Giugno 2010. Un mese d'arte contemporanea in Piemonte

Brigitte Ribbentrop

“Risveglio di Primavera”

GIOIELLI     LAMPADE SCULTURA

Inaugurazione giovedi, 10 giugno 2010 ore 18.00

11 giugno – 25 giugno 2010 dalle 10.00 alle 13.30 e dalle 17.00 alle 20.00

80137 Napoli, Piazza Miracoli 23, tel.081440150 cell.340.4094909

interdesign3@virgilio.it

Mostra “e mi dipinse un volto in mezzo al core - omaggio a Jacopo Sannazaro”

Cripta della Chiesa di Santa Maria del Parto – Mergellina - Napoli
Inaugurazione:  Sabato 5 giugno 2010, alle ore 11.00.

Ricorrono 480 anni dalla morte del grande poeta e umanista Iacopo Sannazaro, che ha sepoltura rinascimentale nella storica Chiesa di Santa Maria del Parto a Mergellina, ai piedi di Posillipo.

Substance

a cura di Luisa Conte

Dal 1 giugno al 25 giugno 2010 la galleria d'arte contemporanea Kunsthaus presenta Substance, mostra personale di Cristiano Pettinelli, giovane avvocato e brillante artista che vive e lavora come solicitor a Brick Lane (East London), cuore pulsante delle tendenze londinesi.

Cristiano Pettinelli e' appassionato di moda, street art, musica, dettagli e geometrie. La sua preparazione artistica e' totalmente autodidatta. Si e' avvicinato all'arte da giovanissimo, affascinato dal "Nouveau Re'alisme". Questo movimento artistico e' nato in America durante la vivacissima stagione degli anni 70, animato da una forte critica nei confronti della società dei consumi, della quale ha messo in luce le contraddizioni, proponendo al contempo un nuovo modo di riutilizzo "estetico" degli oggetti.

Cristiano Pettinelli aderisce completamente a questo movimento e Arman (Armand Fernandez), uno dei maggiori rappresentanti e teorici europei, diventa il suo punto di riferimento. Le opere in mostra alla Kunsthaus sono quelle che piu' risentono di questa influenza attraverso le accumulazioni: oggetti in serie, scarpe, palline colorate, che possono essere rinchiusi in scatole di plexiglass, incollati su un supporto, sezionati, scomposti oppure assemblati.

Cristiano Pettinelli e' nato a Roma il 16 Luglio 1973, si e' laureato in Giurisprudenza presso l'Università degli Studi di Roma -La Sapienza- ed e' diventato avvocato nel 2003. La sua passione per i viaggi lo ha portato a trasferirsi a Londra per conseguire un master e, successivamente, in Scozia per una specializzazione. Dal 2005 vive e lavora a Londra.

Inaugurazione venerdi' 4 giugno 19.30

Kunsthaus
Via Giovanni Pierluigi Da Palestrina 21, Roma
Orari mostra lunedi' venerdi' 16.00 - 19.00
ingresso libero

Luca Carnevale

“VITA”

Galleria

NUMEN ARTI CONTEMPORANEE, 04.06.2010 ore 18,30

Vico Noce, 20-22, 33

Benevento

Behind my face: nuovi spazi dell'arte

Luisa Canonico

Artisti in vetrina: nel centro antico di Napoli uno storico negozio si reinventa galleria e palcoscenico.

Chi il 2 giugno prossimo passerà in via Broggia 9 a Napoli, troverà un' inedita "ospite" tra gli articoli per le Belle Arti che Gino Ramaglia e la sua famiglia commercializzano ormai da quasi novant'anni: è Francesca Di Martino e, fughiamo ogni equivoco, con le arti e con la bellezza ha molto a che fare, ma assolutamente non è in vendita!
Pittrice e scenografa napoletana, Francesca, che ha partecipato, tra l'altro, anche alla prima edizione della mostra evento di Whipart a Napoli, Lo c**to de lu mare. Porto, realtà e sviluppo, sarà, invece, la protagonista di Behind my face, originale modello di mostra interattiva, dipingendo in real time sotto lo sguardo dei passanti. Ma facciamocelo raccontare dalla sua viva voce:

D: Come nasce l'evento "Artisti in vetrina"?
R: L'iniziativa nasce da un'idea di Enzo e Marco, proprietari dello storico negozio di articoli per Belle Arti Gino Ramaglia. Collocato in pieno centro storico ed in prossimità dell'Accademia di Belle Arti è da sempre privilegiato luogo d'incontro per studenti, appassionati, esperti del settore e maestri che hanno fatto la storia dell'arte contemporanea della nostra città.
La prima edizione di "Artisti in vetrina" ha visto, lo scorso anno, la partecipazione entusiastica di artisti emergenti e non che, in totale libertà espressiva, hanno trasferito nei pochi metri cubi a disposizione un pezzetto del proprio lavoro di ricerca.

D: Che cosa può significare esporre in uno spazio del genere?
R: L'utilizzo della vetrina di un negozio come spazio espositivo per l'arte contemporanea è una concreta risposta alla mancanza di luoghi deputati che siano lontani dalle complesse leggi che regolano il sistema degli spazi convenzionali. Queste iniziative incuriosiscono un pubblico più o meno casuale, che magari non frequenta abitualmente le gallerie, e possono rappresentare per giovani emergenti un'effettiva occasione di visibilità.

D: Come si colloca questa esperienza all'interno del tuo percorso artistico?
R: E' sempre difficile definire il proprio lavoro perché è un po' come incasellarlo in una griglia e quindi limitarlo. La mia partecipazione a questo progetto costituisce per me un'ulteriore occasione per approfondire il tema del ritratto che ha interessato la mia ultima ricerca.
In particolare ho sentito l'esigenza di stringere il campo sull'autoritratto come faro introspettivo di un personalissimo e recente percorso.

D: In che modo la presenza del pubblico può influenzare la tua opera?
R: Non credo sia possibile progettare qualcosa di interessante prescindendo completamente da quelle che sono le condizioni e le contingenze in cui sei chiamato a lavorare. Dipingere dal vivo non può e non deve essere la stessa cosa che farlo tra le discrete pareti del proprio studio.
Ragion per cui credo sia necessario in una operazione del genere interrogarsi sul cosa significhi esporre un proprio pezzo e sbirciare le reazioni dal buco della serratura o leggerle direttamente negli occhi della gente.

D: Puoi darci qualche anticipazione su quella che sarà la tua performance?
R: Con "Behind my face" ho inteso interpretare la vetrina di Ramaglia un pò come un piccolo palcoscenico in qui si sviluppano tre livelli emozionali. Il primo livello è quello interiore dell'attore che fa parte della scena rappresentando se stesso attraverso la pittura. Il secondo livello è quello che resta visibile di noi, l'esteriorità che si frappone tra il sé e l'altro. Ed infine c'è il pubblico (senza il quale non ci sarebbe spettacolo) che decodifica il mondo attraverso la propria sensibilità e il proprio vissuto.


Francesca Di Martino
Behind my face
presso Gino Ramaglia
via Broggia 9
dal 2 al 15 giugno 2010
inizio performance ore 10.00
inaugurazione ore 19.30
info:francescadimartino@hotmail.com

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“PERCORSI INTRECCIATI”

Artista partecipante: PASQUALE PETRUCCI

Sito Web : www.pasqualepetrucci.it

Contatti: info@pasqualepetrucci.it

Cellulare:333 2765 867

Esposizione Personale: Percorsi Intrecciati

Hotel Conca Park: via degli Aranci,13 / Sorrento (NA)

Progetto espositivo: Esposizione Itinerante di Art-Hotel

Referente del Progetto: Pasquale Petrucci

Periodo: dal 01 giugno  al 30 ottobre  2010
Organizzazione, allestimento e addetto stampa: Pasquale Petrucci

