
+39 08119313016
www.museomadre.it
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Eventi in corso nei dintorni

Lecture/Performance con proiezione
vernissage: 14 novembre 2009. ore 20
autori: William Kentridge
note: Si ringrazia Lia Rumma per la collaborazione.
genere: performance - happening, incontro - conferenza, serata - evento
email: pellegrini@museomadre.it


Messaggio di Gino il venerdì 13 novembre 2009 alle 09.10   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 13 al 20 novembre 2009
Stefania Napolitano - PulcinellArab. I colori oltre la guerra

PulcinellArab
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LIBRERIA EVALUNA
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Piazza Vincenzo Bellini 72 (80138)
+39 081292372 , +39 081292372 (fax)
libreriadelledonne@evaluna.it
www.evaluna.it
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Eventi in corso nei dintorni

L’IPOTESI DI LAVORO È ESSENZIALMENTE IL COSMOPOLITISMO. L’obiettivo, liberare il personaggio dalla “napoletanità” renderndolo cittadino del mondo. PulcinellArab sbeffeggia il potere tra innocenza e ironia, oltre ogni frontiera.In mostra ceramiche che accompagnano il percorso di questa icona-totem.
orario: da lunedì a sabato 19-24
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: ingresso libero
vernissage: 13 novembre 2009. ore 20.00
curatori: Lia Polcari, Rosi Polcari
autori: Stefania Napolitano
genere: personale, arti decorative e industriali


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Napoli - dal 14 al 21 novembre 2009
Asta di Novembre 2009 N.26

A.S. Pitloo "Dal Monte Nuovo" lotto 142
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GALLERIA E CASA D'ASTE VINCENT
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Via Tito Angelini 29 (80129)
+39 0813723315 , +39 0812291237 (fax)
info@vincentgalleria.it
www.vincentgalleria.it
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Eventi in corso nei dintorni

Asta di dipinti di importanti autori dell'800 e del '900
biglietti: ingresso libero
vernissage: 14 novembre 2009. ore 10.00
catalogo: in galleria.
note: da sabato 14 a venerdi 20 novembre ore 10-20 (incluso festivi)
genere: altro, asta


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Nola (NA) - dal 13 novembre al 13 dicembre 2009
Laudato sie

Roberto Ceccarelli
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BANCA SELLA SUD ARDITI GALATI
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Piazza Clemenziano 7 (80035)
www.sella.it
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Eventi in corso nei dintorni

L’edizione campana di questo evento ispirato dalla lettura del celebre Cantico di San Francesco, prevede la presentazione della mostra in più sedi ed è curata da MonnaLisa Salvati.
orario: Lunedì al venerdì 8:30/13:30; 14:45/15:30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: ingresso libero
vernissage: 13 novembre 2009.
curatori: MonnaLisa Salvati
autori: Antonella Avataneo, Roberto Ceccarelli, Finalba Di Pietro, Sara Forte, Elio Frontini, Barbara Maria Piccinini, Franco Sinisi, Fabio Usvardi
telefono evento: +39 3204571690
note: Mostra promossa da Studio7.it
genere: arte contemporanea, collettiva
email: monna72@libero.it
web: www.associazionestudio7.it


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BEAUTIFUL ELSEWHERE:
Since the 23rd/11/2009 until the 3rd/12/2009
BEAUTIFUL ELSEWHERE

International exhibition of contemporary art


Universita' degli Studi di Napoli "Parthenope"
Villa Doria D'Angri
Via Petrarca, 80, Napoli ,Italy

Edited by
Gianfranco Erbani, Giovanni Mangiacapra, Vincenzo Montella


IL RAMO D’ORO
Centro d’arte cultura

Inauguration on the 23rd/11/2009 at 18
Introduction by

Gennaro Ferrara, Rosario Bianco


Opened since the 23rd / 11 / 2009 daily from 9 to 18 until the 3rd/12/2009
Participating Artists:

Isabelle Lamaitre (Belgium), Panayotov Biser Ivanov (Bulgaria), Liu Yang, Liu Wei, Wang Tiewei (China), Ute Illig (Germany), Hiroshi Matsumoto (Japan), Sety Mardiyantoro (Indonesia), Guido Della Giovanna, Gianfranco Erbani, Laura Intrito, Giovanni Mangiacapra. Clara Menerella, Vincenzo Montella, Moscaritolo Fulvio (Italy), Yeoh Jin Leng (Malaysia), Jeannette Unite (South Africa), Jason Bryant, Dejan Pejovic, Max Yawney (USA), Orlando Campos, Ines De Veer, Arnoldo Diaz, Dudamel Raul Penalver, Freddy Simoza

The exhibition represents the contribution of the center of art and culture, IL RAMO D’ORO to the international conference:

Fusion and con-fusion
migrating cultures and the dynamic of exchange
that will take place in the same venue from the 23rd to the 24th/11/2009

Organized by
Centro d'Ateneo per l'erogazione dei servizi linguistici

There is a parallel universe, made of electronic correspondences, where it is possible to be citizens of the world although living in an era of impassable borders, wars, censorship.
A dimension in which anyone can build their own network escaping social, personal, political, geographical conditioning.
This universe, improperly called virtual, is able to produce concrete events such as this exhibition in which artists working in a variety of locations express their will to develop their creativity together
Vincenzo Montella



Messaggio di Gino il sabato 14 novembre 2009 alle 08.52   -  forum administrator-  forum moderator
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Ufficio stampa : Intesa & C.P. S.r.l.

Via dei Banchi Vecchi 61, 00186 Roma

Tel. 06.6832740 – Fax 06.6832770

Web : www.intesacp.it - Mail : cultura@intesacp.it

TURCHIA – UFFICIO CULTURA E INFORMAZIONI

Indirizzo : Piazza della Repubblica, 55/56 - 00185 ROMA

Tel. 06 4871190 - 06 4871393 - Fax 06 4882425  - E-mail: turchia@turchia.it - Web: www.turchia.it

 

 

L’INFINITO

Universo e Amore

 

mostra dell’artista Demet KIZILTAS

 

Inaugurazione mostra : venerdì 20 novembre 2009, ore 17.30

 

Periodo espositivo : 20 novembre - 11 dicembre 2009

Orari : 9.00 - 17.00 ( dal lunedì al venerdì )

Piazza della Repubblica 55/56, Roma

 

Ingresso gratuito

 

Venerdì 20 novembre, alle ore 17.30, presso lo spazio espositivo dell’Ufficio Cultura e Informazioni dell’Ambasciata di Turchia a Roma, sarà inaugurata la mostra di Demet Kiziltas, pittrice, graphic arts designer e architetto.

 

L’artista spiega così la sua visione dell’universo : “Nel percorso vitale proteso verso l'universo, ciascuno di noi ha un ruolo specifico e predeterminato. La vis individuale si manifesta in svariate forme, quasi sempre condizionate; talvolta acquisisce autocoscienza e ci si accorge di essere una manifestazione di energia, l'illusione di un attimo nella dimensione spazio-temporale dell'infinito. L'energia dell'universo, che si evidenzia nell'evoluzione e nella mutazione continua dei suoi elementi, è la vita dell'infinito, assimilabile a quella umana. La vita da sola non ha alcun significato… ma è un'occasione per crearli. La creatività si può esprimere senza il potere, la paura, il possesso ed il giudizio. La sublimazione dell'energia e della creatività umana, l'idealizzazione del pensiero e la trasposizione figurativa dei sogni, la rappresentazione dell'estetica, delle forme, dei colori e delle emozioni danno luogo alla genesi spontanea dell'arte. E nell'intima ricerca di una fusione con l'universale, per chi riesce a creare e a dare un significato alla vita, l'arte resta l'unica magica risposta al nostro anelito di infinito.

 

Gustavo Scognamiglio così sulle opere della Kiziltas: La coincidenza di visioni antitetiche, la coesistenza del finito e dell’infinito sono gli elementi essenziali che traspaiono dalla energia creativa dell’artista che cavalca sintesi cromatiche violente e morbide come i suoi stati d’animo. La ricerca parossistica di cogliere l’infinito e l’universale viene veicolata da forme geometriche definite e talvolta sfumate, pur non rifiutando rientri nostalgici nei ricordi reali e in paesaggi onirici. Il tempo non è vissuto dimensionalmente; diventa un’evoluzione di forme e colori che suggeriscono insieme implosione ed esplosione, stasi e divenire. Talvolta marcatamente metafisico, talvolta squisitamente geometrico, l’obiettivo della sua tavolozza resta l’individuazione dell’essenza dell’universo.

 

Pino Tartaglia invece dichiara : “Sfondi scuri con sprazzi di argento e rosso, sfere e linee, universo, stelle, ricerca dell’infinito, sembrano sviluppare un continuo messaggio di ricerca di creatività attraverso il superamento dei confini materiali e degli involucri che ingabbiano l’essenza dell’essere umano. Questa ricerca infinita spazia attraverso la sua pittura in un alternarsi di forme geometriche e linee aperte, tra forma e spirito, in una sorta di rincorsa all’infinito. Nobilita quindi il conflitto, la contraddizione presenti nella natura umana, contrasto tra materia e spirito, corpo e anima. Senso della contraddizione come motore di ricerca. Tra idealizzazione e onnipotenza, tra limiti e confini, spazi immensi che aprono le porte alla generosità della persona nella creatività e nelle relazioni con il mondo e con tutti i prezzi che queste comportano. La gioia dell’artista viene rivelata senza paura in un ordine supremo che travalica la realtà in virtù di questa potenza energetica che ha bisogno di spazi incommensurabili per esprimersi, come se lo spazio esistenziale fosse una prigione dell’energia interiore, un limite insostenibile , una compressione che si libera attraverso l’esplosione dei colori. Si tratta di frammenti di luce che di per sé contengono altri principi vitali in una sorta di mosaici infiniti. Questo si avvicina molto alla sensibilità melodica dell’artista. Questo linguaggio si avvicina molto alla musica in una sorta di sinestesia, quasi che lei dipingesse accompagnata da  sottofondo sonoro fatto di note dolci e delicate  che contribuiscono all’armonia della sua espressione pittorica. Sembra che l’essenza del messaggio sia un “andare oltre.”. Contrasto tra l’aspetto estetico ed estatico. La corporeità  dei dipinti è interamente surrogata dalle interazioni di linee energetiche che trascendono la forma e diventano espressione della vita che pulsa nel macrocosmo. Quindi una ricerca del’infinito e il significato di essere. Il contrasto tra  la gioia del legame del’infinito e l’anelito del’energia eterna che la porta ad andare ”oltre”, oltre i confini, oltre i condizionamenti, oltre i limiti dell’esistenza, e della cultura: un tema che ripropone l’antica antitesi tra natura e cultura: quindi , ricerca dell’infinito e oscillazione tra spirito e materia.. Attraverso la sua pittura si rivela il tentativo estremo di superare lo spazio, la materia e il tempo per scoprire una sorta di missione archetipica affidata ad ogni essere umano e che solo l’arte ha la capacità di poterlo esprimere.”

