DIVA - Paris 2008 Digital & Video Art Fair   Dates: October 24-27, 2008 Location: Place du Palais Royal, Paris   Deadline for Exhibitors: Sept. 10, 2008 Extended deadline: Sept. 16, 2008   web. www.divafair.com

Frere Independent is now in its final stage of selecting outstanding galleries and their artists for the 4th edition of DiVA Paris. With newly appointed curator Macu Moran, Thierry Alet and the DiVA team intend to produce an exceptional edition of DiVA Paris. A large tent in the middle of Paris with black carpet and black walls and will include a tribute to Wolf Vostell. World leader video curator Berta Sichel a special guest, and Pierre Cornette de Saint Cyr will lead the world first Auction sale for video art. The show will be located in close proximity to other leading exhibitions that will take place in Paris that week, including Fiac, Fiac2, Show Off and Les Elysee de l’Art.   We invite galleries with a strong program in video art, new media and digital photography to contact curator Macu Moran or Director Thierry Alet for more information on DiVA Paris. Macu@divafair.com - Thierry@divafair.com. Deadline September 10 2008.   DiVA will be co-produced by VideoArtWorld. Exhibitors will receive complimentary listing and primary placement during  the show one the website.   DiVA Paris 2008 October 24-27, 2008 Place du Palais royal 75001 - Paris, France   Friday October 24, Opening Reception Saturday October 25, 12pm to 9pm Sunday October 26, 12pm to 9pm Monday October 27, 12pm to 9pm

VENERDI 4 OTTOBRE ORE 19.30

evaluna libreria napoli

PRESENTA

“Jesce Sole!”

opere di Aurora Aspide

4-13 ottobre 2008

Orario: 19.00-24.00; domenica chiuso

“Jesce Sole!” è l‘esortazione alla rinascita ed alla luce che da il titolo alla nuova personale di Aurora  Aspide e che esprime pienamente il desiderio di rivalsa della pittrice dopo un periodo cupo. Questa rinascita inizia dallo stile stesso che da figurativo si tramuta in astratto, sostituendo alle immagini di un mondo reale quelle di un mondo interiore fatto di emozioni, sensazioni e sogni che si  esprimono con tinte forti e sotto forma di linee o tessere di un puzzle. La forza cromatica delle tele è accentuata poi dall’uso dell’olio con una tecnica personale in una sorta di bassorilievo puntiforme che ne mette in risalto la luce. L’energia delle opere è tale da coinvolgere lo spettatore che, anche attraverso la voluta mancanza di titoli ai singoli quadri, guarda il mondo e la vita con una rinnovata speranza attraverso la propria immaginazione ed in assoluta libertà.

Maria Morelli

Titolo evento: Tufo
Artista: Cristina Cusano

Vernissage: 1 ottobre
Data: 1-14 ottobre

Il tufo è il catarro del vulcano, lo spurgo della sua canna fumaria.Ricopre tutta la buccia del golfo, il fondale marino. Napoli è costruita sul raschio di eruzioni e scosse.

Ho lavorato il tufo nei cantieri. E' una pietra assetata, bagnata pesa il doppio, si squadra con un ferro, perfino con i denti della sega. Perciò se n' è servita la città cavandolo da sotto per fabbricare sopra.

Le civiltà hanno usato le pietre per muraglie e case, il tufo non è pietra. E' la stesura di materia in fiamme, sputata fuori e raffreddata al sole. E' sughero di terra che tiene bene la chiusura e fa respirare, va bene per sepolcro e per cantina. E' la materia di cui è fatto il carattere del nostro luogo e dei suoi abitanti. Cristina Cusani fa affiorare la trama piroclastica che sta a sostegno delle nostra ossa e degli incubi. C'è tufo nel maestrale e nello scirocco, nelle onde del mare e nelle rughe delle nostre facce. C'è tufo sulfureo nelle collere della città irritabile e incendiaria, c'è tufo nell'immenso delle sue pazienze.

Per una buona volta una ragazza visionaria lo denuncia. E' il nostro azoto, l'inerte che si lega all'ossigeno per trasportarlo in giro per il sangue. Non è anima il tufo, è la nostra zavorra per non partire in cielo a cavallo del libeccio. Non è anima, è sale che ci aderisce al suolo.

Il tufo è partito per terre assai lontane nelle tasche sfondate e rattoppate dei nostri migratori, scesi a milioni nelle stive della terza classe, rispuntati all'aria dopo un oceano o due. Il tufo li ha riportati indietro, sconfitti o fortunati, perchè il tufo ritorna alla sua origine.

Di tufo è la nostra parlata, ruvida e smozzicata, da venditori ambulanti e da poeti, che devono sbrigarsela in poche sillabe. Perciò Grazie Cristina Cusani per farcelo trovare sparso e scritto sotto il nostro luogo. Per quanto possa apparire fitto e denso il nostro abitare, il tufo manda a dire che è deserto, e noi una sua escrescenza di stagione, meno avvinghiata al suolo di un lichene.

Erri De Luca

Cristina Cusani nasce a Napoli nel 1984, l?anno seguente si trasferisce a Roma con la famiglia. Nel 2005 dopo la laurea in Scienze della Comunicazione all?università La Sapienza di Roma si dedica allo studio della fotografia prima all?University of the Art, London College of Communication a Londra e successivamente all?Outside school a Roma. Nel 2004 vince il terzo premio al concorso Fotografare il gusto indetto dall?associazione enogastronomia Comgusto. Nel 2005 collabora come fotografa con la galleria d?arte Officina 14 e dal 2006 con la società di comunicazione Leonardo Extra. Nel 2005 espone nella mostra collettiva Cooperazione alla Locanda Atlantide a Roma; nel 2006 espone al XXXIX PREMIO VASTO d?arte contemporanea a Vasto e allo spazio Living a Barcellona. Nel 2007 espone Lùcere un progetto sull?autoritratto in una personale allo spazio Penguin di Napoli

Giovanni Bellini alle Scuderie del Quirinale di Roma

dal 30 settembre 2008 | a cura di mauro lucco e giovanni c.f. villa | scuderie del quirinale | roma


La grande mostra monografica "Giovanni Bellini" alle Scuderie del Quirinale, curata da Mauro Lucco e Giovanni C.F. Villa, viene riproposta a quasi sessant'anni dall'unica esposizione sul grande maestro veneto a Palazzo Ducale di Venezia nel 1949. Per la mostra sono stati portati a Roma oltre sessanta dipinti, ovvero circa i tre quarti della sua produzione certa, che giungono dai più grandi musei del mondo: da Firenze a Milano a Venezia, da Parigi a Londra a Madrid, da Washington a New York a Ottawa e San Paolo del Brasile. Accanto alle grandi pale d'altare, fra cui la tavola di oltre quattro metri del Battesimo di Cristo eseguita per la chiesa di Santa Corona a Vicenza e la stupefacente Pala di Pesaro, si avrà modo di ammirare le opere a tema sacro come le serie complete dei Crocifissi e le Pietà, oltre alla vasta produzione di Madonne e Ritratti. Ma anche le meno conosciute e sorprendenti allegorie e mitologie, con capolavori quali la Continenza di Scipione, un fregio di oltre tre metri che simula il marmo, mai uscito prima dalla National Gallery di Washington.

Se la lunga carriera di Giovanni Bellini è relativamente ben documentata nella parte finale, dopo il 1500 circa, lo è molto meno per le fasi iniziali. La prima parte dell'attività del pittore - figura cardine dello sviluppo della pittura del nord Italia nella seconda metà del Quattrocento - verrà ricostruita nel percorso espositivo a partire dalla più antica opera datata rimastaci, la Madonna degli Alberetti, segnata 1487 e ora alle Gallerie dell'Accademia di Venezia, quando l'artista era ormai ultracinquantenne, fino all'estenuata Ebbrezza di Noè di Besançon che sembra costituire una sorta di testamento spirituale del pittore veneziano.

Per questa esposizione, frutto di molti anni di lavoro, è stata effettuata una approfondita ricerca negli archivi veneziani e una vasta campagna di indagini scientifiche dai risultati sorprendenti che, oltre a svelare gli splendidi disegni sottostanti le opere di Giovanni Bellini, ha anche offerto concreti aiuti per una riequilibratura cronologica dell'intera opera del maestro, come puntualmente testimonia il catalogo.

Giovanni Bellini
Dal 30 settembre 2008 all' 11 gennaio 2009
Scuderie del Quirinale
Via XXIV Maggio 16 - 00187 Roma
orario: da domenica a giovedì 10.00-20.00; venerdì e sabato 10.00-22.30
L'ingresso è consentito fino a un'ora prima della chiusura
biglietti: Intero: € 10 - Ridotto: € 7.50
Catalogo: Silvana
Info: +39 0639967500 - +39 06696271
info@scuderiequirinale.it
www.scuderiequirinale.it

LOYDIS CARNERO, YAIMA CARRAZANA, RODOLFO PERAZA

Via Alabardieri 1 (piazza dei Martiri), 80121 Napoli Italia

Tel. +39 081 0609318 Fax. +39 081 2142623

umberto.dimarino@fastwebnet.it

www.galleriaumbertodimarino.com

Frederic Liver

inaugurazione venerdì 10 Ottobre 2008 - ore 19,00

annarumma404
Via S.Brigida 76
80132 Napoli

tel/fax: ++39.081.5529169
web: www.annarumma404.com

Scuderie del Quirinale
Giovanni Bellini
30 settembre 2008 - 11 gennaio 2009
a cura di Mauro Lucco e Giovanni C.F. Villa

"Che spettacolo, quando si farà, una mostra completa di Giovanni Bellini!": così, nel 1946, Roberto Longhi, il nostro illustre storico dell'arte, auspicava una grande rassegna monografica del "genio creatore sublime e instancabile" che con la sua pittura ha portato l'arte alla modernità.

A due anni dalla grande mostra su "Antonello da Messina", le Scuderie del Quirinale dedicano un'importante retrospettiva proprio al grande pittore veneziano, che raccoglie oltre sessanta capolavori, ovvero oltre i tre quarti della sua produzione certa. Una grande sfida, resa possibile grazie al concorso dei più grandi musei italiani e stranieri, delle Soprintendenze, delle curie ecclesiali e della collaborazione della città di Venezia.

Nella storia dell'arte i pittori in grado di cambiare il corso degli eventi e, insieme, rinnovare profondamente la propria indole espressiva sono stati rarissimi. Tra questi, Giovanni Bellini ha il posto d'onore. Per circa un sessantennio, tra la seconda metà del Quattrocento fino al 1516, anno della morte, Giovanni Bellini è il fulcro di quell'originale rinnovamento, basato su un linguaggio autonomo e una nuova poetica. Al centro di una famiglia di artisti e di un'operosa bottega, ha dipinto opere di grande poesia e profonda innovazione stilistica, incarnando appieno la gloriosa vicenda dell'umanesimo veneto. È lui il grande inventore della rappresentazione dei sentimenti e della natura. I suoi paesaggi riassumono tutto ciò che fino allora si era visto in Italia e in Europa, con le figure immerse totalmente nello spazio circostante in commoventi, struggenti rappresentazioni.

Alle Scuderie del Quirinale sono esposte non solo le famose Madonne, ma anche, per la prima volta, alcune pale d'altare come Il Battesimo di Cristo eseguito per la Chiesa di Santa Corona a Vicenza e la stupefacente Pala di Pesaro riunita per l'occasione alla sua cimasa, conservata ai Musei Vaticani di Roma. In mostra anche le opere profane, meno conosciute e sorprendenti, con capolavori quali la Continenza di Scipione, un fregio di oltre tre metri che simula il marmo, mai uscito prima dalla National Gallery di Washington.
Ad accompagnare la mostra, a cura di Mauro Lucco e Giovanni Carlo Federico Villa, un'attenta campagna d'indagini scientifiche svela gli splendidi disegni sottostanti le opere, che hanno permesso importanti scoperte e concreti passi avanti nella lettura critica dell'artista.