Orari: La mostra potrà essere visitata , dal 01 giugno al 30 ottobre  2010,
tutti i giorni compresi i festivi dalle 10,00 alle 12,00 e dalle 17,00 alle 21,00

Ingresso libero

Nel meraviglioso hotel Conca Park situato a pochi passi dal centro storico di Sorrento (NA) in via degli Aranci,13  è stata programmata una manifestazione di Arte Contemporanea denominata  “Percorsi Intrecciati” una dozzina di opere realizzate tra il 2002 e il 2008 che complessivamente rappresentano il risultato di quattro ricerche espressive che pur avendo completato  un traguardo espressivo, continuano ad alimentare con lo stesso entusiasmo iniziale un percorso di ricerca che oggi  sembra essere senza una fine, perché sistematicamente l’evoluzione espressiva si arricchisce di ulteriori e diversi risultati elaborativi.

La traccia espressiva nel suo evolversi s’intreccia con diverse spazialità – dalla staticità delle“Fotocomposizioni Metafisiche” e delle “Nuraghe Contemporanee” - si sviluppa il cromatismo delle “Composizioni Metafisiche” e delle storie visive di “Campania Art”.

Da diverso tempo l’arte è entrata nel luogo internazionale per eccellenza: l'Hotel. La moda dell’albergo artistico ha raggiunto il nostro paese. Da tempo le grandi capitali europee potevano vantare un catalogo con nomi di tutto rispetto a Praga, Vienna, Parigi e Berlino,ma oggi anche in Italia l’Art Hotel è una valida realtà. Come “La locanda Art Decò” un albergo che si trova a Venezia e che ha fatto dell’art Decò il suo stile e la sua caratteristica principale,o l’Atelier sul mare dell’Art Hotel di Cefalù - la Gallery Hotel Art (ex Hotel Augustus) di Firenze - Hotel Art Roma (piazza di spagna) - Hotel Villa Fraschini di Riccione che ospita nell’interno una galleria d’Arte permanente – Art Hotel BOSTON di Torino – Byblos Art Hotel Gallery di Verona che è stato concepito con una mostra d’Arte permanente d’Arte contemporanea – Art Hotel Expo CRYSTAL Palace Hotel di Montecatini Terme una intera struttura alberghiera che si trasforma in una delle più grandi gallerie d’arte della Toscana. Non esiste una regola precisa per questo tipo di alberghi, ma quando l’arte e la creatività si fondono con il gusto del bello, il risultato non può che essere  inevitabilmente un successo di stile; ed è quello che è successo a Pesaro , dove il conte Alessandro Ferruccio Marcucci Pinoli di Valfesina, ha dato vita dopo i successi dei suoi Vips Hotels, all’Alexander Museum Palace. La struttura alberghiera è diventato uno spazio dinamico dove si vive la cultura in un modo assoluto.

La realizzazione del progetto è stata curato dallo scenografo prof. Pasquale Petrucci .

Daniel Knorr

Antonio Sannino

B Art

Via Casale 6 – Milano

+39 3277881164

fabgilgoin@tiscali.it

www.myspace.com/action.art

D.C. - dicci !

Saranno veramente così le cose di cuore ?

Vernissage : mercoledì 9 giugno 2010  dalle h 19.30

Chiusura    :  4 luglio 2010

Le cose semplici sono spesso le più interessanti, soprattutto quando sanno lasciare intravedere la complessità che sottende, senza che ciò intacchi la conquistata essenzialità. Avvalendosi di svariate tecniche, Dragana Jovanovic affronta in questa mostra, la tematica dell’amore.

Orari :  tutti i giorni dalle 16.00 all’1.00

Ingresso libero

Curatore : Fabrizio Gilardi

Artista : Dragana Jovanovic

Organizzazione e ufficio stampa : Action art

Genere : mostra personale, arte contemporanea

D. C.  dicci !

Saranno veramente così le cose di cuore ?