 

TURCHIA – UFFICIO CULTURA E INFORMAZIONI

Indirizzo : Piazza della Repubblica, 55/56 - 00185 ROMA

Tel. 06 4871190 - 06 4871393 - Fax 06 4882425  - E-mail: turchia@turchia.it - Web: www.turchia.it

 

 

L’INFINITO

Universo e Amore

 

mostra dell’artista Demet KIZILTAS

 

Inaugurazione mostra : venerdì 20 novembre 2009, ore 17.30

 

Periodo espositivo : 20 novembre - 11 dicembre 2009

Orari : 9.00 - 17.00 ( dal lunedì al venerdì )

Piazza della Repubblica 55/56, Roma

 

Ingresso gratuito

 

Venerdì 20 novembre, alle ore 17.30, presso lo spazio espositivo dell’Ufficio Cultura e Informazioni dell’Ambasciata di Turchia a Roma, sarà inaugurata la mostra di Demet Kiziltas, pittrice, graphic arts designer e architetto.

 

L’artista spiega così la sua visione dell’universo : “Nel percorso vitale proteso verso l'universo, ciascuno di noi ha un ruolo specifico e predeterminato. La vis individuale si manifesta in svariate forme, quasi sempre condizionate; talvolta acquisisce autocoscienza e ci si accorge di essere una manifestazione di energia, l'illusione di un attimo nella dimensione spazio-temporale dell'infinito. L'energia dell'universo, che si evidenzia nell'evoluzione e nella mutazione continua dei suoi elementi, è la vita dell'infinito, assimilabile a quella umana. La vita da sola non ha alcun significato… ma è un'occasione per crearli. La creatività si può esprimere senza il potere, la paura, il possesso ed il giudizio. La sublimazione dell'energia e della creatività umana, l'idealizzazione del pensiero e la trasposizione figurativa dei sogni, la rappresentazione dell'estetica, delle forme, dei colori e delle emozioni danno luogo alla genesi spontanea dell'arte. E nell'intima ricerca di una fusione con l'universale, per chi riesce a creare e a dare un significato alla vita, l'arte resta l'unica magica risposta al nostro anelito di infinito.

 

Gustavo Scognamiglio così sulle opere della Kiziltas: La coincidenza di visioni antitetiche, la coesistenza del finito e dell’infinito sono gli elementi essenziali che traspaiono dalla energia creativa dell’artista che cavalca sintesi cromatiche violente e morbide come i suoi stati d’animo. La ricerca parossistica di cogliere l’infinito e l’universale viene veicolata da forme geometriche definite e talvolta sfumate, pur non rifiutando rientri nostalgici nei ricordi reali e in paesaggi onirici. Il tempo non è vissuto dimensionalmente; diventa un’evoluzione di forme e colori che suggeriscono insieme implosione ed esplosione, stasi e divenire. Talvolta marcatamente metafisico, talvolta squisitamente geometrico, l’obiettivo della sua tavolozza resta l’individuazione dell’essenza dell’universo.

 

Pino Tartaglia invece dichiara : “Sfondi scuri con sprazzi di argento e rosso, sfere e linee, universo, stelle, ricerca dell’infinito, sembrano sviluppare un continuo messaggio di ricerca di creatività attraverso il superamento dei confini materiali e degli involucri che ingabbiano l’essenza dell’essere umano. Questa ricerca infinita spazia attraverso la sua pittura in un alternarsi di forme geometriche e linee aperte, tra forma e spirito, in una sorta di rincorsa all’infinito. Nobilita quindi il conflitto, la contraddizione presenti nella natura umana, contrasto tra materia e spirito, corpo e anima. Senso della contraddizione come motore di ricerca. Tra idealizzazione e onnipotenza, tra limiti e confini, spazi immensi che aprono le porte alla generosità della persona nella creatività e nelle relazioni con il mondo e con tutti i prezzi che queste comportano. La gioia dell’artista viene rivelata senza paura in un ordine supremo che travalica la realtà in virtù di questa potenza energetica che ha bisogno di spazi incommensurabili per esprimersi, come se lo spazio esistenziale fosse una prigione dell’energia interiore, un limite insostenibile , una compressione che si libera attraverso l’esplosione dei colori. Si tratta di frammenti di luce che di per sé contengono altri principi vitali in una sorta di mosaici infiniti. Questo si avvicina molto alla sensibilità melodica dell’artista. Questo linguaggio si avvicina molto alla musica in una sorta di sinestesia, quasi che lei dipingesse accompagnata da  sottofondo sonoro fatto di note dolci e delicate  che contribuiscono all’armonia della sua espressione pittorica. Sembra che l’essenza del messaggio sia un “andare oltre.”. Contrasto tra l’aspetto estetico ed estatico. La corporeità  dei dipinti è interamente surrogata dalle interazioni di linee energetiche che trascendono la forma e diventano espressione della vita che pulsa nel macrocosmo. Quindi una ricerca del’infinito e il significato di essere. Il contrasto tra  la gioia del legame del’infinito e l’anelito del’energia eterna che la porta ad andare ”oltre”, oltre i confini, oltre i condizionamenti, oltre i limiti dell’esistenza, e della cultura: un tema che ripropone l’antica antitesi tra natura e cultura: quindi , ricerca dell’infinito e oscillazione tra spirito e materia.. Attraverso la sua pittura si rivela il tentativo estremo di superare lo spazio, la materia e il tempo per scoprire una sorta di missione archetipica affidata ad ogni essere umano e che solo l’arte ha la capacità di poterlo esprimere.”

 

Ufficio stampa : Intesa & C.P. S.r.l.

Via dei Banchi Vecchi 61, 00186 Roma

Tel. 06.6832740 – Fax 06.6832770

Web : www.intesacp.it - Mail : cultura@intesacp.it

 



Messaggio di Gino il sabato 14 novembre 2009 alle 09.35   -  forum administrator-  forum moderator
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Carla Viparelli



InghiOTTO

a cura di Giuseppe Zampino

L'evento, promosso dalla Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici di Salerno e Avellino in collaborazione con il Rotary Club di Salerno a.f. 1949, sarà inaugurato sabato 14 novembre 2009 alle ore 11.00 presso la Chiesa di San Salvatore de Fundaco di Salerno.
Il titolo della mostra, oltre a rimandare alla forma ottagonale della chiesa che accoglie i dipinti, trae spunto da un preciso riferimento geografico, il fiume Bussento.

Il fiume che all' improvviso si inabissa in un grande inghiottitoio nei pressi di Caselle in Pittari (SA), percorre il ventre della terra, per poi riemergere a distanza, dalle grotte di Morigerati. Un percorso invisibile e incalcolabile se non in termini di tempo, un tragitto misterioso e imperscrutabile.
Il fiume, celato nel corpo della montagna, e' presenza sottintesa in tutte le opere del ciclo appositamente realizzato da Carla Viparelli.
Cinque opere (olio su tavola) in 8 moduli vestiranno altari e pareti, creando un circolo ideale, geometricamente decifrabile e simbolicamente riconducibile al cerchio della conoscenza, con un'installazione centrale.

Dice l'artista: - L'inghiotto come l'omega di una nascita e la risorgenza come l'alfa di una resurrezione-. Il continuo rincorrersi delle lettere α (alfa) e Ω (omega) aggancia il fenomeno a una dimensione metafisica, al ciclo continuo di inizio e fine proprio di ogni vita, un percorso potente quanto sfuggente a ipotesi e calcoli troppo definiti.

Il fiume e la sua acqua, come l'anima elemento vitale e allo stesso tempo incoglibile, anelata, percepibile solo con strumenti che sono propri della mente intesa come onnisciente; ghiacciai che si sciolgono e deserti che avanzano, acqua per eccesso e per assenza, scompensi di un'era di passaggio prima e dopo le sabbie.

Il numero 8 che ricorre ripetutamente e compone anche la parola inghi8, capovolto, diventa il simbolo - (infinito), in un rimando continuo a simboli e lettere, aprendo nuovi universi metafisici generati dalla riflessione sull'animo umano e sull'imponderabile. Scrive Pasquale Persico, autore del testo in catalogo: - Emerge una molteplicità spaziale, incontenibile negli occhi della prospettiva delle mappe tradizionali; ci vogliono nuovi occhiali per vedere il non lineare, la montagna ed il suo tempo diventano metafora del tempo della conoscenza.-

inaugurazione sabato 14 novembre 2009 alle ore 11

Chiesa di San Salvatore de Fundaco
via dei Mercanti - Salerno
Da lunedi' a sabato : ore 10.30- 13.00 / 17.00 - 20.30 domenica : ore 10.30 - 13.00
Ingresso libero



Messaggio di Gino il sabato 14 novembre 2009 alle 09.37   -  forum administrator-  forum moderator
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William Kentridge



Strade della citta' (ed altri arazzi)

........................english below

Il 14 novembre alle ore 12, s'inaugura la mostra -Strade della città (ed altri arazzi)-, allestita nel grande salone che ospita i Cinquecenteschi Arazzi d'Avalos. Al posto di tali opere storiche, William Kentridge collocherà undici arazzi -di cui sei monumentali di nuova produzione- bozzetti e disegni su documenti e mappe in originale del Regno di Napoli e piccole sculture di bronzo, concepiti e realizzati appositamente per la mostra.

