Contemporary Istanbul 2010 Open Call for Gallery Applications     Deadline: March 01, 2010   web: www.contemporaryistanbul.com

Contemporary Istanbul 2010 25-28 November 2010   Contemporary Istanbul 2010 - the leading contemporary art fair in the country and around the region now accepts gallery applications for its 5th international edition, taking place during the year of 2010 European Capital of Culture in Istanbul.   Download Application Form: http://www.contemporaryistanbul.com/exhibitors/application_form.php Visit website: www.contemporaryistanbul.com For inquiries: info@contemporaryistanbul.com   It's LIQUID News is an e-mail announcement service that provides information about exhibitions at some of the world's leading art galleries selected. It's LIQUID News reaches the combined audiences of International Art Fairs, galleries, museums, and is thus a powerful tool for getting directly to this influential audience with information about exhibition programs and other events.   International galleries, museums, institutions, private and public groups, artists, architects, designers, are invited to join It's LIQUID News service. Each advertisement takes the form of an e-mail announcement, and features a press release, an image, and a link to the announcer's website. Announcements are distributed directly to over 60,000 international collectors, consultants, advisers, critics, writers, curators, dealers and other visual arts professionals. Database demographics: 40% in North America, 45% in Europe, 15% in other locations (South America, Australia, Japan, etc.). Additionally all announcements are permanently archived on It's LIQUID web site, creating a valuable research resource of some of the most important events world wide. It's LIQUID News offers an unprecedented opportunity for participating clients to reach the most dynamic members of the community of professionals worldwide.   If you are interested in our services, or you want to open an It's LIQUID office in your city, please contact us at support@itsliquid.com.   Thanks for all,  It's LIQUID Group more details. www.itsliquid.com

17/02/2010

progetto Gypsos corso di disegno a cura del prof. Aniello Scotto

Progetto Gypsos
Corso di disegno classico a cura del prof. Aniello Scotto



Gli incontri sono dedicati all'apprendimento delle tecniche del disegno classico e si svolgeranno nella preziosa gypsoteca dell'Accademia luogo previlegiato per il disegno dall'antico.La gipsoteca,riaperta dal 2007,raccoglie i calchi in gesso di famose opere classiche,elementi di ornato e particolari anatomici,nonchè gessi di invenzione di grande qualità dell'Ottocento e del Novecento.




Il corso della durata  da Marzo a Giugno prevede un incontro settimanale di 3 ore dalle ore 16.00 alle ore 19.00 del giovedì.
Inizio corso11 Marzo 2010
Modalità d'iscrizione:le iscrizioni sono aperte dal 22 febbraio al 10 marzo.L'iscrizione prevede un versamento di euro 350,00 sul conto corrente c/c 509802 intestato all'Accademia di belle arti di Napoli.
1.domanda indirizzata al direttore dell'Accademia2.autocertificazione di nascita,residenza,cittadinanza in carta liberaai senzi degli art.47 e 48 del D.R.R.445/2003.fotocopia del documento di riconoscimento con foto allegata4.fotocopia del codice fiscale5.ricevuta del versamento    

Info:

http://www.accademiadinapoli.it/bacheca.php?id=129

NOVECENTO A NAPOLI
(1910-1980)
PER UN MUSEO IN PROGRESS

Conferenza stampa
Napoli, Castel Sant’Elmo
4 marzo 2010 - ore 12.00

Nato da un progetto di Nicola Spinosa, il Museo intende documentare, attraverso una selezione condotta con metodo storico-critico, quanto realizzato a Napoli nel corso del Novecento, entro i limiti cronologici indicati, nel campo della produzione artistica; in particolare, da quanti si applicarono, in quegli anni, soprattutto o quasi esclusivamente, in pittura, scultura e in varie sperimentazioni grafiche. Così da costituire uno strumento indispensabile, ma in città fino a oggi del tutto assente o quasi, perché dell’ arte a Napoli nel secolo scorso possano essere adeguatamente evidenziati, come per altri aspetti e momenti della precedente vicenda artistica documentati in vari musei napoletani, ma non solo, tendenze e scelte, ruoli e incidenze, nel campo più vasto delle diverse esperienze condotte in altri ambiti culturali, sia locali che nazionali e internazionali.

Per questo nuovo Museo, che si aggiunge alle altre strutture affini dipendenti dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dalla Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli, realizzato, intenzionalmente e significativamente negli spazi del Carcere Alto di Castel Sant’Elmo adiacenti la Biblioteca e la Fototeca di Storia dell’Arte aperte al pubblico, sono state selezionate ed esposte circa 170 opere realizzate da 90 artisti napoletani, ma con l’aggiunta anche di alcune presenze di artisti non napoletani, che con ruoli diversi furono attivi in città. Si tratta di un nucleo notevole di dipinti, sculture, disegni o incisioni costituito integralmente con opere provenienti dalle stesse raccolte museali della Soprintendenza, dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, dal Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto e, soprattutto, con donazioni o con la formula del ‘comodato’, oggi sempre più diffusa in Italia e da tempo all’estero, di generosi artisti e collezionisti privati. Con il programma o l’auspicio che si tratti solo di un primo nucleo, che, con gli anni a venire, possa ulteriormente accrescersi, così da documentare altri, diversi e successivi aspetti della produzione artistica napoletana, ma non solo, del secolo scorso, per i quali al momento si è ritenuto più opportuno sospendere ogni giudizio critico non basato su sempre indispensabili basi storiche.

La scelta degli artisti e delle opere è stata curata da Angela Tecce, direttrice del complesso di Castel Sant’Elmo, con la costante collaborazione dello stesso Nicola Spinosa, mentre la realizzazione del Museo si è resa possibile per il diretto coinvolgimento nel progetto della Regione Campania-Assessorato al Turismo e Assessorato ai Beni Culturali, con l’utilizzo dei fondi disponibili grazie al co-finanziamento dell’Unione Europea POR- FESR Campania 2007-2013. La Direzione Generale per il Paesaggio, le Belle Arti, l'Architettura e l'Arte Contemporanee ha concorso, per conto del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, alla realizzazione dei relativi apparati didattici, informativi e audiovisivi. Con il contributo di Italcoat, Metropolitana di Napoli, Seda Group.

‘Novecento a Napoli’ si articola attraverso un percorso cronologico suddiviso per sezioni: dalla documentazione della Secessione dei ventitré (1909) o del primo Futurismo a Napoli (1910-1914) al movimento dei Circumvisionisti e del secondo Futurismo (anni Venti-Trenta); dalle varie testimonianze su quanto si produsse tra le due guerre alle esperienze succedutesi nel secondo dopoguerra (1948-1958), dal Gruppo ‘Sud’ al cosiddetto Neorealismo, dal gruppo del M.A.C. all’Informale o al Gruppo ’58. Seguono le sezioni riservate agli anni Settanta, con particolare riferimento, ma non solo, alle Sperimentazioni Poetico-visive e all’attività dei gruppi legati alle esperienze condotte nel campo del sociale. Fino all’ultima sezione, dove è documentata l’attività di quanti, pur continuando a operare dopo l’80 sperimentando linguaggi diversi, si erano già affermati in città in quel decennio, prima che il terribile sisma del 23 novembre colpisse e segnasse nel profondo realtà e prospettive di Napoli e di altre aree meridionali.

Sulla base di quanto qui esposto sono state, pertanto, selezionate ed esposte opere di: Carlo Alfano, Enrico Baj, Mathelda Balatresi, Renato Barisani, Guido Biasi, Andrea Bizanzio, Giovanni Brancaccio, Giannetto Bravi, Emilio Buccafusca, Enrico Bugli, Francesco Cangiullo, Giuseppe Capogrossi, Luciano Caruso, Guido Casciaro, Giuseppe Casciaro, Luigi Castellano (Luca), Raffaele Castello, Alberto Chiancone, Vincenzo Ciardo, Francesco Clemente, Carlo Cocchia, Mario Colucci, Mario Cortiello, Salvatore Cotugno, Luigi Crisconio, Edgardo Curcio, Renato De Fusco, Lucio del Pezzo, Crescenzo Del Vecchio Berlingieri, Armando De Stefano, Gianni De Tora, Fortunato Depero, Giuseppe Desiato, Bruno Di Bello, Gerardo Di Fiore, Carmine Di Ruggiero, Baldo Diodato, Salvatore Emblema, Francesco Galante, Saverio Gatto, Vincenzo Gemito, Manlio Giarrizzo, Edoardo Giordano (Buchicco), Franco Girosi, Emilio Greco, Raffaele Lippi, Nino Longobardi, Luigi Mainolfi, Antonio Mancini, Giuseppe Maraniello, Tommaso Marinetti, Stelio Maria Martini, Umberto Mastroianni, Rosaria Matarese, Elio Mazzella, Luigi Mazzella, Emilio Notte, Mimmo Paladino, Maria Palliggiano, Franco Palumbo, Rosa Panaro, Edoardo Pansini, Guglielmo Peirce, Augusto Perez, Mario Persico, Giuseppe Pirozzi, Gianni Pisani, Carmine Rezzuti, Clara Rezzuti, Paolo Ricci, Guglielmo Roehrssen di Cammarata, Errico Ruotolo, Corrado Russo, Mimma Russo, Quintino Scolavino, Domenico Spinosa, Bruno Starita, Federico Starnone, Toni Stefanucci, Guido Tatafiore, Ernesto Tatafiore, Giovanni Tizzano, Ennio Tomai, Raffaele Uccella, Maurizio Valenzi, Antonio Venditti, Gennaro Villani, Eugenio Viti, Elio Waschimps, Natalino Zullo.

Il Museo dispone, inoltre, di un catalogo edito da Electa, con le presentazioni del Presidente della Giunta Regionale Antonio Bassolino, del Direttore Generale per il Paesaggio, le Belle Arti, l'Architettura e l'Arte Contemporanee Roberto Cecchi e del Soprintendente Lorenza Mochi Onori; una premessa di Nicola Spinosa, una introduzione della Direttrice Angela Tecce; e con saggi critici di Maria Antonietta Picone Petrusa, Angela Tecce, Mario Franco e Aurora Spinosa, Katia Fiorentino.

Organizzazione Civita

Orario: tutti i giorni ore 10-19; martedì chiuso
Ingresso: € 3,00
Informazioni: 848 800 288 ad apertura Museo

Ufficio stampa:
Soprintendenza, Simona Golia tel. 081 2294478 fax 081 2294498;
polomusna.uffstampa@arti.beniculturali.it
Civita, Barbara Izzo, Arianna Diana tel. 06 692050220-258;
izzo@civita.it
Electa Enrica Steffenini tel. 02 21563433; elestamp@mondadori.it;
Carolina Perreca tel. 081 4297435;
comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Il Museo verrà inaugurato giovedì 4 marzo, alle ore 18.00 Sarà aperto al pubblico da venerdì 5 marzo

Napoli - sab 27 febbraio 2010 Napoli. La città delle culture

PAN - PALAZZO DELLE ARTI NAPOLI - PALAZZO ROCCELLA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede Via Dei Mille 60 (80121) +39 0817958605 , +39 0817958608 (fax) info@palazzoartinapoli.net www.palazzoartinapoli.net individua sulla mappa Exisat individua sullo stradario MapQuest Registra questo evento nel tuo archivio personale Stampa questa scheda Eventi in corso nei dintorni Si svolgerà il secondo appuntamento dell'edizione 2010 de “Il Sabato delle Idee”. L’incontro sarà dedicato al tema “Napoli, la città delle culture” e verrà introdotto dagli interventi di Nicola Oddati, Assessore alla Cultura del Comune di Napoli e Presidente della Fondazione per il Forum delle Culture 2013 e di Marina Vergiani, direttore del Pan. biglietti: free admittance vernissage: 27 febbraio 2010. ore 10.30 curatori: Mario Orfeo autori: Vittorio Dini, Giuseppe Galasso, Ernesto Galli della Loggia, Edgar Morin, Salvatore Nastasi, Nicola Oddati, Marina Vergiani genere: incontro - conferenza email: adelaide.auriemma@palazzoartinapoli.com

Eventi d'arte mitteleuropei 2010

Collettiva itinerante

Dopo il successo della prima edizione, anche quest'anno viene proposta la rassegna -Eventi d'arte mitteleuropei 2010- promossa dal gemellaggio di due Associazioni Culturali: Arteuropa di Avellino e Aura di Udine che sarà itinerante in diverse città italiane ed estere. L'evento comprende un gruppo di mostre itineranti che attraverseranno tutta l'Italia dal Nord al Sud e passerà in paesi europei. Un vero museo itinerante ospitato presso prestigiose sedi istituzionali, pinacoteche, gallerie d'arte. Parteciperanno artisti del Friuli, dell'Austria, della Croazia nonche' artisti del bacino Mediterraneo e naturalmente del nostro territorio.

--Un rassegna che riflette quindi diverse anime dell'arte e, come vedremo, diversi linguaggi, convinti come sono i promotori che dal confronto tra esperienze di territori e quindi di culture linguistiche diverse possa scaturire un arricchimento non soltanto sul piano strettamente culturale, ma anche umano.

''-Le opere esposte sono tutte di rilevante qualità con presenze di autori ormai storicizzati. Al di là delle varie posizioni o delle preferenze stilistiche,evidente appare la volontà di rimanere fedeli ad una concezione umanistica dell'arte,intesa come nutrimento dello spirito ed anche godimento estetico dei sensi.

Ed allora acquisiscono rilevanza piena in queste opere elementi determinanti quali la letizia cromatica,l'eleganza e la raffinatezza delle composizioni,l'equilibrio delle forme,la componente luministica soprattutto,essendo la luce a fondamento della spiritualizzazione della materia e del soggetto raffigurato. L'arte,come ogni attività dello spirito umano,e' cosa estremamente seria che comporta un impegno e una dedizione piena,fatta di cultura,di ricerca incessante,di tecnica e di rispetto delle nostre radici.''
Leo Strozzieri (Pescara) - Critico e storico dell'Arte

Espongono:

Luca Alinari, Enzo Angiuoni, Augusto Ambrosone, Antonia Acri, Giuseppe Amoroso, Michela Angiuoni, Lidiana Basso, Luciana Bertorelli, Bluer (Lorenzo Viscidi), Letizia Caiazzo, Luigi Francesco Canepa, Giancarlo Caneva, Giovanni Carino, Laura Carone, Conte, Alfonso Coppola, Giacomo D'Alesio, Claudio Di Lorenzo, M. Teresa Di Nardo, Claudio Mario Feruglio, Tonina Garofalo, Nicola Guarino, Trude Haidvogl Tortora, Luigi Ioviero Paola Guia Muccioli, Nadia Lolletti, Michele Macchia, Romeo Magnani, Antonio Manganiello, Marisa Marconi, Raffaele Mellino, Mario Migliocchetti, Claudio Morelli, Donato PACE, Bruno Paladin, Concetta Palmitesta, Roberto Piaia, Tommaso Resta, Mario Rosati, Francesco Russo, Salvatore Salamone, Gernot Schmerlaib, Emanuela Spazzarini, Pippo Spina, Rosa Spina, Gulseren Sudor, Teoman Südor, Lisbeth Anne-Marie Svensson, Gianfranco VASILE, Gianfranco Zazzeroni.

Inaugurazione 28 febbraio ore 11:00

Villa Fiorentino
corso Italia, 56 - Sorrento (NA)
Orari di apertura: 9:00 - 13:00 e 15:00 - 18:00
Ingresso libero

NOVECENTO A NAPOLI
(1910-1980)
PER UN MUSEO IN PROGRESS

Conferenza stampa
Napoli, Castel Sant'Elmo
4 marzo 2010 - ore 12.00


Nato da un progetto di Nicola Spinosa, il Museo intende
documentare, attraverso una selezione condotta con metodo
storico-critico, quanto realizzato a Napoli nel corso del
Novecento, entro i limiti cronologici indicati, nel campo
della produzione artistica; in particolare, da quanti si
applicarono, in quegli anni, soprattutto o quasi
esclusivamente, in pittura, scultura e in varie
sperimentazioni grafiche. Così da costituire uno strumento
indispensabile, ma in città fino a oggi del tutto assente
o quasi, perché dell' arte a Napoli nel secolo scorso
possano essere adeguatamente evidenziati, come per altri
aspetti e momenti della precedente vicenda artistica
documentati in vari musei napoletani, ma non solo, tendenze
e scelte, ruoli e incidenze, nel campo più vasto delle
diverse esperienze condotte in altri ambiti culturali, sia
locali che nazionali e internazionali.

Per questo nuovo Museo, che si aggiunge alle altre strutture
affini dipendenti dal Ministero per i Beni e le Attività
Culturali e dalla Soprintendenza Speciale per il Patrimonio
Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale
della città di Napoli, realizzato, intenzionalmente e
significativamente negli spazi del Carcere Alto di Castel
Sant'Elmo adiacenti la Biblioteca e la Fototeca di Storia
dell'Arte aperte al pubblico, sono state selezionate ed
esposte circa 170 opere realizzate da 90 artisti napoletani,
ma con l'aggiunta anche di alcune presenze di artisti non
napoletani, che con ruoli diversi furono attivi in città.
Si tratta di un nucleo notevole di dipinti, sculture,
disegni o incisioni costituito integralmente con opere
provenienti dalle stesse raccolte museali della
Soprintendenza, dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di
Roma, dal Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e
Rovereto e, soprattutto, con donazioni o con la formula del
'comodato', oggi sempre più diffusa in Italia e da
tempo all'estero, di generosi artisti e collezionisti
privati. Con il programma o l'auspicio che si tratti solo
di un primo nucleo, che, con gli anni a venire, possa
ulteriormente accrescersi, così da documentare altri,
diversi e successivi aspetti della produzione artistica
napoletana, ma non solo, del secolo scorso, per i quali al
momento si è ritenuto più opportuno sospendere ogni
giudizio critico non basato su sempre indispensabili basi
storiche.
La scelta degli artisti e delle opere è stata curata da
Angela Tecce, direttrice del complesso di Castel
Sant'Elmo, con la costante collaborazione dello stesso
Nicola Spinosa, mentre la realizzazione del Museo si è
resa possibile per il diretto coinvolgimento nel progetto
della Regione Campania-Assessorato al Turismo e Assessorato
ai Beni Culturali, con l'utilizzo dei fondi disponibili
grazie al co-finanziamento dell'Unione Europea POR- FESR
Campania 2007-2013.
La Direzione Generale per il Paesaggio, le Belle Arti,
l'Architettura e l'Arte Contemporanee ha concorso, per conto
del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, alla
realizzazione dei relativi apparati didattici, informativi e
audiovisivi. Con il contributo di Italcoat, Metropolitana di
Napoli, Seda Group.