Le cose semplici sono spesso le più interessanti, soprattutto quando sanno lasciare intravedere la complessità che sottende, senza che ciò intacchi la conquistata essenzialità. Dragana Jovanovic affronta in questa collezione di opere, la tematica dell’amore, e si tratta molto semplicemente delle gioie, dei tormenti, delle sfaccettature che coesistono con l’amore di coppia e non di altre e più empiree e onnicomprensive tipologie d’amore. Si parla di tormenti di cuore in modo semplice ma in cui ben si vede l’abilità tecnica e la variegata creatività di questa giovane artista già diplomata al liceo artistico e laureata all’accademia di belle arti nella nativa Vojvodina, regione autonoma della Serbia, e ora nuovamente impegnata in studi artistici all’accademia di Milano. Il linguaggio passa attraverso figure disegnate a matita in cui la forma di schizzo rafforza la possibilità di esprimere molteplici contenuti e di suscitare diverse sensazioni,  palloncini e cuoricini aggiunti a collage e squarci di colore ad acquarello. Questo utilizzo di tecniche eterogenee ci parla del desiderio dell’artista di creare un’immagine del procedere in parallelo di desideri e mondi infantili che si possono ravvisare ad esempio nei palloncini resi con il collage, assieme a visioni più razionali, come la razionalità insita e necessaria al disegno figurativo.  Più in generale, la Jovanovic ci pone di fronte alla coesistenza tra pulsioni interiori e immagini di vita maggiormente legate al mondo quotidiano.

E’ da sottolineare una certa ironia che traspare e che mantiene lontani da pesantezza e banalità sempre in agguato quando si parla d’amori.

Ad aumentare il senso di semplicità e immediatezza vediamo in mostra il piccolo quaderno sui cui fogli l’artista ha creato la parte manuale delle opere. Ogni composizione così formata è stata poi fotografata da Dragana Jovanovic e stampata su un pannello plastificato.

Le opere lasciano anche uno spazio di dubbio, di indeterminazione, l’artista sembra volerci dire : “OK, io dico che è così, però so bene che forse potrebbe anche non essere così e che forse un giorno anch’io stessa mi accorgerò che non è proprio così” e qui si potrebbe concludere, ma solo tenendo presente che ci si avvicina maggiormente ai contenuti della mostra, se si immagina piuttosto un percorso senza un vero capolinea, un pò come accade in una linea tranviaria circolare, dove vi è un continuo ciclo di arrivi, soste e ripartenze, proprio come spesso avviene nelle cose d’amore.

L’organizzazione della mostra è di ‘Action art’ realtà sorta nel settembre 2009, che si propone l’obiettivo di sostenere giovani artisti emergenti, alla ricerca di visibilità sul mercato, ma privi della rappresentanza di una galleria o di un curatore. L’iniziativa nasce da una serie di appassionati del settore ed è guidata da Fabrizio Gilardi, operatore culturale e artista egli stesso.

Dragana Jovanovic è nata a Novi Sad (Serbia) nel 1984, diplomata al liceo artistico e laureata all’accademia di belle arti a Novi Sad, ha esposto in diverse mostre collettive a Novi Sad e Belgrado. Dall’autunno del 2009 vive a Milano e segue alcuni corsi presso l’accademia di belle arti di Brera.

Gennaro Patrone

“ E Vuommeche ‘e Pullecenella”

Pulcinella ( ironico, sarcastico talora, spesso tragico, nato seconda la leggenda non da essere umano ma da un uovo)

Cosa nasconde dietro quel naso adunco, quegli zigomi pronunziati e quel nero della maschera?

Forse un bel viso o un viso deforme?

Dal 16/06/2010 al 19/06/2010

Vernissage ore 19.30

Artisti in Vetrina

Gino Ramaglia

Via Broggia, 10

80135 Napoli

Corpus. Arte in azione

Tania Bruguera inaugura la seconda edizione

a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola

Lunedi' 7 giugno alle ore 19.00 con la performance Touched by discipline dell'artista cubana Tania Bruguera inaugura negli spazi del Museo Madre la seconda edizione di Corpus. Arte in azione.
Corpus. Arte in azione, a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola, e' frutto della collaborazione con il Napoli Teatro Festival Italia, avviata l'anno scorso con l'intento di approfondire la relazione tra la pratica artistica contemporanea e le sperimentazioni teatrali piu' radicali.