Si tratta di opere legate alla serie degli Horse e Nose tapestries, proseguimento ideale della Porter Series, gruppo di lavori di dimensioni piu' contenute che presentano ombre in processione proiettate su carte geografiche, realizzati dall'artista a partire dal 2001.

Se la prima serie - dichiara l'artista - raffigurava -porters-, questa e' equestre. Si tratta di figure equestri antieroiche, in una crociata senza speranza attraverso la storia, cavalieri e cavalli in cerca di una terra promessa, piuttosto che della Terra Promessa-. Nei Nose tapestries si fa esplicito riferimento al breve racconto di Gogol Il naso, del 1836. Tristan Shandy di Sterne (1759) e Don Chischiotte di Cervantes (1601) gli antecedenti letterari di questo racconto che utilizza l'assurdo come espediente narrativo.

Nella storia di Gogol, il naso abbandona il volto del suo proprietario e assurge a maggiore autorità e prestigio di questi tentando di trasformarsi appunto in eroe equestre. Vengono descritti i tentativi dell'assessore di collegio Kovale'v di rintracciare e riappropriarsi del suo organo del senso, e delle parallele solitarie avventure di questo per le vie di San Pietroburgo.

Oltre alla -cartografia biblica- dell'Egitto e della Palestina, una decina di incisioni che ritraggono la città di Napoli e il suo territorio, rappresentano -il paesaggio di sfondo- delle avventure del -Naso- in veste di eroe equestre. Cio' a conferma del forte legame dell'artista - già regista ed autore nell'ottobre 2006 delle scene del -Flauto Magico- al Teatro San Carlo - con la città di Napoli, nei secoli terra di conquista e di soprusi, ma anche musa pittoresca e inquietante per le arti e la cultura.

I am not me, the horse is not mine -
Lecture/Performance con proiezione
MADRE, Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina

Lo stesso giorno, alle ore 20, al Museo Madre di Napoli, l'artista terrà una conferenza in forma di performance accompagnata da una proiezione video, dal titolo -I am not me, the horse is not mine-. Il titolo di questo lavoro deriva da un'espressione contadina russa utilizzata per negare la colpa e usata da Bukharin, il fedele luogotenente di Lenin, in una seduta del Comitato Centrale del 1937 nel tentativo di sottrarsi alla -purga- staliniana, e infine, alla morte.

Dal palcoscenico del Madre, Kentridge leggerà alcuni frammenti estratti dalla trascrizione di questo processo sommario, e brani tratti dal citato romanzo di Gogol. Kentridge ha presentato questo lavoro per la prima volta nel 2008 alla Biennale di Sidney, insieme alla omonima installazione di 8 frammenti video. Nel 1930 Il Naso viene trasposto in opera da Dimitri Šostakovič nel clima della repressione staliniana. A marzo del 2010 Kentridge curerà la regia e le scene dell'opera per il -Metropolitan Opera- Lincoln Centre- di New York.

Dal 1997, anno della sua partecipazione alla X edizione di Documenta a Kassel, le personali di William Kentridge (Johannesburg, 1955) ospitate nei musei e nelle gallerie di tutto il mondo si sono moltiplicate, a cominciare dal MCA di San Diego (1998) e dal Museum of Modern Art di New York (1999). Nel 1998 il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles ha presentato una mostra antologica delle sue opere, che tra il 1998 e il 1999 si e' spostata in altri musei europei. Una nuova retrospettiva delle sue opere, curata da Carolyn Christov-Bakargiev, e' stata ospitata nel 2004 nelle sale del Castello di Rivoli e poi in molti altri musei in Europa, Canada, Australia e Sudafrica. Il 2009 ha segnato l'avvio di una nuova, grande mostra itinerante, che e' partita da San Francisco e ha toccato vari musei del Texas, della Florida, il MoMA di New York, prima di passare in Europa.

Si ringrazia Lia Rumma per la collaborazione.

..............................english

Museum of Capodimonte, -Streets of the city (and other tapestries)-

On 14 November at 12.00 pm, the exhibition -Streets of the city (and other tapestries)- will be opened. In the large reception room that contains the famous d'Avalos tapestries, William Kentridge will place eleven newly made monumental tapestries, sketches and drawings on original documents and maps of the Kingdom of Naples and small sculptures in bronze, all designed especially for the exhibition.

The works are linked to the series of the Horse and Nose tapestries, the ideal continuation of the Porter Series, a group of smaller works which present a procession of shadows projected onto maps, made by the artist beginning in 2001.

-While the first series,- says the artist, -depicted -porters', this one is equestrian. They are antiheroic equestrian figures, in a hopeless crusade through history, riders and horses in a search of a promised land, rather than the Promised Land-. In the Nose tapestries explicit reference is made to Gogol's short story The Nose, written in 1836. Tristan Shandy by Sterne (1759) and Don Quixote by Cervantes (1601) are the literary precedents for this tale which uses the absurd as a narrative expedient.

In Gogol's story, the nose abandons its owner and rises to greater authority and prestige, trying to become an equestrian hero. The story describes the attempts by the state councillor Kovale'v to trace and regain possession of his organ and the parallel solitary adventures of the nose along the streets of St Petersburg.

Besides the -biblical map- of Egypt and Palestine, ten or so engravings depicting the city of Naples and the surrounding region represent the -background landscape- of the adventures of the -Nose- in the guise of an equestrian hero. This confirms the strong link of the artist - already director and set designer of the -Magic Flute- at the San Carlo Theatre in October 2006 - with the city of Naples which has, over the centuries, been the land of conquest and injustice but also a picturesque and disturbing muse for the arts and culture.

-I am not me, the horse is not mine -
Lecture/Performance with projection
MADRE, Donna Regina Museum of Contemporary Art

On the same day, at 8.00 pm, at the Madre Museum in Naples, the artist will give a talk in the form of a performance accompanied by a video projection entitled -I am not me, the horse is not mine-. The title of the work derives from a Russian peasant expression used to deny guilt and used by Bukharin, Lenin's faithful deputy, in a meeting of the Central Committee in 1937 in an attempt to escape the Stalinist purge and finally death.

From the stage of the Madre museum, Kentridge will read several fragments taken from the transcription of this summary trial, and extracts taken from the previously mentioned story by Gogol. Kentridge presented this work for the first time in 2008 at the Sydney Biennial, together with the installation of 8 video fragments with the same name. In 1930 The Nose was made into an opera by Dimitri Šostakovič in the chilling atmosphere of Stalinist repression. In March 2010 Kentridge will direct and design the sets of the opera for the -Metropolitan Opera- Lincoln Centre- in New York.

Since 1997, the year of his participation at Documenta X at Kassel, many solo exhibitions of the work of William Kentridge (Johannesburg, 1955) have been held in museums and galleries throughout the world, beginning with the MCA in San Diego (1998) and the Museum of Modern Art in New York (1999). In 1998 the Palais des Beaux-Arts in Brussels presented an anthological exhibition of his works which moved to other European museums between 1998 and 1999. A new retrospective of his works, curated by Carolyn Christov-Bakargiev, was held in the rooms of the Castello di Rivoli in 2004 and then in many other museums in Europe, Canada, and South Africa. 2009 marked the start of large new travelling exhibition which began in San Francisco and then moved to various museums in Texas, Florida, MoMA in New York, before being transferred to Europe.

Our thanks go to Lia Rumma for her help and assistance.

Inaugurazione Sabato 14 Novembre 2009, ore 12

Performance alle 20, presso MADRE Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina
Via Settembrini, 79 - Napoli
Sarà possibile accedere alla performance solo su prenotazione
Tel. +39.081.19978024
e-mail: pellegrini@museomadre.it

Museo di Capodimonte
Via Miano, 2 - Napoli
Orario: 8.30-19.30; mercoledi' chiuso
Ingresso: museo e mostra - 7,50



Messaggio di Gino il sabato 14 novembre 2009 alle 09.44   -  forum administrator-  forum moderator
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Benevento - dal 14 novembre 2009 al 16 gennaio 2010
Adelaide Di Nunzio - White Goddesses

Geisha
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NUMEN ART GALLERY
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Vico Noce 20-22, 33 (82100)
+39 3387503300
info@numen.it
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Eventi in corso nei dintorni

“Le Divinità Bianche” sono un progetto artistico che indaga sui Miti. Sono un libro aperto sull’anima, un catalogo illustrato sugli aspetti umani, un caleidoscopio di ritratti, che ci seducono con l’immediatezza e l’accessibilità della bellezza per svelarci l'aspetto più intimo o oscuro di ognuno di noi.
orario: martedì-giovedì dalle 10 alle 13 venerdì e sabato dalle 17 alle 20
e su appuntamento
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 14 novembre 2009. ore 19
curatori: Sirio Schiano lo Moriello
autori: Adelaide Di Nunzio
genere: arte contemporanea, personale


Messaggio di Gino il sabato 14 novembre 2009 alle 09.44   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 14 al 20 novembre 2009
Linea emergente. Giovani artisti in formazione


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UNIVERSITA' SUOR ORSOLA
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Via Suor Orsola 10 (80135)
+39 0812522270 , +39 081421363
www.unisob.na.it/index.htm
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra collettiva
vernissage: 14 novembre 2009. ore 11
telefono evento: +39 3396950302
note: organizzata dalla Società Umanitaria, sede di Napoli, con il coordinamento scientifico e la cura del catalogo di Franco Lista, Elena Saponaro, Maurizio Vitiello, Sergio Zazzera
genere: arte contemporanea, serata - evento, giovane arte, collettiva
email: mauriziovitiellonapoli@yahoo.it


Messaggio di Gino il lunedì 16 novembre 2009 alle 10.45   -  forum administrator-  forum moderator
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Futurismo



La Pro Loco di Sant'Arpino celebra il centenario del Futurismo

A cura di Rosario Pinto e Domenico Ducci

Con la collaborazione del Museo Minimo di Napoli

A cent'anni dalla pubblicazione del celebre -Manifesto- anche la Pro Loco di Sant'Arpino celebrerà, con una mostra, il secolo del -Futurismo-. L'allestimento che sarà ospitato nelle stanze della -rinata- Pinacoteca d'Arte Contemporanea -Massimo stanzione- sita all'ultimo piano del Palazzo Ducale -Sanchez de Luna- e' il primo appuntamento di un ricco carnet d'eventi programmato dal sodalizio guidato dal Presidente Aldo Pezzella e dal direttore artistico della stessa pinacoteca, il professor Rosario Pinto. Nel presentare la mostra, che sarà inaugurata a metà del mese di novembre, il Presidente Pezzella sottolinea -come la celebrazione servirà soprattutto a creare momenti di analisi e riflessione su un movimento artistico che ha avuto un posto per nulla secondario nella storia dell'arte mondiale. È bello rilevare come per l'occasione confluiranno nella nostra millenaria comunità artisti e studiosi non solamente italiani ma anche stranieri.