'Novecento a Napoli' si articola attraverso un percorso
cronologico suddiviso per sezioni: dalla documentazione
della Secessione dei ventitré (1909) o del primo Futurismo
a Napoli (1910-1914) al movimento dei Circumvisionisti e del
secondo Futurismo (anni Venti-Trenta); dalle varie
testimonianze su quanto si produsse tra le due guerre alle
esperienze succedutesi nel secondo dopoguerra (1948-1958),
dal Gruppo 'Sud' al cosiddetto Neorealismo, dal gruppo
del M.A.C. all'Informale o al Gruppo '58. Seguono le
sezioni riservate agli anni Settanta, con particolare
riferimento, ma non solo, alle Sperimentazioni
Poetico-visive e all'attività dei gruppi legati alle
esperienze condotte nel campo del sociale. Fino all'ultima
sezione, dove è documentata l'attività di quanti, pur
continuando a operare dopo l'80 sperimentando linguaggi
diversi, si erano già affermati in città in quel
decennio, prima che il terribile sisma del 23 novembre
colpisse e segnasse nel profondo realtà e prospettive di
Napoli e di altre aree meridionali.

Sulla base di quanto qui esposto sono state, pertanto,
selezionate ed esposte opere di: Carlo Alfano, Enrico Baj,
Mathelda Balatresi, Renato Barisani, Guido Biasi, Andrea
Bizanzio, Giovanni Brancaccio, Giannetto Bravi, Emilio
Buccafusca, Enrico Bugli, Francesco Cangiullo, Giuseppe
Capogrossi, Luciano Caruso, Guido Casciaro, Giuseppe
Casciaro, Luigi Castellano (Luca), Raffaele Castello,
Alberto Chiancone, Vincenzo Ciardo, Francesco Clemente,
Carlo Cocchia, Mario Colucci, Mario Cortiello, Salvatore
Cotugno, Luigi Crisconio, Edgardo Curcio, Renato De Fusco,
Lucio del Pezzo, Crescenzo Del Vecchio Berlingieri, Armando
De Stefano, Gianni De Tora, Fortunato Depero, Giuseppe
Desiato, Bruno Di Bello, Gerardo Di Fiore, Carmine Di
Ruggiero, Baldo Diodato, Salvatore Emblema, Francesco
Galante, Saverio Gatto, Vincenzo Gemito, Manlio Giarrizzo,
Edoardo Giordano (Buchicco), Franco Girosi, Emilio Greco,
Raffaele Lippi, Nino Longobardi, Luigi Mainolfi, Antonio
Mancini, Giuseppe Maraniello, Tommaso Marinetti, Stelio
Maria Martini, Umberto Mastroianni, Rosaria Matarese, Elio
Mazzella, Luigi Mazzella, Emilio Notte, Mimmo Paladino,
Maria Palliggiano, Franco Palumbo, Rosa Panaro, Edoardo
Pansini, Guglielmo Peirce, Augusto Perez, Mario Persico,
Giuseppe Pirozzi, Gianni Pisani, Carmine Rezzuti, Clara
Rezzuti, Paolo Ricci, Guglielmo Roehrssen di Cammarata,
Errico Ruotolo, Corrado Russo, Mimma Russo, Quintino
Scolavino, Domenico Spinosa, Bruno Starita, Federico
Starnone, Toni Stefanucci, Guido Tatafiore, Ernesto
Tatafiore, Giovanni Tizzano, Ennio Tomai, Raffaele Uccella,
Maurizio Valenzi, Antonio Venditti, Gennaro Villani, Eugenio
Viti, Elio Waschimps, Natalino Zullo.

Il Museo dispone, inoltre, di un catalogo edito da Electa,
con le presentazioni del Presidente della Giunta Regionale
Antonio Bassolino, del Direttore Generale per il Paesaggio,
le Belle Arti, l'Architettura e l'Arte Contemporanee Roberto
Cecchi e del Soprintendente Lorenza Mochi Onori; una
premessa di Nicola Spinosa, una introduzione della
Direttrice Angela Tecce; e con saggi critici di Maria
Antonietta Picone Petrusa, Angela Tecce, Mario Franco e
Aurora Spinosa, Katia Fiorentino.


Organizzazione Civita

Orario: tutti i giorni ore 10-19; martedì chiuso
Ingresso: ? 3,00
Informazioni: 848 800 288 ad apertura Museo

Ufficio stampa:
Soprintendenza, Simona Golia tel. 081 2294478 fax 081
2294498;
polomusna.uffstampa@arti.beniculturali.it
Civita, Barbara Izzo, Arianna Diana tel. 06 692050220-258;
izzo@civita.it
Electa Enrica Steffenini tel. 02 21563433;
elestamp@mondadori.it;
Carolina Perreca tel. 081 4297435;
comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Il Museo verrà inaugurato giovedì 4 marzo, alle ore
18.00
Sarà aperto al pubblico da venerdì 5 marzo

[Allegato: ALBERTO CHIANCONE, Funicolare, 1940-45, olio su
tela cm 165x150.jpg]

Christina Thwaites

Sitting on the dock of the bay.

a cura di MonnaLisa Salvati

Il Caffe' Pascucci di Nola (Na), via On.Francesco Napolitano,14, ospita a partire da lunedi' 1 marzo -Sitting on the dock of the bay- la personale di pittura di Christina Thwaites a cura di MonnaLisa Salvati per l'Associazione Culturale Studio7.it.

Le tele di piccole, medie e grandi dimensioni, fruibili al pubblico fino al 31 marzo 2010, rappresentano la sintesi della sperimentazione artistica della giovanissima artista inglese alla continua e caparbia ricerca di una propria identità artistica. Christina Thwaites annovera già al suo attivo presenze in personali e collettive in molte città italiane, quali Roma, Ravenna, Cecina, Rieti, Sant'Anatolia di Narco, Cava de'Tirreni ed e' in permanenza nella The Pond Gallery, Londra, nella St. John's Gallery, Ashborne, Inghilterra, Thoresby Gallery, Ollerton, Inghilterra, Galleria Fondaco,Roma e Studio7 Spazio Arte Contemporanea, Rieti.

Le opere di Christina Thwaites sembrano tele su cui immagini ed emozioni, assorbite in un pomeriggio di primavera sulla riva del mare, si siano fissate da se', senza alcun intervento umano. Non si illudono di poter svelare arcani antichi, non hanno la pretesa di voler narrare una storia, non vogliono nascondere significati reconditi. Sono puro stupore, pura emozione, pura sensazione di fronte alla infinita poesia del cio' che ci circonda: un cielo terso, un mare calmo, una farfalla che si libra nell'aria, un'onda che si infrange sugli scogli.

La Thwaites con un'alchimia di straordinaria sensibilità e di talento artistico raffinato riesce a convertire, con assoluta autenticità, la banalità del vedere con l'emozione del guardare, lasciando che la bellezza ci attraversi tranquillamente.

Inaugurazione 1 marzo ore 18

Caffe' Pascucci Shop
Via On. F. Napolitano, 14 - Nola (NA)
Ingresso libero

PAN |Palazzo delle Arti di Napoli

Le donne e la produzione artistica

Mercoledì 3 marzo 2010

alle ore 17

Donatella Gallone, Armida Parisi, Ilia Tufano

discuteranno con

Rosario Pinto

autore del volume

Le Arti figurative al femminile

nel Mezzogiorno d’Italia

dal Cinquecento al Duemila

ediz. IGEI Napoli

aprirà i lavori

Valeria Valente – Assessore al Turismo ed alle Pari Opportunità del Comune di Napoli

Interventi

Domenico Pagano – presidente dell’ Istituto di Studi per l’Arte al Femminile ISAF

Rodolfo Rubino – editore – Istituto Grafico Editoriale Italiano IGEI

Alma Sauro dell’Associazione ‘Gli Amici del colore’

La Sua presenza sarà particolarmente gradita

Artbahnkreuz 2

Collettiva

A cura di Giancarlo Da Lio e Roberto Sanchez

Artisti Partecipanti: Tiziana Baracchi(Ita), Fiorenzo Barindelli(Ita), Horst Baur(Ger), Mariano Bellarosa(Ita), Lamberto Caravita(Ita), Yolaine Carlier(Fra), Bruno Cassaglia(Ita), Pino Conestabile(Ita), Carmela Corsitto(Ita), Francesco Cucci(Ita), Maurizio Follin(Ita), Mauro Gentile(Ita), Karl F. Hacker(Ger), Cesare Iezzi(Ita), Giosue' Marongiu(Ita), Henning Mittendorf(Ger), Lynn jr Palmiter(U.S.A.), Re'my Pe'nard(Fra), Walter Pennacchi(Ita), Paola Rivabene(Ita), Claudio Romeo(Ita), Roberto Sanchez(Ita), Renato Sclaunich(Ita), Pete Spence(Australia), Salvatore Starace(Ita), Reid Wood(U.S.A.).

Nuova tappa al Museo Minimo con gli artisti di Artbahnkreuz. Non una semplice partecipazione ma un punto di riferimento lungo l'autostrada dell'arte. E non poteva che essere cosi' da quando Roberto Sanchez ha creato e animato il suo spazio dedicato agli artisti indipendenti di tutto il mondo. Una situazione museale aperta, viva, in chiara opposizione ad un concetto statico e manierista.

Uniche regole sono la libertà creativa e la qualità che potrebbero non essere sempre immediatamente comprese ma questo e' il destino obbligato di chi vuole essere artista nel piu' vero senso del termine. Noi siamo stati sin dagli inizi favorevoli al suo modo di essere e la nostra presenza ne e' stata e continua ad essere testimonianza in una città che vede nonostante le problematiche economiche sociali un modo di creare vorticoso e affascinante. Un continuo terremoto nel distruggere e nel creare. Il coraggio dell'arte e nell'arte non deve lasciarsi vincere dal convenzionale. Venezia 3 febbraio 2010 (Giancarlo Da Lio)

Inaugurazione martedi' 2 marzo 2010, ore 18,00

Museo Minimo
Via detta San Vincenzo 3 angolo Via Leopardi 47 Fuorigrotta - 80125 Napoli
Orari: lunedi' e mercoledi' h. 15-18; Martedi', giovedi' e venerdi' h. 9-12
Ingresso libero

Lorenzo Perrone

Inaugura a Venezia la mostra dedicata ai 195 finalisti del 4° Premio Internazionale Arte Laguna

Il Novecento a Castel Sant'Elmo di Napoli

Khuri

Riceviamo e pubblichiamo:

Ci sono state e ci sono culture per le quali l’attività che oggi chiamiamo ‘arte’ non produceva e non produce necessariamente gallerie, negozi, aste pubbliche. Cioè mercato generale.

Sono esistite ed esistono ancora culture, anche molto sofisticate, nelle quali scolpire sculture o dipingere storie non aveva e non ha come tappa finale il mercato, culture nelle quali una scultura o una pittura non finisce per diventare un  “prodotto”  ma si accontenta di segnalare storie segrete o memorie o visioni misteriose o anche pensieri speciali che non sarebbero mai apparsi in nessun momento, in nessun luogo del pianeta;  se è vero che l’arte è stata inventata per accompagnare la gente  nelle illusioni della vita.

Khuri, deserto del Tar

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

Alzi la mano chi  non ha nell’armadio almeno uno o due vestiti di ottima fattura che ha messo solo un paio di volte magari sbagliando la taglia o il colore.  Bene è giunto il momento anche per le fashion victims italiane o meglio partenopee di vivere questa esperienza con un format studiato ad hoc……………..

lo SWAP PARTY

( Swap vuol dire letteralmente barattare, scambiare)   ultima tendenza in fatto di moda nato nel cuore pulsante  di Manhattan.

L’ EVENTO, ospitato dal MAMARUMA

di Aversa,  consente di fare shopping a costo zero , Semplicemento

BARATTANDO capi d’ abbigliamento ed accessori precedentemente selezionati da una commissione altamente qualificata,accompaganti da bella musica, bella gente e dalla Presentazione ufficiale della collezione 

***OUIDIRE***

sprig/summer 2010.

Lucia Romualdi allo Studio Trisorio di Roma

variazione op.Km32 slow motion

Inaugurazione 4 marzo 2010

ore 19.00

fino al 16 aprile 2010

Studio Trisorio Roma

Vicolo delle Vacche 12 (Piazza del Fico)

00186 Roma

mar-sab 16.00/20.00

www.studiotrisorio.com

roma@studiotrisorio.com

tel 06 68136189

Giovedì 4 marzo 2010 alle ore 19.00 allo Studio Trisorio di Roma verrà presentato il nuovo lavoro di Lucia Romualdi variazione op.Km32 slow motion, partitura di luce per macchinari ottici e voce meccanica.

Le installazioni di Lucia Romualdi sono composizioni di luce che occupano gli spazi: cifre, diagrammi numerici, tabulati di maree e di stelle. Un lirismo matematico che si avvale anche di procedimenti tipici del montaggio cinematografico.

Variazione op.Km32 slow motion è un’opera che analizza i tempi di marea secondo i tabulati delle Admiralty Tide Tables. La partitura è accompagnata dal ritmo dei proiettori in movimento, dal suono della voce meccanica che legge i tempi del mare e da un film in slow motion. Il Bollettino dei Naviganti è effettuato dalla stazione di Roma Radio delle Capitanerie di Porto - Guardia Costiera.

In mostra sarà disponibile lo scritto Partitura a due voci con Annemarie Sauzeau.

Attiva sulla scena internazionale sin dal 1977, Lucia Romualdi opera dal 1989 in stretto dialogo con i linguaggi musicali realizzando eventi e lavorando con compositori e musicisti contemporanei quali Franco Donatoni, Ivan Fedele, Fausto Sebastiani, Antonio Ballista, Bruno Canino, Stefano Cardi, Claudio Iacomucci. Ha realizzato mostre in importanti spazi pubblici come il MUHKA di Antwerpen, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, il Palazzo delle Esposizioni di Roma, il Centre George Pompidou, il Recoleta di Buenos Aires, il Museo Pecci di Prato, l’Osservatorio Astronomico di Roma, il Castel dell’Ovo di Napoli.

didascalia: Lucia Romualdi, Variazione op.K10°_n., STUDIO TRISORIO DI NAPOLI, 2007. Foto: Luca Lo Iacono

MANI DESIGN

Nel suo spazio in via San Giovanni Maggiore Pignatelli, 1/b Napoli

Dal 12 al 31 Marzo 2010

Ospita:


            Umut Yamac
Your Place or Mine?


A cura di Fabio Figlia e Simona Perchiazzi


OPENING: 12 marzo 19.00_21.00


MANI DESIGN esporrà, dal 12 al 31 marzo, oggetti d’uso e sculture realizzati
dall’architetto e designer Umut Yamac .

Il giovane designer espone per la prima volta a Napoli, esplora in questa
personale ricerca la difficile condivisione del nostro habitat con le altre
specie di animali e vegetali utilizzando uno stile esatto e pulito.

KunstArt 2010

International modern and contemporary Art Fair of Bolzano

Una fiera dinamica, che vuole essere un laboratorio. Per tutte le suggestioni dell'arte sotto il profilo culturale e del mercato, senza dimenticare le sue molte connessioni con il design, con la comunicazione, con la produzione industriale. E che non a caso verrà proposta quest'anno in contemporanea ad "Arredo 2010", Fiera altoatesina dell'interior design che aggiungerà buona parte dei suoi 38.000 visitatori alle migliaia di affezionati che in questi anni hanno già imparato ad amare KunStart.

Una fiera giovane ma realmente internazionale, sempre piu' vivace e qualitativa, che ha messo in rete piu' curatori a livello europeo e che vuole distinguersi come una effettiva rampa di lancio per le gallerie, per gli artisti, per il collezionismo. Per chi, domani, sarà davvero protagonista del settore. È questo, in poche parole, lo spirito che anima la settima edizione di KunStart, fiera internazionale dell'arte di Bolzano. E che dà vita ai molti progetti collaterali realizzati in rapporto e in dialogo con le istituzioni culturali e museali del territorio.

"The Glocal Rookie of the Year": il concorso internazionale per giovani artisti lanciato dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Bolzano, che ambisce a diventare fra i piu' significativi della categoria (e' imminente il lancio di una pubblicazione e di un sito web dedicati). "Intersections": il progetto europeo volto a costituire un network per l'arte contemporanea emergente, aiutando chi viene da fuori ad entrare in relazione con il territorio e chi opera sul territorio a trovare sbocchi al di fuori di esso; nonche' a rafforzare quegli itinerari fra centro e periferia e sull'asse nord-est che un capoluogo multiculturale, plurilingue e di frontiera come quello di Bolzano e' naturalmente portato a ricercare.

