Quando l'arte guarda il cinema all'Hangar Bicocca

dal 1 febbraio al 15 marzo | hangar biccocca | milano


Nuova importante iniziativa d'arte contemporanea all'Hangar Bicocca.
Dal 1° febbraio 2007 apre infatti COLLATERAL Quando l'arte guarda al cinema, un progetto di Hangar Bicocca con Art for the World, ideato da Adelina von Fürstenberg, curato in collaborazione con Anna Daneri e Andrea Lissoni.
La mostra presenta i lavori di una quindicina di artisti internazionali emblematici - CORY ARCANGEL, PIERRE BISMUTH, CANDICE BREITZ, BRICE DELLSPERGER, CHARLES DE MEAUX, OMER FAST, THOMAS GALLER, LIAM GILLICK & PHILIPPE PARRENO, CHRISTOPH GIRARDET & MATTHIAS MÜLLER, PIERRE HUYGHE, RUNA ISLAM, MIKE KELLEY, DIMITRIS KOZARIS, MELIK OHANIAN, CAROLA SPADONI e CLEMENS VON WEDEMEYER - proponendo un percorso dove, a fianco di figure di riferimento e fondatrici, stanno opere di artisti di generazioni diverse, di aree e bacini di provenienza fra loro distanti e di formazioni differenti. Chi è più legato alla tradizione del cinema cult, chi più a quella dell'arte video, chi a quella dell'intervento ambientale nello spazio, chi infine al cinema sperimentale.

COLLATERAL, che sarà aperta dal 1° febbraio al 15 marzo 2007, è la prima mostra italiana che sonda in modo esaustivo le molte corrispondenze possibili fra arte e cinema. Due forme d'arte che dialogano tra loro sino dagli inizi del Novecento e che, soprattutto nell'ultimo decennio, sono state fortemente legate. Solo negli ultimi anni però, grazie alle videoproiezioni, il video, finora apprezzato nel più ristretto mondo dell'arte contemporanea, si sta imponendo con una visibilità sempre più confrontabile con quella del cinema, storicamente senza confini. La mostra vuole dunque fare il punto, attraverso installazioni video in cui il soggetto esplicito è l'immaginario del cinema o la sua evocazione, sulle relazioni di oggi tra arte e cinema, capire cosa resta di quella attrazione reciproca così intensa e in certi casi fatale.

COLLATERAL come effetto collaterale, come conseguenza possibile e non necessariamente prevista, come linea di parentela. Ma anche, in accordo con lo spirito della mostra, come riferimento allo straordinario film di Michael Mann del 2004, un esempio di grande cinema.

Nella maggior parte dei casi per la generazione degli artisti in mostra, il lavoro consiste nell'intervenire su di un film cult, su di una sequenza chiave, sulla star o sui suoi gesti, oppure nel cambiare l'essenza della materia cinematografica e tutti i processi ad esso connessi.

"Con questa operazione - scrive Adelina von Fürstenberg nel catalogo della mostra - gli artisti video presenti in COLLATERAL passano all'esame i film come se avessero dinnanzi una sorta di linguaggio e intervengono su di esso destrutturandolo con vari mezzi retorici: lo spostamento, lo slittamento, l'accostamento e la giustapposizione, il rovesciamento, il misunderstanding ironico, la serialità ecc. Il risultato è la trasposizione dell'immagine filmica su di un piano in cui opera uno sguardo astratto, spassionato, non emotivo". Negli ultimi anni, grazie anche alla possibilità di accedere direttamente ai materiali e di manipolarli più o meno liberamente, è stata possibile inoltre una riscoperta della storia del cinema in tutti i suoi episodi. Gli artisti hanno avuto facoltà di misurarsi con il mito e la tradizione con un atteggiamento indipendente, spesso oltrepassandone i limiti e reinventando liberamente le sue suggestioni.

Per quanto riguarda la filmografia si va dall'omaggio a "L'eclisse" di Michelangelo Antonioni nel lavoro di Clemens von Wedemeyer alla citazione di "Attraverso uno specchio scuro" e di "Persona" di Ingmar Bergman nell'opera di Runa Islam, da "Quel pomeriggio di un giorno da cani" di Sidney Lumet nel video di Pierre Huyghe al "Libro della Giungla" di Walt Disney nel lavoro di Pierre Bismuth, da "Schindler's List" di Steven Spielberg nell'opera di Omer Fast, a "Superman" di Richard Donner nel video di Mike Kelley, sino a "Punishment Park di Peter Watkins, film del '71 censurato per 25 anni negli Stati Uniti, da cui ha tratto ispirazione per il suo lavoro Melik Ohanian, per citare solo alcuni degli artisti partecipanti. Unica italiana Carola Spadoni, che presenta alcune riprese rielaborate da "Zabriskie Point" di Michelangelo Antonioni.

L'allestimento, concepito dall'architetto Andreas Angelidakis sfruttando al massimo le potenzialità dell'Hangar Bicocca, crea uno spazio fatto di schermi e di proiezioni, una sorta di 'caverna' platonica con oggetti geometrici che emettono una luce delicata dall'interno. Ogni opera è ospitata in una sala di proiezione aperta. In questo modo l'allestimento si discosta dagli usuali spazi creati per le videoproiezioni, dove normalmente gli spettatori si affollano, offrendo invece uno spazio per il video concepito come un oggetto o come uno schermo. I visitatori sono quindi liberi di entrare in ogni 'caverna' e godersi la proiezione nel buio oppure stare all'esterno e osservare le opere a distanza. Le stanze sono come degli oggetti prismatici che ricordano il televisore o lo schermo del computer, ma sono profondi come una sala cinematografica. Un cinema dentro una televisione, dentro a un computer, dentro la caverna di Platone.

Il catalogo della mostra, in edizione italiana e inglese, sarà edito da Charta e, oltre all'introduzione di Adelina von Fürstenberg, ed una lunga intervista di Anna Daneri a Marco Müller, Direttore della Mostra cinematografica di Venezia, ospiterà un testo del filosofo Fulvio Salvadori ed uno di Christine van Assche, Conservatrice - responsabile per i New Media al Centre Pompidou di Parigi, e testi e interviste degli artisti, con un ricco apparato iconografico.

COLLATERAL Quando l'arte guarda il cinema
Dal 1° febbraio 2007 al 15 marzo 2007
Inaugurazione 1° febbraio dalle ore 19.00
Hangar Bicocca, Viale Sarca 336, Milano, nuovo ingresso da Via Chiese
Autobus 727-724, tram 11, MM 1 fermata Sesto Marelli
Orario: tutti i giorni dalle 11.00 alle 19.00, giovedì dalle 14.30 alle 22.00, lunedi chiuso
Ingresso: intero 8 euro, ridotto 6 euro
Informazioni in mostra: tel. 02 8535 3176 www.hangarbicocca.it
Ufficio Stampa Hangar Bicocca:
Mara Vitali Comunicazione - Lucia Crespi, tel. 02 73950962, arte@mavico.it

Le novità della Postmedia Books. Jeff Koons e non solo

nuovo libro di jeff koons a 18,60? ||| tre libri: jeff koons; gilbert&george; immagini d'architettura a 33? tutto compreso




Postmedia pubblica un'approfondita analisi del lavoro di Jeff Koons con testi di Arthur Danto e un'intervista fiume con Rem Koolhaas e Hans Ulrich Obrist.
Perchè mai l'arte dovrebbe essere una faccenda per pochi eletti?
Da trent'anni, infatti, Jeff Koons cerca di realizzare l'impossibile, rendere l'arte una questione democratica, eliminare i confini tra arte e vita, elevando ad arte oggetti d'uso quotidiano, sposando una pornostar e realizzando un cagnolino di 13 metri con 70000 fiori.

Il libro è in offerta per i lettori di Exibart alla pagina:
www.postmediabooks.it/exibart.htm: è possibile acquistarlo da solo a 18.60? o acquistarlo in un pacchetto di tre libri a 33.00?