Giovanni Bellini
30 settembre 2008 - 11 gennaio 2009
Acquista il biglietto on-line

Scuderie del Quirinale
Roma, Via XXIV Maggio 16
info 0639967500
www.scuderiequirinale.it

Orario
da domenica a giovedì dalle 10.00 alle 20.00
venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30
L'ingresso è consentito fino a un'ora prima dell'orario di chiusura.

Alfredo Jaar allo Spazio Oberdan e Hangar Bicocca a Milano

dal 3 ottobre 2008 | a cura di gabi scardi e bartolomeo pietromarchi | spazio oberdan | hangar bicocca | milano


La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult è un'ampia antologica, promossa da Provincia di Milano e Fondazione Hangar Bicocca con il contributo di Regione Lombardia, di intenso significato politico e sociale e di forte impatto visivo ed emotivo dedicata all'artista cileno.

Artista, architetto di formazione e film-maker, Alfredo Jaar nasce nel 1956 in Cile e si forma durante la dittatura militare di Pinochet, producendo diversi lavori esplicitamente critici rispetto al regime. Si trasferisce nel 1982 a New York. Nei vent'anni successivi partecipa alle maggiori mostre e rassegne internazionali.
Nell'arco del suo percorso Alfredo Jaar instancabilmente si interroga su come l'arte possa interagire con il contesto sociale e politico più vasto; affronta temi di assoluta rilevanza, legati in molti casi a situazioni di urgenza umanitaria, di oppressione politica e di emarginazione sociale, di scarsa considerazione dei diritti umani e civili. Si concentra in particolare su situazioni che la nostra coscienza tende a rimuovere e sulla retorica attraverso la quale i media manipolano e trasmettono le informazioni. Con le vicende che tratta, l'artista si confronta direttamente dando voce e volto alle vittime e ai testimoni.
Jaar crede in una correlazione tra etica ed estetica, attribuisce fondamentale importanza a un ruolo attivo e socialmente responsabile della cultura e insiste sulla necessità di ribadire, attraverso l'energia creativa dell'arte, posizioni etiche, anche fortemente critiche, di fronte a temi difficili e a fatti gravi come ingiustizie, genocidi, emergenze umanitarie.
Nelle sue opere, sempre improntate a estrema perfezione formale, adotta linguaggi e strumenti diversi, dalla scultura all'installazione, dal video alla fotografia, al lightbox fino a opere di dimensioni ambientali.
La mostra, realizzata in stretta collaborazione con l'artista, rappresenta un percorso attraverso le sue opere più importanti, rappresentative di oltre vent'anni di lavoro.
Una mostra importante, che farà riflettere, discutere, e consentirà al pubblico di conoscere l'opera di un grande maestro contemporaneo.
Le vicende e l'immagine dell'Africa e le sue relazioni con il mondo occidentale costituiscono il filo conduttore della sezione di mostra allestita allo Spazio Oberdan. Jaar ha infatti dedicato diverse delle sue serie più importanti alla situazione di paesi africani come il Ruanda, l'Angola, la Nigeria. Vero e proprio punto di svolta nel suo percorso è The Rwanda Project: ventuno lavori eseguiti tra il 1994 e il 2000 in cui Jaar dà voce e volto alle vittime e ai testimoni del genocidio di massa avvenuto in Ruanda.
Di questo ciclo saranno presenti allo Spazio Oberdan cinque opere: The Eyes of Gutete Emerita (1996), Embrace (1996), Field, Road, Cloud (1997),Epilogue (1998), Untitled (Newsweek (1994).
The Eyes of Gutete Emerita: opera cardine della serie; innumerevoli diapositive accumulate su un tavolo luminoso presentano un'unica immagine, gli occhi di una donna che ha assistito al massacro della propria famiglia. Embrace: video in cui due ragazzini visti di spalle si danno forza stringendosi in un abbraccio mentre assistono a un episodio precluso alla nostra vista.
Field, Road, Cloud: tre lightbox con fotografie di splendidi paesaggi africani cui sono abbinate piccole mappe disegnate e annotate a mano; la natura lussureggiante stride con gli appunti di Jaar sugli efferati massacri avvenuti nei luoghi medesimi.
Epilogue: la labile immagine proiettata del volto dolente di una anziana donna ruandese si ritrae e riaffiora continuamente evocando i meccanismi della memoria, inalienabile e inafferrabile al contempo.
Segue, sempre allo Spazio Oberdan, una serie di opere dedicate alla retorica dei media, i media works: Untitled (Newsweek) (1994), From Time to Time (2006), Searching for Africa in LIFE (1996), Greed (2007). Sono lavori che testimoniano come i media più importanti decisero di ignorare, per lunghi mesi, la strage di esseri umani che nel frattempo si compiva in Africa.
Untitled (Newsweek: ancora parte di The Rwanda Project, presenta diciassette copertine dell'omonimo settimanale pubblicate dal 6 aprile al 1° agosto 1994: il tempo occorso a Newsweek per decidere di dedicare spazio al massacro del Ruanda, cento giorni circa durante i quali, complice la paralisi delle forze internazionali, morì un milione di Tutsi. From Time to Time: nove copertine di TIME Magazine presentano immagini legate al cliché occidentale che tende a considerare l'Africa solo dal punto di vista paesaggistico, con animali selvaggi e catastrofi naturali; solo l'ultima delle copertine presenta la situazione reale della Somalia.
Searching for Africa in LIFE: copertine di sessanta annate della celebre rivista, nelle quali il soggetto "Africa" viene preso in considerazione raramente, ed è sempre trattato in modo esotico.
Greed: sulla copertina di Business Week l'avidità e lo sfruttamento che riducono la popolazione africana in una situazione drammatica sono rappresentati attraverso l'immagine di un leone feroce. Titolo emblematico del servizio è "Può l'ingordigia salvare l'Africa?" In mostra allo Spazio Oberdan anche Geography = War (1991): sei lightbox con mappe segnate da traiettorie sul fronte e immagini dell'Italia e della Nigeria nascoste sul retro; una serie di specchi sul muro retrostante riflette le immagini e racconta i drammatici effetti del trasporto illegale di rifiuti tossici dall'Italia ai paesi del Terzo Mondo.
An Atlas of Clouds (2006) è composto da sei fotografie di nuvole che imperturbabili attraversano i cieli di altrettanti paesi africani in cui Jaar ha lavorato.
Nel film Muxima (2005), che chiude la mostra, Jaar raccontata con poetica dolcezza come l'umanità continui sempre, anche nelle più ardue situazioni, a vivere e a sentire. Girato in una Angola che cerca di riprendersi dalla guerra, Muxima - significa cuore - è una sorta di poema visivo e sonoro: la musica, sei versioni di un canto popolare locale, alterna momenti malinconici a ritmi più vivaci, accompagnando immagini che rivelano a un tempo la ricchezza del paese, le tracce della storia passata e il presente di speranza.

All'Hangar Bicocca saranno visibili opere di forte impatto e di grande dimensione. Si comincia con A Logo for America, un progetto del 1987 di parole e immagini sul significato della geografia, realizzato per un edificio di Times Square a New York: Jaar ha prodotto un intervento animato proiettato ogni sei minuti, circondato dalle consuete pubblicità di prodotti, creando una sorta di aritmia nelle insistenti pulsazioni della cultura commerciale. Segue una delle installazioni più importanti di Jaar, The Sound of Silence del 2006: una grande scatola al cui interno c'è uno schermo e all'esterno una parete di neon. Per entrarvi occorre attendere che l'apposito segnale rosso diventi verde. Si assiste quindi a un video di otto minuti dove su schermo nero scorrono delle frasi in bianco con la storia del fotografo sudafricano Kevin Carter, autore di una foto scioccante realizzata in Sudan nel 1993, dove una bambina denutrita e prossima alla morte arranca a quattro zampe, scortata da un avvoltoio che attende la sua fine. Carter vince il Premio Pulitzer per questa immagine che ha fatto il giro del mondo, ma pochi mesi dopo si toglie la vita, oppresso dalle accuse di aver preferito realizzare la sua foto, piuttosto che aiutare la bambina a sopravvivere. Un momento prima che compaia la foto si viene accecati da due potenti flash. "I media sono diventati un business come un altro" - dice Jaar - facendoci riflettere sulla nostra responsabilità di consumatori.
L'opera seguente Untitled (Water) del 1990 presenta sei lightbox con scorci di mare nella baia di Hong Kong, dove, durante gli anni Ottanta, approdavano gli esuli vietnamiti alla ricerca di un'esistenza migliore e che venivano invece arrestati e imprigionati. Di fronte a questi scorci marini, trenta specchi riflettono i volti di questi esuli disperati.
Segue un'altra installazione di grande impatto: Lament of the Images I, presentata nel 2002 a Documenta 11 (Kassel) che denuncia, con la lettura di tre testi seguiti dall'esperienza di una luce accecante emessa da un grande schermo bianco, una cecità metaforica ovvero "l'impossibilità di vedere la realtà al di fuori dei media", l'indisponibilità delle immagini, il loro sequestro e la loro completa gestione da parte dei poteri pubblici e privati.
Geography = War è invece una installazione del 1991 che fa anch'essa riferimento al traffico dei rifiuti tossici tra Italia e Nigeria, con vari bidoni neri contenenti del liquido scuro su cui si affacciano scatole luminose da cui ci guardano volti di bambini e contadini africani, a testimonianza dell'emergenza umanitaria che l'azione illegale italiana provocò. Introduction to a Distant World è un video del 1985 che presenta due tipi di documenti contrastanti: da un lato una alternanza di primi piani sui volti dei minatori, i loro gesti, i loro passi cadenzati e di piani allargati sul lavoro in miniera, dall'altro inserti muti con l'indicazione del prezzo dell'oro nelle diverse sedi delle borse di tutto il mondo. Out of Balance è una installazione del 1989 che riguarda il mondo dei minatori in Brasile: sei lightbox oblunghi sono appoggiati a diverse altezze sui quattro muri di una sala, su ciascuna di queste "finestre" appare il viso sporco di fango di un minatore. Ogni ritratto è come confinato in un angolo del fondale luminoso bianco che occupa la maggior parte dello spazio: ogni volto emerge dalla luce come segnale e ci allontana dalla abituale visione senza sforzo, aiutandoci invece a cogliere il reale significato di ciò che vediamo.
E infine nel Cubo dell'Hangar Bicocca, uno straordinario spazio quadrato con una cupola circolare da cui passa la luce solare, sarà posata l'installazione Emergencia del 1998, una sorta di piscina nera e liquida, da cui a poco a poco emerge la forma inconfondibile dell'Africa, per tornare a riflettere - e soprattutto ad agire - sull'emergenza sociale e umanitaria del continente nero.

La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult sarà affiancata dal progetto pubblico Questions Questions ideato per l'occasione, calibrato sulla città di Milano e sull'area circostante, che si avvale della collaborazione di IGPDecaux e di MBA Group. Tra i maggiori rappresentanti di una pratica dell'arte critica, legata alle possibilità di una trasformazione responsabile della società, Jaar si interroga sull'impegno dell'arte e della cultura, sulla loro prontezza nell'interagire con il contesto sociale e politico più vasto e nel rispondere alle istanze fondamentali della contemporaneità.