O ancora "very contemporary": una selezione a invito per un nucleo di gallerie poco piu' che esordienti, ma già capaci di progettualità e ambizioni che lasciano intravvedere potenzialità non comuni. Cosi' come non comuni, seppure per certi versi ancora latenti o poco note, sono le potenzialità di questa regione. Dove, passata Manifesta, rimane la rinnovata vitalità di spazi museali ed espositivi; o la crescente attenzione di imprenditori, collezionisti e aspiranti tali. Il tutto in un contesto culturale ed economico la cui solidità suscita invidie non solo in campo nazionale. Un orizzonte ampio e ancora da esplorare, al centro del quale KunStart si propone come catalizzatore di idee, di collaborazioni e di risultati. Offrendo strumenti innovativi a 360°, dai contenuti alla logistica, all'organizzazione: pensati non per riproporre una fiera del visto e rivisto, ma per realizzare un appuntamento originale e una tappa da non perdere per chiunque, nell'arte, intenda esprimere molto piu' che un ruolo da comparsa.

KunStart si inserisce in una regione dalla sensibilità artistica rinnovata, già sede dell'ultima biennale europea d'arte contemporanea Manifesta 7 e oggi autentico distretto per il settore grazie ai suoi prestigiosi spazi museali: il Museion di Bolzano, il Mart di Rovereto, la Galleria Civica di Trento e la Kunst Merano Arte di Merano. Un contesto ricco ed effervescente, in cui vanno formandosi nuove generazioni di collezionisti. Ma anche un territorio aperto, plurilingue e multiculturale, che costituisce un privilegiato luogo d'incontro per tanti operatori e appassionati.

Kunstart: il mercato dell'arte e le sue connessioni.

Attenta all'evoluzione del mercato dell'arte a livello internazionale, KunStart intende offrirne una visione altrettanto aperta, prestando attenzione alle molte suggestioni che l'arte contemporanea e' in grado di offrire ad altri settori come quello del design, della comunicazione, della produzione industriale: per riaffermare la presenza dell'arte nello spazio della vita quotidiana e per rendere ancora piu' profondo il rapporto tra le comunità locali e gli interventi degli artisti, creando nuove connessioni tra arte, architettura e paesaggio.

PROGRAMMA

Giovedi' | 04.03.2010 | PROFESSIONAL MEETING
Centro Conferenze Hotel Sheraton| 18.30 - 20.00 h
KunStart si presenta alle sue gallerie e agli addetti ai lavori nella giornata del Professional Meeting, giovedi' 4 marzo presso lo Sheraton. Agli intervenuti verrà offerto un aperitivo presso Museion, dove potranno usufruire di una visita guidata.

Valerio Deho': RAPPORTO TRA ARTE, MUSEI E MERCATO. THE GLOCAL ROOKIE OF THE YEAR.
Direttore artistico di Kunst Merano Arte; docente di Estetica presso l'Accademia di Belle Arti di Brera/Milano; curatore del premio The Glocal Rookie of the Year.

Mauro Fiorese: PROGETTO UPHOS, COME ESEMPIO DI SVILUPPO E PROMOZIONE DEL FARE ARTISTICO NEL CONTEMPORANEO.
Docente di fotografia presso l'Accademia di Belle Arti e l'Università di Verona; esperto di collezionismo Fine Art, lavora come fotografo e curatore con istituzioni nazionali ed internazionali come l'Art Museum di Houston, Texas, la collezione della Biblioteca Nazionale di Francia.

Antonio Cossu: COLLEZIONISMO, POETICA DEGLI ARTISTI E SISTEMA DELL'ARTE CONTEMPORANEA.
Responsabile Associazione PromArt - Villa Lagarina (Tn), promotore d'arte contemporanea e collezionista.

David Tomasi: PRESENTAZIONE PROJECT ROOM INTERSECTIONS.
Artista, Docente presso l'Università di Verona - Osservatorio nazionale di Outsider Art; curatore Intersections; direttore artistico CRAM (Centro Ricerca Artistica Mezzocorona).

Frida Carazzato: FRA DIMENSIONE PUBBLICA E PRIVATA: LA COLLEZIONE ENEA RIGHI A MUSEION.
Assistente curatoriale di Museion Bolzano.
Museion - -Micol Assael- + -Robert Pan- 21.00 h
Visita guidata alle mostre

Venerdi' | 05.03.2010 | FIERA + VERNISSAGE
KUNSTART 10 Orario al pubblico 10.00 - 18.00 h
Biglietto unico KUNSTART + ARREDO 6 - (online 3 -)
VERNISSAGE Accesso solo con invito 19.00 - 22.00 h
Presentazioni al VIP LOUNGE Ferrari Spumanti
Sheraton Hotel Restaurant Valier & Rosengarten + Atrium 21.00 - 24.00 h
DINNER + LIFE MUSIC Accesso solo con invito
Sir Lady Eisenhover Fashion Show
"Elvis Re:Live" by Spankox aka Agostino Carollo

Sabato | 06.03.2010 | FIERA + BLACK PARTY
KUNSTART 10 Orario al pubblico | Publikumsöffnungszeiten | Opening hours 10.00 - 18.00 h
Biglietto unico KUNSTART + ARREDO 6 - (online 3 -)
-THE GLOCAL ROOKIE OF THE YEAR- Art Award under 35 17.00 h
Premiazione
KunstMeranoArte - -F come Fellin- 20.00 h
Visita guidata alla mostra
Thuniversum - BLACK PARTY 23.00 - 03.00 Accesso solo con invito
Vi aspetta una notte davvero unica- Consigliato l'abito nero
Scatenatevi con la band di Paolo Sax (Vasco Rossi, Giorgia) la musica e le percussioni elettroniche di DJ Alex Tozzo e le coreografie del JB Crew (Ballando con le Stelle)

Domenica | 07.03.2010 | FIERA + SOLD OUT
KUNSTART 10 Orario al pubblico 10.00 - 18.00 h
Biglietto unico KUNSTART + ARREDO 6 - (online 3 -)
-SOLD OUT- (Valore 5.000 -) 17.00 h
Estrazione di un'opera d'arte

Per ulteriori informazioni: http://www.kunstart.it
info@kunstart.it tel: +39 0471 516 119 (dalle 10.00 alle 18.00)

Inaugurazione Venerdi' 05 marzo 2010
Accesso solo con invito 19 - 22

Fiera di Bolzano
P.zza Fiera 1, Bolzano
Orario al pubblico: Opening hours 10.00 - 18.00 h
Biglietto giornaliero unico KUNSTART + ARREDO 6 - (online 3 -)

Novecento a Napoli (1910-1980)

Per un Museo in progress. Anteprima del nuovo Museo

Nato da un progetto di Nicola Spinosa, il Museo intende documentare, attraverso una selezione condotta con metodo storico-critico, quanto realizzato a Napoli nel corso del Novecento, entro i limiti cronologici indicati, nel campo della produzione artistica; in particolare, da quanti si applicarono, in quegli anni, soprattutto o quasi esclusivamente, in pittura, scultura e in varie sperimentazioni grafiche. Cosi' da costituire uno strumento indispensabile, ma in città fino a oggi del tutto assente o quasi, perche' dell' arte a Napoli nel secolo scorso possano essere adeguatamente evidenziati, come per altri aspetti e momenti della precedente vicenda artistica documentati in vari musei napoletani, ma non solo, tendenze e scelte, ruoli e incidenze, nel campo piu' vasto delle diverse esperienze condotte in altri ambiti culturali, sia locali che nazionali e internazionali.

Per questo nuovo Museo, che si aggiunge alle altre strutture affini dipendenti dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dalla Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli, realizzato, intenzionalmente e significativamente negli spazi del Carcere Alto di Castel Sant'Elmo adiacenti la Biblioteca e la Fototeca di Storia dell'Arte aperte al pubblico, sono state selezionate ed esposte circa 170 opere realizzate da 90 artisti napoletani, ma con l'aggiunta anche di alcune presenze di artisti non napoletani, che con ruoli diversi furono attivi in città.

Si tratta di un nucleo notevole di dipinti, sculture, disegni o incisioni costituito integralmente con opere provenienti dalle stesse raccolte museali della Soprintendenza, dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, dal Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto e, soprattutto, con donazioni o con la formula del -comodato', oggi sempre piu' diffusa in Italia e da tempo all'estero, di generosi artisti e collezionisti privati. Con il programma o l'auspicio che si tratti solo di un primo nucleo, che, con gli anni a venire, possa ulteriormente accrescersi, cosi' da documentare altri, diversi e successivi aspetti della produzione artistica napoletana, ma non solo, del secolo scorso, per i quali al momento si e' ritenuto piu' opportuno sospendere ogni giudizio critico non basato su sempre indispensabili basi storiche.

La scelta degli artisti e delle opere e' stata curata da Angela Tecce, direttrice del complesso di Castel Sant'Elmo, con la costante collaborazione dello stesso Nicola Spinosa, mentre la realizzazione del Museo si e' resa possibile per il diretto coinvolgimento nel progetto della Regione Campania-Assessorato al Turismo e Assessorato ai Beni Culturali, con l'utilizzo dei fondi disponibili grazie al co-finanziamento dell'Unione Europea POR- FESR Campania 2007-2013.

La Direzione Generale per il Paesaggio, le Belle Arti, l'Architettura e l'Arte Contemporanee ha concorso, per conto del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, alla realizzazione dei relativi apparati didattici, informativi e audiovisivi. Con il contributo di Italcoat, Metropolitana di Napoli, Seda Group.

-Novecento a Napoli' si articola attraverso un percorso cronologico suddiviso per sezioni: dalla documentazione della Secessione dei ventitre' (1909) o del primo Futurismo a Napoli (1910-1914) al movimento dei Circumvisionisti e del secondo Futurismo (anni Venti-Trenta); dalle varie testimonianze su quanto si produsse tra le due guerre alle esperienze succedutesi nel secondo dopoguerra (1948-1958), dal Gruppo -Sud' al cosiddetto Neorealismo, dal gruppo del M.A.C. all'Informale o al Gruppo '58. Seguono le sezioni riservate agli anni Settanta, con particolare riferimento, ma non solo, alle Sperimentazioni Poetico-visive e all'attività dei gruppi legati alle esperienze condotte nel campo del sociale. Fino all'ultima sezione, dove e' documentata l'attività di quanti, pur continuando a operare dopo l'80 sperimentando linguaggi diversi, si erano già affermati in città in quel decennio, prima che il terribile sisma del 23 novembre colpisse e segnasse nel profondo realtà e prospettive di Napoli e di altre aree meridionali.

Sono state, pertanto, selezionate ed esposte opere di: Carlo Alfano, Enrico Baj, Mathelda Balatresi, Renato Barisani, Guido Biasi, Andrea Bizanzio, Giovanni Brancaccio, Giannetto Bravi, Emilio Buccafusca, Enrico Bugli, Francesco Cangiullo, Giuseppe Capogrossi, Luciano Caruso, Guido Casciaro, Giuseppe Casciaro, Luigi Castellano (Luca), Raffaele Castello, Alberto Chiancone, Vincenzo Ciardo, Francesco Clemente, Carlo Cocchia, Mario Colucci, Mario Cortiello, Salvatore Cotugno, Luigi Crisconio, Edgardo Curcio, Renato De Fusco, Lucio del Pezzo, Crescenzo Del Vecchio Berlingieri, Armando De Stefano, Gianni De Tora, Fortunato Depero, Giuseppe Desiato, Bruno Di Bello, Gerardo Di Fiore, Carmine Di Ruggiero, Baldo Diodato, Salvatore Emblema, Francesco Galante, Saverio Gatto, Vincenzo Gemito, Manlio Giarrizzo, Edoardo Giordano (Buchicco), Franco Girosi, Emilio Greco, Raffaele Lippi, Nino Longobardi, Luigi Mainolfi, Antonio Mancini, Giuseppe Maraniello, Tommaso Marinetti, Stelio Maria Martini, Umberto Mastroianni, Rosaria Matarese,  Elio Mazzella, Luigi Mazzella, Emilio Notte, Mimmo Paladino, Maria Palliggiano, Franco Palumbo, Rosa Panaro, Edoardo Pansini, Guglielmo Peirce, Augusto Perez, Mario Persico, Giuseppe Pirozzi, Gianni Pisani, Carmine Rezzuti, Clara Rezzuti, Paolo Ricci, Guglielmo Roehrssen di Cammarata, Errico Ruotolo, Corrado Russo, Mimma Russo, Quintino Scolavino, Domenico Spinosa, Bruno Starita, Federico Starnone, Tony Stefanucci, Guido Tatafiore, Ernesto Tatafiore, Giovanni Tizzano, Ennio Tomai, Raffaele Uccella, Maurizio Valenzi, Antonio Venditti, Gennaro Villani, Eugenio Viti, Elio Waschimps, Natalino Zullo.

Il Museo dispone, inoltre, di un catalogo edito da Electa, con le presentazioni del Presidente della Giunta Regionale Antonio Bassolino, del Direttore Generale per il Paesaggio, le Belle Arti, l'Architettura e l'Arte Contemporanee Roberto Cecchi e del Soprintendente Lorenza Mochi Onori; una premessa di Nicola Spinosa, una introduzione della Direttrice Angela Tecce; e con saggi critici di Maria Antonietta Picone Petrusa, Angela Tecce, Mario Franco e Aurora Spinosa, Katia Fiorentino.

Organizzazione Civita

Informazioni: 848 800 288 ad apertura Museo;
dall'estero, dai cellulari e dai telefoni non abilitati +39.06.39967050
(lun.-ven. 9,00-18,00 / sab. 9,00-14,00)

Ufficio stampa:
Soprintendenza, Simona Golia tel. 081 2294478 fax 081 2294498
polomusna.uffstampa@arti.beniculturali.it

Civita, Barbara Izzo, Arianna Diana tel. 06 692050220-258
izzo@civita.it

Electa, Enrica Steffenini tel. 02 21563433
elestamp@mondadori.it;

Carolina Perreca tel. 081 4297435
comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Conferenza stampa 4 marzo 2010 - ore 12

Museo Napoli Novecento
Via Tito Angelini, 20 (Castel Sant'Elmo) Napoli
Orario: tutti i giorni ore 10-19; martedi' chiuso
Ingresso: - 3,00

Jan Fabre

Croci nel silenzio della tempesta, insetti nella tempesta del silenzio. Installazione

Tra archeologia e arte contemporanea, il Museo di Santa Giulia raddoppia l'offerta per i propri visitatori. Oltre alla mostra Inca. Origine e misteri delle civiltà dell'oro (fino al 27 giugno), per due settimane, dal 5 al 18 marzo 2010, Santa Giulia di Brescia ospiterà, nella chiesa di San Salvatore, un'installazione dell'artista belga Jan Fabre (Anversa, 1958).

L'opera, Croci nel silenzio della tempesta, insetti nella tempesta del silenzio, e' un grande telero in seta (9x16 metri), realizzato nel 1992, completamente tratteggiato a penna a sfera Bic, dal quale emerge, per contrasto, il disegno di una croce che riprende quello delle croci longobarde.

Jan Fabre e' uno degli artisti piu' significativi in Belgio e sulla scena internazionale, dalla fine degli anni -70 si esprime con una vasta gamma di linguaggi che spaziano dalle arti plastiche ai film, dal teatro alla coreografia alla danza, dal disegno alla scultura.
Fabre riesce a passare con agilità da una disciplina all'altra discostandosi dall'archetipo dello -specialista- ormai cosi' tipico nella nostra cultura e ad ottenere, in ciascuna di esse, una tensione sempre alta, indice di qualità e forza teorica e formale del suo percorso artistico. Cosi' egli passa dall'essere disegnatore a creatore di immagini, performer, attore, regista, scenografo ed infine, quindi, artista nel senso piu' ampio e ancestrale del termine.

La biro blu e' il primo mezzo con il quale Fabre fa il suo ingresso nel settore della pittura. -Ho disegnato molto con la biro perche' costava poco, cosi', adoperandola continuamente, ho scoperto le qualità chimiche del suo inchiostro-. Con il tempo i disegni sono cresciuti in scala, fino a raggiungere dimensioni monumentali: nel 1990, ricopre un intero castello nei pressi di Anversa.

In questi lavori, che lo hanno reso famoso al grande pubblico, Fabre ha unito l'amore per il disegno all'altra grande passione che ha ispirato la sua ricerca artistica: lo studio degli insetti, che racconta di avere ereditato dal bisnonno, il famoso entomologo Jean-Henri Fabre. Le opere di -bic-art- sono infatti ispirate all'-Ora Blu-, concetto usato dal bisnonno per definire il momento di passaggio tra la notte e il giorno, quando gli insetti notturni vanno a dormire e si risvegliano quelli diurni. L'interesse di Fabre per gli insetti e' testimoniato anche dall'uso ricorrente, nella sua opera, degli scarabei. La passione per questo animale, sfociata in una vera e propria beetle-mania, ha la sua celebrazione piu' grandiosa nell'opera realizzata per il Palazzo Reale di Bruxelles, il cui soffitto e' stato ricoperto da Fabre con milioni di scarabei.

Nel grande telo in seta esposto in San Salvatore, la variazione di intensità di tratteggio fa emergere sul fondo blu i simboli ricorrenti di questo artista: le croci e gli scarabei.

L'esposizione si pone come ideale conclusione dell'iniziativa CapoLavori in corso, promossa dal Comune di Brescia (Assessorato alla Cultura/Musei d'Arte e Storia) e realizzata in collaborazione con Fondazione Brescia Musei che si e' tenuta lo scorso anno nelle sale della Pinacoteca Tosio Martinengo, durante la quale, i capolavori di Raffaello, Foppa, Savoldo, Moretto, Ceruti, patrimonio del museo bresciano, si confrontavano con quelli di artisti contemporanei quali Lucio Fontana, Maurizio Cattelan, Alberto Burri, Luigi Ontani, Alighiero Boetti, Anish Kapoor e altri.