GIUSEPPE MATERASSO
“anonimo posillipino”

Mostra di Pittura
dal 02 al 10 febbraio
“l’arte omologata è sempre ben pagata!”
dalle ore 17 alle 21 - Saletta Nietzsche

“…c’era una volta…l’idea sociale che propugnava spazi pubblici per l’arte.
Soprattutto per i giovani e per tutti quelli che non sanno dove sbattere la testa per esporre i loro quadri. Oggi, tuttavia, gli spazi sono disponibili sia in sedi private e demaniali ma manca …l’idea sociale…”

Raffaele La Capria
“Lettera a un cugino pittore”

Caro Giuseppe,

ho visto le riproduzioni dei tuoi quadri, e anche se non saprei valutare criticamente il valore della tua pittura posso però dire quello che suscita in me il semplice atto di vedere questi tuoi dipinti. Certo vederli in una foto e in dimensioni che non sono quelle originali è tutt’altra cosa che vederli direttamente, ma un’idea ce la facciamo ugualmente. Se così non fosse tutti i libri di Storia dell’Arte, corredati di riproduzioni, sarebbero inutili. Dunque un’idea me la sono fatta, e ho sentito subito in essi una forza esplosiva, una irruenza, una volontà di aprirsi al mondo superando tutti gli schemi e tutti i pregiudizi, e riconquistando una propria innocenza, anche a prescindere dalla cultura e dalle forme in cui si manifesta nei quadri dei tuoi contemporanei. Guardando i tuoi quadri mi è venuto in mento quel che ho scritto in un mio libro, “La neve del Vesuvio”: lì c’è la descrizione delle impressioni di un bambino che guarda il mondo e i colori del mondo per la prima volta. Ho cercato di immaginare come poteva essere quella “prima volta”, e ho immaginato che l’occhio di un bambino riesce a cogliere di un colore – mettiamo del colore rosso- solo il suo assoluto, solo il segno che trasmette il colore, cioè il rosso prima che il rosso appartenga a una qualsiasi cosa rossa, al sangue o a un papavero a altro. Ecco, mi sono ricordato di questo guardando le riproduzioni dei tuoi quadri, e mi è sembrato che questo fosse il rapporto primigenio da te stabilito coi colori sulla tela. E naturalmente questi colori non sono inerti ma agiscono, interagiscono, dinamicamente, spinti dalla forza contrastante del loro segno e proclamano lo stupore della vita allo stato nascente festosi come i fuochi d’artificio nella notte. A me pare difficile definire in termini culturali questa tua pittura, non direi “astrattismo”, non direi “informale” perché questi sono movimenti e tendenze di cui si occupa la storia dell’Arte, e per te invece, io parlerei di archetipi, parlerei come si parla della pittura dei popoli primitivi, dei tatuaggi, delle decorazioni, delle maschere, di un’arte insomma che ignora la storia dell’arte ed è pura espressione, meraviglia di essere al mondo, lotta contro le tenebre, affermazione della vita contro la morte. Con questo non voglio dire che i tuoi quadri sono dei capolavori, voglio cercare soltanto di spiegarmi la loro genesi, da dove vengono, come mai ti hanno ossessionato.

In tutto questo si mescola anche un elemento familiare. Tuo padre era il fratello di mia madre, e io ricordo bene zio Mario, e la sua passione per la pittura che tu hai ereditato. Lui era un pittore “naif”. Da bambino mi sono incantato tante volte a guardarlo mentre dipingeva, m’incantava vedere come riusciva con una pennellata a rendere la trasparenza di un bicchiere, il riflesso della luce su un oggetto. Sono stato anche per ore fermo su una poltrona, con lo sguardo fisso davanti a me, a fare il suo modello. Tutti questi ricordi mi vengono incontro mentre ti scrivo. Zio Mario mi piaceva anche come tipo d’uomo, era spiritoso, brillante e inconcludente, rassomigliava tanto a mio fratello Pelos, cui ho voluto molto bene e che ho molto ammirato perché lui era veramente un “beniamino della vita”.
Beh, la mia lettera è finita. Ti saluto e ti faccio molti auguri perché so che la tua strada non sarà facile, e tu non sei come tuo padre e come mio fratello, un “beniamino della vita”, almeno per ora.

Roma 18.gennaio.2007

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

COMUNICATO STAMPA

Open call for entries: 3rd Annual "TOP 40" Juried Competition Los Angeles Center For Digital Art   Director: Rex Bruce web. www.lacda.com

Open call for entries: Los Angeles Center For Digital Art 3rd Annual "TOP 40" Juried Competition   Direct link for registration: http://www.acteva.com/booking.cfm?bevaid=124247   Description: LACDA announces an open call for our juried competition featuring digital art and photography. Entrants submit three JPEG files of original work. All styles of 2D artwork and photography where digital processes of any kind were integral to the creation of the images are acceptable. This call is international, open to all geographical locations.   Multiple entries are permitted, seperate entry fee required for each set of three images submitted.   Winners: Forty winners will be selected. The selected winners recieve one print up to 24x36 on museum quality paper to be shown in an international group exhibition in our gallery from March 8-31, 2007. The show will be widely promoted and will include a reception for the artists.   Show Dates for winners: March 8-31, 2007.   Deadline for entries: February 18, 2007.   Winners: Winners will be announced February 23, 2007. All entrants will be notified by email. No phone calls, please. Winners will be asked to FTP, overnight or express post high resolution files to the gallery for printing.   Entry Fee: Registration fee is $30US Direct link for registration: http://www.acteva.com/booking.cfm?bevaid=124247   Juror: Rex Bruce-Director and curator, Los Angeles Center For Digital Art.   Submission Rules: Registration and submission are done through our web site only. File uploads are the only accepted submissions maximum of 2MB each. Please do not send materials to LACDA. All materials sent to LACDA will not be viewed and cannot be returned. Images must be under two megabites in size. Winners will be asked to provide high resolution images for final output. Entrants may be asked to provide more examples of their work and more detailed descriptions for consideration.   Sales of Artwork: All artwork will be offered for sale. Gallery retains 50% of all sales. Winners retain ownership of all unsold works. All artwork remains the intellectual property of the winner. Winner agrees to allow use of their images for promotional purposes only.   Gallery Information: Los Angeles Center For Digital Art is dedicated to the propagation of all forms of digital art, supporting local, international, emerging and established artists. We have an ongoing schedule of exhibits and competitions, and produce editions of wide format archival prints.   Los Angeles Center For Digital Art 107 West Fifth Street Los Angeles, CA 90013 www.lacda.com

Tangents, a mindscape in a landscape       an experiential video documentary co-produced by Cecile Elstein & Maureen Kendal with music composed by Paul Clay. It will be screened during the event After Urban - Videoart & Architecture Event.   email. cecile@cecileelstein.com web. www.cecileelstein.com

The DVD 'Tangents, a mindscape in a landscape' contains two interactive videos that can be looped, 'Present' (RT18minutes) and 'Tangents' (RT38minutes) and an explanatory, illustrated, companion booklet. To order the DVD 'Tangents, a mindscape in a landscape' click here.   The co-production DVD titled 'Tangents, a mindscape in a landscape' is the result of a collaboration between Cecile Elstein and Maureen Kendal. It presents the artists journey from the inspiration of the urban regeneration in Castlefirld Manchester UK, to the design, building and video of a temporary sculpture for an English country garden designed by 'Capability' Brown. Inspired by the history of the English country garden, the painting titled 'The corn sifters' by the 19th century painter Gustave Courbet and European art movements of the 19th century; the sculpture and the DVD captures participation and response of the public to this contemporary, temporary, sculptural installation in the beginning of the 21st century.   About the artists. Cecile Elstein, freelance sculptor, printmaker and environmental artist lives in Manchester UK. This versatile artist relates to the necessity of relationships and has worked in different media to produce sculpture, screen-prints, environmental art/installations, video and DVD production. Further details are listed on the website: cecileelstein.com   Maureen Kendal, is a poet, filmmaker and educationalist. She is a Senior lecturer in Multimedia Systems at London Metropolitan University. To view another of her multimedia art and landscape projects see: www.gunpowderpark.org/revelation   Brief synopsis of 'PRESENT'. This privileged summer is, as with all exhibits, transient. The video takes us from Castlefield, an area of regeneration in the city of Manchester U.K. to design sculpture for a National Trust Garden in Cambridgeshire in the English countryside. In spring hares are disturbed in a wheat field. A temporary sculpture/installation made of rope and metal is built. The sculpture is appreciated in different ways by members of the visiting public and other happenings. By the autumn, the grass has grown through the sculpture and it is time to take it down, leaving the countryside to sheep, cows and birds. A butterfly alights in that split second. Don't miss it!   To order the DVD 'Tangents, a mindscape in a landscape' email your name and postal address and money transfer to cecile@cecileelstein.com or click here. The DVD will be posted to you on receipt of the purchase price.   It's LIQUID News is an e-mail announcement service that provides information about exhibitions at some of the world's leading art galleries selected. It's LIQUID News reaches the combined audiences of International Art Fairs, galleries, museums, and is thus a powerful tool for getting directly to this influential audience with information about exhibition programs and other events. FONT <>  International galleries, museums, institutions, private and public groups, artists, architects, designers, are invited to join It's LIQUID News service. Each advertisement takes the form of an e-mail announcement, and features a press release, an image, and a link to the announcer's website. Announcements are distributed directly to over 60,000 international collectors, consultants, advisers, critics, writers, curators, dealers and other visual arts professionals. Database demographics: 40% in North America, 45% in Europe, 15% in other locations (South America, Australia, Japan, etc.). Additionally all announcements are permanently archived on It's LIQUID web site, creating a valuable research resource of some of the most important events world wide. It's LIQUID News offers an unprecedented opportunity for participating clients to reach the most dynamic members of the community of professionals worldwide.   If you are interested in our services, or you want to open an It's LIQUID office in your city, please contact us at support@itsliquid.com.   Thanks for all,  It's LIQUID Group more details. www.itsliquid.com