Il progetto pubblico prende la forma variegata di uno spazio collettivo di confronto a più voci sul senso del fare cultura sentendosi parte di un'epoca e di una collettività. In particolare si articolerà in un'affissione pubblica che, adottando modalità e supporti della pubblicità, insinuerà invece nella città una serie di domande su "cos'è la cultura". Domande relative al ruolo della cultura nella società attuale verranno inoltre proposte al pubblico tramite altri mezzi di comunicazione mediatica e saranno alla base di una serie di incontri pubblici nonché di un convegno internazionale (il 21 gennaio 2009 al Teatro Litta) che riunirà figure autorevoli di studiosi e di esperti in campi diversi del sapere. Partendo dal presupposto che l'arte coltivi sensibilità critica e rapporto con la politica, l'artista mira dunque ad attivare un dibattito sul ruolo della cultura sia in quanto espressione del tempo che viviamo in tutte le sue complessità, le sue diversità, e le sue urgenze, sia come vero e proprio agente di trasformazione e motore di sviluppo sociale.

Il 4 ottobre alle ore 11 presso lo Spazio Oberdan, in occasione della Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI, si terrà un incontro con Alfredo Jaar sul tema "Arte e politica".

Alfredo Jaar. It Is Difficult
dal 3 ottobre 2008 al 25 gennaio 2009
Spazio Oberdan, viale Vittorio Veneto 2, Milano
dal 3 ottobre 2008 all'11 gennaio 2009
Hangar Bicocca, via Chiese 2, Milano
orari: tutti i giorni 10-19, martedì e giovedì fino alle 22, chiuso il lunedì
Biglietto Spazio Oberdan o Hangar Bicocca: intero €4, ridotto €2,50
Biglietto unico: intero € 6, ridotto € 3
Catalogo: Edizioni Corraini

All'Hangar Bicocca sono previste visite guidate gratuite per le scuole (info: lab@hangarbicocca.it).
Allo Spazio Oberdan si terranno visite guidate per le scuole (prenotazioni a didattica@provincia.milano.it) e visite guidate per tutti ad orario fisso (il martedì e giovedì alle 19, il sabato alle 17 e la domenica alle 11) al solo costo del biglietto d'ingresso.
Si ricorda inoltre che il primo martedì di ogni mese l'ingresso allo Spazio Oberdan è gratuito.
La mostra è accompagnata da un catalogoEdizioni Corraini, con saggi di Gabi Scardi, Bartolomeo Pietromarchi, Paul Gilroy, Paolo Fabbri, schede a cura di Nicole Schweizer.

La mostra di Alfredo Jaar It Is Difficult è realizzata con la collaborazione tecnica di:
Gemmo, per la realizzazione delle opere The Sound of Silence e Lament of the Images
Informazioni al pubblico:
Spazio Oberdan, tel. 02 77406300/6302; www.provincia.milano.it/cultura
Hangar Bicocca, tel. 02 853531764; www.hangarbicocca.it

Opening Ventre, personale di Antonello Bulgini

A cura di Gianluca Marziani

Con la collaborazione di Napoliclubarte

La pittura di Bulgini dimostra la tragica e inesorabile incertezza di ogni forma reale. Nulla è fermo e predefinito, il mondo metabolizzato è una battaglia dove immobilità e dinamismo si compenetrano, stendendosi sul palcoscenico catartico del quadro. La figurazione di Bulgini, non a caso, simula lo stato labile delle cose attraverso la relazione tra materie, tematiche e supporti. L’opera si muove al proprio interno, percepisce e digerisce, simula molteplici nature. Fino a ricomporsi e ridarci il prisma di una visione omogenea. Universale. Oggettivamente privata.

A seguire presentazione al pubblico del "Premio Terna 01"

un momento di totale piacere insieme alla famiglia e agli amici

h.14.30 inizia 1 ora di giochi con Assia, l’amica dei bambini di Trip!

Prenotazione consigliata

Trip

Via Martucci, 64

80121 Napoli

Tel. 081.19568994

trip@cra.na.it

Basquiat a Roma

Giudizio della redazione:

La Fondazione Memmo e la Fundación Marcelino Botín di Santander presentano la mostra su Jean Michel Basquiat, l’artista che con opere molto simili a graffiti, sfondò a New York poco più che ventenne grazie ad Andy Warhol. La mostra intitolata Jean-Michel Basquiat "Scacciando fantasmi" che aprirà nelle sale della Fondazione Memmo in Palazzo Ruspoli il 2 ottobre 2008, dopo una tappa estiva a Santander, presenterà al pubblico più di 40 opere provenienti da Germania, Belgio, Francia, Italia, Austria, Svizzera e Stati Uniti, tra cui alcune realizzate in collaborazione con Warhol e Francesco Clemente, oltre dieci opere presentate per la prima volta al pubblico, e 5 fotografie inedite di Michael Halsband. La mostra comprende un insieme rappresentativo di opere incentrate soprattutto sulla visione frammentata che l’artista aveva del corpo umano. Dalla fine degli anni 70 quando si firmava con l’acronimo SAMO “SAMe Old sh*t” (letteralmente la solita vecchia merda) fino alla precoce morte nel 1988. La mostra sarà accompagnata da un catalogo illustrato completo, con saggi di Olivier Berggruen e Francesco Pellizzi. Il curatore della mostra, Olivier Berggruen, è viceconservatore della Schirn Kunsthalle di Francoforte. Tra le altre cose si è occupato di organizzare importanti mostre sui collage di Matisse e sull’opera teatrale di Picasso, oltre a retrospettive su Yves Klein ed Ed Ruscha. Biglietto intero 10 Euro. Tutti i giorni dalle 10.00 alle 19.30 Venerdì - Domenica dalle 10.00 alle 20.30. Lunedì – chiuso (eccetto 8 Dicembre). Info:dal 02-10-2008 al 01-02-2009
http://www.fondazionememmo.com

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Corot, Picasso, Fattori, De Pisis, per la prima volta a confronto

fino al 18 gennaio 2008 | palazzo baldeschi al corso | perugia


Fino al 18 gennaio 2009, la Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia propone, nella propria sede espositiva di Palazzo Baldeschi al Corso, un affascinante confronto tra due "gusti collezionistici", l'uno quello degli americani Duncan e Elisa Phillips "Da Corot a Picasso", l'altro del nobile piacentino Giuseppe Ricci Oddi "Da Fattori a De Pisis".

Dagli Stati Uniti arriverà, infatti, una selezione di opere dei maggiori maestri dell'impressionismo e delle avanguardie europee del Novecento, tra cui Corot, Courbet, Manet, Monet, Bonnard, Van Gogh, Cezanne, Modigliani, Kandinsky, Braque, Picasso.
Nella mostra, presentata da Vittorio Sgarbi, questi grandi maestri saranno posti a confronto con i protagonisti dell'arte italiana tra Ottocento e Novecento tra cui Fattori, Sartorio, Carrà, Casorati, Campigli, De Pisis.

Con questa iniziativa la Fondazione celebra il Centenario della costituzione della Cassa di Risparmio di Perugia, di cui ha ereditato l'impegno sul versante sociale e del mecenatismo culturale.

Da Corot a Picasso, da Fattori a De Pisis
Fino al 18 gennaio 2009
Palazzo Baldeschi al Corso (corso Vannucci, 66)
Perugia
Orario: 10:00 - 18:00 (la biglietteria chiude alle ore 17:00)
ingresso: interi 8€, ridotti 6€, scuole 3€
Mostra promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia.
Organizzazione Civita
Catalogo Silvana Editoriale.
Informazioni e prenotazioni:
www.fondazionecrpg.it
199 199 111 servizi@civita.it
Ufficio Stampa:
Studio ESSECI - Sergio Campagnolo, Padova
tel. 049.663499 info@studioesseci.net

ArtVerona 2008: un'edizione ricca di eventi, mostre, performance, stimoli culturali e di mercato

da giovedì 16 a lunedì 20 ottobre 2008 | quartiere fieristico | verona


Il più ampio panorama delle gallerie italiane di maggior livello. Le opere di oltre mille artisti moderni e contemporanei. E un dispiegarsi di mostre, premi, performance, eventi, che fanno di ArtVerona una manifestazione di respiro culturale, che indaga e si sofferma sulle varie forme e modalità dell'arte.
Molte le personalità di fama e di competenza che hanno curato o dato il loro contributo ai vari collaterals, quali Renato Barilli, Gabriella Belli, Camilla Bertoni, Fabio Cavallucci, Aurora Fonda, Mario Gorni, Paola Marini, Mara Ambrozič, Camilla Seibezzi, Gabi Scardi, Maria Rosa Sossai, Roberta Valtorta, Angela Vettese.
Ad apertura del tutto, il Forum 08 sulle tendenze evolutive del mercato d'arte moderna e contemporanea. Vi si presenta l'indagine Nomisma "sul commercio di opere d'arte moderna e contemporanea 2008-2009", cui segue la tavola rotonda condotta da Massimiliano Tonelli con la partecipazione di Massimo Di Carlo, Alberto Fiz, Anna Mattirolo, Stefano Moreni e Pierluigi Salvatore.
ArtVerona quest'anno dialoga anche con la sua bella ed attrattiva città, attraverso nuove, stimolanti iniziative, programmate in collaborazione con istituzioni, musei, fondazioni.

ArtVerona
da giovedì 16 a lunedì 20 ottobre 2008
preview: giovedì 16 ottobre ore 14.00 (solo su invito)br> apertura pubblico: giovedì 16: dalle 16.00 alle 20.00
da venerdì 17 a domenica 19: dalle 10.30 alle 20.00
lunedì 20: dalle 10.30 alle 15.00
Quartiere fieristico di Verona
padiglioni 6 e 7
ingresso: porta Cangrande (da Viale del Lavoro)
uscita consigliata autostrada: Verona Sud
Biglietti: biglietto ordinario: € 15 - biglietto ridotto: € 5 - abbonamento 5 giorni: € 20

aree espositive: padiglione 6: arte moderna - grafica e multipli - bookshop 1 - editoria padiglione 7: arte contemporanea - bookshop 2 - editoria
guida alla visita e catalogo: gratuiti a tutti i visitatori

informazioni: segreteria organizzativa
tel. +39 045 8039204
fax +39 045 8015004
www.artverona.it
staff@artverona.it

apriranno gratuitamente per un giorno al pubblico: questi i numeri della

Quarta Giornata del Contemporaneo che si terrà sabato 4 ottobre 2008.

L’iniziativa, promossa da AMACI (Associazione dei Musei d’Arte

Contemporanea Italiani) con il sostegno della PARC – Direzione Generale

Seconda edizione per la mostra "open air" all'Acquario di Milano

dal 4 ottobre 2008 | acquario e civica stazione idrobiologica | milano


Giunta alla sua seconda edizione, l'esposizione 'in open air' presenterà le opere di 18 artisti contemporanei: Alex Bombardieri, Andrea Cereda, Alfredo Cordella Matacotta, Luisa Del Mestre, Francesca di Robilant, Ximena Hernandez & Rugile Norkute, Alejandro Fernandez, LUFER, Fukushi Ito, Maria Teresa Gonzalez Ramirez, Guido Lodigiani, Flavio Lucchini, Ricardo Macias, Daniele Nitti Sotres, Daniela Novello, Aldo Pavan, Luca Pozzi, Isabella Ramondini.