Durante l'inaugurazione - giovedi' 4 marzo, alle ore 18.30 - verrà presentato il volume -CapoLavori in corso- (ediz. SHINproduction) che raccoglie le immagini e il ricordo di quell'esperienza.
L'evento e' stato reso possibile grazie al contributo del Credito Cooperativo BCC del Garda

Il biglietto d'ingresso alla mostra Inca. Origine e misteri delle civiltà dell'oro include anche la visita alle collezioni permanenti del Museo di Santa Giulia e, dal 4 al 18 marzo, all'installazione dell'artista belga Jan Fabre in San Salvatore.

http://www.museiarte.brescia.it
T. 030.2977.833/834

Ufficio stampa
CLP Relazioni Pubbliche
T. (+39) 02.433403
F. (+39) 02.4813841
press@clponline.it

Inaugurazione giovedi' 4 marzo, alle ore 18.30

Santa Giulia Museo della città, Brescia
Orari di apertura: da lunedi' a giovedi' 9-19
da venerdi' a domenica 9-20
ingresso con biglietto della mostra Inca. Origine e misteri delle civiltà dell'oro

Arcangelo presenta per la Fondazione Volume! un nuovo ciclo

di lavori, trentacinque dipinti a olio su carta fissati uno fianco

all'altro a formare una singolare trama sul muro dello spazio

espositivo in via Santa Maria dell’Anima.

Lo sguardo antropologico dell’artista, da sempre rivolto al sud

del mondo, si volge ora verso Sègou, città del Mali in Africa

occidentale, terra che, come memoria dei suoi viaggi fisici e ascetici,

trattiene uno spazio nella sua anima e che mostrandosi rappresenta

l’artista stesso, la sua appartenenza e testimonianza culturale.

Maschere, icone votive, idoli propiziatori, tutte immagini mitiche

configurate in una sorta di onirico paesaggio di sedimentazioni

storiche che parte dalla terra e che punta in direzione del cielo.

Il peso di un colore, adesso più vivace, che si fa immagine,

un atto magico e sensoriale che Arcangelo utilizza per permettere

all’osservatore d'immergersi nei segni superficiali verso una visione

più intima dell’opera, in una completa identificazione con il luogo

e con il tempo.

Quella di Arcangelo è una gestualità che crea, è energia che

sprigionandosi da principio, è voce di un universo onirico,

misterico e immaginativo, di uno spazio vitale.

FONDAZIONE VOLUME!

via s. francesco di sales 86/88 00165 roma • ufficio via di santa maria dell’anima 15 00186 roma

tel/fax +39066892431

press@fondazionevolume.com • silviamarsano@fondazionevolume.com • marilenaborriello@fondazionevolume.com

www.fondazionevolume.com

Reminescenze

Lunedì 8 Marzo 2010, presso l’Associazione Culturale Il Ponte di Nocera
Inferiore (Salerno),
alle ore 19:00, si inaugura la mostra personale di Veronica Longo, artista
dedita da diversi anni allo studio ed all’approfondimento dell'incisione
tradizionale e sperimentale.

La mostra, in cui saranno presenti anche alcuni dipinti dell’artista,
è stata curata da Domenico Pagano - presidente dell’Istituto di Studi per l’
Arte al Femminile ISAF – e resterà aperta fino al 24 Marzo.
Giorni feriali: 10.00-13.00, 17:00-20:00; festivi: 10.00-13.00

Info: Il Ponte, Via Origlia 19, Nocera Inferiore (SA) – 340 7759693
www.ilponte-isaf.it

Da Corot a Monet

La sinfonia della natura

a cura di Stephen F. Eisenman

-Da Corot a Monet. La sinfonia della natura-: dal 6 marzo al 29 giugno 2010 il Complesso del Vittoriano di Roma presenta una prestigiosa esposizione che per la prima volta mette in relazione le straordinarie innovazioni, attraverso cui gli Impressionisti rivoluzionarono la pittura tradizionale, con una comprensione piu' ampia della natura, della cultura e della modernizzazione del loro tempo. Oltre 170 opere tra dipinti, opere su carta e fotografie d'epoca, queste ultime mai esposte prima in Italia, ripercorrono l'evoluzione della rappresentazione della natura nella pittura francese dell'Ottocento, partendo dalle prime innovazioni ai canoni classici apportate dai pittori della Scuola di Barbizon, esplorando a fondo la rivoluzione degli Impressionisti, per arrivare al trionfo cromatico delle Ninfee di Monet.

La Mostra, che nasce sotto l'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, e' promossa dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, con la partecipazione del Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione -, della Regione Lazio - Presidenza e Assessorato alla Cultura, allo Spettacolo e allo Sport -, della Provincia di Roma - Presidenza e Assessorato alle Politiche culturali -, con il patrocinio del Senato della Repubblica, della Camera dei Deputati e del Ministero degli Affari Esteri. La rassegna e' organizzata e realizzata da Comunicare Organizzando di Alessandro Nicosia.

Tanti prestigiosi musei di tutto il mondo, insieme ad importanti gallerie e collezioni private, hanno sostenuto questo ambizioso progetto e tra essi spiccano: The Art Institute di Chicago, The Metropolitan Museum of Art e The New York Public Library di New York, The National Gallery of Art e The Corcoran Gallery of Art di Washington, Toledo Museum of Art e Kimbell Art Museum, Muse'e Marmottan e Bibliothe'que nationale de France di Parigi, Muse'e Fabre di Montepellier, e ancora Hamburger Kunsthalle e The State Hermitage Museum.

L'esposizione -Da Corot a Monet. La sinfonia della natura-, a cura di Stephen F. Eisenman, Ordinario di Storia dell'Arte, Northwestern University, Chicago, in collaborazione con Richard R. Brettell, Commissario Internazionale della Mostra, Ordinario di Storia dell'Arte, University of Texas, Dallas, si avvale di un prestigioso comitato scientifico composto da John House, Walter H. Annenberg Professor, Courtauld Institute of Art, Londra; Maria Grazia Messina, Ordinaria di Storia dell'Arte Contemporanea, Università di Firenze; Greg M. Thomas, Associate Professor in Art History, The University of Hong Kong, Hong Kong; MaryAnne Stevens, Director of Academic Affairs e Senior Curator, The Royal Academy of Arts, Londra; Michael Zimmermann, Deputy Director of the Zentralinstitut für Kunstgeschichte, Monaco di Baviera.
La mostra

L'Impressionismo e' certamente un periodo storico artistico al quale sono state dedicate innumerevoli esposizioni, studi e pubblicazioni, ma questa mostra al Complesso del Vittoriano, propone per la prima volta un'analisi davvero approfondita e complessiva del rapporto tra Impressionismo e Natura e di come gli Impressionisti, con il loro linguaggio artistico innovativo, non solo abbiano reso testimonianza visiva dell'impatto della modernità sul paesaggio francese, in una coesistenza di passato e presente, ma abbiano abbracciato una nuova prospettiva olistica, che rivela il dinamismo e la contingenza di ogni sistema sociale e naturale.

La mostra si apre con una selezione di opere a contrasto: da un lato i paesaggi classicheggianti, alla maniera dei Salon, come l'imponente Vista dell'isola di Capri di Harpignies, dall'altro il nuovo approccio degli artisti della Scuola di Barbizon, che sceglievano, invece, di raffigurare luoghi meno spettacolari e di creare composizioni meno fedeli ai dettami della tradizione.

La Scuola di Barbizon comprende quegli artisti, tra cui Corot, Rousseau, Díaz de la Peña, Dupre' e Daubigny, che, a partire dagli anni trenta dell'Ottocento, si stabilirono proprio a Barbizon, una località della foresta di Fontainebleau, dove cominciarono a disegnare e, talvolta anche a dipingere, en plein air, con un'attenzione particolare agli effetti transitori della luce e dell'atmosfera, pur mantenendo un notevole rispetto per la tradizione artistica, raffigurando scene rurali solitarie, oltre che per gli elementi legati alla visione e alla vita materiale.

La foresta di Fontainbleau, poco lontana da Parigi, rappresentava per i francesi dell'epoca un vero e proprio monumento naturale, da proteggere e preservare. Come scrive Stephen Eisenman nel suo saggio: -Nel 1860 C.F. Denecourt, il celebre scrittore di guide di viaggio, rivolse un appello all'imperatore Napoleone III affinche' la foresta venisse protetta: -Con i suoi splendidi orizzonti, le superbe masse di rocce antidiluviane, le valli ombreggiate, gli spazi vuoti e gli alberi secolari... [questa foresta] e' stata regalata da Dio alla Francia come un modello di paesaggio terreno' The'odore Rousseau, dal canto suo, descrisse le foreste come -l'unico ricordo ancora vivo dell'epoca eroica della madrepatria, da Carlo Magno a Napoleone' e nel 1852 sollecito' Napoleone III a istituire una riserva naturale nella foresta, cosa che quest'ultimo fece nel 1861. Questa re'serve artistique di 1.097 ettari fu uno dei primi parchi nazionali del mondo. (...) I dipinti di Barbizon, comprese le fotografie di Cuvelier, Le Gray, Le Secq e altri, - qui esposte - erano dunque intensamente nostalgici, giacche' rievocano il sogno di un'era in cui - almeno cosi' si credeva - nobili e contadini vivevano in armonia, la terra era fertile e pacifica e le uniche tracce significative dello scorrere del tempo erano il mutare delle stagioni e la diversa intensità della luce nelle ore del giorno.-

-Gli impressionisti, che ammiravano Daubigny e negli anni settanta dell'Ottocento lo seguirono a Auvers- - spiega Eisenman - amplificarono al massimo le innovazioni e minimizzarono il conservatorismo degli artisti di Barbizon. Nel 1872 Claude Monet si costrui' uno studio galleggiante sull'esempio di Daubigny (autore della serie di incisioni En bateau, 1872, New York Public Library, presenti in mostra), ma anziche' guardare in basso verso le sponde dei fiumi per rappresentarne la particolare morfologia, di solito abbracciava con lo sguardo acqua, cielo, ponti, gitanti, passeggiatori, battellieri, braccianti e tutte le forme della natura e della cultura rivierasca. E invece di raffigurare quel mondo complesso gradualmente, con pennellate brevi, misurate e relativamente uniformi, utilizzava segni ampi ed espressivi, macchie, tocchi, riccioli e virgole di colore. Attraverso l'unione di una superficie pittorica animata e una nuova gamma di soggetti, in effetti, Monet e gli impressionisti aprirono una serie di interrogativi critici sulla modernità che avrebbero stimolato l'ambiziosa pittura europea per i decenni a venire. Essi sostituirono al nominalismo degli artisti di Barbizon un olismo nuovo e convincente: erano diventati artisti ecologici. -

Una rappresentazione della Natura come forza vitale, nella sua perpetua attività generatrice, priva di figure umane, e' quella presentata da artisti come Courbet, Boudin e Cazin.

Nelle opere degli Impressionisti appare, quindi, evidente questa nuova volontà di rappresentare una realtà che e' frutto dell'equilibrio e della commistione indissolubile tra tutte le parti del mondo naturale. Prendendo spunto dagli sviluppi della scienza a loro contemporanea, come testimoniano in mostra alcune copie della rivista scientifica La Nature di Gustave Tissandier e pubblicazioni del geologo radicale Elise'e Reclus, i pittori impressionisti rappresentarono -l'economia della natura-, ovvero la terra come un insieme di sistemi umani e naturali collegati tra loro, con tutte le parti ugualmente vitali e reciprocamente vincolate.

Quella impressionista e' una sfida al pittoresco convenzionale, sia nel virtuosismo della tecnica essenziale, sia in quello della composizione. Come spiega John House nel suo saggio in catalogo: -Le opere eseguite da Pissarro e Monet tra gli anni settanta e ottanta dell'Ottocento chiariscono ulteriormente questi temi. Negli anni settanta Pissarro realizzo' una sequenza di vedute delle rive dell'Oise in cui le fabbriche giocano un ruolo prominente (vedi per es. in mostra La sente du Chou, Douai, Muse'e de la Chartreuse). Questa intrusione della contemporaneità equivaleva a un rifiuto delle immagini convenzionali del fiume rese popolari dai dipinti di Charles-François Daubigny, in cui le sponde verdi e nebbiose sono presentate come un rifugio incontaminato (per es. esposto Mattino sull'Oise, Oshkosh, Paine Art Center and Gardens). A un primo sguardo le fabbriche di Pissarro sembrano accomunabili alla parodistica mietitura di Renoir, ma tra le due c'e' una differenza sostanziale: mentre in Renoir contava soprattutto la decisione di declinare il tema della mietitura in chiave antipittoresca, in Pissarro la rottura e' provocata da un'intrusione fisica nel paesaggio stesso, quella della fabbrica sulla riva del fiume. (...) Considerato nel suo insieme, questo progetto suggerisce che la presenza della modernità puo' assumere molte forme e che una pittura realmente moderna dovrebbe riunire quegli elementi contrastanti che le rappresentazioni di paesaggi tradizionali avevano escluso.-

Anche Monet, nelle vedute di Argenteuil realizzate in questo stesso periodo, esplora un'ampia gamma di tonalità e atmosfere. A volte il luogo e' raffigurato come un villaggio rurale, ma piu' spesso sono i segni della modernità a imporsi, pur nella loro estrema diversità: fabbriche e ponti ferroviari, ma anche ville suburbane, chalet sulle rive del fiume e imbarcazioni in movimento, con una continua variazione tonale delle opere, che esplorano tutte le piu' disparate variazioni atmosferiche in una gamma di effetti visivi davvero straordinaria.

L'uomo entra nel paesaggio, come nel capolavoro di Fre'de'ric Bazille dal Muse'e Fabre di Montpellier, nel quale la donna in primo piano si immerge completamente nella natura, invitando il nostro sguardo a sprofondare nel panorama della valle verdeggiante vicino al villaggio di Castelnau.

Come spiega Eisenman, Alfred Sisley, invece, dedico' tutta la sua carriera a rappresentare i cicli della natura e il potere dell'idrologia: -I suoi maggiori dipinti hanno per soggetto fiumi, laghi, oceani e alluvioni. Ne sono un esempio - tra le opere esposte - L'inondazione a Port-Marly (1872, Washington, National Gallery of Art), L'inondazione a Moret (1879, Brooklyn Museum) e La Senna a St.-Mamme's (ca. 1882, Muskegon Museum of Art): essi raffigurano in maniera vivida cio' che Tissandier e Reclus descrivevano a parole, ovvero che le piene sempre piu' frequenti dei fiumi francesi, tra cui la Senna, il Rodano, la Loira e la Garonna, erano una conseguenza dell'azione e degli abusi dell'uomo, che tagliava alberi e siepi distruggendo le foreste per lasciar spazio all'agricoltura. In effetti le grandi inondazioni del 1846, 1856 e 1875 furono ampiamente attribuite alla deforestazione. Ma i quadri di Sisley evidenziano anche un altro aspetto della visione di Reclus, ovvero che le comunità sono in grado di adattarsi ai cicli della natura e persino alle calamità esacerbate dall'agire dell'uomo.-

L'avvento della Terza Repubblica nel 1879 cambio' nettamente la politica artistica dello stato francese, che, se in passato aveva favorito le forme piu' tradizionali del paesaggio rurale, incoraggiava ora attivamente la raffigurazione delle scene contemporanee. Fu forse anche questo che contribui' al trasferimento di Monet a Ve'theuil e ad un atteggiamento nuovo: abbandono dei soggetti esplicitamente moderni, riduzione al minima della presenza umana.

La fusione tra pratica artistica e vita privata che Monet attuo', poi, nella casa e nei giardini di Giverny e' un esempio perfetto della tendenza antiurbana e introspettiva dell'arte moderna fin de sie'cle. Spiega Eisenman -Ormai prossimo alla fine della vita e della carriera, Monet ripenso' alle opere dei grandi pittori di Barbizon Rousseau, Díaz, Dupre', Harpignies e Daubigny, nonche' dei fotografi Euge'ne Cuvelier, Gustave Le Gray e Henri Le Secq, i quali avevano tutti posto l'acqua - in particolare i fiumi e le paludi - al centro della loro visione. Al pari di questi artisti, anche lui considerava l'acqua - come aveva scritto il naturalista Justus Liebig nel 1845, durante il periodo d'oro di Barbizon - -l'agente intermedio di tutta la vita organica-. Le sue ninfee erano forse -il piccolo e tiepido stagno- descritto da Darwin, il brodo primordiale da cui si svilupparono tutte le forme di vita.-

La mostra si chiude con una testimonianza dello splendido ciclo delle Ninfee, oggi chiamato Grandes De'corations, installato all'Orangerie di Parigi e aperto al pubblico nel 1927, un anno dopo la morte dell'artista. -Queste immense tele panoramiche, che raggiungono un'estensione totale di oltre novanta metri, segnano un netto passaggio concettuale dall'originario obiettivo artistico di Monet, ovvero quello di recarsi in campagna e dipingere tutto cio' su cui si posava lo sguardo - terra, cielo, acqua, barche, gente, edifici - purche' il risultato fosse una composizione pregevole e coerente.-

L'artista non raffigura piu' la natura come momento insieme immediato ed eterno, non e' piu' interessato a fissare sulla tela il fondersi di passato e presente, antico e modernità, ma crea, piuttosto, un luogo dell'anima, un ideale rifugio dalla contingenza della vita quotidiana.

Conclude Eisenman: -Questo sforzo di monumentalizzazione e' decisamente distante dalla deliberata contemporaneità e contingenza della precedente visione ecologica di Pissarro, Sisley e dello stesso Monet. L'artista aveva quindi abbandonato l'ecologia di Reclus, con la sua enfasi sul cambiamento e sull'interdipendenza dinamica di natura e cultura, per tornare a una versione del paysage nature o natura naturans (la natura che genera se stessa) della scuola di Barbizon, ma stavolta senza la struttura di sostegno del classicismo. Il risultato e' una straordinaria emancipazione dalle forze scoraggianti della modernizzazione, ma anche un terribile ritiro in un'isola privata di sogni e ansietà.