Mercoledì 7 febbraio alle ore 19.00, presso lo Studio Trisorio di Roma, in vicolo delle Vacche 12, sarà inaugurata una personale di Mimma Russo.
 
Le sculture in legno di Mimma Russo esprimono complesse geometrie in un gioco di tensioni, tagli e torsioni. Le forme elaborate dall’artista con paziente meticolosità, ricavate dal legno per sezionamenti molteplici, sembrano vivere in perpetuo divenire ed appaiono sempre nuove al variare del punto d’osservazione. Il colore nero, indagato e analizzato nelle sue molteplici possibilità cromatiche, è sottoposto ad una continua opera di rielaborazione e conferisce ai volumi varietà tonale o luminosità, mobilità strutturale, densità o levità.
 
 
Note biografiche
Mimma Russo ha tenuto numerose mostre personali ed è stata invitata a mostre collettive in Italia e all’estero, tra cui: X Quadriennale d’Arte “La Nuova Generazione”, Palazzo delle Esposizioni – Roma; XXXII Mostra Internazionale “Premio Michetti”; International Experimental Art-Exhibition, Budapest. Per il Giubileo del 2000 ha realizzato un’ installazione permanente presso il Santuario della Madonna dell’Arco a  Napoli.
Dal 1981 al 1984 ha diretto gli “Incontri Internazionali d’Arte” – Anacapri.
Ha pubblicato il Foto-Libro “Una volta, una storia”. Ha realizzato scenografie per spettacoli teatrali e per telefilm prodotti dalla RAI-TV.
I suoi lavori fanno parte di importanti collezioni private e pubbliche fra le quali: Het Museum voor Schoene-Kunsten.
The International Concrete Poetry Collectione – Oxford. The Poetic Collectione – Buffalo, N.Y..
The Tyringham Institute – Massachussets. Università degli Studi “Federico II” – Napoli.
 
STUDIO TRISORIO
Vicolo delle Vacche, 12 (Piazza del Fico)
00186 Roma
tel/fax 06 68136189
DAL MARTEDI’ AL SABATO
Ore 16.00/20.00

Giuliano Pastori: Berlin ‘06   Dates: January 25 - February 15, 2007   Location: Spazio Arte Contemporanea Capsvla - via Ascanio Rivaldi 9, Roma Curator: Susanna Horvatovicova   email. giul19@hotmail.com web. www.giulianopastori.eu

“A voyage, an itinerary through space and time… “Berlino 2006” the year of the Biennale of Contemporary Art : I roam toward the wide body of the exhibition. Through the metropolitan experience of every day life and the underground of the city I feel the Art work and context, the image and the existence... I wander and I find myself in the museum of memory, when again the symbolic form and the silence of history melt together…” Giuliano Pastori   Thursday  25 January -  6.30 p.m. CAPSVULAartecontemporanea, via Ascanio Rivaldi 9 Rome, inaugurates the exhibition Berlino ‘06 of Giuliano Pastori organized by Susanna Horvatovicova (01.25- 02.14. 2007). The exhibition is open only by appointment. The installation “Berlin ‘06” was born because of a trip of the young artist Giuliano Pastori for the IV edition of Biennial of Berlin. The exhibition is composed of a series of images of Berlin. The shots of Pastori are concentrated on places of passage but entrapped, without windows and exit. The lens points to shadowed walls tight and deep, like a hand reaching between the half opened legs of a woman. The photographs dirty and slightly grainy show sites of uncertain future, a subtle metaphor of “non choice”. They point out a reality that doesn’t have an immediate solutions, and they provoke a strong sense of uneasiness and worry. The human being is visible only through his absence and his inability to turn back. Pastori dwells on details rather then on wide views, he doesn’t talk nor transcribe on diary pages, but picks up hidden corners of the city. He transfigures the sense of a video projected in the Biennial of Berlin 2007 because he concentrates on the general atmosphere of anxiety. In the same time, he shows inside the Jewish Museum of the architect Daniel Libeskind, he represents the museum like the eloquent synthesis of perfect adherence between the form and the ethic function and the message of horror and hope. In the other work, the author frames a ship’s passage in the Pacific after the Hiroshima explosion. The restricted shot of the image destroys the impression of immensity and naturalness of the Ocean and transmits an  oppressive sensation. In this way Pastori’s photographs undergo a process of transformation of  place’s meanings, since they illuminate the stratification of sense and put accent on our capacity of evocation of “no  space” of Berlin, space of mind impressed and formed by the history of the city. The empty and the silent, the sense of loss and instability of Pastori’s images remind us of an installation by Marcel Duchamp Porte : 11 rue Larrey (1924-1964). The French artist photographed the door of his apartment in Paris that contemporarily opens on to two dark rooms: the image of the door’s threshold that, if it is open, it’s also closed, if it’s closed, it is also open, it triggers a disturbing sensation in the spectator. Without metaphor, without relating to specific places, the door leads to arouse the device that produces an unrepeatable event out of cyclic time and space of every day life. If the art critic Luisa Valeriani asserts “Duchamp doesn’t transcend the things, but inside our Reality picks up our freeing virtuality”, Berlino ‘06 of Giuliano Pastori seem to answer the same question of philosopher Plato, when he asks : what can you see beyond the dark when entering a cavern? The idea we have of reality or the same immanent reality? Critic text by Susanna Horvatovicova Giuliano Pastori (1975) lives and works in Marino (Rome). Exposition selection: 2006 -  La città lo sguardo, curated by Ida Mitrano at the MitreoIsi de centre for contemporani art. Proposte#1, curated by A.Allegretti and Galleria Tartaglia, in the project “Drink in Art 06/07 Foyer Valli e Visconti  at  Eliseo Theatre of Rome; Itinerari 2006, at Studio Pratt, Americane Academy of Architecture of Rome; Visioni, Almadiani deconsecrated churc of Viterbo; Eugenia, curated by C:Meli Galleria Biotos, Palermo. 2005 - Quotidiane impressioni, solo exhibition curated by S.Manganaro at Parablò, Roma.   Capsvla Arte Contemporanea via Ascanio Rivaldi 9, Roma phone: +39.3356577850

Ell Art Exchange announces artist of the month       Location: Ell Art Exchange - 573 Winncastle Street, Simi Valley, CA 93065 - USA   Contact: Lisa Bagley     email. ellart@earthlink.net web. www.ellartexchange.com

Artist of the Month is a new feature on our website www.ellartexchange.com that will start in February 2007. The concept of our new feature is to help our audience become more familiar with each artist and their works.   We proudly introduce our first artist of the month Vincent Pomilio.   Pomilio is a New York City artist who currently says about his work, “More is better has replaced less is more in this new work.  To achieve balance and harmony within these densely chaotic compositions is one of my goals.  If I keep it interesting and fresh for myself and ultimately for you, I feel I’ve done my job.”   Pomilio is currently in a group exhibit at the Great South Bay Gallery in Hudson, New York, “If they could see us now,” is about the Hudson River School in Hudson, New York.  The show has plans to travel to Rensselear Polytechnic Institute.  Pomilio is also represented by the Van Brunt Gallery in Beacon, New York where he is presently in a group show titled, “New Hudson #3” that ends in mid March.  In August 2007, he will be in a two person show at the Van Brunt Gallery where he will be showing 10 new paintings.   To learn more about Pomilio and to see his new works, please go to www.ellartexchange.com

Non va in ufficio per dipingere… marina il lavoro per dedicarsi completamente a tele, tavolozza e pennelli. Ce l’ha proprio nel sangue, la vena pittorica, Federica Rispoli, trentenne praticante avvocato napoletano dal dolcissimo sorriso.