Nata da un'idea di Luisa Del Mestre, curata da Anna Lucia Maria Fraschetti in collaborazione con Simona Nava, organizzata dall'Associazione culturale senza scopo di lucro "Avvenirismo 3535 - making Life an Art", in collaborazione con l'Acquario e Civica Stazione Idrobiologica di Milano e l'Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, col patrocinio del Corpo Consolare di Milano e il contributo della Fondazione Cariplo, della Provincia di Milano e Noesis Comunicazione, l'esposizione si propone di promuovere la cooperazione internazionale in campo artistico e culturale e la sperimentazione artistica, scientifica e tecnologica, attraverso l'interazione fra il secolare Museo dell'Acquario e l'Arte di domani.
L'appuntamento all'Acquario è il secondo momento di un progetto inaugurato l'anno scorso con una mostra allestita nei suggestivi spazi dell'Orto Botanico di Brera, che a giugno hanno fatto da sfondo alal presentazione nell'evento 2008, che prosegue oggi in un contenitore particolarmente attraente dove il dialogo tra arte contemporanea e luoghi insoliti per questo tipo di manifestazioni, trova una valenza unica.
"Il nostro è un disegno - spiega Anna Lucia Maria Fraschetti - che compone una "geometria avveniristica" tracciando linee immaginarie tra i creatori dell'arte di oggi e luoghi ricchi di storia: un intreccio di relazioni che offre infinite possibilità di lettura da parte del pubblico, uno strumento misterioso portatore di immagini e di segni innovativi".
Contribuiscono al disegno Avveniristico, dal ritratto all'astronave, opere di artisti quali Alex Bombardieri, Andrea Cereda, Alfredo Cordella Matacotta, Luisa Del Mestre, Francesca di Robilant, Ximena Hernandez & Rugile Norkute, Alejandro Fernandez, LUFER, Fukushi Ito, Maria Teresa Gonzalez Ramirez, Guido Lodigiani, Flavio Lucchini, Ricardo Macias, Daniele Nitti Sotres, Daniela Novello, Aldo Pavan, Luca Pozzi, Isabella Ramondini.
La sperimentazione tecnologica e' curata e supportata da d & d elettronica, sistemi di illuminazione tecnica e da energy saving, pannelli fotovoltaici.
Accompagna la mostra il catalogo "MAKING LIFE AN ART" di Silvana Editoriale, della collana "AVVENIRISMO 3535".

"AVVENIRISMO 3535 - MAKING LIFE AN ART"
4 ottobre - 10 novembre 2008
Milano, Acquario e Civica Stazione idrobiologica (v.le Gadio,2)
Orari da martedì a domenica giovedì 9.00-13.00 14.00-17.30
lunedì chiuso
Ingresso gratuito
Catalogo Silvana Editoriale
Per informazioni: tel.02 88465754
www.clponline.it
Ufficio Stampa: CLP Relazioni Pubbliche
Tel. 02 433403 - 02 36571438
Fax 02 4813841
press@clponline.it
ufficiostampa@clponline.it

A Roma una nuova iniziativa dedicata all'arte contemporanea: il week end dell'arte

70 luoghi dell'arte, gallerie, musei, istituti di cultura aperti sino alle 24.00 del 10 e 11 Ottobre e l'occasione unica di visitare i cantieri dei musei MACRO e MAXXI.

Un'iniziativa realizzata dagli organizzatori della fiera ROMA - The Road to Contemporary Art in collaborazione con Umberto Croppi, Assessore alle Politiche Culturali e della Comunicazione del Comune di Roma.

Partecipano a ROMA ART WEEKEND:

1/9 Unosunove arte contemporanea / Altri lavori in corso / Galleria André / IngressoPericoloso - Artsinergy / Atelier Laboratorio d'Arte / Brancolini Grimaldi Arte Contemporanea / Studio d'Arte Campaiola / C.A.O.S. Cultural Artists Open Space Contemporary Art / Changing Role / Galleria Augusto Consorti / Galleria Maria Grazia Del Prete / Edicola Notte / EDIEUROPA / e x t r a s p a z i o / Fidia Arte Moderna / Galleria 196 / Gallerja / The Gallery Apart / Gagosian Gallery / Galleria Gallerati / Hofficina d'Arte / LipanjePuntin artecontemporanea / Lorcan O'Neill Roma / Magazzino / Mandeep- Photography and Beyond / Galleria Maniero / Galleria d'Arte Marchetti / MARTE Galleria / Galleria d'Arte Michelangelo / Studio Stefania Miscetti / Galleria Valentina Moncada / Monitor / Monocromo Art Gallery / Motelsalieri / Nextdoor... ArtGalleria / La Nuvola Arte / One Piece Contemporary Art / Oredaria Arti Contemporanee / Piomonti artecontemporanea / Il Polittico / Galleria Il Ponte Contemporanea / Ricerca d'Arte / Romberg Artecontemporanea / Galleria Fabrizio Russo / Galleria S.A.L.E.S. / Secondome / SMAC - Segni Mutanti Arte Contemporanea / Studio - S / studio.ra contemporanea / Galleria Tartaglia Arte / Ermanno Tedeschi Gallery / Galleria Traghetto / Studio Trisorio / Z2o galleria - Sara Zanin.E inoltre: MAXXI - MACRO - Museo dell'Ara Pacis - Museo Carlo Bilotti - Museo di Roma in Trastevere - Fondazione Guastalla - Incontri Internazionali d' Arte - Instituto Cervantes di Roma - Istituto Svizzero di Roma - Nomas Foundation - Temple University - Wunderkammer

Un servizio gratuito di navette collegherà i diversi spazi che aderiscono all'iniziativa dalle 16.30 alle 24.30 del 10 e 11 Ottobre.

Sul sito www.romacontemporary.it il programma dettagliato di tutte le mostre in corso nelle gallerie, musei e istituti di cultura che aderiscono a ROMA ART WEEKEND e le indicazioni per prenotare le visite ai cantieri dei musei MACRO e MAXXI

Roma - Art Weekend
Dal 10 al 12 ottobre 2008
Roma
Per ulteriori informazioni
Ph +39 06 69380709
Fax +39 06 69208012
info@romacontemporary.it

Ufficio Stampa
EQUA
Ph +39 06.3236254
Fax +39 06.32110090
info@equa.it

“Segmenti Plastici” con opere di Afredo Celli alla “Libreria Guida” – Capua a cura di Maurizio Vitiello

Alla “Liberia Guida” di Capua [ Corso Gran Priorato di Malta, 25 81043 Capua (Caserta); tel. 0823.62.29.24; guidacapua@libero.it ] sarà inaugurata domenica 12 ottobre 2008, alle ore 19.30, la mostra, curata dal critico Maurizio Vitiello, intitolata “Segmenti plastici”, con opere recenti dell’architetto abruzzese Alfredo Celli.

Inteventi, alle ore 20, di Pino Cotarelli, Franco Lista, Nando Romeo, Antonino Scialdone, Maurizio Vitiello.

Catalogo-cd in galleria. Orario: da martedì a mercoledì 10.00-13.00/17.00-20.00; da giovedì alla domenica 10.00-13.00/17.00-23.30;  lunedì chiuso. Sino a venerdì 31 ottobre 2008.

Scheda della mostra a cura di Maurizio Vitiello

Alfredo Celli ritorna in Campania ed espone la sua ultimissima produzione alla “Libreria Guida” di Capua.  L’artista, che opera e vive in Abruzzo, continua la sua attività nel suo studio di Tortoreto Lido per preparare opere per le prossime mostre. Viaggiando per l´Italia abbiamo l´opportunità di controllare e fissare nella memoria esposizioni su esposizioni e ci sembra, quindi, essenziale segnalare artisti emergenti, di un certo tono e di un certo valore, che sono alla ricerca di una considerazione e di una stima e tentano e cercano di far conoscere la risoluta “cifra artistica” su cui vorrebbero appoggiare un proprio lancio. L´artista, nell´accogliente studio di Tortoreto Lido, in provincia di Teramo, che abbiamo avuto la possibilità di visitare insieme a Pino Cotarelli, critico teatrale, e a Nando Romeo, regista cine-tv, prosegue una stimolante ricerca sull´informale.
Alfredo Celli nasce a Tortoreto (TE) nel 1958. Frequenta l´Istituto Statale d´Arte di Castelli diplomandosi nel 1976, ed è in quegli anni che inizia a dipingere avviandosi ai colori ad olio su tela, ma trova volontà e spazio anche per eseguire dei lavori in argilla: bassorilievi, sculture e oggetti. In questi primi lavori ad olio è orientato verso un figurativo molto essenziale ed indicativo, per passare, dopo alcuni anni, verso schemi geometrico-astratti, che, col tempo, sono orientati a recepire una maggiore corposità, anche attraverso il colore, per arrivare ad un approccio “materico informale”. Il supporto tradizionale, oggi, gli va stretto. Infatti in questi ultimissimi lavori sembra che, per mezzo del foglio di plastica e attraverso qualsiasi risorsa tecnica, voglia riscoprire l´anima segreta delle cose e delle immagini e cercare di tracciare il confine, se c’e confine, dell´incertezza. La velocità improvvisa del gesto, i contrasti di luminosità, la combustione, lo portano verso una sensualità introflessa. I nuovissimi esiti e le recentissime prove della pittura di Alfredo Celli, che ci è stato segnalato dal maestro Umberto Esposti, nipote di Lucio Fontana e bravissimo artista, si presenta nettamente stuzzicante, per chi come noi frequenta, e non da poco, l´ambiente artistico italiano. Le elaborazioni, di netta impronta informale, riescono a dominare la scena e a determinare uno spesso senso dell´intimo che incontra e/o “contra” la realtà, che pilota, conduce, governa, regola e controlla scenari, virtualmente possibili, più che ipotetici. Dal pennello, gravido di materia ed umori, alla spatolata, tesa e netta, passa con disinvoltura Alfredo Celli. Il suo “sentire la materia”, ormai rodato, vola alto e, senza urti, plana su possibili confini di nuovi scenari e, così, l´artista guida tutta la sua attuale pittura, che va verso gli infiniti spazi dell´informale, per tessere e definire una “cifra artistica”, una sorta di certezza del carattere e dello stile con cui distinguere le opere che in quest´ultimo triennio ha redatto. L´artista riesce a dimensionare vastità ed ambienti di vigorosa vivacità, capillari orizzonti di prospettive, elementi scenici liberi da inquinamenti metropolitani. Inoltre, dirama striature multicolori di quinte che premono sullo spazio vergineo di supporti lignei o di plastiche applicate a faesite. Il tutto si svela e scivola in inquadrate percezioni reali ed intendimenti pulsano nelle vene e nella testa di Celli e scattano termini cromatici e tentativi di comparare quadri da cui scaturiscono riscontri straordinari, e, soprattutto, rilanci impensati; poi, il gioco di laceranti ustioni e di strofinati passaggi fa scattare spacchi incontaminati di natura, ma anche segnature ed abbreviate campiture astratte, imbevute di convenienti voluttà operative, nonché secchi avvolgimenti, graziosi avviluppamenti ed affidabili arrotolamenti su vortici, che aprono all´infinito. E da questo giro di trame e di orditi, tessute da incastri, ove si stringono diverse reazioni cromatiche di estremi apicali, emergono silhouettes, sospese tra visioni e suggestioni. E, se andiamo ad assodare, registriamo affioramenti segnici e gemmazioni e concrezioni cromatiche, che sembrano far passare, in filigrana, i vari stadi della materia, mentre recepiscono bagliori mediterranei e clangori ctonici in riassunti di minimali allegorie. Intervalli di luci e ripartiti coni d´ombra afferrano ed agguantano dondolii memoriali e surrealtà ambientali. L´artista adegua concatenazioni di dinamiche fabulistiche che s´aprono su altre dimensioni, sotto l´impulso di un fronte febbricitante d´invenzioni. In fondo, produce cangianti e variegate interpretazioni informali, ma anche scattanti combinazioni. Insomma, la sua forte immaginazione declina accordate ambientazioni per consegnare singolari e fulminei risultati. Le sue opere in tecnica mista, su vari supporti, comprendono intensità di note declinate da riferimenti seriali e, così, emerge la sua voglia di tonificare controcampi e contropiani. Celli tende a tonificare e a corroborare visuali e misure, nonché tracce che possano manifestare specularità ripetute. Nei lavori si presentano irregolarità e si leggono scansioni, ritmi, cadenze, accenti, trasformazioni, variazioni, mutamenti e richiami di purezze dell´animo. Le redazioni pittoriche di Celli oscillano tra pittura totalizzante e pittura di sostanza e visibilità coloristiche sostanziano temperature sussultanti. Un dettato di molteplici combinazioni pulsanti, focalizzato da dosaggi misurati e studiati nel gesto ampio, interessa varchi, respiri, aperture, tagli e spaccature. Tracciati e margini vengono dall´artista siglati per comprendere la “coscienza del mondo”. In definitiva, questo nostro commento emerge da riflessioni sui seguenti lavori, che abbiamo avuto l´opportunità di visionare: Alba di giugno, Anima avviluppata, Conclave, Crocifissione, Bilaterale, Carcassa aliena, Colonna, Cuore bianco, Decollo domani alle 6, Durante la tempesta, Ferite lungo i confini, Il Sud del mondo, Il suono del vento, Laceranti ustioni, Linea di superficie, Lo specchio del disinganno, Malinconia veneziana, Salendo da Est, Senza stress, Soluzione di continuità, Strinature e sfregi, Terra e cielo, Un´altra dimensione, Vecchia Europa addio, Vecchio. In conclusione, Alfredo Celli continua a detessere l´attualità ed assicura un magma potenziale d´immagini per tagliare, poi, squarci personalissimi del quotidiano, perché ha bisogno di seguire le sue fantasie, che esplorano momenti d´incanto e di ragionamenti e di considerazioni. Insomma, attimi e dettagli sono segmentati in una proiezione periscopica e sono agitati dal fuoco che esalta risultati soprendenti, intercalati sul foglio di plastica. Celli, così, continua a progettare esplorazioni cromatiche su termini informali.