Immagine: Fre'de'ric Bazille Veduta di un villaggio, 1868

Ufficio stampa Skira
Lucia Crespi Tel. 02 89415532 - 89401645 lucia@luciacrespi.it

Inaugurazione 5 marzo 2010, dalle ore 18 alle ore 20 su invito

Complesso del Vittoriano
via San Pietro in Carcere (Fori Imperiali) Roma
orario: dal lunedi' al giovedi' 9.30 -19.30; venerdi' e sabato 9.30 -
23.30; domenica 9.30 - 20.30
biglietti: - 10,00 intero; - 7,50 ridotto

Giorgio de Chirico

La suggestione del Classico

A cura di Victoria Noel-Johnson, Sabina D'Angelosante, Matilde Romito

Dal 6 marzo al 2 giugno 2010, alle Scuderie del Castello Visconteo di Pavia si terrà la mostra Giorgio de Chirico. La suggestione del Classico, promossa dal Comune di Pavia e dalla Provincia di Pavia, prodotta e organizzata da Alef - cultural project management, in linea con il progetto di valorizzazione delle Scuderie del Castello Visconteo, condotto attraverso una costante programmazione di elevato profilo culturale.

Come afferma Gian Marco Centinaio, Assessore al Marketing territoriale e Cultura del Comune di Pavia, -Dopo il grande successo dell'esposizione Da Velazquez a Murillo, le sale del Castello Visconteo di Pavia hanno l'onore di ospitare la mostra La suggestione del Classico di Giorgio de Chirico. Si tratta di un appuntamento particolarmente importante e di prestigio, frutto della sinergia che questa amministrazione ha subito instaurato con la Provincia di Pavia e che rientra nel progetto di valorizzazione delle Scuderie del Castello Visconteo. Con la mostra dell'Ermitage si e' toccato un livello molto elevato e l'amministrazione vuole continuare su questa strada con altri appuntamenti di prestigio: l'esposizione di de Chirico e' solo il primo passo di un percorso che intende porre Pavia al centro dell'attenzione culturale internazionale, come e' giusto che sia-.

La mostra presenterà 40 opere di de Chirico - tra dipinti e sculture realizzati tra gli anni Trenta e gli anni Settanta del Novecento - selezionate da Victoria Noel-Johnson e Sabina D'Angelosante per la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico di Roma, da cui provengono tutti i lavori. A questo nucleo si affiancherà una serie di reperti provenienti dai Musei Archeologici della Provincia di Salerno, selezionati da Matilde Romito, che evidenziano la suggestione esercitata dal classico nell'arte del maestro della Metafisica.

Un progetto e una proposta espositiva che illustra uno dei motivi centrali della pittura di de Chirico, ovvero la sua propensione all'antico, al mondo ellenico e ai valori plastici della scultura classica, elementi che ne fanno un artista colto e raffinato con una memoria del mondo antico sorprendente e fertile. I motivi di quel mondo arcaico occupano, infatti, già dal primo decennio del Novecento gli scenari delle sue opere in modo prepotente, grazie a un linguaggio che articola sapientemente evocazione e invenzione e che condurrà di li' a poco a quel processo di pietrificazione dello spazio e del tempo caratteristici della pittura metafisica.

Il Mediterraneo, grande bacino di storia e di cultura, ha recitato nel movimento artistico della Metafisica e nell'evoluzione stilistica dello stesso de Chirico un grande ruolo, rappresentando l'immagine della conoscenza in filosofia, poesia, scultura e pittura. De Chirico si avvicinava, infatti, al mondo classico con lo scrupolo e la sensibilità di un archeologo ma, al tempo stesso, con lo spirito romantico di un appassionato collezionista di calchi di sculture classiche.

L'anima, le forme, i personaggi del mito ellenico, la quieta grandezza della statuaria antica, gli assolati silenzi del paesaggio meridionale sono poi sempre rimasti gli spunti basilari della sua ispirazione: de Chirico si riappropriava dell'arte greca nelle teste marmoree, nelle anfore, e nelle statue conservate dai piu' importanti musei archeologici italiani. Senza la scoperta del passato, era solito affermare de Chirico, non e' possibile la scoperta del presente. In questo caso, il pittore e' l'erede non solo delle grandi tendenze romantiche, quanto di quelle della migliore tradizione classica. Nato a Volos, in Grecia nel 1888, de Chirico non poteva che porre alla base della propria autobiografia il paesaggio culturale della sua infanzia, non separato dalla considerazione dell'impatto svolto dal Mediterraneo come ispiratore di cultura.

Giorgio de Chirico. La suggestione del Classico e' il secondo appuntamento di un percorso che ha toccato come sua prima tappa la Galleria Civica d'Arte di Cava de' Tirreni (SA), dove e' stata giudicata come uno degli eventi espositivi piu' significativi della stagione culturale 2009-2010 del Sud Italia.

Nota biografica
Giorgio de Chirico nasce il 10 luglio del 1888 a Volos, capitale della Tessaglia (Grecia) da Evaristo, ingegnere, e da Gemma Cervetto, nobildonna di origini genovesi. In questi anni Giorgio, assecondato dal padre nella passione per l'arte, prende le prime lezioni di disegno dal pittore greco Mavrudis. Proprio ad Atene de Chirico realizza il suo primo quadro dal titolo Natura morta con limoni. Nel 1906, a seguito della morte del padre, la famiglia de Chirico si trasferisce per un breve periodo in Italia, con due brevi soste a Venezia e a Milano, per poi stabilirsi a Monaco dove Giorgio frequenta l'Accademia di Belle Arti ed entra in contatto con la cultura artistica, letteraria e filosofica tedesca. Legge Schopenauer, Nietzsche e Weininger, approfondisce lo studio della pittura antica e studia l'arte di Arnold Böcklin.

Nel marzo 1910 si trasferisce con il fratello a Firenze ove dipinge il suo primo quadro metafisico: Énigme d'un apre's-midi d'automne. Li' subisce l'influenza di Giotto e della pittura primitiva toscana, indirizzandosi verso una pittura ricca di impianti prospettici e di costruzioni a forma di arcate. Nel 1911, diretto a Parigi con la madre per raggiungere il fratello, passa per Torino. La città lo colpisce per alcuni particolari architettonici che diverranno temi iconografici della sua pittura. A Parigi ha inizio la sua vera carriera artistica a contatto con gli ambienti dell'avanguardia artistico-culturale francese e con il poeta Guillaume Apollinaire. L'anno seguente, nel 1912, grazie all'interessamento del fratello, partecipa per la prima volta ad una mostra: Salon d'Automne al Grand Palais di Parigi. In occasione dell'esposizione, nel 1913, di altre tre sue opere al Salon des Inde'pendants a Parigi viene notato da Pablo Picasso e Guillaume Apollinaire grazie ai quali de Chirico stringe amicizia con Brancusi, Braque, Jacob, Soffici, Le'ger e Derain.

Nell'autunno di quello stesso anno Apollinaire organizza nell'atelier dell'artista una mostra di trenta opere e recensisce de Chirico su "L'intransigeant" utilizzando il termine "metafisico". Riviste e giornali pubblicano le sue opere ed elogiano le sue qualità creative. Scoppia la Prima Guerra Mondiale e i due fratelli de Chirico rientrano in Italia. Giorgio viene assegnato all'Ospedale di Ferrara dove svolge un lavoro sedentario in quanto considerato inabile al lavoro. Continua a mantenere stretti rapporti con l'ambiente parigino e tra il 1917 e 1918 entra in contatto con il movimento Dada. Dipinge i suoi celebri Ettore e Andromaca e Le Muse inquietanti e frequenta l'ambiente artistico di Ferrara: conosce Filippo de Pisis e inizia una corrispondenza con Carrà, che conoscerà durante un ricovero in ospedale militare.

Carrà rimane affascinato dal mondo poetico e dai temi artistici di de Chirico, dipingendo una serie di opere di chiara matrice metafisica. Nasce la "pittura metafisica", teorizzata di li a poco sulla rivista "Valori Plastici". Nel 1918 de Chirico ottiene il trasferimento a Roma. Qui collabora alla suddetta rivista ed espone nelle sale del giornale "Epoca" insieme a Prampolini, Carrà, Soffici. Nel 1919 presenta la sua prima mostra personale alla Galleria d'Arte di Anton Giulio Bragaglia e pubblica lo scritto "Noi metafisici". Da questo momento in poi inizia per de Chirico un periodo ricco di esposizioni in tutta Europa, in particolare in Francia, e un discreto interesse per le sue opere nasce anche negli Stati Uniti. La pittura di de Chirico viene apprezzata da tutti i massimi artisti dadaisti e surrealisti ma anche dagli artisti tedeschi del Realismo Magico, quelli del Bauhaus e della Nuova Oggettività.

Nel 1924 partecipa alla XIV Biennale di Venezia, mentre a Roma conosce la ballerina russa Raissa Gourievich Krol, sua futura moglie. Nel tardo 1924 e' con Raissa a Parigi, dove al The'âtre des Champs Elise'es, realizza scene e costumi per i Balletti Svedesi che mettono in scena La Giara di Pirandello con musiche di A. Casella.

Nel 1928 tiene la sua prima personale a New York presso la Valentine Gallery e poco dopo espone a Londra.
Il 3 febbraio 1930 sposa Raissa ma già nell'autunno del 1930 conosce Isabella Pakszwer (poi Isabella Far), che diventerà, nel 1946, la sua seconda moglie e gli resterà vicina fino alla morte.

Alla fine del 1931 il matrimonio con Raissa, ormai in crisi si conclude con una definitiva separazione e nel 1932 de Chirico e la Pakszwer lasciano Parigi per trasferirsi a Firenze. Espone alla XVIII Biennale di Venezia nella sala dedicata agli italiani di Parigi e dedica molto tempo al teatro, come costumista e scenografo: nel Pulcinella per l'Ope'ra Russe a Parigi e nell'Ariane et Bacchus, balletto con musiche di A. Roussel, in scena all'Ope'ra di Parigi.

Nel 1933 partecipa alla V Triennale di Milano per la quale esegue il monumentale affresco La Cultura Italiana e continua la sua attività per il teatro. Nel 1938 rientra in Italia e si stabilisce a Milano, trasferendosi poco dopo a Parigi, disgustato dai "decreti per la difesa della razza". Espone alla III Quadriennale d'Arte Nazionale di Roma, al M.O.M.A. di Boston e alla Exhibition of Italian Contemporary Art di New York. A Firenze nel 1940, inizia a lavorare ad alcune sculture in terracotta: Gli Archeologi, Ettore e Andromaca, Ippolito e il suo cavallo e una Pietà. Pubblica Il Signor Dudron in -Prospettive- e il testo sulla scultura Brevis Pro Plastica Oratio su -Aria d'Italia-.

Nel 1944 si stabilisce definitivamente a Roma, scegliendo dal 1947 Piazza di Spagna come sede per l'ufficio e poi per l'abitazione. Prolifico anche in età avanzata, ha continuato a esporre in Italia e all'estero, ricevendo la nomina di Accademico di Francia, e lo Spadino in occasione dell'antologica al Muse'e Marmottan di Parigi. Nel 1978, festeggia i 90 anni con una mostra presso l'Artcurial a Parigi ma il 20 novembre dello stesso anno Giorgio de Chirico muore a Roma. Dal 1992 e' sepolto in Roma presso la chiesa di San Francesco a Ripa in Trastevere.

Fondazione Giorgio e Isa de Chirico
La Fondazione Giorgio e Isa de Chirico nasce nel 1986 per volontà di Isabella Far de Chirico, vedova del celebre pittore e di Claudio Bruni Sakraischik, curatore del Catalogo Generale, per tutelare la personalità intellettuale e artistica di Giorgio de Chirico. Nel 1987 Isabella Far de Chirico dona allo Stato italiano le 24 opere dell'artista che sono entrate a far parte delle collezioni della Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma.

Alla morte di Isabella Far, avvenuta a Roma nel novembre 1990, la Fondazione eredita la casa del pittore e la maggior parte del suo patrimonio artistico. Nell'agosto 1991 si spegne a Los Angeles Claudio Bruni Sakraischik, lasciando alla Fondazione il suo archivio di Giorgio de Chirico.

Nel 1993 la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico ottiene il riconoscimento della personalità giuridica e quindi l'autorizzazione ad accettare il patrimonio relitto. Da allora opera attivamente per il conseguimento delle sue finalità attraverso: la raccolta e conservazione della documentazione inerente all'opera complessiva di de Chirico, la prosecuzione dell'archiviazione delle sue opere autentiche per contrastare il fenomeno delle falsificazioni, l'istituzione di borse di studio per favorire la conoscenza e gli studi sull'arte del Maestro, la promozione di mostre e convegni, sia in territorio nazionale che all'estero, e la pubblicazione di studi sull'Artista.

Nel novembre 1998, a vent'anni dalla scomparsa di Giorgio de Chirico, la Fondazione ha aperto al pubblico la sua abitazione romana in Piazza di Spagna, nel seicentesco Palazzetto dei Borgognoni, come Casa-Museo.
Dal 2000, la Fondazione pubblica -Metafisica. Quaderni della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico-, un periodico bilingue (italiano e inglese) che pubblica documenti, inediti e/o scritti poco conosciuti di Giorgio de Chirico, nonche' materiale d'archivio, articoli e saggi critici. Per ulteriori informazioni, http://www.fondazionedechirico.org

Musei Archeologici della Provincia di Salerno
Il primo Museo Provinciale e' quello di Salerno, che nel 1964 approda nel prestigioso complesso conventuale di San Benedetto, restaurato alla fine degli anni Cinquanta da Ezio De Felice.

Negli anni Cinquanta si acquisisce l'area archeologica di Fratte di Salerno; nascono il Museo Archeologico della Lucania Occidentale nella Certosa di Padula (1957) e il Museo Archeologico dell'Agro Nocerino nel Convento di S. Antonio a Nocera Inferiore (1964); si acquista il Castello medievale di Salerno (1960); nel parco della donata Villa Guariglia a Raito di Vietri sul Mare (siamo nel 1972) la Torretta Belvedere ospiterà il Museo della Ceramica dal 1981. Nel 1990, con l'annessione al Castello della Bastiglia, la Provincia e' proprietaria della intera fortificazione sulla collina Bonadies. Nel 2004 nasce il Museo Archeologico dell'Alta Valle del Sele nel Castello di Oliveto Citra, quale sezione distaccata del Museo di Salerno. Nel marzo del 2001 decolla la Pinacoteca Provinciale nello storico Palazzo Pinto a Salerno (ancora una proprietà provinciale) dove sono stati esposti circa 150 dipinti, in parte raccolti fin dagli anni Venti.

Nel 2009 nella restaurata Villa De Ruggiero di Nocera Superore viene realizzata la -Raccolta delle Arti Applicate- del territorio Salernitano. Il Museo di Salerno resterà sempre l'Istituto topografico centrale della provincia, espressione di V. Panebianco, direttore dei Musei Provinciali del Salernitano per circa quarant'anni, scaturita dalla considerazione del ruolo svolto dal Museo fin dalla sua istituzione, quale principale motore di attività.

I reperti esposti in Mostra consistono in vasi a figure nere con scene di battaglia, elementi di decorazione architettonica, come antifisse, gronde, teste fittili soprattutto femminili, gruppi scultorei (figure panneggiate), appendici di lucerne, elmi e cuspidi di lancia.

Immagine: Edipo e la Sfinge, 1968, olio su tela, Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, Roma

Catalogo: Silvana editoriale

Produzione e organizzazione:
Alef - cultural project management
http://www.alefcultural.com
info@alefcultural.com

Prevendita: on-line http://www.vivaticket.it
call center vivaticket a pagamento: 899 666 805
dal lunedi' al venerdi' 8.00 - 20.00 | sabato 8.00 - 15.00

Informazioni e prenotazioni:
segreteria@scuderiepavia.com
Infoline: +39 02 45496873; 0382 538932
dal lunedi' al venerdi': 10.00 - 13.00; 15.00 - 18.00

Speciale visita guidata gratuita per gli insegnanti: giovedi' 11 e 25 marzo 2010 - ore 16.00 (su prenotazione)

Ufficio stampa:
CLP Relazioni Pubbliche
Tel: + 39 02 433403 - + 39 02 36571438
Fax: + 39 02 4813841
ufficiostampa@clponline.it

Preview riservata alla stampa venerdi' 5 marzo 2010, ore 11.30

Scuderie del Castello Visconteo
Viale XI Febbraio, 35 - Pavia
Orari: lunedi' - venerdi': 10-13, 15-18
martedi': 10-13, 15-20
sabato, domenica e festivi: 10-13, 14-19
Biglietti intero - 8, ridotto convenzionati - 7
ridotto - 6, ridotto speciale scuole - 5
Iniziative speciali: Ogni lunedi': ingresso ridotto per tutti i visitatori
Ogni martedi': orario prolungato per l'iniziativa -mostra+aperitivo- (visitando la mostra il martedi' tra le 18.00 e le 20.00, si riceverà un coupon valido per consumare un aperitivo a prezzo ridotto presso i locali convenzionati della città.
Per tutti i visitatori: il biglietto della mostra dà diritto all'ingresso gratuito alla sezione archeologica dei Musei civici.