Assolutamente autodidatta – ha cominciato ad usare il pennello piccolissima, prima ancora della penna - molto conosciuta nel giro dei suoi amici per la bravura con cui riesce a trasformare le foto in veri quadri d’autore, ama soprattutto i contrasti assoluti e i colori accesi, “luce forte o buio totale”, afferma e si ispira soltanto guardandosi attorno, a tutto ciò che la circonda, prediligendo gli sguardi, gli occhi.

“Se non posso ritrarre una persona o un soggetto della natura – continua Federica - invento e vado sul metafisico, ma sempre figurativo, mai totalmente astratto. Sono tendenzialmente iper-realista”.

Schiva e discreta, ha sempre avuto il timore di esporsi e di esporre le sue tele, ma nonostante il suo innato riserbo, ha vinto già alcuni i! mportanti premi anche a livello nazionale.

Dal 13 febbr! aio fino alla fine di marzo le sue opere saranno in mostra al Nàis, uno dei baretti del centro (in via Ferrigni, tra vico Belledonne e via Carlo Poerio) tra i più accreditati e affollati nell’ora dell’aperitivo dai giovani rampanti napoletani.

Call for Artists: Liquid room Video Art & Architecture event     Deadline for applications: March 10, 2007   Location: Cultural Communication Centre of Klaipeda, Lithuania   email: artexpo@lucacurci.com more details: www.lucacurci.com/artexpo

International ArtExpo is selecting all interesting video/short.films to include in the next 2007 Exhibitions:   Liquid room - Video Art & Architecture event at the Cultural Communication Centre of Klaipeda, Lithuania (April 6-8, 2007). The deadline for applications is March 10, 2007.   The number of works with you can participate is unlimited. All works must be on DVD (PAL or NTSC), no matter what the original source medium. The duration may be any, with a preference given to a max lenght of 15 minutes. If you are interested, send your video submissions (Name/Surname, City/Country, Film title, Running time, Brief film synopsis) with a CV/biography, videography and an introduction about the piece to:   arch. Luca Curci via Casamassima, 75 70010 - Capurso (Bari) - Italy

Quando l'arte guarda il cinema all'Hangar Bicocca

fino al 15 marzo | hangar biccocca | milano


Nuova importante iniziativa d'arte contemporanea all'Hangar Bicocca.
COLLATERAL Quando l'arte guarda al cinema, un progetto di Hangar Bicocca con Art for the World, ideato da Adelina von Fürstenberg, curato in collaborazione con Anna Daneri e Andrea Lissoni.
La mostra presenta i lavori di una quindicina di artisti internazionali emblematici - CORY ARCANGEL, PIERRE BISMUTH, CANDICE BREITZ, BRICE DELLSPERGER, CHARLES DE MEAUX, OMER FAST, THOMAS GALLER, LIAM GILLICK & PHILIPPE PARRENO, CHRISTOPH GIRARDET & MATTHIAS MÜLLER, PIERRE HUYGHE, RUNA ISLAM, MIKE KELLEY, DIMITRIS KOZARIS, MELIK OHANIAN, CAROLA SPADONI e CLEMENS VON WEDEMEYER - proponendo un percorso dove, a fianco di figure di riferimento e fondatrici, stanno opere di artisti di generazioni diverse, di aree e bacini di provenienza fra loro distanti e di formazioni differenti. Chi è più legato alla tradizione del cinema cult, chi più a quella dell'arte video, chi a quella dell'intervento ambientale nello spazio, chi infine al cinema sperimentale.

COLLATERAL, che sarà aperta dal fino al 15 marzo 2007, è la prima mostra italiana che sonda in modo esaustivo le molte corrispondenze possibili fra arte e cinema. Due forme d'arte che dialogano tra loro sino dagli inizi del Novecento e che, soprattutto nell'ultimo decennio, sono state fortemente legate. Solo negli ultimi anni però, grazie alle videoproiezioni, il video, finora apprezzato nel più ristretto mondo dell'arte contemporanea, si sta imponendo con una visibilità sempre più confrontabile con quella del cinema, storicamente senza confini. La mostra vuole dunque fare il punto, attraverso installazioni video in cui il soggetto esplicito è l'immaginario del cinema o la sua evocazione, sulle relazioni di oggi tra arte e cinema, capire cosa resta di quella attrazione reciproca così intensa e in certi casi fatale.

COLLATERAL come effetto collaterale, come conseguenza possibile e non necessariamente prevista, come linea di parentela. Ma anche, in accordo con lo spirito della mostra, come riferimento allo straordinario film di Michael Mann del 2004, un esempio di grande cinema.

Nella maggior parte dei casi per la generazione degli artisti in mostra, il lavoro consiste nell'intervenire su di un film cult, su di una sequenza chiave, sulla star o sui suoi gesti, oppure nel cambiare l'essenza della materia cinematografica e tutti i processi ad esso connessi.

"Con questa operazione - scrive Adelina von Fürstenberg nel catalogo della mostra - gli artisti video presenti in COLLATERAL passano all'esame i film come se avessero dinnanzi una sorta di linguaggio e intervengono su di esso destrutturandolo con vari mezzi retorici: lo spostamento, lo slittamento, l'accostamento e la giustapposizione, il rovesciamento, il misunderstanding ironico, la serialità ecc. Il risultato è la trasposizione dell'immagine filmica su di un piano in cui opera uno sguardo astratto, spassionato, non emotivo". Negli ultimi anni, grazie anche alla possibilità di accedere direttamente ai materiali e di manipolarli più o meno liberamente, è stata possibile inoltre una riscoperta della storia del cinema in tutti i suoi episodi. Gli artisti hanno avuto facoltà di misurarsi con il mito e la tradizione con un atteggiamento indipendente, spesso oltrepassandone i limiti e reinventando liberamente le sue suggestioni.

Per quanto riguarda la filmografia si va dall'omaggio a "L'eclisse" di Michelangelo Antonioni nel lavoro di Clemens von Wedemeyer alla citazione di "Attraverso uno specchio scuro" e di "Persona" di Ingmar Bergman nell'opera di Runa Islam, da "Quel pomeriggio di un giorno da cani" di Sidney Lumet nel video di Pierre Huyghe al "Libro della Giungla" di Walt Disney nel lavoro di Pierre Bismuth, da "Schindler's List" di Steven Spielberg nell'opera di Omer Fast, a "Superman" di Richard Donner nel video di Mike Kelley, sino a "Punishment Park di Peter Watkins, film del '71 censurato per 25 anni negli Stati Uniti, da cui ha tratto ispirazione per il suo lavoro Melik Ohanian, per citare solo alcuni degli artisti partecipanti. Unica italiana Carola Spadoni, che presenta alcune riprese rielaborate da "Zabriskie Point" di Michelangelo Antonioni.

L'allestimento, concepito dall'architetto Andreas Angelidakis sfruttando al massimo le potenzialità dell'Hangar Bicocca, crea uno spazio fatto di schermi e di proiezioni, una sorta di 'caverna' platonica con oggetti geometrici che emettono una luce delicata dall'interno. Ogni opera è ospitata in una sala di proiezione aperta. In questo modo l'allestimento si discosta dagli usuali spazi creati per le videoproiezioni, dove normalmente gli spettatori si affollano, offrendo invece uno spazio per il video concepito come un oggetto o come uno schermo. I visitatori sono quindi liberi di entrare in ogni 'caverna' e godersi la proiezione nel buio oppure stare all'esterno e osservare le opere a distanza. Le stanze sono come degli oggetti prismatici che ricordano il televisore o lo schermo del computer, ma sono profondi come una sala cinematografica. Un cinema dentro una televisione, dentro a un computer, dentro la caverna di Platone.

Il catalogo della mostra, in edizione italiana e inglese, sarà edito da Charta e, oltre all'introduzione di Adelina von Fürstenberg, ed una lunga intervista di Anna Daneri a Marco Müller, Direttore della Mostra cinematografica di Venezia, ospiterà un testo del filosofo Fulvio Salvadori ed uno di Christine van Assche, Conservatrice - responsabile per i New Media al Centre Pompidou di Parigi, e testi e interviste degli artisti, con un ricco apparato iconografico.