Nell'anno in cui la Pinacoteca ha predisposto un programma che ne rilanci la presenza e la funzione, dunque, l'evento sul Futurismo si pone come una tappa obbligata e soprattutto di particolare pregio culturale. Il tutto caratterizzato da un impegno costante e tenace come quello della Pro Loco che riesce ad essere particolarmente incisivo grazie alla convergenza di idee e di programmi raggiunta con l'amministrazione comunale, soprattutto nelle persone del sindaco Eugenio Di Santo e dell'assessore alla cultura Giuseppe Lettera. Magistrale, mi sia consentito definire, sono l'opera ed il rigore scientifico del critico Rosario Pinto che in questi eventi dimostra con quanta competenza e lungimiranza dirige la Pinacoteca-.

Dal canto proprio il professore Pinto rimarca come con quest'allestimento del -Futurismo intendiamo suggerire una lettura tutt'altro che omologata, cercando di evitare le enfatizzazioni celebrative e valutando se non sia possibile fornire degli spunti di riflessione per l'arricchimento del dibattito critico. In particolare intendiamo proporre angolazioni e prospettive insolite ed insondate, cominciando ad esempio a suggerire una partimentazione cronologica in quattro fasi temporali. Riserveremo, poi, uno spazio particolare al Futurismo postale ed al suo ruolo di premessa storica del fenomeno della Mail Art. Il tutto per rimanere fedele all'impegno assunto al momento dell'accettazione dell'incarico di direzione della Pinacoteca, quando mi sono posto l'obiettivo di dedicare sforzi ed energie per realizzare delle rassegne espositive che potessero riprendere e, possibilmente, aumentare, la tradizione d'impegno scientifico e di ricerca sul campo che ha caratterizzato, in origine, l'attività e le proposte culturali di quest'Istituto-.

Inaugurazione 15 novembre ore 18

Palazzo Ducale Sanchez de Luna D'Aragona
Sant'Arpino (CE)



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Salvatore Iodice



Ritratto di paesaggio che scompare. Presentazione del libro e mostra di taccuini.


Il 16 Novembre alle 17,30, il PAN farà da cornice alla presentazione del libro di Salvatore Iodice 'Ritratto di Paesaggio che Scompare'. Il testo si basa su un singolare racconto attraverso i taccuini, piccoli disegni di paesaggi, ma anche attraverso le riflessioni, talvolta critiche, di cui sono stati spunto una serie di viaggi in Italia ed in Europa intrapresi dall'autore all'inizio degli anni Novanta. Da questa iniziativa prende il via anche la mostra itinerante dei taccuini che resterà al PAN fino al 30 Novembre. Interventi di Tullio Pironti, Marina Vergiani, Marta Pisacane, Nicola Oddati. Sarà presente l'autore.

Ritratto di paesaggio che scompare
Nel 1991 un giovane, laureatosi in Architettura, parti' dalla periferia di Napoli per intraprendere una serie di viaggi in Italia ed all'estero. I suoi compagni di viaggio, oltre ad un gruppo di amici, furono una bicicletta, un taccuino ed una penna. In quel taccuino, che e' diventato un libro, comincio' a disegnare paesaggi, scorci e vedute e a cercare e fermare con la penna quello che restava di una natura antica e originaria, nascosta tra le pieghe dello stravolgimento operato dall'uomo e dal suo desiderio di espansione urbana e di missione civilizzatrice.

Quei disegni ci raccontano le tappe di un viaggio interiore, animato dall'esigenza di recuperare il sapore antico di un paesaggio che non esiste piu', sconfitto dal cemento e dalle geometrie moderne. Il testo, che racchiude i disegni e le parole di quel viaggio, offre non solo l'occasione di riattualizzare la funzione del taccuino, tipico strumento di formazione per l'artista e per il conoscitore, ma soprattutto ci invita a riflettere sulle valenze e sul livello di moralità degli interventi architettonici, alla luce del rapporto tra l'uomo e la natura.

Inaugurazione 16 Novembre 2009 alle 17,30

Palazzo delle Arti di Napoli - PAN
via dei Mille, 60 Napoli
lun-sab 9-13.30 e 14.30-17
ingresso libero



Messaggio di Gino il lunedì 16 novembre 2009 alle 10.51   -  forum administrator-  forum moderator
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MR. B.R.A.
ALLO STUDIO TRISORIO ROMA

17 novembre 2009, alle ore 19.00
fino al 5 dicembre 2009

a cura di Lydia Pribisova 

Studio Trisorio Roma
Vicolo delle Vacche, 12
mart-sab.16.00/20.00

Martedì  17 novembre 2009 alle ore 19.00 si inaugura presso lo Studio Trisorio di Roma la  prima personale in Italia di Mr. B.R.A., l’autore fittizio, alter ego degli artisti Richard Fajnor e Marek Kvetan. Il progetto sperimentale Mr. B.R.A 3.9. consiste in un’installazione site-specific.

Combinando campioni della propria pelle con l’aiuto di un team di biologi, i due artisti slovacchi hanno ricostruito in laboratorio l’identità ibrida di Mr. B.R.A.
La video-documentazione in mostra racconta il procedimento della creazione dell’epidermide di Mr. BRA, dal prelievo dei campioni, alla coltivazione in laboratorio. 
Le pareti della galleria verranno ricoperte con una soluzione composta dalle cellule della nuova pelle, realizzando così un processo di fusione con lo spazio. 
Un campione della pelle di Mr. B.R.A sarà presentato anche come oggetto in una vetrina. 
Gli inizi della collaborazione di Marek Kvetan e Richard Fajnor risalgono al 2002. La maggior parte delle opere di Mr. B.R.A., le registrazioni di performance, le azioni e le installazioni, fanno parte di un processo in continuo divenire che può proseguire anche durante lo svolgimento della mostra.

Marek Kvetan è nato nel 1977 a Piestany (Slovacchia) e vive a Bratislava; Richard Fajnor è nato nel 1965 a Skalica (Slovacchia) e vive a Brno (Repubblica Ceca). I due artisti hanno esposto in molti spazi pubblici e privati come la Wannieck Gallery of Modern Art di Brno (2007), la 3a Biennale di Praga, la Karlin Hall di Praga (2007), la Galleria Nazionale Slovacca di Bratislava (2006), il Kunstraum Kreuzberg/Bethanien di Berlino (2006), il 20 Höhenmeter, Wallensteinplatz, sVienna (2005), la International Biennale of Contemporary Art alla Galleria Nazionale di Praga (2005).


Questo progetto è stato realizzato con il sostegno del Ministero della Cultura della Repubblica Slovacca, in collaborazione con l´Istituto Slovacco di Roma.

 


roma@studiotrisorio.com
www.studiotrisorio.com

 


 



Messaggio di Gino il lunedì 16 novembre 2009 alle 19.10   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il lunedì 16 novembre 2009 alle 19.23   -  forum administrator-  forum moderator
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“Zen e … i fiori, la scrittura”

A Caserta, appuntamento con il Giappone.

 

 

 

Sabato 21 novembre 2009 alle ore 10.00, presso il Centro Yoga “L’Arnia” di Caserta in Via Clanio 14, il Centro Zen Shobogendo Napoli e l’Associazione Artikebana proporranno un incontro dal titolo: “Zen e… i fiori, la scrittura: una introduzione alle antiche arti tradizionali giapponesi della calligrafia (Shodo) e della composizione floreale (Ikebana)”. Daniela Myoei Di Perna della scuola Bokushin e Maria Domenica Castrì Ransui, della scuola Sogetsu  eseguiranno una dimostrazione di Shodō (la via della scrittura) e una di Ikebana (fiori viventi), illustrando i principi base che fanno di queste arti una possibile Via verso la ricerca della bellezza e della conoscenza.

L’incontro  sarà preceduto e seguito da un momento di pratica dello zazen (ore 8.00 e ore 12.15), antica eppure attuale forma di meditazione, al quale sono tutti invitati a partecipare per sperimentare il significato dell’essere, qui ed ora.

Info:

  340-4727276 oppure 3208113441

e-mail:

myoei@shobogendonapoli.it

(Shodo e Zazen)

artikebana@artikebana.com

(Ikebana)



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Premio Internazionale d'arte La Colomba. I finalisti 2008/2009

ECCO I 52 FINALISTI - CHI SARANNO I VINCITORI?