Santa Napoli

Collettiva di giovani artisti allievi dell'Accademia

Venerdi' 5 marzo, presso la Galleria del Giardino dell'Accademia di Belle Arti di Napoli (Via Costantinopoli 107), il direttore Giovanna Cassese inaugura -Santa Napoli-, una collettiva di giovani artisti allievi dell'Accademia a cura di Marco Di Capua e Valerio Rivosecchi che - con il contributo dei corsi di Pittura (Gaetano Sgambati), Decorazione (Guglielmo Longobardo), Scenografia (Tonino Di Ronza), Progettazione grafica per l'editoria (Enrica D'Aguanno) - hanno provato a trasformare la Galleria del Giardino in una sorta di Cappella Multireligiosa molto meticcia, anzi: assolutamente bastarda.

-Santa Napoli- - scrivono i curatori Di Capua e Rivosecchi - e' una mostra dedicata a tutto cio' che a Napoli mostra i segni, le immagini, le tracce nascoste della religiosità. Cio' considerando, soprattutto, come si viva in tempi di pluralità delle fedi, tra contaminazione e conflitto, assimilazione e fanatismo, e quanto una città come Napoli, che al caos ha da sempre tributato il suo piu' autentico culto, raccolga nelle sue strade il fluire di questa religiosità plurale, di questa religione allargata che conta sulla capacità, e ormai anche sul dovere, di pensare per stratificazioni, intrecci, mescolanze, coabitazioni etc.

Dai culti misterici piu' remoti, dalle superstizioni antiche e contemporanee ai trionfi del cattolicesimo, fino alla contemporanea presenza di vicini ed estremi orienti (Islam, Induismo, Buddhismo etc.) che qua e là mostrano la visibilità della loro devozione, Napoli offre agli occhi degli artisti una specie di cantiere apertissimo, un vasto giacimento di forme, icone, temi, volti, gesti, riti, racconti, o anche il pretesto per inventarne di nuovi.

Opere di: Paolo Aiello, Martina Benedetti, Loreta Cardillo, Maria Di Sena, Renato Esposito, Fausto Fiato, Flavio Gemma, Vincenzo Sannino, Raffaele Veneruso, Andreas Zampella

-La Domenica in Accademia-

Al via domenica 28 febbraio, dalle ore 10 alle ore 13.30 -La Domenica in Accademia-, il ciclo di aperture domenicali della Galleria e della Gipsoteca dell'Accademia di Belle Arti che, ogni ultimo domenica del mese (sino a giugno prossimo, con apertura straordinaria tutte le domeniche in occasione del Maggio dei Monumenti), sarà aperta al pubblico - sempre con ingresso gratuito - per valorizzare al meglio il patrimonio della Pinacoteca e della Gipsoteca dell'Istituto.

Un'iniziativa pensata per far conoscere meglio ai napoletani e ai forestieri l'architettura dell'antico convento sede dell'Accademia di Belle Arti di Napoli fondata nel 1752 da Carlo di Borbone e le sue preziose collezioni artistiche. Per l'occasione, ogni domenica sarà caratterizzata da un denso programma di iniziative tematiche (come  laboratori didattici per adulti o bambini, approfondimenti, letture di testi letterari o  performance) che vede coinvolti gli stessi studenti dell'Accademia.

Anteprima stampa e incontro con gli studenti: venerdi' 5 marzo ore 10.30
Inaugurazione: venerdi' 5 marzo ore 12

Galleria del Giardino - Accademia di Belle Arti
via Costantinopoli, 107/A, Napoli
Orari dal Lunedi' al Venerdi', 10-13. Sabato ore 10-13
Ingresso libero

I Fiori del Male

Due Mostre

TTozoi. Muffe su tela. L'arte informale come creazione naturale / Enza Monetti. Fake.

Con -TTozoi' la muffa diventa arte. Si chiama -Muffe su Tela' ed e' l'inedito progetto del duo avellinese formato da Pino Rossi e Stefano Forgione, in arte -TTozoi', in mostra a Napoli nelle due sale espositive del Castel dell'Ovo dal 5 al 20 marzo 2010, (vernissage il 5 marzo a partire dalle 17,00); un catalogo con testo bilingue raccoglierà oltre 50 immagini delle opere esposte, con testo critico a cura di Luca Beatrice, già curatore della Biennale di Venezia 2009.

L'originale ricerca di -TTozoi', che realizza le proprie opere attraverso la proliferazione naturale di muffe, consiste nell'agire preventivamente sulla tela vergine non il colore ma lasciando che una muffa spontanea divenga evento artistico.

-Le spore,- spiegano gli artisti - prive di qualsiasi memoria formale e tecnica, non determinano piu' un'esecuzione, ma un atto che si esaurisce con la creazione naturale-. La mostra reinterpreta quindi la magia creativa non piu' come gesto pittorico ma come -non gesto': dimensione lirica di cio' che TTozoi definisce 'informale naturalmente assoluto'.

L'evento e' organizzato con il patrocinio della Regione Campania, della Provincia di Napoli, del Comune di Napoli, dell'assessorato alla cultura del Comune di Napoli, dell'assessorato alla Politiche Giovanili della Provincia di Avellino, della Camera di Commercio di Avellino, della Fondazione l'Annunziata, dell'Ordine dei Giornalisti della Campania, dell'Ordine degli Architetti di Avellino. Il progetto e' in collaborazione con -Cantine Donnachiara- di Montefalcione (Av), con -Miele e Musica- di Avellino e -Magma Interior Design- di Napoli.

Il progetto e' un'esclusiva Nag, Network Art Gallery
http://www.nagcompany.com

Ufficio Stampa Nag Company
Simona Martino
nagpress@gmail.com

Inaugurazione 5 marzo 2010 a partire dalle 17

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Inaugura, venerdi' 5 marzo alle ore 17.00 nelle sale delle Terrazze di Castel dell'Ovo a Napoli, - Fake- contemporary art exibition della napoletana Enza Monetti.
L'evento espositivo e' promosso dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli con il contributo dell'EPT di Napoli e di svariate aziende che ne hanno consentito la realizzazione.

Enza Monetti, da piu' anni sulla scena artistica, in questa occasione, in un percorso tra memoria e contemporaneità, ricerca indizi per la ricostruzione del vero; -Fake-, cioe' falso, non vuole essere una denuncia di assenza di verità, ma un pensiero, una riflessione che dal personale diventa collettivo estendendosi dal territorio dei codici convenzionali sino ai limiti estremi dove l'interiorità trova riparo. La verità siamo noi? L' artista riflette, comunica, relaziona gli eventi e la loro riconoscibilità, ci trasmette emozioni ed ogni lavoro presentato e' realizzato per far pensare, dilatando lo spazio convenzionale dell'immaginario creativo e non tralasciando l'intima apertura alla vita.

E cosi', tra installazioni multimediali, fotografie post-reali, pitture e proiezioni digitali, la verità e il falso, aspetti paralleli della vita stessa, diventano elementi insostituibili nella ricerca della Monetti da cui si evince una vita non vissuta ma consumata, il rumore della Rete diventa insostituibile e sorge il dubbio di un marchio -fake- indispensabile alla sopravvivenza. Per cui per Enza Monetti l'unica certezza e' il dubbio e cosi', tra le tante, nasce l'opera WOW...UN UFO !

Immagine: TTozoi

Presentazione ad operatori e giornalisti venerdi' 5 marzo alle ore 16
La Mostra sarà aperta al pubblico da sabato 6 marzo dalle ore 10 alle ore 18

Castel dell'Ovo
Via Partenope (Borgo Marinari), Napoli
Lunedi' - Sabato 10 - 18
Domenica 10 - 14
ingresso libero

Ryan Mendoza

The possessed

a cura di Vincenzo Trione Madre

Il Madre presenta a partire dal 6 marzo prossimo la mostra The possessed di Ryan Mendoza a cura di Vincenzo Trione.
In occasione della mostra al Madre, l'artista americano presenta 13 tele di grandi dimensioni, una galleria di individui, che rivela una rara capacità tecnica e compositiva. Ryan Mendoza - da anni trapiantato a Napoli, dopo lunghi soggiorni a Berlino e a Parigi - recupera tecniche, soluzioni e artifici dai maestri della storia dell'arte. Definisce teatralità complesse. Modella anatomie, dosa colori, calibra luci.

Attinge a un ricco archivio di memorie, per porsi, pero', sempre al di là di ogni facile anacronismo. L' -antica- sapienza pittorica, nei suoi quadri, convive con continui azzardi contemporanei. Mendoza compie stravolgimenti e alterazioni: esibisce sproporzioni prospettiche, rivela dissonanze anatomiche, manifesta distonie tra i personaggi in primo piano e gli sfondi. Siamo dinanzi a -posseduti-: figure all'apparenza normali, eppure contagiate da inquietudini, da turbamenti, da pensieri perversi. La come'die humaine si fa viaggio scandaloso, denso di richiami freudiani.

Inventore di questi racconti visivi estremi, Ryan Mendoza si pone in bilico tra il bisogno di idealizzare e il desiderio di sperimentare, e' considerato pertanto una delle personalità artistiche emergenti del panorama contemporaneo, un autentico -caso- nel panorama dell'arte di questi ultimi anni. Uno scenario dominato con forza sempre maggiore dalla necessità di recuperare la disciplina della pittura in un orizzonte attuale.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo - edito da Electa - che comprende i testi di Vincenzo Trione, Tiziano Scarpa, Milan Kundera e una conversazione tra Maurizio Braucci e Ryan Mendoza.

Informazioni e prenotazioni Telefono: 081 19313016
(lunedi' - domenica: ore 10.00 - 20.00)

Immagine: The bang and the whimper, 2009, olio su tela, 180x168 cm

UFFICIO STAMPA
Madre - Costanza Pellegrini, Juliana Fisichella
tel 081 199 78024 fax: 081 19978026
e-mail : pellegrini@museomadre.it

Electa
Ilaria Maggi tel 02 21563250 fax 02 21563314 e-mail: imaggi@mondadori.it
Carolina Perreca: tel 081 4297435 fax 081 4297433 e-mail: comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Inaugurazione 6 marzo 2010, ore 18

Museo Madre
Via Settembrini, 79 Napoli
Orario dal lunedi' al venerdi' ore 10-21
sabato e domenica ore 10-24
Giorno di chiusura: martedi'
Biglietti Intero: euro 7, Ridotto: euro 3.50
Gratuito tutti i lunedi'
Audioguide euro 4.00
La mostra rientra nel circuito CampaniaArtecard www.campaniartecard.it

TREGIMET E YLBERIT

Fani Zguro

Galeria Promenade

Inagurimi 11 Mars 2010 ora 18.00

Prej 12 deri më 31 Mars 2010

Galeria Promenade është e lumtur të prezantojë ekspozitën personale të artistit shqiptar Fani Zguro. Ekspozita me titull “Tregimet e Ylberit” konsiston në prezantimin e dy serive me piktura. Seria e parë është një grup prej pesë pikturash në telajo dhe akrelik, ku artisti luan me historinë e artit dhe rizgjimin e të kaluarës. Abstraksioni ekspresionist dhe piktura gjeometrike janë aplikuar në një projekt të vetëm. Njëkohësisht elementi i ngjyrës është pjesë determinuese e ciklit. Kjo për të ironizuar edhe njërën prej pikave të manifestit të John Baldessarit - piktura që ka më shumë ngjyra ka më shumë mundësi tregu! Kjo seri ka për qëllim të reflektojë rreth faktit se si lëvizjet artistike rikthehen në kohë, shpesh identike dhe të paricikluara. Kurse seria e dytë konsiston në disa akuarele, të cilat i japin titullin ekspozitës. Seria “Po ti bashkosh të gjitha katroret formohet ylberi” është një projekt specifik i realizuar enkas për ekspozitën personale në Galerinë Promenade.

Fani Zguro ka lindur më 1977 në Tiranë. Ai jeton dhe punon në Berlin. Punët e tij janë prezantuar gjithashtu edhe në Bienalen e Tiranës, në Bienalen e Artistëve të Rinj në Bukuresht, në Hauser der Kulturen der Welt në Berlin, në Museo de Arte Moderna në Medellin, në Reina Sofia në Madrid, është fituesi i çmimit të parë Onufri 07 etj.

The Promenade Gallery

Bulevardi Skele Uji i Ftohte
AL 9401, Vlore ALBANIA

00355 69 29 12 759
0039 347 72 86 203

All general enquiries should be sent to
info@thepromenadegallery.org

Maurizio Vitiello incontra Stefano Arcella,

autore del libro “I Misteri del Sole”,

con Lucio De Liguori e Franco Lista

all’Associazione Nazionale Sociologi

Calata San Marco, 4 - Napoli

Giovedì 11 Marzo 2010, ore 18.

Giovedì 11 Marzo 2010, alle ore 18, alla sede dell’Associazione Nazionale Sociologi (ANS), Calata San Marco, 4 – Napoli, sarà moderato e curato da Maurizio Vitiello l’incontro con Stefano Arcella, autore del libro “I Misteri del Sole”.

Relatori: Lucio De Liguori e Franco Lista.

Scheda sul libro:

S. Arcella, I Misteri del Sole. Il culto di Mithra nell'Italia antica, Controcorrente, Napoli, 2002.

I Misteri del Sole tratta del culto di Mithra - dio di origine indo-iranica - in età imperiale romana, fra il I e il IV secolo d.C. Oltre al profilo storico sui tempi, modi e canali di diffusione del culto in tutto l'Impero, il libro tratta, soprattutto, l'aspetto misterico, l'esperienza di realizzazione interiore  che i seguaci del culto vivevano attraverso i 7 gradi di iniziazione. La tauromachìa, i culti del Sole e della Luna, l'aspetto astrologico, sono i temi che completano lo studio del nucleo centrale di questa religione.

Liu Ren - Lu Yuwei

Artisti, gallerie, musei, collezionisti

La mostra -Il circuito dell'arte. Artisti, gallerie, musei, collezionisti- presenta opere d'arte provenienti da collezioni private significative.
Un'occasione unica per ammirare opere d'arte inedite grazie alla collaborazione tra le Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea e i loro collezionisti, le Istituzioni pubbliche, il Comune di Roma, il Sindaco Giovanni Alemanno, l'Assessore alle Politiche Culturali e della Comunicazione Umberto Croppi, il Sovraintendente ai Beni Culturali Umberto Broccoli.

Le opere proposte mettono a confronto alcuni tra gli artisti piu' amati a Roma e non solo: Gianni Asdrubali, Pasquale Basile, Matteo Basile', Mel Bochner, Giuseppe Capogrossi, Lucilla Catania, Mario Ceroli, Marco Colletti, Massimo Giannoni, Carlo Guarienti, Hans Hartung, Jannis Kounellis, Jesús Mari Lazkano, Emilio Leofreddi, Li Lei, MarcoB, Umberto Mastroianni, Mario Merz, Alberto Mingotti, Sante Monachesi, Adriano Nardi, Gianfranco Notargiacomo, Luca Padroni, Michelangelo Pistoletto, Antonio Riello, Piero Sadun, Giancarlo Savino, Angelo Tozzi, Francesca Tulli, Giuseppe Uncini, Claudio Verna, Zhan Wei Guang (Mirror).

Le Gallerie: C.A.O.S. - Contemporary Art, Galleria Augusto Consorti, De Crescenzo & Viesti, Galleria del Cortile, Galleria Edieuropa Qui Arte Contemporanea, Emmeotto, Erica Fiorentini Arte Contemporanea, Il Gabbiano, Il Polittico, La Nuvola, Maniero Associazione Culturale, Galleria Marino, Galleria Marchetti, Lydia Palumbo Scalzi, Emanuela Oddi Baglioni, Oredaria Arti Contemporanee, Galleria Fabrizio Russo rendono possibile svelare e raccontare le sensazioni e le emozioni che si celano dietro ogni acquisto artistico.

Con la mostra -Il circuito dell'arte. Artisti, gallerie, musei, collezionisti- la sperimentazione e la ricerca costituiscono il riconoscimento dell'Arte e il suo confluire all'interno di una collezione privata.

Inaugurazione Domenica 7 marzo, alle ore 12.00

Museo Pietro Canonica c/o Villa Borghese
Viale Pietro Canonica, 2 (Piazza di Siena) - Roma
Martedi-domenica 9-19; festivita' 9-13.30
Biglietto intero 3 euro, riduzioni 1.50

Una mostra a tema

Come molte volte in passato, la Galleria Milano torna quest'anno ad allestire una mostra a tema. Alcuni infatti ricorderanno "Tutto Libri" a cura di Lea Vergine, "La Geografia degli artisti" a cura di Francesco Tedeschi, "Il Viaggio", "Opera, ricerca e documento" e molte altre con Vincenzo Ferrari. Con quest'ultimo e' stata progettata anche questa esposizione.

In un inverno lungo, freddo, grigio e uggioso in tutti sensi, in un periodo in cui la crisi stenta a risolversi, il pensiero di ogni mattina e': "Verrà la primavera?"

Cosi' abbiamo raccolto opere ad olio, sculture, installazioni, disegni, grafiche, fotografie, libri e oggetti di artisti di vari periodi e correnti. Tutti i lavori hanno a che fare con la natura e la primavera.
Oltre alle opere ci saranno anche libri che parlano di fiori e di giardini, cartoline illustrate e oggetti di poco valore, semi, e pagine di erbario. Le opere esposte sono di circa sessanta artisti. Sarebbe troppo lungo elencarli tutti,o ingiusto citare solo i piu' famosi. Una sorpresa dunque per chi verrà a visitare la mostra, come sarà una bella sorpresa - speriamo - l'arrivo della primavera.