COLLATERAL Quando l'arte guarda il cinema
Dal 1° febbraio 2007 al 15 marzo 2007
Inaugurazione 1° febbraio dalle ore 19.00
Hangar Bicocca, Via Chiese (traversa di viale Sarca)
Autobus 727-724, tram 11, MM 1 fermata Sesto Marelli
Orario: tutti i giorni dalle 11.00 alle 19.00, giovedì dalle 14.30 alle 22.00, lunedi chiuso
Ingresso: intero 6 euro, ridotto 4 euro
Informazioni in mostra: tel. 02 8535 3176 www.hangarbicocca.it
Ufficio Stampa Hangar Bicocca:
Mara Vitali Comunicazione - Lucia Crespi, tel. 02 73950962, arte@mavico.it

Omaggio a Vasco Bendini alla Galleria Frittelli di Firenze

inaugurazione 10 febbraio 2007 | ore 18 | a cura di maurizio calvesi | frittelli arte contemporanea | firenze


"Ho avuto la forza o, forse, la fortuna di non cedere a nessun patteggiamento ricattatorio. Ho cominciato a rispondere a tutte le mie esigenze più segrete, sapendo di dover rinunciare a vantaggi economici. Forse molti ridono di ciò, e forse molti dubitano, ma io credo che se si vuole essere liberi in un contesto sociale, e imparare a coesistere con il diverso, non si può fare altro che assumere un comportamento simile".

Frittelli Arte Contemporanea è lieta di presentare al pubblico una rassegna antologica, a cura di Maurizio Calvesi, che documenta oltre cinquant'anni di attività di uno dei protagonisti dell'arte italiana: Vasco Bendini.
La mostra ripercorre le tappe fondamentali del percorso pittorico dell'artista, a partire dalle prime opere informali, in cui si avverte indirettamente l'influenza di Guidi e Morandi, che furono i suoi maestri, fino alle prove recenti. Già dalle opere giovanili emerge prepotentemente una straordinaria originalità, di cui Francesco Arcangeli si rese subito conto, presentando Bendini proprio a Firenze nel 1953. Fin dagli anni Cinquanta Bendini affronta il tema del volto, interpretandolo in chiave di archetipo, di figura universale, capace di raggiungere quel clima di astrazione a cui è costantemente portato. Alla fine del 1956 la pittura diventa materica e, in seguito, con un lieve cambiamento di prospettiva, gestuale, escludendo dalla tela ogni dimensione rappresentativa. Dal '62 al '65, con le serie Ipotesi Ultime e Senso Operante, Bendini si rivolge alla tela come luogo progettuale, ricerca che lo porta "fuori" del quadro e prepara la scelta di una rinuncia temporanea alla pittura.

Saranno eccezionalmente in mostra alcune opere fondamentali di questo periodo, riconducibili alla formula di arte povera, come Ombre prime del 1966, in cui le ombre di un telaio e di una sedia proiettate sulla parete diventano il tema dominante, e Cabina Solare del 1967, una cabina in legno in cui lo spettatore è accolto da un disco cronometrico che si illumina a settori ed è invaso dall'odore di cera e resina liberato per effetto di tautologiche scritte al neon, opera già ascrivibile all'area oggettuale -comportamentale.
A partire dal '67 il recupero della superficie bidimensionale avviene attraverso la raccolta di elementi e materiali dall'aspetto di rifiuti che mostrano la poetica solitudine dell'oggetto quotidiano, metafora di un io che si riconosce nel povero valore di queste tracce esistenziali: ganci, mozziconi, lenzuola, ovatta, lana di vetro. Di questo periodo, tra le altre, sono in mostra alcune opere della serie Oggetti come storia del '67- '68 e Il dardodel cherubino del 1974, fatto di ovatta e lana di vetro stese su tela.
Dalla fine degli anni '70 Bendini riesamina i fondamenti del proprio linguaggio artistico e rielabora la propria ricerca esistenziale e operativa. Usando alluminio, carta e tela l'artista riprende la ricerca sul colore, che diventa segno segreto, silenzioso, avvolgente.
I dipinti dell'ultimo periodo sono superfici pittoriche di grandi dimensioni, di ampie stesure cromatiche, che coinvolgono lo spettatore e lo stimolano sia sul piano sensorialmente percettivo che su quello immaginativo, poetico e razionalmente etico. Ed è Vasco Bendini che parlando del colloquio che si apre fra il fruitore e l'opera così si esprime: "La volontà di interagire dell'artista dovrebbe essere assunta come comportamento abituale da parte dei fruitori. Solo allora le cose cambierebbero. Si evita di sapere dall'altro come interpretare l'oggetto d'arte. Si apre il dialogo, ci si misura, ci si raffronta, ci si consulta sul significato dell'opera".

Vasco Bendini - Opere 1950-2006
Dal 10 febbraio al 31 marzo 2007
Orario: dal martedì al sabato 10:00-13:00 / 15:30 - 19:30 lunedì, domenica e festivi solo su appuntamento
Frittelli Arte Contemporanea
Via Val Di Marina 15 (50127)
info: +39 055410153
Fax +39 0554377359
info@frittelliarte.it
www.frittelliarte.it

Immagine: Vasco Bendini 1966, Ombre prime, telaio in legno, tela tagliata, due sedie, cm 200 x 200 x 40

Mario Cavaglieri a Palazzo Roverella a Rovigo

inaugurazione sabato 10 febbraio 2007 | ore 17.30 | palazzo roverella | rovigo


Finalmente Mario Cavaglieri. Una vera retrospettiva su di lui mancava da molti anni e a colmare la clamorosa lacuna provvede la città in cui è nato, Rovigo, con una mostra ampia in cui i suoi selvaggi "colori primordiali", che sconvolgono ancora i sensi raccontando di belle donne e di salotti alla page, si confronteranno con i toni più morbidi delle tele con cui nel suo rifugio di Peyloubère descriveva la pacata bellezza della natura.
A Mario Cavaglieri non sono certo mancati riconoscimenti autorevoli, si pensi per esempio l'attenzione che dedicò all'artista il grande critico d'arte Roberto Longhi, ma mancava un monografica veramente organica. Quella curata da Vittorio Sgarbi e coordinata da Alessia Vedova presenterà centocinquanta opere dell'artista e consentirà anche il recupero all'Italia di un nucleo di tele che, pur destinate al nostro Paese, erano trattenute da decenni in Francia.
Ad ospitare la mostra, voluta dal Comune, dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, dall'Accademia dei Concordi e dalla Provincia di Rovigo, saranno - dal 10 febbraio al primo luglio 2007 - gli spazi, recentemente recuperati, di Palazzo Roverella.
Il percorso artistico di Cavaglieri sarà interamente documentato: dagli esordi padovani insieme a Felice Casorati, alla grande stagione di Ca' Pesaro e delle Biennali veneziane che consacrarono la preziosa ricercatezza della sua arte, fino agli anni della suo ritiro nella campagna francese.
L'evento sarà anche una preziosa occasione per rileggere attraverso il fascino ed il mistero della sua pittura la storia, le contraddizioni e le diverse influenze dell'arte dei primi del Novecento.
Cavaglieri fu certamente un pittore di raro edonismo, attratto dall'intrinseca eleganza degli salotti mondani di fin de siècle; si potrebbe quasi affermare che la sua pittura possiede un intrinseco incanto letterario; così alcune stoffe, cappelli, arredi, orologi, resi con opulenza barocca, sembrano affiorare dalle pagine dei romanzi dannunziani.
Le opere dei primi soggiorni parigini risentono dell'intima ricchezza degli interni di Vuillard e di Bonnard e degli accordi coloristici del primo Matisse. Allorchè si considerino invece i dipinti della sua lunga permanenza nella residenza francese di Peyloubère, si avverte che il pittore, quasi inebriato dalla libertà e ormai lontano dalla mondanità degli aristocratici salotti cittadini, si sia dedicato a dipingere e disegnare instancabilmente la campagna, gli alberi in fiore, la sua dimora.fondendo bagliori di luci e colori veneti alla pittura di paesaggio dell'amico ferrarese De Pisis.
In tutte le opere colpisce comunque la grande padronanza tecnica e materica dell'artista, capace di rendere quasi in maniera tattile sia gli arredi che i paesaggi, avvalendosi sempre di quella che Longhi ha definito una tavolozza ricca di "colori primordiali".
La rassegna sarà anche una preziosa occasione per scoprire numerosi dipinti inediti dell'artista, grazie anche agli approfondimenti critici maturati intorno alla pittura dei primi del Novecento.