Maurizio Vitiello

Lo Studio Trisorio di Roma, in Vicolo delle Vacche 12, inaugurerà la stagione espositiva il 3 ottobre 2008, alle ore 19.00, con una mostra di Rebecca Horn dal titolo Amore - Continental.

Protagonista dell’installazione sarà una vecchia macchina da scrivere Continental che l’artista ha trasformato in una scultura in movimento che batte i tasti della parola AMORE.

Saranno esposte inoltre due sculture di piccole dimensioni e una serie di disegni.

Fin dalle sue prime performance degli anni settanta Rebecca Horn ha fatto propria l’idea di arte come "energia" in un continuo dialogo tra il corpo inteso come microcosmo e le forze dell’universo.

L’artista collabora stabilmente con lo Studio Trisorio dal 2003 e negli ultimi anni ha presentato le mostre Il Sospiro del sole (settembre 2007) e Luce di Buddha (aprile 2006), partecipando inoltre alle collettive Disegni (settembre 2006) e Giallo Cavallo con Ettore Spalletti ed Enzo Cucchi (Novembre 2004).

Rebecca Horn ha esposto nei più noti musei d’Europa e d’America come il museo di Wiesbaden, il Folkwang Museum di Essen, il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, il Museum of Contemporary Art di Los Angeles, il Guggenheim di New York, la Tate Gallery, la Serpentine Gallery e la Hayward Gallery di Londra. Nel 1997 ha partecipato alla Biennale di Venezia. Nel marzo 2007 è stata insignita del prestigioso premio Jawlensky ed il Museo Martin Gropius Bau di Berlino le ha dedicato una vasta retrospettiva. Nel 2008 ha esposto al Rupertinum Museum of Modern Art di Salisburgo. Ha realizzato inoltre numerosi film tra i quali: Unicorn (1970), Shoulder Extensions, Body Painting, Mata Hari, White 1, White 2, Yoni, Black 1, Black 2, (1971), Flamingos, (1974), Paradise Window (1975), La Ferdinanda: Sonata for a Medici Villa (1981), Buster’s Bedroom (1990). In Italia sue installazioni sono in collezione permanente presso il museo MADRE di Napoli e presso il Castello di Rivoli di Torino.. Per l’edizione 2008 del Festival di Salisburgo ha curato la regia, le scene e i costumi dell’opera Luci Mie Traditrici del compositore palermitano Salvatore Sciarrino.

www.studiotrisorio.com

TERRA PAINTING

Comet Morigi

Overfoto SL

Zweitewelt Bucht

http://slurl.com/secondlife/ZweiteWelt%20Bucht/116/106/21

Venerdì 3 ottobre 2008

ore 20.00-22.00 (11.00 AM-1.00 PM SLT)

La Galleria Overfoto inaugura nella sede di Second Life TERRA PAINTING, ultima mostra di Comet Morigi, artista/avatar che lavorando direttamente sulla conformazione geologica dell'ambiente naturale- virtuale, ne trasfigura la composizione, modificandone i connotati morfologici originarii attraverso un'operazione di land-art che traduce così lo spazio stesso che normalmente ospiterebbe l'esposizione, in opera d'arte a tutti gli effetti.

"Inword non è l'opposto della vita reale,ma un tipo di vita reale. Perché non diciamo OutWorld invece di Real Life? Diversamente, perdiamo la realtà del perché facciamo arte Inworld. In questo lavoro, vi mostro perché dovremmo chiamarla Outworld, invece di Real Life. Inworld, tutto è fatto di immagini. Il suolo e il cielo, ogni creatura, le case, gli abiti, i nostri corpi, tutto. Editiamo il terreno come se stessimo dipingendo con un pennello sul suolo. Qui, espongo quelli che vengono chiamati Terra-Painting." Comet Morigi

Premio Profilo. Terza edizione per giovani artisti emergenti

Il 7 ottobre alle 18.30 si inaugura presso il museo della Permanente, il Premio Profilo d'Arte 2008, premio di pittura per giovani artisti emergenti ideato da Banca Profilo, giunto alla sua terza edizione.
Nella stessa occasione vengono premiati i tre artisti vincitori del premio.

La giuria è composta da Massimo Zanello (Assessore alle Culture, Identità e Autonomie della Regione Lombardia), Rachele Ferrario (critico d'arte), Marco Meneguzzo (critico d'arte), Chiara Gatti (critico d'arte), Velasco Vitali (artista), Gianpiero Cantoni (collezionista), Sandro Capotosti (Presidente di Banca Profilo), Guido Podestà (Presidente Museo della Permanente), Milena Gamba (curatrice Premio Profilo d'Arte).

L'esposizione al Museo della Permanente, curata da Milena Gamba responsabile di Profilo d'Arte, sarà il punto di partenza di una mostra itinerante che verrà ospitata dalle sedi della Banca Profilo di Torino, Brescia, Reggio Emilia, Ferrara e Roma. Un'occasione questa, in cui i giovani pittori provenienti da tutto il mondo avranno la possibilità di esporre le proprie opere pittoriche ad un vasto e variegato pubblico.

Come descritto nel bando d'iscrizione, il "concorso è finalizzato all'individuazione e alla promozione di giovani pittori che si distinguono nell'espressività artistica attuale e per le eccellenti capacità tecniche, di ricerca e di sperimentazione." Ci saranno quindi opere pittoriche di ogni tecnica, dimensione e colore.

Di un'età compresa tra i venti e i quarant'anni, gli artisti emergenti selezionati dal Premio Profilo d'Arte, si caratterizzano per la loro multiculturalità e l'eterogeneità, sia nelle tematiche affrontate, sia nelle tecniche pittoriche utilizzate.

Premio Profilo d'Arte A cura di Milena Gamba, responsabile Profilo d'Arte
Museo della Permanente, via Turati 34, Milano.
8 Ottobre 2008- 12 Ottobre 2008
dal martedì al venerdì ore 10-13 14.30-18 - entrata libera.
sabato e domenica ore 10-18.30 - entrata libera.

Torino, Galleria san Federico 16
22 Ottobre 2008- 26 Ottobre 2008
dalle 15 alle 20- entrata libera.

Brescia, Palazzo Poncarali
via Gabriele Rosa, 34
5 Novembre 2008- 9 novembre 2008-09-22
dalle 25 alle 20 - entrata libera.

Reggio Emilia, Palazzo Sacrati
Via Emilia S. Pietro, 27
12 novembre 2008- 16 novembre 2008
dalle 15 alle 20- entrata libera.

Ferrara, Palazzo Nagliati
Corso Giovecca, 59
19 novembre 2008- 23 novembre 2008
dalle 15 alle 20- entrata libera.

Roma, via Gregoriana, 40
27 novembre 2008- 30 novembre 2008
dalle 15 alle 20- entrata libera.

LA MEDITERRANEA ARTE

Martedi 7 ottobre , alle ore 18,

sarà inaugurata la mostra retrospettiva di

  Enrico Cajati

Sarà gradito il Suo intervento

orario: 11-13.30 / 17-19,30

chiuso il sabato pomeriggio

lamediterraneaarte@virgilio.it           www.mediterranea-arte.com

Gianni Nappa

FAI e MART uniti per omaggiare Giorgio Morandi a Varese

dal 19 settembre 2008 | presentata da FAI - fondo ambiente italiano e il MART, museo di arte moderna e contemporanea di trento e rovereto | scuderie di villa panza | varese


"Osserva con lo sguardo di un uomo che crede, e lo scheletro intimo di quelle cose per noi morte, perché immobili, gli si mostra nel suo aspetto più consolatorio, nel suo aspetto eterno". Così Giorgio de Chirico descriveva Giorgio Morandi nel 1922.

Varese a fine settembre sarà una città in festa in occasione dei mondiali di ciclismo su strada 2008, che rappresentano un'opportunità unica anche per comunicare come la città lombarda sia ricca di beni artistici e paesaggistici. Non solo sport quindi ma anche una serie di iniziative che contribuiranno a far conoscere le bellezze di Varese, definita "Città Giardino": tra queste la mostra voluta dal FAI, dal MART e dalla Protezione Civile Nazionale in accordo con la Provincia e il Comune di Varese, per rendere omaggio a uno fra i più importanti protagonisti dell'arte italiana del XX secolo, celebrato in questi giorni anche al Metropolitan Museum di New York.