Alla realizzazione di questa mostra hanno collaborato con generosità molti artisti, i collezionisti: Nino Benatti, Giovanni Bertonati, Mario Colonna, Giovanna Emmer, Federico Ferrari, gli eredi Gianni Manzo, Elena Quarestani, Paolo Tea, Sergio Tomasinelli, gli archivi Alik Cavaliere, Aldo Mondino, Davide Mosconi e molte gallerie italiane: Galleria Giampiero Biasutti, Galleria Cardi, Galleria Carlina, Galleria Lia Rumma, Giorgio Marconi, Galleria Martano, Galleria Pack, Galleria Peccolo, Galleria Bruna Soletti, Le Case d'Arte, Nowhere Gallery, Studio Raffaelli, Studio Guenzani, Unimedia Modern, Galleria Plura e Bello. A tutti il nostro ringraziamento.

Immagine: Aldo Mondino

Inaugurazione: martedi' 9 marzo 2010 ore 18.30

Galleria Milano
via Manin 13 - via Turati 14 - 20121 Milano
Orari della Galleria: da martedi' a sabato dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00

Flussi Immobili

La galleria Valentina Moncada inaugura il 10 marzo 2010 la mostra personale dell'artista Francesca Leone dal titolo Flussi Immobili. Dopo la personale Primo Piano tenutasi a Palazzo Venezia nel 2008, seguita nel 2009 dall'esposizione al Castel dell'Ovo a Napoli e presso il MMOMA (Museum of Modern Art di Mosca), Francesca Leone approda alla Galleria Valentina Moncada con una nuova ricerca pittorica documentata da una rassegna 8 dipinti.

Grande interprete della rinata corrente figurativa, Francesca apprende dal padre Sergio Leone il senso per l'immagine e, dopo aver collaborato come giovane assistente alla realizzazione di alcuni dei grandi capolavori della cinematografia, frequenta dapprima un corso di scenografia presso l'Accademia di Bella Arti di Roma e dopo aver deciso di dedicarsi interamente alla pittura, completa i suoi studi con il quadriennio di pittura conseguito alla Libera Accademia di Belle Arti della Rome University of Fine Arts. Nella sua attività espositiva si annoverano la mostra curata dal prof. Claudio Strinati ai Musei Capitolini nel 2007 e la personale al loggiato di San Bartolomeo di Palermo nell'aprile 2008.

Per questa occasione Francesca Leone presenta Flussi Immobili. Il titolo ha una doppia valenza: da una parte il flusso dell'acqua crea un passaggio, un movimento; dall'altra si assiste all'esplosione dell'io colta in un istante per essere resa eterna. il linguaggio di Francesca Leone porta avanti la sua ricerca sul ritratto e si esprime in una sacralità che diventa universale e abbraccia l'uomo comune.

Tutti questi volti, che affiorano dietro una pioggia di acqua e nello stesso tempo ne vengono soffocati, sono portati alla realizzazione di se stessi tramite una vera e propria purificazione che cancella l'apparenza e abilita ad un incontro con quel carattere piu' introspettivo e inconscio, spesso celato da inibizioni e schemi sociali. L'occhio fotografico di Francesca Leone prevale ancora una volta e si sviluppa ulteriormente grazie al suo estro pittorico generando una sintesi acuta e profonda già nota ma altrettanto innovativa.

Immagine: Flussi Immobili 3, 2009 olio su tela (Foto: F. Capalbo)

Contatti in galleria e ufficio stampa:
Maria Chiara Salmeri T +39 06 3207956 infogalleria@valentinamoncada.com

Opening mercoledi' 10 marzo 2010 ore 19

Galleria Valentina Moncada
via margutta, 54 Roma
lunedi' - sabato ore 10-19
ingresso libero

Viaggio ai margini della citta'

a cura di Saverio Ammendola

Attraverso una pittura surreale dove la realtà immaginata appare immobile e sospesa, l'artista Fabio Testa racconta il -Viaggio ai margini della città-, titolo esplicativo della mostra che si inaugura il 10 marzo alle ore 18,00 a La Maditerranea Arte, in via Carlo de Cesare 60 a Napoli. I dipinti in mostra sono scorci quotidiani realizzati olio su tela, che analizzano la realtà da differenti punti di osservazione, fino a rivelare la tangibile esperienza dello spazio e il comune modo di appartenergli. Cosi le opere raccontano con segni e colori, come e' possibile vivere in modo etereo e senza soluzione una continuità e contiguità spazio-temporale, legata al passato, e al futuro, sebbene i diversi momenti siano vicini quanto lontani.

Gli ambienti urbani colorati catturano l'attenzione del visitatore spesso troppo distratto, per soffermarsi sul dettaglio. Nei lavori si rendono visibili fenomeni oggettivi che in condizioni normali sfuggono alla percezione. L'uomo e' il vero protagonista delle opere, celato dietro cio' che quotidianamente lo circonda. Lo spazio raffigurato comunica solitudine con le strade e le periferie industriali ridotte all'essenziale. La contemporaneità ci permette di vedere in controluce il destino oscuro della città. Con la pittura il giovane artista napoletano mette a confronto l'architettura di alcune periferie di città per approfondire la sua ricerca sulla natura e lo sviluppo dell'identità. Una vera e propria indagine sulle metropoli che si assomigliano un po' ovunque, e dove paesaggi urbani si riconoscono nel destino delle proprie sedimentazioni, divenute nel tempo accumuli e stratificazioni.

Luoghi simili dove il passato e il presente, ma anche il futuro sembrano coincidere, ma dove infondo le stesse storie cambiano continuamente, non sono mai uguali, piuttosto il risultato del fluire della vita. -L'immagine di una città- racconta Testa- e' intrappolata da due forze, tra la figura inevitabile dell'identità e la solida realtà di un volume che e' metafora tangibile dell'avanzare minaccioso e compatto di un universo ostile come immagine definita che divora la nostra stessa presenza-. L'artista si sofferma su strutture di utilità sociale, con particolare attenzione alle tecniche costruttive tradizionali e alla tematica della sostenibilità ambientale. Ecco dunque, che con la sottrazione dei segni, intende mettere in discussione sia l'illusione del volume, eliminando il superfluo visivo, sia la materializzazione della stessa identità, che sottopone minacciosa l'individuo, come un vero e proprio sedimento della demarcazione psichica e sensibile, opprimendo lo spazio vitale.

Immagine: Sentimenti crontrastanti, olio su tela, cm 120 x 130

Inaugurazione: mercoledi' 10 marzo 2010, ore 18

La Mediterranea Arte
Via Carlo de Cesare 60, Napoli
Lun-Ven 11-13,30 e 17-19,30, Sabato 11-13,30
ingresso libero

Giuliano Montieri

Betty Bee

Metal fence

a cura di Anna Saba Didonato

Si inaugura giovedi' 11 marzo 2010 alle ore 20.30, nello storico Palazzo Barone Ferrara sede della Banca Meridiana di Bari, la mostra METAL FENCE a cura di Anna Saba Didonato, dedicata a Betty Bee, poliedrica artista napoletana di statura internazionale, che vanta numerose partecipazioni in importanti sedi italiane ed estere, dal PAN di Napoli all'Istituto Italiano di Cultura a New York, dal MAXXI di Roma alla Biennale di Venezia.

La mostra Metal Fence offre una -lettura diacronica della storia artistica ed esistenziale di Betty Bee, assumendo come paradigma analitico quella rete metallica che nel corso del tempo e' stata oggetto di una progressiva e silenziosa azione di risemantizzazione da parte dell'artista- (Anna Saba Didonato). Il significato della Rete Metallica viene isolato e declinato in cinque concetti diversi, quale limite alla crescita personale, rifugio e protezione della propria vita e di quella altrui, rete protettiva contro le contraddizioni del mercato dell'arte, riflessione su tematiche di piu' ampio respiro, come l'ecologia.

Nello spazio espositivo del Palazzo Barone Ferrara - edificio ottocentesco che l'istituto bancario ha scelto di aprire alla città dopo un lungo restauro, dotandolo di un auditorium completo delle piu' moderne tecnologie audiovisive - si alternano opere differenti per tecniche e periodi biografici, tra cui opere del recente progetto -Effetto Serra-, esito della riflessione dell'artista sul riscaldamento globale del pianeta; il video -Il giorno della Creazione-, intervista rilasciata dall'artista ad Achille Bonito Oliva per RAI CULT, e il -Mappa Cubo- che, ripercorrendo le vicende biografiche di Betty Bee, narra con tratto fumettistico episodi salienti della vita dell'artista, palesandone sofferenze e miserie senza alcuna remora.

METAL FENCE evidenzia come il percorso artistico di Betty Bee sia segnato da un progressivo processo di emancipazione dalla sussistenza materiale e morale, in cui l'aggressività e la voglia di scandalizzare degli esordi lasciano il posto a una riflessione meno ripiegata su se stessa, piu' pacata e attenta ai temi di interesse sociale.

Nata a Napoli nel 1963, fin dagli esordi nei primi anni -90, fa emerge chiaramente la peculiarità della sua cifra stilistica: un'osmosi perfetta tra arte e vita, in cui l'opera coincide con l'esistenza e viceversa, senza soluzione di continuità. Le opere di Betty Bee sono narrazione plastica del suo vissuto, segnato dalla precoce morte della madre, da un'adolescenza difficile, dalle violenze subite entro le mura domestiche, dall'ammirazione per il mondo dei transessuali. Un'esistenza difficile, da cui l'artista si difende convogliando la sua energia in un trasformismo irruente e nell'impulso alla provocazione e allo scandalo, sperimentando una pluralità di forme espressive, dalla perfomance alla pittura, dalla scultura al video, dalla fotografia all'arte orafa.

Segreteria organizzativa Gabriella Ruta + 39 389 0216386 arte@primemultiservice.com

Organizzazione e produzione
Prime Multiservice info@primemultiservice.com

Catalogo prodotto da Eclettica_ Cultura dell'Arte Edito da Rotas, Barletta
Conversazione con l'artista a cura di Giusy Caroppo
Testo critico di Anna Saba Didonato

Inaugurazione giovedi' 11 marzo 2010 alle ore 20.30

Palazzo Barone Ferrara
Corso Vittorio Emanuele II, 112 - Bari
Giorni: dal lunedi' al venerdi'. Chiuso il sabato e la domenica
Orari: 9.00-13.00/14.00-17.00

Arte in Puglia dal Medioevo al Settecento

Il Medioevo

a cura di Francesco Abbate

La mostra -Arte in Puglia dal Medioevo al Settecento. Il Medioevo-, a cura di Francesco Abbate, apre giovedi' 11 marzo le sedi decentrate di Lecce e Bari. In occasione dell'apertura il curatore condurrà le visite guidate in alcune delle sedi decentrate: a Lecce, nel Museo provinciale -S. Castromediano- (viale Gallipoli, 28), alle 12.00; a Bari, nella Pinacoteca Provinciale -C. Giaquinto- (via Spalato, 19) alle 16.30 e nel Museo Nicolaiano (Strada Vanese) alle 17.30.

A Lecce sarà visitabile sezione manoscritti, con codici notati, messali e documenti provenienti dall'Archivio di Stato di Bari, dalla Biblioteca Nazionale di Bari, dagli Archivi delle diocesi di Foggia-Bovino, Trani-Barletta-Bisceglie e Nardo', rappresentativi della produzione manoscritta in Puglia dall'XI secolo fino al 1414.

In particolare, dell'Archivio di Stato sono presenti in mostra fogli di codici medioevali (in scrittura beneventana -Bari type-, in carolina), e documenti cancellereschi di epoca angioina, tra cui uno proveniente dall'Archivio privato dei Caracciolo Carafa di Santeramo. Sono inoltre presenti le riproduzioni fotografiche degli Exultet, sono esposti nella loro sede originaria, il Museo diocesano di Bari. Il catalogo, con le fotografie di Beppe Gernone, e' edito da De Luca-Editori d'Arte (Roma).

IL PROGETTO DELLA MOSTRA

Il progetto della mostra -Arte in Puglia dal Medioevo al Settecento- prevede la fase -IL MEDIOEVO- ospitata nella sua sezione principale nel museo civico di Foggia (18 febbraio - 30 aprile 2010) e cinque sezioni decentrate (11 marzo- 30 aprile 2010): nella basilica nicolaiana e nel museo diocesano di Bari, nelle pinacoteche provinciali di Bari e di Lecce e nella Sezione Ebraica di Trani.

Della mostra si e' svolta, dal 16 dicembre 2008 al 16 gennaio 2009, l'Anteprima, ospitata nell'Archivio di Stato di Bari. Alla fase medievale seguiranno, nel tempo, quelle che vedranno come protagonisti i secoli che vanno dal Quattrocento al Settecento. Il percorso della mostra e' articolato nelle varie sezioni storico-artistiche (Gioia Bertelli per l'AltoMedioevo, Pina Belli D'Elia per il Romanico, Marina Falla per la cultura figurativa di impronta bizantina, Maria Stella Calo' per le età federiciana e angioina), Fabrizio Vona per le officine fusorie e le porte di bronzo.

Un altro elemento distingue la mostra, nell'ottica di una rinnovata indagine sul -territorio- artistico regionale: l'apertura verso nuovi orizzonti culturali con la Sezione Ebraica, realizzata con il sostegno dell'Unione delle Comunità Ebraiche Italiane - UCEI, della Comunità Ebraica di Napoli e della Sezione Ebraica di Trani. La cultura ebraica rappresento' un elemento di grande vitalità nel panorama pugliese fino al secolo XVI, epoca in cui sciagurate decisioni discriminatorie provocarono la dispersione della popolazione ebraica, composta da mercanti, artigiani ed anche da intellettuali ed esponenti delle professioni -liberali- (medici specialmente), non di rado di assoluto prestigio; un prestigio che valicava ampiamente i confini stessi della regione, come evidenziano efficacemente in questo stesso catalogo i saggi di Giacomo Saban, che ha la supervisione scientifica della Sezione Ebraica della Mostra, e di Cesare Colafemmina, curatore dell'allestimento della Sezione Ebraica nella Sinagoga Scola Grande di Trani, sede decentrata della Mostra, insieme alla Sinagoga Scola Nova, riaperta al culto ebraico nel 2004.

Completano il percorso la Sezione dei libri manoscritti e dei documenti, affidata a Pasquale Cordasco, e la Sezione musicologica, coordinata da Mariapina Mascolo. I rotoli degli Exultet sono in questa occasione analizzati non dal punto di vista storico- artistico, ma da quello musicale, mentre due rassegne di documenti di codici notati, libri manoscritti e documenti, sono allestite nel museo provinciale -Sigismondo Castromediano- di Lecce, nella basilica di San Nicola e nei musei diocesani di Bari e Trani. Il catalogo, stampato dall'editore De Luca di Roma, presenta una ricca rassegna di immagini in gran parte pubblicate a colori, realizzate in occasione della mostra durante la splendida campagna fotografica di Beppe Gernone (Laboratorio fotografico Soprintendenza BSAE della Puglia).

COMITATO SCIENTIFICO - IL MEDIOEVO
Francesco Abbate, Pina Belli D'Elia, Gioia Bertelli, Maria Stella Calo' Mariani, Antonio Cassiano, Cesare Colafemmina, Pasquale Cordasco, Michele D'Elia, Marina Falla Castelfranchi, Gloria Fazia, Clara Gelao, Lucio Galante, Francesco Magistrale, Mariapina Mascolo, Maria Carolina Nardella, Regina Poso, Giacomo Saban, Amedeo Spagnoletto, Fabrizio Vona

Info stampa: Mariapina Mascolo
333.5859893 mariapinamas@libero.it

Inaugurazione 11 marzo 2010

Bari, Basilica di San Nicola
strada vanese
mattine: tutti i giorni hh. 10.30 - 13.00
pomeriggi: dai lunedi' ai giovedi' hh. 15.00 - 18.00
sabati e domeniche: hh. 15.00 - 19.00
info: 080.5231429

Bari, Museo diocesano
largo San Sabino, 7
mattine: tutti i giorni hh. 10.30 - 13.00
pomeriggi: dai lunedi' ai giovedi' hh. 15.00 - 18.00
sabati e domeniche: hh. 15.00 - 19.00
info: 080.5231429

Bari, Pinacoteca Provinciale
via Spalato, 19
orario continuato: dai martedi' ai sabati
hh. 9.30 - 19.00
mattine: domeniche hh. 9.30 - 13.00
chiusura: lunedi'
info: 080.5412421-2-3-4-5-6-7

Trani, Sezione Ebraica
Sinagoga Scola Grande
via La Giudea
mattine: dai martedi' ai venerdi'
hh. 9.30 - 12.30
sabati hh. 10.00 - 12.00
chiusura: lunedi'
info: 0883.021345

Lecce, Museo Provinciale - Sezione manoscritti
viale Gallipoli, 28
mattine: tutti i giorni hh. 9.00 - 13.00
pomeriggi: dai lunedi' ai sabati hh. 14.30 - 19.30
info: 0832.683503

In Bianco

Prima tappa del piu' ampio progetto Variazioni Cromatiche

a curta di Marco Alfano - Alfonso Amendola

Giovedi' 11 marzo 2010, alle ore 19,30, presso la chiesa di Sant'Apollonia, in Via San Benedetto, a Salerno, sarà inaugurata la rassegna In Bianco - Variazioni cromatiche, curata da Marco Alfano e Alfonso Amendola, ideata e organizzata dall'associazione artàpart. L'evento, fortemente voluto dall'Assessore al Turismo del Comune di Salerno Enzo Maraio, propone, in occasione del vernissage, in linea con l'idea del gioco, dell'attraversamento e del rizoma che spinge e sostiene l'associazione promotrice, un -menu' bianco- a cura di "Acquapazza" di Cetara e "Casadelnonno13- di Mercato San Severino.

-In bianco-, prima tappa del piu' ampio progetto Variazioni Cromatiche, e' in collaborazione con galleriastudiolegale di Caserta, la Bottega San Lazzaro e Apollonia Ateliers, consulenza scientifica di Marco Alfano e Alfonso Amendola, patrocinato dall'Assessorato al Turismo e ai Beni Culturali del Comune di Salerno e promosso dal Corso di Laurea in Scienze della Comunicazione dell'Università degli Studi di Salerno.