Tra le 2301 opere di 1043 artisti, di cui 651 artisti italiani e 392 artisti provenienti da 34 paesi esteri la giuria del Premio Internazionale d'arte La Colomba presieduta da:
Janet Bellotto, Stefano Coletto, Roberta Di Camerino, Marco Ferraris, Enrico Gusella, Marianna Hodgson, Lorella Pagnucco Salvemini, Luigi Zappala, Lino Cazzavillan e Guido Cazzavillan
ha scelto i 54 finalisti che esporranno all'Ex Casino di Commercio, Venezia.

Laura Addari, John Adelman, Mauro Alberti, Alia Mohammad Sultan Obaid Al Rahuomi, Simone Berrini, Massimo Ballardin, Michela Baldi, Erica Battello, Nicola Bettale, Fabio Bianco, Gino Blanc, Michele Bubacco, Silvana Bruglieri, Martino Borgogni, Dominique Buchtala, Lucia Cartoni, Luigi Consolandi, Hamda Ali Bin Kenaid, Interno 3 (Manuel Frara), Demitham Maitha, Matteo Mannucci, Arianna Matta, Kaori Miyayama, Andrea Morucchio, Patricia Muller, Erika Negro, Karen Oremus, Daniele Parolin, Alessandro Perini, Bill Philip, Mark Pilkington, Damiano Pivetti, Miroslav Pomichal, Natasa Radovic, Elena Razzoli, Josephine Rea, Sandra Rettori, Arianna Rizzitelli, Claudia Rossini, Valentina Ruggiero, Jeannette Rutsche, Irene Sara, Andrea Savazzi, Mattia Scappini, Roberta Segata, Chiara Sorgato, Mennato Tedesco, Isabella Tomassetti, Giacomo Triglia, Federica Valvassori, Lucia Veronesi, Carlo Vidoni, Max Zarri, Claudia Zuriato.

Alla mostra dei finalisti del Premio La Colomba saranno presentate in tutto 24 opere pittura, 25 opere fotografiche e 5 video. Tra loro la Giuria di Premiazione ha attentamente valutato e selezionato i vincitori. Il montepremi di € 22.000 sarà per loro espressa decisione diversamente distribuito in Primo Premio, Secondo Premio, Terzo Premio, Premio video e due Premi mostra personale. La cerimonia di premiazione, l'inaugurazione della mostra collettiva e la presentazione del catalogo del Premio La Colomba si terrà nella sede della mostra il 20 novembre 2009 dalle 18.30 alle 19.30 presso l'Ex Casino di Commercio. A seguire, l' apertura della mostra al pubblico dalle 19.30 alle 21.30.



Premio Colomba edizione 2008/2009
Premiazione, inaugurazione e presentazione catalogo:
20 novembre 2009 dalle 18.30 alle 19.30
Ex Casino di Commercio
Piazza San Marco 180/C - Calle Cappello Nero - Venezia
Informazioni:
Premio La Colomba
presspremiocolomba@gmail.com
www.premiocolomba.com




Messaggio di Gino il martedì 17 novembre 2009 alle 08.37   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 17 novembre al 12 dicembre 2009
Manuel Olivares - Pulpaintings


 [Vedi la foto originale]
MUSEO MINIMO
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Via Detta San Vincenzo 3 (80125)
+39 081621170 , +39 081621170 (fax)
museominimo@virgilio.it
www.museominimo.it
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra personale
orario: lunedì, mercoledì ore 15-18 / martedì, giovedì e venerdì 9-12 / o appuntamento
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 17 novembre 2009. ore 18
curatori: Roberto Sanchez
autori: Manuel Olivares
genere: arte contemporanea, personale


Messaggio di Gino il mercoledì 18 novembre 2009 alle 14.03   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 18 novembre al 18 dicembre 2009
Astrazioni e Geometrie

BIBLIOTECA COMUNALE BENEDETTO CROCE
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Via Francesco De Mura 2 Bis (80129)
Vomero
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Eventi in corso nei dintorni

Collettiva
orario: dal lunedì al venerdì dalle ore 16 alle 19
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 18 novembre 2009. ore 17
curatori: Gianni Nappa
autori: Vittorio Fortunati, Francesco Gallo, Renato Milo, Antonio Perrottelli, Marta Pilone, Remo Romagnuolo, Mario Stoccuto
genere: arte contemporanea, collettiva
 



Messaggio di Gino il mercoledì 18 novembre 2009 alle 14.04   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 18 novembre al 18 dicembre 2009
Gian Potito De Sanctis

PICAGALLERY
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Vico Vetriera 16 (80132)
+39 081426507 , +39 3337388329
pick@picagallery.it
www.picagallery.it
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra di pittura
orario: ore 10.30 - 13.00/17.30 – 19.30
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 18 novembre 2009. ore 18 no stop
ufficio stampa: mariadambrosio1971@gmail.com
autori: Gian Potito De Sanctis
genere: arte contemporanea, personale



Messaggio di Gino il mercoledì 18 novembre 2009 alle 14.05   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 18 novembre 2009 al 9 gennaio 2010
Giosetta Fioroni - Analogici & Digitali

Giosetta Fioroni e Cy Twombly - Sperlonga,1963
 [Vedi la foto originale]
AL BLU DI PRUSSIA
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Via Gaetano Filangieri 42 (80121)
+39 081409446 , +39 0812520464 (fax)
info@albludiprussia.com
www.albludiprussia.com
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Eventi in corso nei dintorni

Che cos’è l’amicizia? Per me è un “trasporto”, non erotico ma amoroso per alcune persone che mi danno emozioni. Emozioni estetiche, sentimentali, di condivisione, d’affinità. Scopri attraverso gli amici tante cose: un’altra persona, un’idea nuova,... Queste foto sono le foto di alcuni amici.
orario: da martedì a venerdì ore 17-20
sabato ore 10.30-13 e 17-20
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 18 novembre 2009. ore 17.30
curatori: Giuseppe Mannajuolo
autori: Giosetta Fioroni
genere: fotografia, serata - evento, personale


Messaggio di Gino il mercoledì 18 novembre 2009 alle 14.06   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 18 novembre 2009 al 18 gennaio 2010
Tradizione in azione


 [Vedi la foto originale]
COMPLESSO MONUMENTALE DI SAN LORENZO MAGGIORE
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Via Dei Tribunali 316 (80138)
+39 0812110860 , +39 0813723720
complessosanlorenzo@contactcentre.info
www.sanlorenzomaggiorenapoli.it
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra d'arte “Tradizione in azione – Un percorso d'arte tra tradizione e contemporaneità” dei Fratelli Scuotto, ideatori e creatori della bottega “La Scarabattola” e dell'Associazione culturale EsseArte.
orario: la mostra sarà visitabile in coincidenza degli orari del Corso Estivo di Alta Formazione “Arte, etica e politica. Itinerari di Civiltà” (per maggiori informazioni Politeia
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: free admittance
vernissage: 18 novembre 2009.
ufficio stampa: Fiorella Taddeo
fiorella.taddeo@gmail.com
genere: arti decorative e industriali
email: info@eventibus.it
web: www.lascarabattola.it


Messaggio di Gino il giovedì 19 novembre 2009 alle 09.24   -  forum administrator-  forum moderator
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Dietro l’altare di Hermann Nitsch

Galleria Boxart, Verona

21 novembre 2009 – 31 gennaio 2010

Inaugurazione sabato 21 novembre ore 18.30

A distanza di due anni dalla mostra che ha illustrato compiutamente l'aspetto performativo e pittorico di Hermann Nitsch, la Galleria Boxart di Verona dedica al lato più intimo di Nitsch un’altra grande rassegna, curata da Danilo Eccher, che inaugura il 21 novembre 2009 è rimarrà aperta fino al 31 gennaio 2010.

A illustrare l’aspetto meno noto del Teatro delle Orge e dei Misteri, i disegni per le sue architetture visionarie -dagli anni ’70 agli inediti 2009-, le partiture musicali, in particolare della IX Sinfonia, eseguita in anteprima mondiale lo scorso 3 luglio al Museo di Mistelbach, e le tuniche indossate dall’artista viennese durante le azioni e il rito del dipingere.

Il visitatore sarà accolto da una processione di tuniche immacolate, disposte a semicerchio, alcune impregnate da schizzi di sangue misto a vino o da tracce di colore e sudore lasciate dall’azione catartica della pittura, equiparando l’esercizio artistico a un’attività sacerdotale.

Al ruolo mistico dell’artista si accompagna in Nitsch quello di architetto e scenografo dell’ambiente visionario in cui ospita i suoi drammi. E infatti il corpo centrale della mostra è rappresentato da un’inedita raccolta di grandi disegni su carta (Architekturzeichnungen) datata 2009, e ad altre due figurazioni serigrafate su tela di relitto: la “Deposizione nel sepolcro” (Die Grablegung) e “La caduta di Gerusalemme” (Die Eroberung von Jerusalem).

All’inaugurazione saranno presenti Hermann Nitsch, Danilo Eccher e l'artista napoletano Giuseppe Zevola, che reciterà il testo di Nitsch "Il camice dell'artista".


Boxart Galleria D'Arte
Via dei Mutilati 7/a
37122 Verona (Italy)
Tel.  + 39 045 8000176
www.boxartgallery.com



Messaggio di Gino il giovedì 19 novembre 2009 alle 12.48   -  forum administrator-  forum moderator
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“TRACKS”

 Impronte di memorie

con opere recenti di Mary Samele

alla “Sala della Loggia” di Castel Nuovo - Napoli

a cura di Maurizio Vitiello

Col patrocinio degli assessorati alla Cultura del Comune di Napoli, della Regione Campana e della Scuola di Cinema di Roma-sede a Napoli, sarà inaugurata, alla “Sala della Loggia” di Castel Nuovo (Maschio Angioino),  venerdì 20 novembre 2009, alle ore 17,  la mostra, curata da Maurizio Vitiello, intitolata “TRACKS – Impronte di Memorie”, con opere recenti dell’artista pugliese Mary Samele.