Mario Cavaglieri
dal 10 febbraio al primo luglio 2007
Orari: feriali e festivi 9.00-19.00; sabato 9.00-23.00; chiuso i lunedì non festivi. Biglietti: intero ? 9; ridotto ? 7
Rovigo, Palazzo Roverella (via Laurenti)
Mostra organizzata da: Comune di Rovigo - Assessorato alla Cultura, Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, Accademia dei Concordi, Provincia di Rovigo, a cura di Vittorio Sgarbi, coordinamento di Alessia Vedova. Produzione e organizzazione: Anonima Talenti srl.
Catalogo edito da Allemandi Editore.
Galleria virtuale della mostra
Informazioni e prenotazioni:
CeDi - Turismo e Cultura - Piazzale San Bartolomeo, 18 - 45100 Rovigo
Call Center: tel. 0425.21530 - 26270
orari: lun-ven 9.00-13.00 - 15.00-18.00; sab-dom 10.00 -13.00 - 16.00-19.00
fax 0425.26270
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Ufficio Stampa:
Studio ESSECI di Sergio Campagnolo
tel. 049.663499
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Hdemia contemporanea, personale di Francesca Grossi alla galleria 42 di Modena

inaugurazione sabato 10 febbraio 2006 | ore 18,30 | a cura di margareth dorigatti | galleria 42 contemporaneo | modena


. Francesca Grossi è una giovane donna, ancora studentessa appassionata che frequenta l'Accademia di Belle Arti. Tuttavia sembra avere già la maturità di una artista sempre ispirata e per questo anche irrequieta e particolarmente sensibile. Di lei mi ha colpito la determinazione, la propensione al rischio, talvolta mescolata alla timidezza, tipiche di chi ha da dire e vuole sfidare il percorso artistico, cammino spesso impervio e insidioso. Le dissi fin da subito di dipingere e di affidarsi al suo inconscio Sapere, perché intuivo che Francesca ha quel carattere e quel talento che insieme caratterizzano una artista, ovvero una persona che non può fare a meno dell'espressione artistica in tutte le sue molteplici sfaccettature. Ho scoperto con stupore i suoi primi disegni privi di compromesso e ricchissimi di fantasia, dal soggetto prevalentemente erotico da un lato giocosi e contemporaneamente angoscianti, senza tuttavia essere contorti e soprattutto sempre motivati. I grandi falli un poco tristi e altrettanto minacciosi sembrano in cammino verso donne danzanti e miracolosamente in equilibrio tra rotazione su se stesse e avvinghiate e compenetrate dal corpo fallico in sospensione aerea. Una giostra in bilico tra balli surreali e passione sensuale. Ma anche un gioco pericoloso tra eros e tanatos.
Poi, con la serietà ed il pudore che la contraddistinguono Francesca si è lentamente avvicinata al colore, un pianeta che andrà esplorando con tutti i sensi come si addice a chi ama ciò che fa. I suoi primi quadri dipinti ad olio, molto spessi e molto piccoli ci invitano a partecipare a questa avventura che Francesca Grossi dovrà affrontare strada facendo, perché le immagini che ha dentro di sé vogliono trovare espressione e la pittura, oltre ad essere il linguaggio adeguato a questo sviluppo artistico e psicologico, è lei stessa una grande e meravigliosa avventura.

Dal testo in catalogo di Margareth Dorigatti

Biografia
Formazione artistica:
2006/2007: Sta frequentando la Sint lukas hogeschool, Bruxelles
2006: Workshop alla Trisha Brown Dance Company, New York
2006/2005: Ha condotto uno studio sulla propria voce con la cantante jazz Donatella Luttazzi
2006/2003: Ha studiato danza contemporanea con Vera Maglioni
2004/2002: Ha frequentato un laboratorio di fusione del vetro specializzandosi Tecnica della grisaglia
2001: Ha partecipato al workshop di film d'animazione "Animathon 2001" vincendo con il proprio gruppo il premio per la migliore animazione per la regione Lazio
2001/1997: Ha seguito un laboratorio di teatro e due anni di seminario di Fotografia con Andrea Pizzi
2001/1996: Diploma al Primo Liceo Artistico di Roma con artisti come Giulia Napoleone, Cesare Tacchi, Roberto Al magno

Formazione Professionale
2006 Presenta la peformance "this is an happening" con Vera maglioni in alcune gallerie di New York. Ha partecipato come scenografo al progetto "Io Dramen", una collaborazione tra un gruppo selezionato dall'Accademia di belle Arti di Roma e la classe di recitazione dell' Universitat der Kunste Berlin. Ha lavorato come stagista all'Auditorium di Roma con il videoartista Luca Scarsella per la messa in scena di "Cosi fan Tutte". Ha presentato la performance "Zigzag Woman" con l'artista Vera Maglioni durante la mostra "Arte in segno" al Primo Liceo Artistico di Roma
2005: Ha partecipato ad una collettiva di pittura al Castello di Pitigliano Video live set con i musicisti Paolo Cintio, Eugenio Colombo, Massimo Carrano per "Sguardi Sonori", Pitigliano
2005/2004: Ha realizzato le animazioni per il cortometraggio "La Merendina Tropicale" diretto da Edoardo de Angelis per una produzione del CSC-Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma.
2002: E' assistente dell'art ista Cesare Tacchi
1999/1998: Come art director ha collaborato alla realizzazione del primo
Catalogo di moda della Pickwick ed un reportage sul lavoro giovanile con il fotografo Andrea Pizzi

HDEMIA CONTEMPORANEA
Le motivazioni e il progetto
L'Associazione Culturale Artipici Carteriani - Galleria 42 contemporaneo di Modena propone di seguire per l'anno 2006 e 2007 una progetto di esposizioni personali, legate a giovani artisti studenti provenienti da quattro Accademie italiane, coordinati a loro volta da quattro docenti. Accademia di Brera (Milano), Maura Pozzati docente di storia dell'arte contemporanea Accademia di Vanezia, Marina Gasparini docente di discipline grafiche Accademia di Bologna, Rosalba Paiano docente di estetica Accademia di Roma, Margharet Dorigatti docente di pittura.Il ruolo di questi docenti in sinergia con la Galleria42 è quello di proporre quattro mostre personali dedicate ai migliori allievi e di indicarne altri due di ogni loro corso. Le quattro mostre personali verranno realizzate nel corso dell'anno 2006 all'interno della galleria 42. In un periodo compreso tra il mese di Ottobre 2006 e il mese di Febbraio 2007. I due studenti segnalati da ogni docente parteciperanno insieme agli altri quattro ad una mostra collettiva in collaborazione con la Provincia di Modena che vede nel progetto un preciso monitoraggio nell'ambito della giovane creatività italiana. Il luogo di rappresentazione di questa mos tra è la chiesa di San Paolo tra il mese di Giugno e Luglio 2007. L'esperienza delle mostre personali all'interno della galleria 42 verrà condivisa nel suo sviluppo con degli incontri specifici con gli studenti dell'ultimo anno dell'Istituto Statale d'arte Venturi di Modena. Le classi coordinate dalla professoressa Antonella Battilani potranno seguire il corso di avanzamento delle esposizioni e confrontarsi con i giovani artisti e i loro docenti. Questo per creare nell'ambito del progetto un dialogo ed un approccio didattico all'esperienza. Questi incontri serviranno per parlare dello stato delle Accadenie coinvolte e per far si che gli studenti del Venturi si identificano nel percorso dell'esperianza espositiva. Progetto realizzato con il Contributo del Comune e della Provincia di Modena Provincia settore Cultura Assessorati al Patrimonio e alla Cultura Galleria42 contemporaneo

Francesca Grossi. Gesso negli occhi
GALLERIA 42 CONTEMPORANEO
via Carteria 42 Modena
Info: 059/222199
galleira@fastwebnet.it
www.galleria42.com

Gilles Aillaud a Villa Medici a Roma

inaugurazione mercoledì 7 febbraio 2007 | gallerie di villa medici | roma


LA MOSTRA A VILLA MEDICI
L'Accademia di Francia a Roma, diretta da Richard Peduzzi, inaugura una importante mostra dedicata all'opera di Gilles Aillaud, che si terrà nelle gallerie di Villa Medici, dall'8 febbraio al 10 aprile 2007. Consulente scientifico: Philippe Dagen, storico dell'arte e giornalista per il quotidiano francese Le Monde. La mostra, che offre un'ampia selezione delle opere di questo artista, provenienti da diverse prestigiose collezioni, private e pubbliche, intende identificare nei contrapposti concetti di "chiusura" e "apertura" lo snodo fondamentale della poetica di Gilles Aillaud.