La mostra rappresenta un'eloquente testimonianza del ruolo centrale che l'opera di Morandi ha esercitato nella storia dell'arte del Novecento e costituisce un'occasione importante per indagare e approfondire il complesso e affascinante mondo del collezionismo morandiano italiano.
L'esposizione intende porre l'accento sulla cerchia di intellettuali che costituirono la fortuna critica di Morandi e che lo sostennero in ogni occasione. Una rete di sodalizi profondi e caratterizzati da grandi affinità: artisti come Carrà, la "Scuola romana" e il gruppo di Corrente, filosofi e poeti tra cui Eugenio Montale e Giuseppe Ungaretti, collezionisti, estimatori e critici come Roberto Longhi, Cesare Brandi, Francesco Arcangeli.
In mostra un significativo gruppo di opere originariamente di proprietà di collezionisti storici, così definiti per aver sostenuto con passione e dedizione, oltre che con oggettiva tempestività, il lavoro del maestro. Il filo rosso che ha guidato la selezione delle opere è stata la definitiva destinazione pubblica di vari nuclei di queste collezioni, espressione di un mecenatismo illuminato grazie al quale alcuni tra i massimi capolavori dell'arte italiana sono divenuti di fruizione pubblica.
Di particolare interesse è la preziosa selezione di dipinti proveniente in origine dalle collezioni Giovanardi e Ferro, confluite poi al MART, di Lamberto Vitali, studioso e amico - autore del catalogo generale di Morandi - i cui principali pezzi, ora conservati nella Pinacoteca di Brera di Milano, sono esposti per l'occasione a Villa Panza. Sono inoltre presenti opere provenienti dalla Raccolta Antonio Boschi e Marieda Di Stefano delle Civiche Raccolte di Milano, dalla Collezione Adriano Olivetti, oggi nella Fondazione Telecom, dalla Raccolta Carlo e Nedda Grassi, conservata nella Galleria d'Arte Moderna di Milano e dipinti da collezioni private appartenuti in origine alle prestigiose collezioni Giuseppe Vismara.

I quadri provenienti dalle varie raccolte sono stati allestiti in una sequenza che accompagna il percorso stilistico dell'artista e nel contempo raggruppa i generi pittorici da lui praticati.
La mostra si apre con il preziosissimo autoritratto del pittore (Autoritratto, 1924) - sono pochissimi quelli realizzati dall'artista - e prosegue con uno dei primi paesaggi dipinti da Morandi nel 1911. L'artista dipinse per tutta la vita due sole vedute: quella urbana, dipinta dalla finestra della casa studio di via Fondazza a Bologna e quella campestre, che vedeva a Grizzana, paese appenninico dove era solito trascorrere le sue vacanze. In mostra il bellissimo dipinto che ritrae proprio il cortile di via Fondazza.

L'esposizione continua con il fondamentale nucleo delle nature morte, tema assai caro all'artista bolognese e definito dalla rivista fiorentina Voce "il dizionario del pittore e la sua grammatica".
Numerose le tele presenti in mostra, quali la Natura morta del 1928 ed altre opere che coprono un arco cronologico dalla fine degli anni Venti agli anni Sessanta. Chiude il ciclo l'ultima natura morta dipinta nel 1964 poco prima della sua morte: semplice e austera, caratterizzata da una pennellata liquida e scarna, a tratti brevi e irregolari, tipica dell'ultimo Morandi.
L'idea e le ragioni di questa mostra hanno fondamento in un progetto pluriennale di collaborazione scientifica ed espositiva tra Villa e Collezione Panza del FAI e il MART di Rovereto. A Villa Panza, che Giuseppe Panza di Biumo ha donato al FAI, la Fondazione ha deciso di perseguire un percorso rivolto allo studio e alla valorizzazione delle raccolte d'arte in particolare si è scelto di esplorare le intricate e affascinanti vicende del collezionismo del XX secolo.

La mostra è stata realizzata grazie al fondamentale contributo della Protezione Civile Nazionale, con il contributo e il patrocinio della Provincia di Varese, con il patrocinio della Regione Lombardia e del Comune di Varese. Grazie a BPU-Fondazione Banche Popolari Unite per Varese e in collaborazione con Varese 2008-UCI Road World ChampionShips. Sponsor tecnici: Arteria, Skira, Marsh e Axa Art.

Giorgio Morandi: Collezionisti e amici. 40 capolavori da Raccolte italiane pubbliche e private
Dal 19 settembre 2008 all' 11 gennaio 2009
Villa e Collezione Panza, Varese
Orari: 10 -18 (tutti i giorni escluso i lunedì non festivi). Ultimo ingresso ore 17.30
Ingresso (comprendente mostra, Villa e Collezione Permanente): adulti 10 euro, ridotti (bambini 4-12 anni) 5 euro; studenti fino a 25 anni 5 euro
Aderenti FAI: 2 euro. Sono previsti laboratori didattici per le scuole con biglietti da 3 a 5 euro a seconda del percorso scelto
La mostra sarà accompagnata da un catalogo scientifico delle opere edito da Skira, con un contributo di Flavio Fergonzi.

Per informazioni:
FAI Villa e Collezione Panza. Piazza Litta 1- Varese. Tel. 0332/283960 faibiumo@fondoambiente.it
Servizi per il pubblico:
Caffetteria; Bookshop; Visite guidate (su prenotazione); parcheggio interno
Per maggiori informazioni sul FAI consultare il sito www.fondoambiente.it
Ufficio Stampa FAI
Simonetta Biagioni - stampa - tel. 02.467615219; s.biagioni@fondoambiente.it
Novella Mirri - radio e televisione - tel. 06.32652596; ufficiostampa@novellamirri.it

immagine: G.-Morandi,-Autoritratto,-1924,-MART-Collezione-Ferro-C-Archivio-Fotografico-MART

Omaggio ad Arnaldo Pomodoro in Fondazione

dal 4 ottobre 2008 | curata da bruno corà | fondazione arnaldo pomodoro | milano


Alla Fondazione Arnaldo Pomodoro, un percorso con quindici sculture monumentali, di cui alcune inedite, come il Grande portale dedicato a Edipo e l'Ingresso nel labirinto. Le sue creazioni plastiche dialogheranno idealmente con le cento immagini che compongono la mostra UGO MULAS FOTOGRAFA ARNALDO POMODORO allestita nei camminamenti.

L'esposizione, che coinvolge anche spazi esterni alla Fondazione per un suggestivo percorso cittadino, offre al pubblico una scelta rappresentativa delle opere monumentali realizzate dagli anni Settanta a oggi, in un itinerario che segue l'evoluzione dell'artista nel suo rapporto con le grandi dimensioni: dal Cono Tronco del 1972 e The Pietrarubbia Group del 1975-76, passando per Giroscopio del 1986-87 e Le battaglie del 1995, fino a Punto dello spazio del 2003 e Cuneo con frecce del 2006.

L'elemento centrale della mostra è costituito da tre grandi opere inedite che rappresentano per Pomodoro un percorso di ricerca in sviluppo, componendo un ciclo in riferimento al mito e alla storia dell'uomo, con tutte le connesse significazioni culturali di memoria e di racconto: Il Grande portale dedicato a Edipo, qui presente nella nuova versione in bronzo che misura 11,80 metri di altezza e 9,40 di larghezza, originariamente progettato per l'opera "Oedipus Rex" di Igor Stravinsky e di Jean Cocteau, messa in scena nella piazza del Duomo di Siena nel 1988; L'Obelisco in corten con inserimenti in bronzo alto 14 metri ideato ricordando gli obelischi dell'antico Egitto; Ingresso nel labirinto, un environment dedicato a Gilgamesh, eroe del primo grande testo poetico e allegorico sull'esperienza umana scritto nel 2000 a.C. che rimanda al tema del viaggio e del labirinto come metafora della vita, e insieme vuole essere un omaggio alla scrittura e alla comunicazione. L'opera è collocata nella cavea del piccolo teatro della Fondazione dove resterà permanentemente.

"Iniziata a ridosso della lezione dei grandi protagonisti dell'arte d'avanguardia d'inizio secolo, tra i quali Pomodoro indica Brancusi e Klee come poli di riferimento ai suoi esordi, - sottolinea Bruno Corà - proseguita a fianco di artisti come Fontana, la sua arte ha tracciato un cammino originale, prendendo coscienza della diversità di senso venutasi a determinare nell'arte dopo il secondo conflitto mondiale. Con l'avvento della società tecnologicamente avanzata il suo lavoro si è perciò definito sino all'attualità aprendosi a una crescente drammaticità visualizzata dal suo lessico contenutistico e formale. I suoi ermetici alfabeti hanno occupato in eguale misura tanto le sue sculture quanto l'immaginario popolare divenendo, proprio con le opere "grandi", lingua popolare".
"Nel 1967 con la mia Sfera grande (tre metri e mezzo di diametro) per l'Expo di Montreal ora a Roma di fronte alla Farnesina, ho affrontato la grande dimensione -afferma Arnaldo Pomodoro -: sono seguite molte sculture monumentali: Per me, infatti, la massima aspirazione è quella di ambientare le mie opere all'aperto, tra la gente, nelle piazze e nel verde, cercando un'interazione profonda fra lo spazio dell'architettura e del paesaggio e quello della scultura. A volte mi sono riferito al mito con l'intento di mostrare nell'opera, attraverso il mio linguaggio di espressionismo astratto, l'universo dell'uomo e dei suoi simboli, nel rapporto con la terra e la durata della sua testimonianza".
L'iniziativa consente di rendere fruibili al pubblico opere monumentali solitamente sparse nel mondo che per la prima volta sono ora riunite in un unico luogo, in un unico tempo: quello della Fondazione e dei suoi visitatori. A testimonianza del coinvolgimento di Arnaldo Pomodoro con quella che è la sua città di adozione, alla mostra è collegato un itinerario che collega le sculture dell'artista collocate in luoghi pubblici a Milano.

L'esposizione ha ricevuto il cospicuo contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il contributo e il patrocinio della Regione Lombardia, Culture, Identità e Autonomie della Lombardia, la partnership di Unicredit Group, il contributo di Saporiti Italia e ATM, ed è accompagnata da un catalogo edito dalla FAP.
IGPDecaux , coerente alla sua mission di contribuire al decoro urbano e alle iniziative volte a impreziosire la città, sostiene la comunicazione della mostra "ARNALDO POMODORO. Grandi opere 1972-2008", offrendo diverse facce pubblicitarie sulle pensiline alle fermate degli autobus a Milano.

Mentre la mostra delle "Grandi Opere" si sviluppa al piano terra degli ambienti della Fondazione, a cui si aggiungono l'Obelisco e il Labirinto, rispettivamente nell'area antistante l'ingresso di via Solari e nella zona ipogeica del teatro, ai piani superiori, accanto ai "modelli architetturali", di molta storia dell'opera di Arnaldo Pomodoro dà conto una straordinaria mostra di fotografie di Ugo Mulas a cura di Angela Vettese dal titolo significativo UGO MULAS FOTOGRAFA ARNALDO POMODORO. Più di un centinaio di opere del fotografo milanese, testimone dell'esordio e dello sviluppo dell'arte di Pomodoro, raccontano il sodalizio tra i due artisti durato dal 1958 al 1972, giungendo alla soglia del Cono tronco, che cronologicamente apre la mostra e che Mulas non riuscì però a vedere. Per l'occasione viene pubblicato un volume con testo di Angela Vettese, Edizioni Olivares.