La mostra è costituita da 10 quadri di cm. 70x100: la pittura è costituita, principalmente, da grassello, stucco, vari colori, spago, carta e ruggine, quest’ultima prodotta, in maniera esclusiva dalla stessa artista. Il senso minuto, intimo, celato, segreto e spirituale di una realtà governata, condotta e istruita da una sensibilità, estremamente accorta e progettuale, compare ed innalza la sua forza e la sua acme in scenari in cui si apprezzano, tra i rilievi della pasta di un’agita matericità, scoscese effrazioni, scandite pluriarticolazioni, grumi cromatici accennati, reti e reticoli, segmenti, segni, segnali, segnacoli e segnature.

Alle ore 17.30, sarà presentata la mostra con interventi di Nicola Oddati, Stefano Arcella, Pino Cotarelli, Rosa Romano e Maurizio Vitiello.

Alle ore 18, sarà proiettato un video, a ciclo continuo, di Mary Samele, che presenterà sui quadri le parole della poesia "Aviatore di stelle marine", di Michele D’Orsi, grazie al montaggio di Ivano De Simone;
Lettura dell’attore napoletano Stefano Ferraro, accompagnato dalle note del compositore Mario Alberto Annunziata.

Visite guidate alla mostra di Lucia Paesano.

Disponibili catalogo, cd e video.

Resterà aperta sino a martedì 1° dicembre 2009.

Scheda della mostra a cura di Maurizio Vitiello

L’ultima serie realizzata da Mary Samele, intitolata ”TRACKS – Impronte di Memorie”, sarà allocata con una presentazione di tono nella “Sala della Loggia” del prestigioso Castel Nuovo, monumento che verrà sempre chiamato Maschio Angioino da tutti i napoletani.

La pittura, come si può vedere e controllare, è costituita, principalmente,  da grassello, stucco, vari colori, spago, carta e ruggine, quest’ultima prodotta, in maniera esclusiva dalla stessa artista, e non saremo noi a svelare la matrice di formazione e la sintesi di realizzazione, davvero particolarissima; lasciamo al contatto diretto con l’artista, che si potrà, certamente, avere il giorno dell’inaugurazione, ma anche determinare e/o sviluppare durante il periodo espositivo, quindi nei giorni a seguire.

E’ intrigante guadagnarsi la possibilità di saper apprendere e, quindi, di conoscere una sua peculiarità operativa.
Il materiale, distribuito in maniera varia, diversa e variegata, rispecchia la nostra mente come una mappa dello spazio; il grassello è, e riassume, il manto bianco della nostra vita, raccolta, incanalata e racchiusa nella mente, la ruggine forma l'alone in cui si annida il ricordo.
In ogni quadro emergono e si distinguono degli elementi che regolano stimoli, circostanziano e dettagliano il ricordo; sono dadi, carte, conchiglie, che non hanno assolutamente un significato, se non quello di legare, e, quindi, di riprendere e di stimolare un proprio ricordo all'osservatore.
L'attuale pittura della giovanissima e tenace Mary Samele si presenta ancor più interessante, compatta e valida, nonché accattivante e sorprendente per alcuni aspetti che andremo a presentare man mano.

Il senso minuto, intimo, celato, segreto e spirituale di una realtà governata, condotta e istruita da una sensibilità, estremamente accorta e progettuale, compare ed innalza la sua forza e la sua acme in scenari in cui si apprezzano, tra i rilievi della pasta di un’agita matericità, scoscese effrazioni, scandite pluriarticolazioni, grumi cromatici accennati, reti e reticoli, segmenti, segni, segnali, segnacoli e segnature.

Si apprezza, così, la costruzione simbolica, la caratura informale, il carattere alto di una pittura determinata, che vuol essere altro; insomma, vuole decantarsi in una distinta dichiarazione di presenza nel mondo.

Mary Samele vuole esserci, vuole essere in questo mondo, vuole essere dentro la storia quotidiana della città che la ospita, vuole significare e significarsi.

Il suo “esprit” lo si legge nella filigrana del disegno accurato della composizione, controllata dalla partecipazione materica in cui si mescolano, rovesciano e s’incalzano attraversamenti e si rivoltano e si rincorrono rimandi, e, così, aumenta il suo valore percettivo.

Gli orditi e le trame stratificano chiasmi e convergenze,  puntellano paesaggi dell’anima, saperi e sapori mediterranei, sottili concezioni d'insieme, scenari che hanno intenzione di guadagnare la confidenza dello spazio.

La mano di Mary Samele conquista tessiture di spazi memoriali ed immaginati e da queste tessiture affiorano concetti sospesi tra abbagli ed emozioni, tra trepidazioni e turbamenti, tra piacevolezze formali e sondate, raffinate, ricercate delicatezze astratte.

Cromatismi tracciati, intervallati da luci ed ombre, intendono far risalire memorie, surrealtà ecologiche, dinamismi controllati.

L'artista dettaglia sequenze, distilla elementi capillari, concepiti con le ragioni della fantasia, fantastici e vitali, sotto l'impulso di una fresca vena; in fondo, produce commenti visivi di tono garbato, delicato.

L'immaginazione fertilissima, combinata con rarefatte sintesi operative, rende singolari risultati.

I suoi lavori risucchiano cadenze visive di un iter mentale, tutto proteso a rivitalizzare la memoria, a non appannarla; insomma, per permettere, così, a note passate di riconfluire nella vita corrente nell’ottica di essere utili riferimenti per poter processare e poter, adeguatamente, cribrare dati attuali.

Emerge la voglia dell’operatrice di corroborare la composizione con assunti materici in una disposizione di elaborate misure ed impronte, che possono esprimere rifrazioni e riflessi regolati da un intimo sentire e dall’hinterland dell’anima.

In questi lavori, che ripropongono dentellate consonanze mentali, si leggono ritmi, variazioni e dinamicità, nonché vivaci, solide e differenti armonie,  mentre in altre palesemente si dichiara il richiamo ad una pittura intimista che si coniuga ad una pittura di naturalità.

Cadenze trasparenti e sagaci, sapienti e svegli accenni coloristici presidiano varchi verso atmosfere in cui trapassano cromie tenui, che c’indicano leggerezze di tratto.

Ed, entrando con l’occhio nella rete compositiva, si coglie un preciso dettato di plurime e nette combinazioni pulsanti, determinato da dosaggi alternati.

Mary Samele ci mostra il suo notevole interesse per la materia, che, sapientemente, trasferisce con un rapido e quotidiano esercizio pittorico.

La giovane artista guadagna sostanza alle attese e coglie, nei suoi collegamenti visivi, certezze acute di soglie e di confini, ma dispone affinché ci sia un varco, un respiro, un’apertura e per questo il suo intendimento indugia, con severa discrezione, sull’esterno del mondo e mantiene un pudico contatto con il sentiero del limite, che non ravvede assolutamente come soglia di preclusione.

Un sentimento di riappropriazione del quotidiano urbano la spinge a verificare e a “scorrere con gli occhi” i movimenti dell’angolo di strada e di quelli lontani mille miglia.

Il nostro vivere, con i frenetici sussulti quotidiani, può essere “digerito” e “metabolizzato” grazie ad una profonda ed estrema presa di coscienza, rinvigorita anche dal vaglio di ciò che si sedimenta.

Il “focus” dell’azione segnico-pittorica di Mary Samele prende spunto da vene intimistiche ritagliate dalle odierne umane vicende sino ad arrivare e a toccare una chiave più vicina all’astrazione.

Questa mostra al Maschio Angioino è un incontro parallelo tra segni, scanditi con lucidità di sintesi, e parole, raccolte sul “fil rouge” del ricordo, e questa doppia declinazione del motivo del ricordo si pone come un’interpretazione più liberale per captare qualsiasi movimento o gesto, che ci circonda o ci abbraccia.

Questa tesi più diretta riesce a convogliare, tra l’altro, anche la comunicazione non verbale in filtri letterari e visivi, sino ad arrivare a “fermare” la memoria come testimonianza del vissuto e a rivitalizzarla come proiezione di cunei ideali futuri.

Maurizio Vitiello

 



Messaggio di Gino il giovedì 19 novembre 2009 alle 12.53   -  forum administrator-  forum moderator
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Messaggio di Gino il venerdì 20 novembre 2009 alle 08.56   -  forum administrator-  forum moderator
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fino all'8.XII.2009
Armando De Stefano
Napoli, Pan

Ottanta visioni irrazionali e spaccati esistenziali, fantasmi moderni e memorie antiche. Uno sguardo lucido e stravolto sulle cose che accadono. Dove il cordone che lega il passato al presente non si recide mai...