L'ARTISTA E L'OPERA
Gilles Aillaud è stato pittore e scenografo. Il suo nome viene notoriamente associato a quelli di Klaus Michael Grueber in Germania e di Jean Jourdheuil in Francia. Durante gli anni del liceo e fino al 1945, dipingerà un quadro il giorno. Tra il 1946 e il 1947 si dedica allo studio della filosofia, ma nel 1949 torna a dipingere. Negli anni 50, dipinge uccelli e paesaggi marini, unendo alla pittura la tecnica del collage e nel 1952 espone per la prima volta. Nel corso degli anni 70, inizia a raffigurare animali chiusi in gabbia o da recinti, dietro reti, sbarre o vetrate. Dal 1978, ricomincia a dipingere paesaggi marini. Partecipa al Salon de la Jeune Peinture, di cui sarà presidente a partire dal 1965, realizzando opere collettive assieme a Eduardo Arroyo e ad Antonio REcalcati, tra cui si ricordano "Une passion dans le désert" (Una passione nel deserto), "Vire et laisser mou rir ou la fin tragique de Marcel Duchamp" (Vivi e lascia morire o la tragica fine di Marcel Duchamp). Dopo la mostra Mitologie Quotidiane al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, il suo lavoro viene associato al movimento della Nouvelle Figuration.
Nato nel 1928, muore a Parigi il 24 marzo del 2005.
Artista indipendente prima d'ogni altra cosa, le cui tele militavano contro la prigionia e l'assurdo, Gilles Aillaud divenne, dopo numerosi e lunghi viaggi, paesaggista votato agli spazi aperti verso l'infinito. La sua tavolozza, volutamente fredda, e il lavoro costante e sostenuto sulla prospettiva e l'inquadratura, tengono lo spettatore emotivamente a distanza dal soggetto, pur integrandolo fisicamente nello spazio che circonda l'oggetto.

"Si può dire che Aillaud sia l'unico artista ad essersi mai interessato al soggetto zoologico, sono quindi conseguentemente rare o nulle le possibilità di confronto e analogia. Non un solo testo "fondatore" cui far riferimento. Neanche una autorità critica cui potrebbe essere confortante appigliarsi. All'interno di ciascuna rappresentazione, opera con inflessibile ostinazione una dinamica autodistruttiva - o autoderisoria che dir si voglia. Quegli animali riconducono ad una idea della natura originaria, vergine, selvaggia. Di contro, gli spazi in cui li troviamo impongono la presenza d'un dispositivo umano che, nell'offrire alle bestie un relativo benessere, ne sottolinea lo stato effettivo di isolamento ed esilio entro spazi circoscritti, solo vagamente e imperfettamente somiglianti a quelli in cui dovrebbero vivere. In tale metafora pittorica dell'animale, già selvaggio, ora in gabbia, può senz'altro riconoscersi l'artista, furente, nello spazio chiuso che gli è stato destinato. Finta ferocia, finta collera. Si finisce allora per dedurne: in un mondo realmente rivoltato, il vero è solo un momento della finzione."
(Philippe Dagen, consulente scientifico - tratto dalla prefazione al catalogo della mostra)

"Degli animali ospitati nel Nocturama, mi restano scolpiti nella memoria gli occhi sorprendentemente grandi di alcuni, e il loro sguardo fisso e penetrante, proprio a quei pittori e a quei filosofi che cercano di penetrare l'oscurità circostante con la purezza dello sguardo e del pensiero."
(W. G. Sebald: Austerlitz. Romanzo, München: Carl Hanser Verlag 2001)

IL CATALOGO
La mostra è accompagnata dalla pubblicazione di un catalogo bilingue, edito per l'occasione dalla casa editrice Hazan, che contiene le riproduzioni fotografiche a colori di tutte le opere esposte, i saggi critici di Philippe Dagen e Federico Nicolao, come anche le testimonianze di Luc Bondy, Pierre Buraglio e Netta Vespignani, con una introduzione di Richard Peduzzi.

Gilles Aillaud. Evasioni
Dall' 8 febbraio al 9 aprile 2007
Orari: dalle 11.00 alle 19.00 (continuato)
Riposo: lunedì
Ingresso: 8 euro (intero) - 4,5 euro (ridotto)
Info stampa
Valentina Della Seta - Accademia di Francia a Roma
Villa Medici
Tel. +39 06 67 61 291
Fax. +39 06 67 61 243
stampa@villamedici.it
Le attività culturali dell'Accademia di Francia a Roma sono realizzate sotto il patrocinio del Ministre de la culture et de la communication e beneficiano del sostegno di Air France e con la partecipazione di Chateau Brane-Cantenac, Grand cru classé en 1855.

Justine Cooper: HAVIDOL When more is not enough     Dates: February 8 - March 10, 2007   Location: Daneyal Mahmood Gallery - 511 West 25th Street, 3FL - New York, NY T: 212 675 – 2966 F: 212 675 – 3966 www.daneyalmahmood.com Hours: Tuesday - Saturday 11am - 6pm     web. WWW.HAVIDOL.COM

“Everyone should be able to live life to its fullest. I used to believe I did. I felt confident in myself, and my relationships. I exercised regularly. I slept quietly through every night, and awoke each morning feeling refreshed and ready to start a new day. I now know I had a treatable disorder…”   Consumer advertising for prescription medications was legalized in 1997. Since that time, more and more prescription drugs are being developed and sold which can be lifestyle enhancing rather than life-saving. In response to the marketing and advertising tactics of the pharmaceutical industry Cooper has created a fictional marketing campaign to launch her magic-bullet lifestyle pharmaceutical HAVIDOL® which treats Dysphoric Social Attention Consumption Deficit Anxiety Disorder.   HAVIDOL® is a frightening approximation of the real thing. Parody gives way to possibility as Cooper recreates the entire drug marketing process--from the invention of a new disorder (wherein a need is first found and then the disorder is penned) to the branding process of naming the drug, its pill and logo design, promotional merchandise, and finally its website, TV and print advertisements.   HAVIDOL® taps into our collective desire and expectation that there is always room for improvement, while walking the line between poking fun at ourselves and wondering how to obtain a prescription. The marketing message leaves us with the sense that we are never good enough, nor have enough. Are we a society of hypochondriacs, or are we biologically built and genetically urged to out-compete our peers and former selves? Cooper's works on exhibition comment on our temperamental relationship to western medicine, built upon the idea of a malfunctioning body or mind, and the yearning to believe everyday life can be remedied.   HAVIDOL® is an artful parody of a new kind of gold rush heralding an era in which pharmaceutical companies mine psycho-chemicals for a public who is ready to swallow almost anything in the pursuit of the new American Dream: a life without pain, only gain.   Australian interdisciplinary artist Justine Cooper lives and works in New York. She investigates the intersections between culture, science and medicine, moving between animation, video, installation, photography, as well as medical imaging technologies such as MRI, DNA sequencing and Ultrasound. Her work has been internationally reviewed and exhibited. Most recently at the Asia-Pacific Triennial and Eyebeam, along with The New Museum, New York; The NTT InterCommunication Center, Tokyo; The Singapore Museum of Art; The Netherlands Institute for Media Art, The George Pompidou Centre, Paris; Kwang Ju Biennale, Korea, and the International Center of Photography, New York. Justine’s artwork is held in public and private collections including the Metropolitan Museum of Art, The Powerhouse Museum (Sydney), The Queensland Art Gallery and the Australian Center for the Moving Image. She is the recipient of an Australia Council Fellowship a 2-year, once in a lifetime prize awarded to an artist of outstanding artistic achievement and potential.   The artist would like to thank New York State Council for the Arts, Greenwall Foundation, and Lower Manhattan Cultural Council for their support of this project.   This project has been assisted by the Australian Government through the Australia Council, its arts funding and advisory body. This project has been assisted by the Visual Arts and Craft Strategy, an initiative of the Australian, State and Territory Governments.