Note biografiche
Arnaldo Pomodoro è nato nel Montefeltro nel 1926, ha vissuto l'infanzia e la formazione presso Pesaro. Si trasferisce a Milano nel 1954. Le sue opere del Cinquanta sono altorilievi dove emerge una singolarissima "scrittura" inedita nella scultura. Nei primi anni Sessanta passa al "tuttotondo" e poi alla grande dimensione. Ha avuto molti premi per la scultura: a San Paolo nel 1963, a Venezia nel 1964, a Pittsburgh nel 1967, il Praemium Imperiale a Tokyo nel 1990, il Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award nel 2008. Nel 1992 l'Università di Dublino gli conferisce la Laurea honoris causa in Lettere e nel 2001 l'Università di Ancona quella in Ingegneria edile-architettura.
Numerosissime sono le sue esposizioni: alla Rotonda della Besana di Milano nel 1974 e al Forte Belvedere di Firenze nel 1984, fino a quelle di Parigi nei Giardini del Palais-Royal nel 2002, nel centro cittadino di Lugano nel 2004 e lungo la cinta muraria di Paestum nel 2005. Inoltre le esposizioni itineranti nei musei americani, e in Europa, America, Australia e Giappone. Le sue opere sono situate in permanenza in grandi piazze (Milano, Copenaghen, Brisbane, Los Angeles, Darmstadt), al Trinity College a Dublino, nel Cortile della Pigna dei Musei Vaticani, nel piazzale della Farnesina a Roma, nel piazzale delle Nazioni Unite a New York e nelle raccolte pubbliche maggiori. Ha insegnato nei dipartimenti d'arte delle università americane: a Stanford, a Berkeley, al Mills College. Si è dedicato anche alla scenografia con ''macchine spettacolari'' in grandi occasioni teatrali italiane: da ultimo ha realizzato le scene e i costumi per l'opera "Teneke" di Fabio Vacchi, con libretto di Franco Marcoaldi, tratto dall'omonimo racconto di Yashar Kemal, messa in scena in prima assoluta al Teatro alla Scala nel settembre 2007, con la regia di Ermanno Olmi e la direzione di Roberto Abbado.
Nel 1996 ha costituito la Fondazione Arnaldo Pomodoro, che nel 2005 ha iniziato l'attività espositiva nella sua sede di Via Solari a Milano.

ARNALDO POMODORO. GRANDI OPERE 1972 - 2008
Dal 4 ottobre 2008 al 22 marzo 2009
Fondazione Arnaldo Pomodoro
Via Andrea Solari 35
Orari: mercoledì-domenica ore 11-18 (ultimo ingresso ore 17); giovedì ore 11-22 (ultimo ingresso ore 21)
Biglietti: 7/4 euro
Catalogo FAP

Info:
Fondazione Arnaldo Pomodoro - tel. 02.89075394
www.fondazionearnaldopomodoro.it
c.montebello@fondazionearnaldopomodoro.it

Alberto Castelli alla GiaMaArt studio

dal 4 ottobre 2008 | giamaart studio | vitulano


Inaugurata sabato 4 ottobre presso la galleria GiaMaArt studio, la nuova personale di Alberto Castelli, che ha presentato una selezione di quadri degli ultimi anni dove la figura femminile diviene il tramite per una ricerca approfondita sulle ragioni e sulle radici storiche della pittura contemporanea.

Gli enigmi degli occhi dipinti
Il ritratto femminile, dal Rinascimento in poi, ha rappresentato per secoli un genere fondamentale nella storia dell'arte occidentale che ha segnato le permanenze e le innovazioni, le commistioni e le metamorfosi della pittura. In un percorso che nel tempo si è caricato di molte e diverse valenze storiche, simboliche ed estetiche, il ritratto femminile nei secoli è stato strumento politico per favorire unioni e nozze tra importanti casate, testimonianza di potere, di ricchezza o di semplice agio borghese, marchio di amore di fede matrimoniale o di attrazione erotica, segno tangibile della volontà di conservare, comunicare e tramandare una bellezza destinata inesorabilmente a svanire, piccola testimonianza di un'intimità colta in un attimo della sua esistenza quotidiana. L'importanza di questa lunga storia è innegabile anche perché la sua influenza ha superato i limiti della pittura sconfinando verso altre arti che in un certo senso ne hanno suggellato il trionfo e i cambiamenti, e non a caso alcuni fulgori estremi di questo genere sono legati alla grande stagione del teatro della fine dell'Ottocento, agli albori del cinema e alla nascita delle icone delle dark ladies in un viaggio che potrebbe unire Charles Baudelaire e Gabriele D'Annunzio a Dante Gabriel Rossetti, Gustav Klimt, John Singer Sargent e Giovanni Boldini, la Marchesa Casati e Sarah Bernardt a Theda Bara e Marlene Dietrich. In questa mostra Alberto Castelli presenta una selezione di quadri degli ultimi anni dove la figura femminile è usata per una personale riflessione sulle ragioni e sulle radici storiche della pittura contemporanea: l'artista lavora infatti con la volontà di, confrontarsi con il ritratto femminile e con le sue molte implicazioni, con uno sguardo che non esamina soltanto il contesto mediatico della comunicazione, della pubblicità e della moda, ma che si relaziona volutamente allo straordinario codice genetico della grande tradizione occidentale. Castelli in questo modo intende mostrare il suo dialogo con un percorso pittorico che va dal Seicento all'Ottocento, una matrice colta che oltrepassa le contingenze spesso effimere dell'attualità rielaborata con uno sguardo fecondo e costruttivo che entra con decisione all'interno dei dibattiti e dei linguaggi della contemporaneità. Questa indagine sulle visioni formali di diverse epoche, che combina i fasti di una pittorica età dell'oro alle presenze iconiche di oggi, fonda dunque le evocazioni di diverse immagini femminili che richiamano ritratti borghesi e nobiliari, semplici ragazze o le icone cinematografiche di donne "fatali". La ricerca di Castelli si dipana allora con una fusione attuale di suggestioni, di influenze e di recuperi che crea un tragitto composito e difforme nella storia delle immagini, dove gli abiti e le acconciature evocano non soltanto periodi e stili, ma anche suggestioni psicologiche, uno studio dell'interiorità, dei sentimenti e della psiche che compone uno degli ultimi e basilari tasselli della storia del ritratto femminile. Lo sguardo, il suo rapporto voluto, cercato, dimenticato o evitato con lo spettatore rappresenta così un punto di snodo essenziale nel lavoro dell'artista, un motivo di analisi costante condotto con una attenzione approfondita per le mutazioni che si possono intuire negli occhi delle sue donne, a quelle variazioni di stati d'animo che la pittura di Castelli sa cogliere con un'attenzione lenticolare. In questo senso anche le luci e le ombre dei quadri, unite alla valorizzazione di particolari solo a prima vista secondari, diventano fulcri compositivi che l'artista utilizza in senso quasi simbolico, contribuendo al senso dell'opera e alla sua esibizione formale attraverso una materia cromatica lieve colmata di bagliori e di offuscamenti, di concordanze e di contrappunti. Allora lo studio delle acconciature, degli abiti e degli ornamenti non appare un semplice riferimento alla moda delle diverse epoche, ma si pone come un meditato accompagnamento alle diverse suggestioni delle opere, all'atmosfera e alle allusioni suscitate dal pennello dell'autore. Il rosso delle rose che si riverbera nei bagliori dei capelli ramati, le trasparenze delle ombre bluastre e quelle dei veli, le fioriture delle vegetazioni e le decorazioni floreali delle vestaglie compongono pertanto l'armonia discordante e complessa di un viaggio sotterraneo nell'enigma rappresentato dalla figura femminile dove la quotidianità del privato si accosta alla sensualità di un erotismo sussurrato e incombente, in una misteriosa quadreria di volti, vestimenti e corpi rivelati attraverso il mistero costantemente rinnovato della pittura.

Lorenzo Canova

ALBERTO CASTELLI
dal 4 ottobre 2008 al 24 gennaio 2009
orario: dal martedì al sabato ore 17.00 - 20.00 e per appuntamento
catalogo: in galleria. edizioni GiaMaArt studio, pp 40 bilingue ita/ing
testo: Lorenzo Canova
GiaMaArt studio . Via Iadonisi, 14 . 82038 Vitulano (BN)
Tel/Fax: 0824.878665 - 338.9565828
www.giamaartstudio.it
info@giamaartstudio.it

Napoli - dall'otto ottobre al 2 novembre 2008 Paolo Apuleo - No hands

NO HANDS - Paolo Apuleo  [Vedi la foto originale]

KESTE' vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede Via San Giovanni Maggiore Pignatelli (80134) +39 0815513984 (info) www.keste.it individua sulla mappa Exisat individua sullo stradario MapQuest Stampa questa scheda Eventi in corso nei dintorni Immagine. la si può rappresentare in molti modi.La riproduzione fotografica ne restituisce dettagli reali;un virtuoso dipinto ne elargisce la capacità trasmissiva e simulativa. Forme astratte ne interpretano l’emozione e pigmenti materici le conferiscono sensazione tattile. il digitale è oltre... orario: dal lunedi alla domenica dalle 21:00 alle 02:00 (possono variare, verificare sempre via telefono) biglietti: ingresso libero vernissage: 8 ottobre 2008. 19:00 autori: paolo apuleo genere: arte contemporanea, personale

20122 milano - via fontana 11
tel +39 02 54 10 16 33

Comunicato stampa

Angelo de Francisco Mazzaccara

Martedi 28 ottobre Presso la galleria Schubert, via Fontana 11, 20122 Milano, si inaugura la mostra personale di Angelo de Francisco Mazzaccara intitolata "Città oltre l'immagine".

Angelo de Francisco Mazzaccara, dopo molti anni di pittura tradizionale, si ripropone al pubblico milanese in una nuova veste. Le opere, realizzate con strumenti digitali e stampate su supporti fotografici, sono il frutto degli ultimi anni della sua ricerca artistica. Una ricerca finora conosciuta da pochi estimatori della video arte, terreno di passaggio obbligato per chi, come de Francisco, desidera staccarsi dai canoni estetici dell'accademismo appreso a Brera negli anni sessanta, sotto la guida di Guido Ballo, ma soprattutto per chi cerca di superare i vincoli e le barriere, affascinato dalla potenzialità recondita delle nuove tecnologie.

La mostra, che nasce dalla collaborazione tra la Galleria Schubert e l'anconetana Artessenza di Adriano d'Annunzio, è accompagnata da un’ importante monografia che raccoglie i testi, oltre che del curatore Lorenzo Bonini, di Valentina Gentile, di Dores Saquegna, direttrice della Primo Piano Gallery di Lecce ed una esaustiva intervista all'artista di Giorgio Seveso. Saranno acclusi al catalogo due dvd con alcune opere di video arte.

De Francisco ci parla della città e della sua gente, ma soprattutto del suo modo personale di addentrarsi sotto la sua "pelle" e sviscerarne i significati più profondi. Una penetrazione che dà il proprio contributo alla comprensione di un mondo e di una società che perde di vista i propri valori. L'artista, rivendicando a sé, e agli artisti come lui, il ruolo profetico che spesso si è perso a discapito di ricerche più effimere di facili successi, completa la propria natura.

De Francisco non cavalca le mode. Si prende il tempo necessario alla riflessione per elaborare un proprio linguaggio personale parlando al mondo circostante con le proprie opere, che altro non sono che testimonianze mute della condizione umana.

Vernice martedì 28 ottobre 2008

da martedì 28 ottobre a venerdì 14 novembre

orario: lunedì 15-19, martedì-venerdì 11-19 continuato

a cura di Lorenzo Bonini

catalogo in galleria

Informazioni: schubert1@interfree.it

Il Ramo d'Oro
Via Omodeo, 124
Napoli

80128

Sogni e Segni Migranti

Dal 11 al 26 Ottobre 2008

Artists Partecipanti:

Nastro, Raffaele Caruso, Nello Agolini, Bruno Diaz, Arnoldo Simonetta, Funel Dudamel, José Catania, Simone Kho, Antonius Gonzalez, Vidalia Allup, Alberto

Il centro d’arte e cultura IL RAMO D’ORO è un’associazione senza fini di lucro, costituitasi nel settembre 2000 ma attiva informalmente da circa 10 anni. Si è distinta per aver organizzato presso la propria sede numerose iniziative di carattere artistico, culturale e sociale con particolare attenzione alla presenza di artisti stranieri in Italia e alla diffusione della cultura italiana all’estero.