pubblicato giovedì 19 novembre 2009

La corposa antologica Armando De Stefano al Pan, proposta al primo piano di Palazzo Roccella, inaugura il primo di cinque appuntamenti che verranno dedicati finalmente ai grandi protagonisti napoletani del Novecento.
Armando De Stefano (Napoli, 1926), che è anche direttore artistico del progetto, presenta il suo lavoro con una selezione di dipinti e disegni, dagli anni ’50 a oggi, esibiti in un percorso che è cronologico ma soprattutto tematico. Allievo di Emilio Notte, amante del pianoforte e del jazz, scenografo, appassionato di teatro e di cinema, De Stefano appare incessantemente alla ricerca di nuove strade, sperimentando diversi media e differenti cicli pittorici.
Dopo una prima fase neorealistica, le immagini si spezzano e i pensieri si complicano (come egli stesso ammette, anche in seguito a un incontro con Francis Bacon sul finire degli anni ’50, alla Biennale di Venezia). Body and Soul, datato 1964, segna in mostra con tutta la sua intima inquietudine l’acme di questa ricerca.
Subito dopo le figure si ricompongono, cominciando ad affacciarsi sul cinema. I corpi nuotano nelle tele come fantasmi, dando vita nel corso degli anni ‘70 a una pittura di storia largamente teatrale, senza alcun accento celebrativo. Piuttosto si coglie un avvertimento, un presagio di fine, palpabile nei passaggi più salienti della Rivoluzione napoletana del 1799, o anche nella storia inventata di Odette, libera di esser guardata negli occhi sul suo viso di pietra, che ha il colore insieme dell’eros e della morte.
Armando De Stefano - Odette - 1974 - acrilico su tela - diam. cm 150 - coll. Ciardiello
In un miscuglio dolce e severo di colori, il visitatore s’imbatte in un mondo bizzarro e soffocante, dove abitano uccelli con lunghi becchi, rettili, uomini e vecchi dall’aria rapita, figuri beffardi che hanno sguardi profondi e muti, e guardano con serietà, quasi a voler sottolineare la distanza che intercorre tra noi e loro, persi dentro un’inafferrabile motivazione per ciò che sta accadendo.
Come le Maschere, la serie che spicca tra le sue cose più belle, in cui viene fuori la stoffa del grande disegnatore, perché, come ricorda lui stesso, “il disegno è la condizione di tutto, è la ripartizione dello spazio in termini armonici”. O il successivo ciclo degli Esclusi, che spinge l’attenzione oltre la cortina di ferro della superficie consumistica e fintamente felice, fino a sottolineare il trasformismo dei camaleonti di questi ultimi anni.
Armando De Stefano - Chamaleon - 2008 - olio su cellulosa - cm 95x75 - coll. Armando De Stefano
I riferimenti sono tanti. C’è Géricault, Courbet, Gemito, Picasso. Ma anche Caravaggio e Velázquez. Tutto sangue trasfuso sul palcoscenico di una sola città, sempre la stessa, a difendere coi denti la sua identità.
E quando gli è stato chiesto “perché sempre Napoli?”, lui ha risposto senza pensare: “ I volti degli scugnizzi su cui batte un raggio di sole, nel primo pomeriggio, sui muretti della salita di San Potito, dove li potrei trovare se non a Napoli?”

ivana porcini
mostra visitata il 28 ottobre 2009


dal 28 ottobre all'otto dicembre 2009
Armando De Stefano
PAN - Palazzo delle Arti Napoli - Palazzo Roccella
Via dei Mille, 60 (zona Chiaia) - 80121 Napoli
Orario: feriali ore 9.30-19.30; festivi ore 9.30-14; chiuso il martedì
Ingresso libero
Info: tel. +39 0817958605; fax +39 0817958608; info@palazzoartinapoli.net; www.palazzoartinapoli.net


[exibart]



Messaggio di Gino il venerdì 20 novembre 2009 alle 08.58   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - dal 20 novembre al 3 dicembre 2009
Bruno Brindisi

Dylan Dog per Lucca 2009
 [Vedi la foto originale]
TRIP
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Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Giuseppe Martucci 64 (80121)
+39 08119568994
trip@cra.na.it
www.cra.na.it
individua sulla mappa Exisat
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra di tavole di Bruno Brindisi e tavola rotonda che avrà come tema il Mistero e durante la quale interverrà Davide Occhicone, lo scrittore
che ha pubblicato recentemente il libro: “Lezioni di fumetto: Bruno Brindisi - Una linea chiara per raccontare l’orrore” Coniglio Editore - monografia-intervista che ripercorre la carriera del fumettista salernitano che ha prestato la sua matita anche al il mitico Tex Willer, altro personaggio di punta della Sergio Bonelli Editore.
orario: il mercoledì e giovedì dalle 12 alle 21.
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 20 novembre 2009. ore 18
autori: Bruno Brindisi
note: Nell'ambito di: le Connessioni Inattese 2009. A CURA DI:
ALTANUR Associazione Culturale Interdisciplinare
genere: incontro - conferenza, personale, disegno e grafica
email: info@leconnessioniinattese.com
web: www.leconnessioniinattese.com


Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 08.56   -  forum administrator-  forum moderator
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IMMAGINA
Arte in Fiera - Fiere di Reggio Emilia
Via Filangieri, 15 - 42100 - Reggio Emilia
Tel. 0522/503511
info@fierereggioemilia.it
www.immaginafiera.it

ORARI DI APERTURA
Venerdì 27 dalle ore 16 alle ore 20
Sabato 28 e Domenica 29
dalle ore 10 alle ore 20
Lunedì 30 dalle ore 10 alle ore 13

Alcune informazioni su IMMAGINA 11:
anche in questa edizione la manifestazione si presenta al gran completo; nei 2 padiglioni di 12.000 mq. saranno presenti 138 gallerie di Arte Moderna e Contemporanea che esporranno le opera di circa 1000 Artisti, l’Accademia di Belle Arti di Bologna e 15 Case Editrici. La manifestazione è ulteriormente cresciuta sia per quanto riguarda la qualità delle gallerie sia per il progetto espositivo di grande sobrietà ed eleganza.

EVENTI COLLATERALI
Joe Tilson – Opere scelte
Organizzazione Galleria MOdenArte in collaborazione con la Bugno Art Gallery
A cura di Maurizio Vanni
Franco Rognoni
A dieci anni dalla morte dell’artista, la Galleria B&B Arte, presenta una personale con importanti opere dal 1960 a fine anni ‘90
Pittori a Pyongyang
Arte di oggi dalla Corea del Nord
A cura del Mansudae Art Studio di Firenze
Design e arte – Arte e Design
“Le immagini variabili” di Sandro Tomassini
In collaborazione con la Tras Gallery di Terni



Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 09.00   -  forum administrator-  forum moderator
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Premio Leonardo Sciascia



Amateur d'estampes. V edizione

Il Premio Leonardo Sciascia Amateur d'estampes rappresenta un'iniziativa tra le piu' seguite ed attese nel panorama della grafica contemporanea. Promosso dall'Associazione Amici di Leonardo Sciascia, dalla Civica Raccolta delle Stampe -Achille Bertarelli- del Castello Sforzesco, il Premio ha come finalità quella di promuovere presso il grande pubblico la conoscenza delle principali tecniche dell'incisione originale. Sciascia amava l'incisione quanto la letteratura, e come questa la considerava -quale forma piu' assoluta che la verità possa assumere-; generoso e appassionato, a lui si deve la scoperta di giovani talenti cui ha dedicato numerosi scritti, in occasioni e momenti diversi. A questa sua passione, rintracciabile anche nella produzione letteraria, a partire dal romanzo Il cavaliere e la morte, ispirato alla celebre incisione di Dűrer, viene dedicato il Premio, giunto alla sesta edizione. Sono stati invitati a questa ultima edizione 30 artisti italiani e stranieri:

Agostino Arrivabene, Italia
He'le'ne Baumel, Francia
Andre' Beuchat, Italia
Maurizio Bottoni, Italia
Sandro Bracchitta, Italia
Livio Ceschin, Italia
Erik Desmazie'res, Francia
Patrizio Di Sciullo, Italia
Clemente Fava, Italia
Renzo Galardini, Italia
Mikael Kihlman Svezia
Silvio Lacasella, Italia
Vladimir Makuc, Slovenia
Giulio Massimi, Italia
Bruno Missieri, Italia
Philippe Mohlitz, Francia
Mordecai Moreh, Francia
Vincenzo Piazza, Italia
Lanfranco Quadrio, Italia
Anti Pekka Ratalahti, Finlandia
Charles Ritchie, USA
Alberto Rocco, Italia
Aldo Segatto, Italia
Krzysztof Skorczewski, Polonia
Luigi Toccacieli, Italia
Giovanni Turri'a, Italia
Albert Woda, Francia
Katarina Zaric, Serbia
Safet Zec, Bosnia Erzegovina
Giuseppe Zunica, Italia

Le opere esposte sono realizzate con le tradizionali tecniche calcografiche e costituiscono esempi di stili diversi, dalle composizioni non figurative al paesaggio, dai soggetti introspettivi a quelli onirici, fantastici, ironici.

La premiazione si svolgerà venerdi' 20 novembre alle ore 18.00 nella Sala di consultazione della Raccolta Bertarelli.
La Civica Raccolta delle Stampe Achille Bertarelli, istituto da anni impegnato nella valorizzazione della grafica originale contemporanea, ospiterà l'esposizione delle opere.
La rassegna e' accompagnata da una selezione di 13 opere grafiche dell'artista Leonardo Castellani (Faenza 1896 - Urbino 1984) e da un catalogo, realizzato con carta a mano da -Il Girasole edizioni-, in collaborazione con l'Associazione Amici di Leonardo Sciascia, nel quale sono riprodotte le opere di Castellani e quelle dei 30 artisti del premio.

Premiazione Venerdi' 20 novembre 2009, ore 18.00

Inaugurazione 23 novembre ore 18 sala consutazione

Civica raccolta delle stampe ''A. Bertarelli'' c/o Castello Sforzesco
piazza Castello - Milano
Dal lunedi' al venerdi' dalle 9.00 alle 15.00
Ingresso libero



Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 09.02   -  forum administrator-  forum moderator
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Lorenzo Lotto



La Nativita' per la prima volta a Milano dopo il restauro. VII edizione di 'Un capolavoro per Milano'.

Sarà la Natività di Lorenzo Lotto l'opera scelta per la settima edizione dell'iniziativa culturale -Un Capolavoro per Milano-, promossa dal Museo Diocesano di Milano e da Bipiemme Gestioni (gruppo Banca Popolare di Milano). Lo spazio ipogeo del Museo Diocesano di Milano, dal 24 novembre 2009 al 17 gennaio 2010, ospiterà questa tela del -genio inquieto del Rinascimento-, proveniente dalla Civica Pinacoteca Tosio Martinengo di Brescia, il cui restauro del 2004 ha portato alla luce, oltre alla firma dell'artista, anche la data di realizzazione, 1530. Un filmato introdurrà la visita, proponendo una lettura stilistica e storico-critica dello straordinario dipinto di Lorenzo Lotto (Venezia 1480 circa - Loreto 1556/57).