Kunstart 07. Una fiera gioiello nel ricco Alto Adige

dal 10 al 13 maggio | fiera di bolzano | messe bozen


Partita come un esperimento o poco più, la Fiera di Bolzano va affermandosi a soli 4 anni di distanza come la manifestazione emergente del panorama mitteleuropeo e si dimostra capace di sedurre le migliori gallerie internazionali.

Per questa 4a edizione gli organizzatori rilanciano la sfida, spostando Kunstart alla tarda primavera. L'obiettivo è quello di ritagliare una finestra sempre più cosmopolita alla manifestazione, ma anche di radicarla in via definitiva sul territorio, emancipandola dal caotico periodo natalizio. Ricca e amata dai turisti in ogni stagione per le bellezze naturali che la circondano, ma anche città plurietnica e di frontiera, Bolzano ospiterà assieme a Trento "Manifesta 7", l'importante biennale internazionale capace di attrarre un eccellente pubblico di collezionisti e operatori. E si avvia a diventare, grazie alla prossima inaugurazione del nuovo Museion (di cui è appena stata eletta direttrice la svizzera Corinne Diserens), un crocevia strategico per il settore. Nelle classifiche ISTAT i bolzanini eccellono per fruizione di cultura, godendo del primato italiano per frequentazione di esposizioni, mostre e musei. In questo scenario effervescente, circondato da strutture nuove e straordinariamente vivaci, cresce una nuova generazione di grandi collezionisti. Giovani imprenditori, per lo più, che incoraggiano la crescita di Kunstart invitandola ad emulare senza complessi le fiere più qualitative del panorama mondiale. Anche grazie ai loro acquisti ci si attendono per quest'anno adesioni importanti, che promettono di connotare Bolzano come un'imperdibile occasione per affacciarsi sulle migliori novità, in un privilegiato luogo di incontri e di affari.

Dal sito internet www.kunstart.it è possibile accedere a tutta la documentazione necessaria ad avanzare la propria candidatura, nonché al programma di dettaglio della manifestazione.
Le gallerie d'arte partecipanti vengono attentamente selezionate su invito fino ad un numero chiuso massimo di 80. L'aggiudicazione degli spazi avviene a insindacabile giudizio dell'Organizzazione, tenuto conto del curriculum delle gallerie e delle proposte espositive avanzate dalle stesse.

kunStart - 4a Fiera dell'arte moderna e contemporanea di Bolzano
Fiera Bolzano, dal 10 al 13 maggio 2007
Organizzazione e informazioni:
Fiera Bolzano S.p.A.
P.zza Fiera 1 - 39100 Bolzano (BZ)
T +39 0471 516 210 F +39 0471 516 220
info@kunstart.it
www.kunstart.it

         

Mario Loprete , nasce a Catanzaro nel 1968 ,dove vive e lavora .Diplomato all' Accademia di Belle Arti Catanzaro. Impegnato in una espressione declinata dal contemporaneo , il neo-iperrrealismo , che dilata microscopicamente il quotidiano . Presente in importanti collezioni pubbliche e private .

 Loprete sceglie pose ed atteggiamenti meno convenzionali, ovvero quando si allontana dal taglio foto-giornalistico. A prima vista i suoi dipinti sono accostabili alla corrente iperrealista, ma ad un'analisi più accurata emerge una volontà diversa. L'iperrealista fotografa l'oggetto in modo minuzioso per congelare l'immagine, comunicare un senso di astrazione dalla realtà. Il suo messaggio è  del tipo: "E' troppo vero per essere vero". I soggetti di Loprete , invece, sembrano pienamente calati nel quotidiano, nella dura realtà dei ghetti americani. La meticolosa cura del particolare non esclude una sottile introspezione psicologica, che esalta la forza d'animo, la tenacia, la volontà di riscatto d

ei neri americani .

Vi aspetiamo quindi numerosi e
forniti di Valentina dedicata a Napoli!

Potete anche inviarcela via mail
se non potete raggiungerci al Kestè
mercoledì sera.

Se qualcuno ha volgia di suonare con noi
o di partecipare
attivamente alla realizzazione
di eventi del genere è sempre il benvenuto!


Scrivete ad
info@keste.it


Non prendetevela con lui...


State al Largo del Kestè!!
..e vi innamorerete!


Kestè : Largo San Giovanni Maggiore Pignatelli


Per esporre e suonare,
per commenti idee, scleri,
sfoghi e complimenti
scivete ad
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Zoë Mendelson alla Gagliardi Art System / gallery di Torino

inaugurazione martedì 13 febbraio 2007 | ore 18.30 - 21.00 | a cura di lorena tadorni | gagliardi art system / gallery | torino


Zoë Mendelson trasforma lo spazio della galleria in un universo seducente, fatto di complesse costruzioni simboliche che rivelano la loro natura solo dopo uno sguardo più approfondito. Le sue installazioni dipinte e i suoi disegni hanno la grazia apparente dell'epoca vittoriana, ma parlano di scomodi desideri inconsci e fantasmi della mente.
I mobili e gli oggetti antichi conferiscono all'opera dell'artista una connotazione museale; in essi Zoë Mendelson cela intime visioni oniriche, intervenendo con macchie di colore e delicati schizzi a matita. Soggetti botanici e scenografici si affiancano a disegni erotici e si mescolano all'iconografia delle illustrazioni per bambini generando una messinscena opulenta e decadente.
Il titolo Archival Loot si riferisce al 'saccheggio' di riferimenti storici e gioca con l'aspetto museale che accomuna i lavori in mostra. Don't Cry Over Spilt Milk (Non Piangere sul Latte Versato) è un'installazione formata da otto tavolini-teche su cui è possibile affacciarsi. Ognuno di essi contiene alcune tazzine rotte da cui fuoriesce una macchia bianca. L'artista la utilizza come base su cui disegnare le visioni fantastiche di una sessualità onirica e ossessiva. Le stesse colate si trovano sui cassetti di Lady in Waiting (Signora che Aspetta), un imponente armadio che nasconde un universo segreto. Completa la mostra una serie di disegni caratterizzati dall'intensità di un sogno inquietante.

Zoë Mendelson (1976, Londra) vive e lavora a Londra.
Mostre personali selezionate: 2006: Fiction Section, the Leisure Club, Mogadishni, Copenhagen; Wunderkammer, Galerie Schleicher + Lange, Paris; Seven Histories of the Island, Galerie Kapinos, Berlin; 2005: Pavilion, Millais Gallery, Southampton; P's and Q's, Rokeby, London; 2004: Manners, Galerie Schleicher+Lange, Paris; Angela's Chronicles, Prenelle Gallery, London; 2001: Stately Home, Bowieart, Tardis, London; Front Parlour, Snow Gallery, London.
Mostre collettive selezionate: 2006: Jerwood Drawing Price, Jerwood Space, London; The Square Root of Drawing, Temple Bar Gallery & Studios, Dublin; Fable, Chapter, Centre for the Contemporary Arts, Cardiff; 2005: Acid Drops and Sugar Candy, Transition gallery, London; L'oeil de touriste, Patricia Dorfmann, Paris; Le main qui dessinait toute seule, Galerie Magda Danysz, Paris; J'en rêve, Fondation Cartier, Paris; Il Giardino, Museo Laboratorio, Città Sant'Angelo; Aller Retour, Galley Schleicher + Lange, Paris; Disco Hospital, Coleman Project Space, London; 2004: Year Zero, Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland; Revenge of Romance, Temporary Contemporary, London; 2003: A Tiny New Nation, Bowieart at Spital Square, London; Drawing One Hundred, The Drawing Room, London; Fellows' show, University of Gloucestershire, Gloucestershire; 2002: sub_plot, Mafuji gallery, London; Arcadia in the City, Marble Hill House, London; Previously, University of Gloucestershire, Gloucestershire; Full House, Ivor Street, Camden, London; Rapt, Prenelle Gallery, London; 2001: Choreographed Action, Mosrara Art Center, Jerusalem; 2000: Flirt ( a cura di E. Howitt), Paton Gallery, London; Assembly, Stepney City, Jubilee Street, Whitechapel, London.

Zoë Mendelson. Archival Loot
Dal 14 febbraio al 24 marzo 2007
Ma-Sa: ore 15.00 -20.00
Gagliardi Art System / gallery, Torino
Corso Vittorio Emanuele II, 90
Tel. +39.011.19700031
Fax. +39.011.19700032
gallery@gasart.it
www.gasart.it

LA MEDITERRANEA ARTE

Mercoledì 14 febbraio 2007 , alle ore 18,

sarà inaugurata la mostra omaggio a