Il Ramo d'Oro
Via Omodeo, 124
Napoli, Campania 80128
Italy
Tel: +3390815792526
fyesbm@tin.it

una fotografia dai connotati alieni il concetto del “celato, ri-velato, dell’ignoto”.

le carte di villa, invece, sono piene di urbani attimi quotidiani sospesi nell’attesa del

Dal10 al 20 ottobre 2008

Inaugurazione10 ottobre ore 18,30

GalleriaMerliani 137

Napoli – viaG.Merliani,137 – 80129

Presentazionedi Gianni Nappa

Trenta operedell’ultima produzione di Cono, giovane artista napoletano alla sua primaesperienza espositiva, ma con un bagaglio di vita intenso, nonostante lagiovane età, formato dagli anni in Inghilterra ed in giro per l’Italia, primadi stabilirsi di nuovo a Napoli. Persona volitiva e piena di iniziative, si iniziaall’arte con la grafica, disegnando inviti per molte discoteche e locali diNapoli e dintorni negli anni novanta, ancora ragazzo, riscuotendo consensi econtinue richieste.

InInghilterra, a Londra si reinventa grossista di scarpe e vive a stretto contatocon le gallerie e i locali di tendenza della capitale inglese. Nelle sue operesi racconta di una umanità senza pulizia e chiarezza, di uno stato di cosegenerali che pongono l’uomo come oggetto in mezzo ai suoi oggetti, nel caosdella quotidianità, oramai mostri in mezzo ai rifiuti di una civiltà che sicalpesta.

Operedall’impatto emozionale forte, dove confrontarsi con la rappresentazione ditali mostruosità ci rende nervosi, ci fa catapultare in un rifiuto di quelloche siamo e nella retorica di quello che non c’è più. Istintive ed immediate,le opere di Giampaolo Cono sono l’apoteosi del nichilismo, di un uomo ormaistretto nella sua gabbia, lontano dalla collettività e intento ad abbrutirsisui suoi mezzi di trasporto. In questa prima personale, l’artista propone unadecina di tele in cui la rete come elemento e come metafora di un’impossibilitàdi relazioni, dove l’accavallarsi delle strutture eliminano la natura,diventano giungle di linee e intersezioni, dove l’uomo non è più parte, e nonpuò esserne parte perché la tecnologia e la globalizzazione ci regalanostrutture di potere. Linguaggio semplice e non mediato da precedenti esperienzescolastiche specifiche, e si coglie d’impatto la naturalezza e l’istintivaforza che Cono utilizza per le sue opere, contrapponendo i colori e le formeper strutture fatte di sole linee che affascinano per la ripetitività quasi ossessiva che però è sempre indivenire come nuove e diverse dalle precedenti in un gioco di spazi eprofondità che si rivelano dopo uno sguardo attento.

La suafigurazione è figlia di linguaggi contemporanei, che si mischiano e creano unanuova e diversa figurazione che attinge alle esperienze dei graffitari e dellearcaiche figurazioni rupestri in un mix dove la bellezza lascia il passo ad unbisogno pressante di racconto della società e delle sue malattie; sono in fondoun grido contro il degrado, contro la violenza, contro una condizione da nonaccettare.

Nuovolinguaggio metropolitano da sondare ed interpretare per una maggiore comprensionedi una nuova visione che serpeggia tra i giovani del mondo alla ricerca di unavera identità, quasi ad esorcizzare il brutto-questa mostra di Giampaolo Cono,sarà uno stimolo ad immaginare un nuovo ambito, una nuova umanità che sappiaessere protagonista nuda e senza sovrastrutture che la ingabbiano.

Siamo un’umanità in rete, persa nel solco del potere economico è tempo di ritrovare unsistema condivisibile e Cono ci prova con la forza dell’istinto e conl’esperienza del vissuto.

Gianni Nappa

03/10/2009

carlorendanoassociation

 &

 associazione Alessandro Scarlatti

presentano

 moto armonico

rassegna di 3 concerti al Lanificio25

Venerdì 10  ottobre h 21.00

Terzo  ed ultimo appuntamento

  LANDSCAPE

Ciro Longobardi: pianoforte

 musiche di

claude debussy, john cage,

henry cowell,charles ives,

john adams, chick cor

... e dopo la serata continua

LANIFICIO25 - p.zza E. De Nicola, 46 - 80139 Napoli.

tel: 081.6582915 – lanificio25@cra.na.it - www.cra.na.it

A Milano nasce l'A-ortista

I numerosi Artisti che aderiscono al progetto di Arte da mangiare, ospiti della Società Umanitaria, per la Giornata Mondiale dell'Alimentazione, lanciano un appello a Milano per l'Expo 2015 e di conseguenza a tutta l'Italia attraverso la performance: Orto d'Artista: dalla Semina al Raccolto
Il 16 Ottobre, presso il magico Chiostro dei Glicini dell'Umanitaria a Milano, "SEMINERANNO."
Il gesto della semina vuole contribuire alla comunicazione dell'appello della FAO sostenuto dall'ONU e proposto dal Ministero degli Affari Esteri.
Arte da mangiare si fa carico sino al 2015 per l'Expo di procedere ogni anno nella Giornata Mondiale dell'Alimentazione alla "SEMINA".
Milano così si prepara ad una grande trasformazione.

"Orto d'Artista, un SEME. che negli anni produrrà un raccolto, organico, inorganico, artistico, intellettuale, sociale, sperimentale .. ed altro .. con lo scopo di avvicinare tutti alle problematiche della nostra madre terra.
Il "RACCOLTO"sarà il secondo appuntamento che si terrà dal 13 al 27 aprile 2009 nelle Settimane del Verde e gli artisti raccoglieranno il frutto della propria semina
Orto d'artista sta già emigrando in altre Province, altre Regioni ed è già internazionale
Tutti coloro che desiderano collaborare, presentare progetti, idee possono contattare la commissione di Arte da mangiare commissione.a.ortista@gmail.com

Vi aspettiamo il 16 ottobre 2008 ore 18.00 Società Umanitaria Via San Barnaba, 38
Arte - Chiostro dei Glicini
- Performance d'arte in cui gli artisti, all'interno del Chiostro dei Glicini, "Semineranno" il proprio progetto poetico formando in tal modo un'unica installazione. Questo atto performativo rimarrà come momento storico a testimonianza del progetto che andrà a concludersi, attraverso varie tappe di luogo e di date con l'Expo 2015.
- Mostra di immagini fotografiche del concorso Biolphoto a cura di ICEA (Istituto per la Certificazione Etica e Ambientale)- Chiostro dei Glicini
- Pippa Bacca: Il muro in verde - pensiero all'antesignana del verde
- Videoproiezioni proposte dall'Associazione Arte da mangiare di Damasco (Syria)
- Videoproiezione della manifestazione Arte in verde 2008

Ore 19.00 Momento istituzionale - Salone degli affreschi
Interverranno:
Presidente dell'Umanitaria Dott. Amos Nannini - Presidente di Arte da mangiare Ing. Mario Bedussi - Direttore artistico Arte da mangiare Prof.ssa Ornella Piluso - Consigliere di Arte da mangiare Dott. Vincenzo de Vera - Delegato del Ministero degli Affari Esteri - On. Riccardo Garosci Consigliere Speciale Commissione Europea
- ICEA offre ai presenti degustazione di olio e miele - Salone degli Affreschi

Ore 20.00
- ORTOPHIL® Fertilizzante filosofico Performance della Jam Session filosofica - Salone degli affreschi
In occasione del Festival Internazionale dell'Alimentazione organizzato da Expo Milano 2015 dal 16 al 22 ottobre Arte da mangiare sarà presente con le seguenti installazioni: Corso Como - Progetto giovani fra gli artisti: Silvia Spinetta, Alice Tettamanzi, Vito Romanazzi., Colonne di San Lorenzo - installazione dell'artista Stefano Soddu: "fecondazione", Piazza San Carlo - installazione dell'artista topylabrys: "esplosioni di natura"

17 ottobre 2008 dalle ore 10.00 Giardino della Guastalla
L'installazione della semina verrà collocata all'interno nel Giardino della Guastalla dove i "semi" degli artisti cresceranno sino al 13 aprile 2009 e da quel giorno inizierà il "RACCOLTO" sino al 27 aprile

Tra gli artisti che hanno già aderito:
Elena Amoriello - Marco Anello - Alessandra Angelini - Antonio Antonucci - Giuseppe Bagattoni - Clara Bartolini - Donatella Baruzzi - Giugi Bassani - Erika Battello - Giuliana Bellini - Chiara Belloni - Alice Bertelli - Donatella Bianchi - Carmine Caputo di Roccanova - Massimiliano Cardone - Marilu' Cattaneo - Cristian Ciamporcero - Roberto Contini - Beppe Cremaschi - Carla Crosio - Francesco Cucci - Stefania Dameri - Loredana De Lorenzi - Daniela Dente - Gabriella Di Trani Fausta Dossi - Massimiliano Duroni - Silla Ferradini - Davide Ferraris - Salvatore Fiori - Eliana Frontini - Claudio Gasparini - Genesiart - Hackatao - Svetlana Kuliskova - Ruggero Maggi - Giuliana Maldini - Pier Antonio Manca - Beatrice Marchi - Sandra Marzorati -Antonio Massari - Maria Mesch - Cosetta Muggianu - Museo Teo - Daniela Nasoni - Clara Ornaghi - Gianni Ottaviani -PdF Concept - Marco Pece - Tiziana Pellerano - Flavio Pellerito - Luca Perdomini - Edy Persichelli - Pervinca - Valeria Petrocelli - Roberta Peveri - Patrizia Pompeo - Tiziana Priori - Renzi & Lucia - Vito Romanazzi - Antonio Salamino - Eugenia Scaglioni - Stefano Soddu - Silvia Spinetta - Cristina Stifanic - Vania Elettra Tam - Alice Tettamanzi - topylabrys - Micaela Tornaghi - Franco Vertovez - Maddalena Vidale - Gianni Villa - Monika Wolf - Paola Zan

Con la presenza di:
Agrimercati, AmmA organizzazione eventi, aMAZElab laboratorio culturale, Apogeo Editore, Connecting Cultures, Commissione Food Design ADI, Comune di Calice Ligure, &CO naturally together, Durchblick associazione culturale, 4F Food Culture, Fnac Italia S.p.a., Fondazione D'Ars, Galleria Scoglio di Quarto, Wannabee Gallery, ICEA Istituto per la Certificazione Etica e Ambientale, Il giardino degli aromi, Istituto Uomo e Ambiente, Marketing Informatico, Pervinca, PhotoAid, Puzzle 4 Peace Project progetto di scart-italia Onlus, Quanta Agenzia per il Lavoro, ricerca e selezione, formazione, Quanta Sport Village, Slide, Società Umanitaria, Ufficio a Milano del Parlamento Europeo, Università degli Studi di Milano Facoltà di Agraria.

Con il patrocinio di: Regione Lombardia Assessorato all'Agricoltura e Assessorato alla Qualità dell'Ambiente, Provincia di Milano ufficio Presidenza, Comune di Milano Assessorato Arredo, Decoro Urbano e Verde

Progetto di: Ornella Piluso
Critica a cura di: Rolando Bellini e Matteo Galbiati
Foto e Video a cura di: PhotoAid

Segreteria operativa: Arte da mangiare
Via Daverio, 7 - 20122 Milano
Tel. +39 02 54122521 - Fax +39 02 54122521
Alice Tettamanzi +39 348 9238149
Silvia Spinetta +39 349 5342491
info@artedamangiare.it
Ufficio Stampa : Equipe Milano srl
Olivia Spatola
Via Canova 19/a Tel +39 02 34538354 - Fax +39 02 34538355
Cel. +39 335 6463636
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