Il soggetto raffigura l'interno della capanna di Betlemme. La Vergine, San Giuseppe, due pastori e due angeli circondano adoranti Gesu' Bambino, adagiato in una culla e intento a giocare con il muso di un agnello portato in dono dai pastori e simbolo del Sacrificio pasquale. La scena e' di grande intensità emotiva: tutti gli sguardi appaiono puntati su Gesu', ad eccezione di quello di un angelo che, invece, si rivolge agli spettatori, esortandoli alla devozione. Dal fondo buio della capanna, attraverso le aperture della porta e di una finestrella, si scorge una luce crepuscolare, che avvolge tutta la scena, evidenziando dettagli architettonici e sottolineando morbidi passaggi chiaroscurali e raffinatissimi effetti di ombre.

L'opera venne eseguita durante il secondo soggiorno veneziano del pittore (1525-1533), analogamente ad altre opere come la Madonna col Bambino e i Santi Caterina e Tommaso del Kunsthistorisches Museum di Vienna o l'Annunciazione di Recanati, rispetto alla quali si notano evidenti analogie per quanto riguarda il dinamismo compositivo e l'uso espressivo e poetico della luce. Il formato e le dimensioni (145,5x164 cm) suggeriscono che la tela fosse destinata alla parete di un palazzo privato. È peraltro molto probabile che i volti dei due pastori siano i ritratti dei committenti, verosimilmente due fratelli, come suggerisce il loro particolare abbigliamento. Infatti, sotto le giubbe da pastori, aperte sul petto, si scorgono abiti eleganti che rivelano una condizione sociale decisamente piu' elevata. Il capolavoro costituisce indubbiamente un punto nodale nel percorso del Lotto, che trasforma il tema della -Sacra Conversazione dei veneti in una riunione confidenziale che accomuni sullo stesso terreno e distribuisca la stessa indole ai personaggi divini e umani- (R. Longhi).
Accompagna la mostra un catalogo Silvana Editoriale.

Nelle prime sei edizioni di Un Capolavoro per Milano, i visitatori sono stati oltre 230.000.
Le precedenti opere esposte:
nel 2002, l'Ecce Homo di Antonello da Messina, prestito del Collegio Alberoni di Piacenza;
nel 2003, l'Annunciazione di Domenico Beccafumi, proveniente dalla chiesa di San Martino e Santa Vittoria di Sarteano (Siena);
nel 2004, la Cattura di Cristo del Caravaggio, proveniente dalla National Gallery of Ireland di Dublino;
nel 2006, la Sacra Famiglia con Sant'Elisabetta e San Giovannino di Andrea Mantegna, proveniente dal Kimbell Art Museum di Fort Worth in Texas;
nel 2007, L'Annunciata di Antonello da Messina proveniente dalla Galleria Regionale della Sicilia di Palazzo Abatellis a Palermo;
nel 2008, la Giuditta del Botticelli, proveniente dagli Uffizi di Firenze.

Catalogo: Silvana Editoriale

Per informazioni e prenotazioni proposte didattiche:
Ad Artem srl, tel. 02 6596937 - fax 02 6599269
http://www.adartem.it

Ufficio Stampa CLP Relazioni Pubbliche
tel. 02.433403 - 02.36571438 - fax 02.4813841
press@clponline.it
http://www.clponline.it

Conferenza stampa di presentazione Lunedi' 23 novembre 2009 alle ore 12

Museo Diocesano
Corso di Porta Ticinese, 95 Milano
Orari: dal martedi' alla domenica, 10 - 18. Lunedi' chiuso
Biglietti: - 8 intero; - 6 gruppi; - 5 ridotto; - 2 scolaresche
Martedi': ingresso - 4



Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 09.09   -  forum administrator-  forum moderator
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Napoli - lun 23 novembre 2009
Cartella d'arte

Barbara Karwowska
 [Vedi la foto originale]
BANCO DI NAPOLI
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Via Toledo 177 (80134)
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra collettiva
biglietti: free admittance
vernissage: 23 novembre 2009. ore 17.30
autori: Stefano Biancastelli, Mimmo Di Dio, Barbara Karwowska, Agnieszka Kiersztan, Bozena Krol Legowska, Massimiliano Mirabella
note: in occasione dell convegno:
IMMIGRAZIONE,SICUREZZA,MICROCREDITO,INTEGRAZIONE
genere: arte contemporanea, collettiva


Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 09.15   -  forum administrator-  forum moderator
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ACCADEMIA DELLA BUSSOLA - PALAZZO DORIA D'ANGRI
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Piazza VII Settembre (80134)
+39 3337325429
www.artmajeur.com/beppepalomba/
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Eventi in corso nei dintorni

Mostra internazionale d'arte contemporanea
orario: tutti i giorni dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 20
(possono variare, verificare sempre via telefono)
vernissage: 23 novembre 2009. ore 18
curatori: Gianfranco Erbani, Giovanni Mangiacapra, Vincenzo Montella
autori: Jason Bryant, Orlando Campos, Ines De Veer, Guido Della Giovanna, Arnoldo Diaz, Dudamel, Gianfranco Erbani, Ute Illig, Laura Intrito, Biser Ivanov Panayotov, Isabelle Lamaitre, Jin Leng Yeoh, Giovanni Mangiacapra, Setyo Mardiyantoro, Hiroshi Matsumoto, Clara Menerella, Vincenzo Montella, Fulvio Moscaritolo, Dejan Pejovic, Raul Peñalver, Freddy Simoza, Wang Tiewei, Jeannette Unite, Liu Wei, Liu Yang, Max Yawney
genere: arte contemporanea, collettiva
web: galleries.absolutearts.com/galleries/ilramodoro/


Messaggio di Gino il lunedì 23 novembre 2009 alle 12.07   -  forum administrator-  forum moderator
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I colori prendono forme, le forme hanno contorni precisi e anche l'immagine non è certa.
La realtà e l'immaginazione si incontrano o si scontrano, in un dialogo serrato.

La mostra prosegue fino al 30 novembre, giornata di chiusura alla quale sarà presente l'Artista.


viale Isonzo 14

galleria piano -1
free entrance
Catalogo Artista in Galleria
Le opere sono esposte fino al 30 novembre 2009 in contemporanea con
Hotel Brunelleschi
via Baracchini 12, Milano
Organizzazione mdaEvent
Direzione Artistica mda Milano
www.mdarte.it - info@mdarte.it


Messaggio di Gino il mercoledì 25 novembre 2009 alle 09.03   -  forum administrator-  forum moderator
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fino al 5.XII.2009
Dario Molinaro
Benevento, Magazzini Pescatore

Fra installazioni site specific, tele e disegni, un giovane artista presenta il proprio studio. Uno spazio vitale in cui s’incontrano ricordi ed emozioni. E gli oggetti di cui un artista non può fare a meno...


pubblicato martedì 24 novembre 2009

Per la sua mostra beneventana, Dario Molinaro (Foggia, 1985) trasforma la galleria in un vero e proprio studio, confrontandosi così per la prima volta con il site specific. Esponendo la ricostruzione del suo luogo di lavoro - In my studio è anche il titolo della mostra - l’artista pugliese presenta al pubblico un lato più personale: lo spazio creativo dove s’individua la sua autenticità, tra ordine, disordine e arte allo stato puro.
Svelando se stesso e ogni tipo di curiosità che stimola la mente di un profano dell’arte, Molinaro permette di entrare in un “garage” ove sono visibili tutti quei particolari solitamente celati in uno studio: un cestino pieno di carte, un tavolo scritto che racconta la vita, post-it con numeri telefonici, quadri ancora da appendere, disegni da finire e tanto colore. Un ambiente reale, dinamico e giovane: l’autoritratto tipico d’un artista molto legato al passato e al proprio lavoro.
Attraversare gli oggetti che compongono le installazioni significa dunque attraversare non solo il Dario Molinaro artista ma, allo stesso tempo, avvicinarsi al Molinaro inteso come uomo, dotato d’una specifica personalità.
Tutta la mostra si fonda sul ricordo e sulla presentazione del “sé medesimo” vivibile nella ricostruzione dello studio-garage, nei disegni e nelle tele, Dario Molinaro - I wanna be well! - 2009 - grafite su carta - cm 21x30 - courtesy Magazzini Pescatore, Beneventodove il protagonista è nuovamente l’artista stesso, visto nella sua quotidianità. I disegni sono una rivisitazione delle foto di famiglia e ne ripercorrono l’infanzia e l’adolescenza.
La particolarità è lo stile con cui Molinaro ri-crea le immagini: si tratta infatti di disegni realizzati esclusivamente in grafite, accompagnati da stralci di alcune canzoni dei gruppi che hanno segnato la storia del rock. I soggetti sono feste di compleanno, ricordi d’asilo, atmosfere domestiche, immagini spontanee. In un disegno, ad esempio, il protagonista insieme agli amici si allontana esclamando un verso d’una nota canzone, I wanna be well. Il ritorno al passato è ribadito dall’effetto stropicciato creato sui fogli di carta disegnati.
Completano la mostra alcune tele dai colori pop e dall’impronta graffitara. Anche in questo caso ritroviamo elementi personali, ossia gli oggetti dell’artista e degli altri protagonisti dei disegni. E pure le tele sono rivisitate con pezzi di canzoni e testi, come se a parlare fossero gli stessi personaggi rappresentati.
Libri, macchine fotografiche, bottiglie, scale: tutto ciò che potrebbe sembrare banale è reso indispensabile da Molinaro. Per raccontare il proprio vissuto e la propria personalità.

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Molinaro a Sulmona

raffaella rossi
mostra visitata il 7 novembre 2009


dal 7 novembre al 5 dicembre 2009
Dario Molinaro - In my studio
a cura di Mimmo Parente e Gerardo Di Feo
Magazzini Pescatore Arte Contemporanea
Via San Pasquale, 36 (zona Arco di Traiano) - 82100 Benevento
Orario: da lunedì a sabato ore 10-13 e 17-20
Ingresso libero
Info: tel. +39 082421864;
info@magazzinipescatore.it; www.magazzinipescatore.it

[exibart]



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Caserta - dal 25 novembre 2009 al 10 gennaio 2010
Caserta in fotografia

Ken Damy
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