Silenzio, va in scena il bianco! Bianco dipinto, disegnato, graficizzato, audiovisivo, sonorizzato. Un vero e proprio viaggio nel colore attraverso i segni del contemporaneo (tra pittura, grafica, video-art, design, sperimentazione elettronica, teatro e poesia), con oltre 25 artisti provenienti da tutta Italia che testimoniano una ricerca linguistica coerente sull'idea monocroma del bianco, quasi continuatori di quello slancio e di quei fremiti che agitarono le prime avanguardie del XX secolo.

La mostra come in un gioco di quinte teatrali diventa essa stessa cornice di altri eventi sul tema del bianco, tra cui segnaliamo il finissage del 21 marzo, dove il bianco si mescola ancora e si trasforma in musica elettronica e poesia. La mostra propone opere degli artisti e designer: Giovanni Alfano, Nunzio Battaglia, Daniela Bozzetto, Giovanni Cavaliere, Adriana Del Vento, Pino Falcone, Paolo Gonzato, Lucia Lamberti, Giuseppe Martino, Mimmo Martorelli, Pier Paolo Patti, Eliana Petrizzi, Francesca Pizzo, Giuseppe Restano, Amedeo Sanzone, Girolamo Santulli, Tomoko Sugahara. Mentre tra i musicisti-performer troviamo: Kletus Kaseday, Le Lingue di S.A.D.E., makinef, Playane, framedada.

-In Bianco- e' un invito a -leggere- nelle maglie complesse del colore acromatico per eccellenza, la categoria del bianco come spazio vivido e di continua trasformazione sia negli usi materici e pastosi del pittorico, sia nell'esplorazione digitale della tensione video artistica e sia come -metafora- delle sonorità di un'elettronica che guarda con attenzione a tutte le matrici della contaminazione. -In Bianco- ovvero l'estremo scenario materico e desiderante del nostro -tempo presente-.

Immagine: Mimmo Martorelli

Inaugurazione giovedi' 11 marzo - ore 19,30

Chiesa di Sant'Apollonia
Via San Benedetto, Salerno
orario tutti i giorni, dalle 18.30 alle 21.30.
ingresso libero

Mostra: Memorie, percorsi di viaggio

Luogo: Monza  - MilesiLAB

Indirizzo: Via Sirtori 1

Inaugurazione: venerdì 12 marzo ore 18.00 – 21.00

Periodo: dal 12 al 26 marzo 2010

Orario: da martedì a venerdì dalle 15.00 alle 18.00 su appuntamento

Informazioni: tel. 039/380543 www.giorgiomaggiorelli.it, info@giorgiomaggiorelli.it, milesilab@impresamilesi.com, www.impresamilesi.com

Ufficio stampa: Desiree Di Leo – 3381937417 desiree.dileo@yahoo.it

COMUNICATO STAMPA

Mostra personale di Giorgio Maggiorelli, presso lo spazio multifunzionale MilesiLAB di Monza.

La vera arte è dove nessuno se lo aspetta, dove nessuno ci pensa né pronuncia il suo nome. L'arte è soprattutto visione e la visione, molte volte, non ha nulla in comune con la logica delle idee. (Jean Dubuffet)

L’ artista milanese c’invita in un percorso ispirato ai viaggi che vanno dal 1998 al 2009.

Il viaggio inteso come esperienza, come percorso e ricerca di sensazioni e di atmosfere. L’occasione per nutrire lo spirito di diverse culture, diverse immagini e moltitudini di colori.

Le città e i soggetti non sono documentari di viaggio, ma storie di viaggio, non c'è rappresentazione dell'esotico. La distanza tra artista e spettatore è azzerata, infatti si tratta di una narrazione, condivisione dell'universo emotivo evocato da una serie di soggetti ben presenti nell'immaginario "urbano" di tutti noi.

L’artista ci racconta una storia, la "sua" storia, a partire da cose che altri hanno già visto.

Milano, Amsterdam, Oslo, New York e molti altri luoghi. Elementi urbani mischiati a elementi simbolici del vissuto personale. L’Irlanda in particolare a sottolineare la profonda radice tra cielo e terra e vita e morte.

Uno sguardo a volte anche molto visionario che pone le sue radici nei luoghi visitati e nelle atmosfere dell’anima. La prerogativa del continuo passare da sogno a realtà e viceversa come rielaborazione della vita.

Colori intensi atti a sottolineare i contrasti degli umori umani ma anche la forza  stessa del colore che è vita.

Un procedimento che nasce come pop art e si sviluppa nel suo contrario, in espressionismo.

INCONTRO DI ARTE CONTEMPORANEA

MARTEDI 16 marzo ore 18,00 (fino al 23 c.m.)

Mostra curata e presentata da

Marilena Mercogliano

“Dell’amore,del dono, del gioco delle donne” per il n° 11 della Rivista d’arte Duetto

Espongono le Artiste:

ANNAMARIA BALZANO, MARIA BELLUCCI, RENATA BOCCHETTI, ADRIANA CACCIOPPPLI, ALMA CARRANO, LAURA COCCHIARARO, IONE DE ROSA, MARILENA MERCOGLIANO, FLORIANA NARCISO, MARIA PETRACCONE, GIOVANNA PIROMALLO, LAURA RAFFAELI, RITA RAGNI, ALMA SAURO, ENA VILLANI.

Partecipazione con Proiezioni video foto  Yvonne Carbonaro

Concluderà la serata: ANNAROSA ABAGNALE

con performance canora.

KOESIS   via Luigia Sanfelice   n°2 Napoli  80127

Telef  0813723333

http://puntosunapoli.blogspot.com

L'Eta' della Conquista

Il fascino dell'arte greca a Roma

a cura di Claudio Parisi Presicce - Eugenio La Rocca

Il progetto quinquennale -I Giorni di Roma- si apre con una grande mostra di capolavori dell'arte antica provenienti dai maggiori Musei europei, databili nel periodo successivo alle campagne di conquista in Grecia (dalla fine del III secolo alla seconda metà del I secolo a.C.), uno dei momenti fondamentali per la futura identità culturale e artistica romana, non solo dell'età repubblicana.

L'Età della conquista parte dal momento di formazione dell'Impero romano, quando Roma espande progressivamente il proprio controllo su tutto il bacino del Mediterraneo, dalla Spagna alle coste dell'Asia Minore. In questo periodo si assiste alla formazione di un linguaggio figurativo squisitamente romano, che fa tesoro di tutta la cultura artistica greca, che nel tempo viene recepita, assorbita e modificata. E' questo il periodo in cui l'e'lite al potere avverte, con sempre maggior consapevolezza, il consolidarsi del proprio prestigio e lo esprime attraverso l'arte.

Roma tra il III e il I secolo a.C. diventa l'unica potenza egemone sull'intero bacino del Mediterraneo. A conclusione delle vittoriose campagne militari in Grecia e Magna Grecia, le ingenti quantità di denaro e i ricchi bottini di guerra determinarono un mutamento di gusti che si trasformo' in rivoluzione culturale. Le opere d'arte greche esibite nel corso della processione trionfale dei generali Marcello, Flaminino, Emilio Paolo, Lucio Mummio e Pompeo erano di una qualità mai ammirata prima, talvolta persino in materiali preziosi fino ad allora sconosciuti in città, come perle o pietre preziose.

Al seguito dei condottieri, arrivarono a Roma un gran numero di artigiani greci, architetti, precettori, medici e artisti. Cosi', nonostante la resistenza della fazione conservatrice di Catone, una rapida ellenizzazione muto' per sempre l'Urbe anche attraverso la commistione di modelli greci e romani, come nel caso di uno dei templi di largo Argentina: un edificio circolare, tipicamente greco, costruito tuttavia su un alto podio come consuetudine italica. Un discorso analogo vale per i monumenti onorari: sul basamento delle statue onorarie dei generali romani compaiono iscrizioni in greco, come per la statua bronzea di Flaminio al Circo Massimo. Spesso gli stessi abiti dei personaggi raffigurati sono di fattura greca, come la statua di Scipione Asiageno sul Campidoglio.

Le sezioni
Nella prima sezione della mostra, dal titolo Dei e santuari, si presentano fregi e frontoni in terracotta provenienti da alcuni templi: dal consesso di divinità, come il Frontone di san Gregorio dei Musei Capitolini, alle concitate sequenze di battaglia come la Galatomachia dal fregio di Civitalba, provenienti dal Museo di Ancona. Per la prima volta, all'interno del medesimo percorso espositivo, si potranno confrontare opere di artisti greci eseguite in Grecia accanto a opere di grandi artisti eseguite a Roma, come statue di culto dei templi eretti per le grandi vittorie su commissione dei generali: ad esempio nel caso dell'Ercole di Polykles, dei Musei Capitolini, o della Diana da Nemi, conservata al Museo di Copenhagen. Chiude la sezione una sequenza dedicata alle statue di Muse: splendidi esemplari in terracotta dal British Museum di Londra.

La seconda sezione e' dedicata ai Monumenti onorari, dove veniva dato grande risalto alla figura del generale vincitore, generalmente in abiti militari, corazza, mantello e lungo scettro. Dal II sec. a.C. si diffondono nel mondo italico soluzioni figurative nuove: i corpi sono nudi, in posa autorevole, capaci da soli di esprimere le qualità e il carisma della persona onorata. E' il caso delle statue, splendide, dei due generali da Formia, da Cassino (al Museo di Napoli) o da Foruli (al Museo di Chieti). Oggi soltanto di pochi tra i piu' noti condottieri di età repubblicana (Pompeo, Cesare, Ottaviano), esistono ritratti accertati grazie alle riproduzioni sulle monete. In molti casi, le statue onorarie hanno volti la cui precisa identificazione e' ancora oggetto di discussione, come i diversi ritratti di Emilio Paolo, esposti qui insieme: un esemplare da Tirana affiancato ad uno esposto a Palazzo Massimo a Roma.

La terza sezione, Vivere alla Greca offre un approfondimento sull'affermazione del gusto greco in ogni ambito del vivere, persino nel settore degli arredi domestici come candelieri, tavoli, crateri, vasellame prezioso e statue provenienti dal Museo di Palestrina e dalla casa di Giulio Polibio a Pompei, al Museo di Napoli. Mescolando elementi greci di vari periodi, gli artisti svilupparono in quel periodo un nuovo linguaggio figurativo, grazie al quale crearono pitture e sculture del tutto nuove.

Infine, una quarta sezione e' riservata ai Costumi funerari, in cui i romani appaiono meno influenzati dal fascino ellenico rispetto a tutti gli altri aspetti della vita pubblica e privata. Sembrano rimanere infatti legati alla propria tradizione continuando a mostrarsi ancora orgogliosamente avvinti nelle pieghe delle loro toghe, simbolo stesso della cittadinanza romana, e solo raramente sono rappresentati nei mantelli di tradizione greca o in costume eroico, come nel rilievo funerario dalla via Appia a Roma. E i loro volti, sono rugosi e scavati, sono quelli dei vecchi della Repubblica Romana.

Catalogo Skira

Informazioni
060608 (tutti i giorni dalle 9.00 alle 21.00)

Ufficio Stampa Ze'tema Progetto Cultura
tel 06 820771 e-mail ufficiostampa@zetema.it

http://www.mondomostre.it

Conferenza stampa Giovedi' 11 Marzo 2010 11:00
Roma, Sala Pietro da Cortona, Musei Capitolini, Piazza del Campidoglio

Inaugurazione 12 marzo 2010, ore 18 (su invito)

Palazzo Caffarelli
Piazza del Campidoglio 1, Roma
Dal martedi' alla domenica ore 9.00 - 20.00. Ingresso consentito fino alle 19
Biglietto d'ingresso
intero - 11,00, ridotto - 9,00, ridottissimo - 2,00
gratuito solo per alunni delle scuole elementari e medie, portatori handicap e accompagnatori
Musei Capitolini + Centrale Montemartini
intero - 13,00, ridotto - 11,00
Come da disposizione di delibera comunale n.32 del 26/03/2009 e data la straordinarietà della manifestazione, in occasione della mostra "L'età della conquista" anche le categorie aventi diritto a gratuità (sotto i 18 anni e sopra i 65) dovranno munirsi di un biglietto ridottissimo del costo di - 2,00. La gratuità e' prevista per alunni di scuole elementari e medie, portatore di handicap e suo accompagnatore e possessori della card RomaPass relativamente all'ingresso ai primi 2 siti

Individuarti

diversita' - integrazione - unicita'. Collettiva

Espongono gli artisti: Carlo Bettin, Maria Pia Camporese, Paolo Camporese, Barbara Codogno e Marcello Mauro, Pietro Dente, Fabio Fobia, Claudio Fornas, Flavio Galletti, Simonetta Giacometti, Franco Giraldo, Lorenza Merlin, Renato Nicole', Giovanni Omodeo, Daniela Pedrocco, Flavio Pedrocco, Paolo Perego, Claudio Pizzo, Vanilla Ragana, Floriana Rigo, Mara Ruzza, franco Storti, Sonia Strkul, Grazia Zattarin, Flavio Zerbetto.

Venerdi' 12 marzo 2010 alle ore 19.00 si terrà all' ex Macello di via Cornaro 1, Padova, l'inaugurazione della mostra collettiva dell'Associazione Culturale Paolo Capovilla -Individuarti: diversità, integrazione, unicità-.

La mostra, patrocinata dal Comune di Padova, verrà presentata dallo storico dell'arte Guido Galesso con la presenza dell'Assessore alla Cultura Andrea Colasio e del Sindaco di Padova Flavio Zanonato. La mostra verrà presentata ufficialmente in conferenza stampa presso il Comune di Padova la mattina del giorno 12 marzo; seguiranno indicazioni precise.

Commenta cosi' la mostra lo storico dell'arte Guido Galesso: -Nel nostro presente contemporaneo viviamo l'inedita esperienza del diverso con una frequenza sconosciuta ai nostri padri, che ci sollecita ininterrottamente a ridefinire i nostri corpi e la nostra mente al cospetto di una scienza e una tecnologia in costante divenire, che ci pone accanto a individui che nei corpi, nella lingua e nella cultura, ieri erano lontani e ora sono immediatamente presenti.

Questa condizione contemporanea ha generato comportamenti di rifiuto, di ostilità, ma anche di interesse e apertura. Chi vogliamo essere? Gli artisti hanno dato individuale risposta a questa domanda, si sono confrontati con i molteplici aspetti dischiusi dalla condizione contemporanea, li hanno declinati nella varietà della loro sensibilità individuale. Hanno messo in gioco la loro individualità, la loro cultura, il loro stile, trasfigurando in immagine, prima e oltre ogni concetto, le paure, le ossessioni e i desideri, individuandosi e individuandoci-.

Per maggiori informazioni: Settore Attività Culturali - Servizio Mostre
tel. 049 8204562 http://padovacultura.padovanet.it

Associazione Culturale Paolo Capovilla
associazionecapovilla@hotmail.it

Presidente Associazione Culturale Paolo Capovilla
Roberto Callegari 3356379614

Immagine: Barbara Codogno

Inaugurazione Venerdi' 12 marzo 2010 alle ore 19

ex Macello
via Cornaro 1, Padova
orario: tutti i giorni dalle 17 alle ore 20, sabato e festivi anche ore 10:30 - 13:30
ingresso libero

Walter Picardi

Long Lasting Power

Alla sua terza personale nella città partenopea, Walter Picardi presenta per questa occasione un lavoro a tinte forti, dal carattere irriverente e surreale, strettamente in linea con la poetica artistica dal gusto drammatico e cinico a un tempo che caratterizza tutta la sua opera. Long Lasting Power e' una dissacrante e corrosiva operazione di denuncia dei meccanismi spesso perversi che imperano nel sistema dell'arte e insieme un'analisi della Weltanschauung di alcuni dei suoi piu' influenti e potenti operatori.

Un racconto divertito e divertente, dal retrogusto amaro, che delinea i tratti di un universo a tratti opprimente in cui la voce e il pensiero dei defunti continua a esercitare il proprio potere sul presente. Otto urne funerarie disposte in bella posa negli spazi della galleria, ospitano le ceneri di altrettanti personalità illustri del mondo dell'arte (tutte attualmente in vita): artisti, curatori, galleristi, direttori di musei, e non si puo' certo dire che le loro anime riposino in pace. Ancora si agitano nell'aria le loro convulse energie. Infatti, nell'universo funerario messo in scena dall'artista e' tutto un ribollire, a momenti anche caotico e frenetico, di voci, opinioni, affermazioni, disquisizioni, che mai trovano posa e che continuano anche in morte ad essere in vita.

Long Lasting Power si attesta cosi' come la rappresentazione simbolica di un potere che perdura oltre la sua morte (apparente): il potere di chi detiene le sorti del sistema dell'arte e che insiste anche dopo che i suoi attori sono scomparsi. È il perdurare di modi di vedere e di pensare che inquinano anche l'aria di chi vive e di chi cerca di sopravvivere in tale sistema. Long Lasting Power e', infine, la sublimazione di un dolore, un'immaginaria e favolistica narrazione che vede come protagonista un giovane artista vessato dagli opprimenti ingranaggi del sistema (dell'arte) che decide a un certo punto di uccidere gli attori di quell'angusto teatrino i quali pero', ironia della sorte, continuano a vociare rendendo disperatamente inutile l'ingenua impresa dell'artista.
Concetta Celotto

Inaugurazione 12 marzo 2010

Galleria Akneos
via Nilo, 34 (Palazzo Monte Manso Di Scala) - Napoli
Orario: mart - ven 10.30-13.30 e 16.30-19.30, sab su appuntamento
Ingresso libero