Interamente declinata al femminile, questa edizione di Corpus offre un focus sull'America Latina attraverso il lavoro di alcune artiste che hanno riconfigurato ambiti e territori della performance a cavallo tra i due millenni: Teresa Margolles, Tania Bruguera, Regina Jose' Galindo e Maria Jose' Arjona, cui si affiancano la croata Xena Zupanic diretta da Sebastiano Deva, napoletano come napoletana e' anche MaraM.

La rassegna ha l'obiettivo di mettere alla prova un meccanismo di logiche operative, ipotesi progettuali, poetiche e sensibilità differenti, attivate dall'incontro tra azione politica ed elaborazione estetica, iniziativa individuale e partecipazione collettiva, democrazia e terrore, sacro e profano, lecito e illecito, legittimo e illegittimo. Le domande sull'identità, i tabu' relativi all'apertura del corpo, i miti infranti di una femminilità dispersa, la sfera del pubblico e del privato, i limiti dell'arte, del linguaggio e della vita sono chiamati simultaneamente in causa dal lavoro di queste artiste, che mettono in atto pratiche di resistenza sociale e di opposizione politica, senza mai cadere nella mera retorica ideologica, rielaborano l'eterogeneità dell'esperienza vissuta e rinunciano a ogni utopia della rappresentazione a favore di una concezione dell'arte partecipativa e pubblica.

Sei azioni di Live Art che oltre il concetto di performance si situano all'incrocio tra vari linguaggi: teatro, installazione, cinema, musica, arti visive, danza, culture popolari. Una contaminazione spregiudicata che legittima oggi le forme d'arte performativa, non limitate dalla tradizione e dalle convenzioni e decisamente svincolate dall'eredità della cosiddetta Body Art storica.

La rassegna in realtà e' stata introdotta nel contesto cittadino già da una settimana, attraverso la campagna pubblicitaria di affissione stradale elaborata da Sebastiano Deva e Xena Zupanic, che hanno concepito con una strategia comunicativa all'avanguardia, dal grande effetto straniante, una vera e propria interferenza visiva nella sequenza di immagini commerciali che assediano la nostra vita metropolitana. Un intervento nel circuito pubblico/comunale che ha come scopo far riflettere sulla relazione tra sessualità e dimensione religiosa, con l'uso di alcune citazione originali tratte dai diari di mistiche italiane. La campagna introduce e anticipa al pubblico il progetto Mystica, una lunga azione simbolica che ha luogo inizialmente sul web dal 12 giugno in poi, attraverso la pagina www.mystica.it (che e' già possibile visitare) , dove sarà possibile osservare in streaming Xena Zupanic durante la sua clausura volontaria di 153 ore (tempo mistico), per poi concludersi il 18 giugno alle 21 con il rituale finale che avverrà al Madre, un viaggio psichedelico denso di interferenze sonore, una visione che si compone fino allo spasmo finale, al fine di raggiungere il centro significante di alcune immagini sacre.


PROGRAMMA

Lunedi' 7 giugno ore 19 - Tani Bruguera: Touched By Discipline

Tania Bruguera, e' nata a L'Havana, Cuba, nel 1968. Vive e lavora tra Chicago, Parigi e L'Havana. Ha partecipato a Documenta 11 di Kassel, Performa a New York, a tre Biennali di Venezia due Biennali di Gwangju, in Corea, e a tre Biennali a L'Havana. Il suo lavoro e' stato esposto nei piu' importanti musei europei e americani, tra cui la Tate Modern di Londra, la Whitechapel Gallery di Londra, il ZKM di Karlsruhe, l'IVAM di Valencia, la Kunsthalle di Vienna, il PS1 e il New Museum of Contemporary Art di New York.

Giovedi' 10 e venerdi' 11 ore 10-20 sabato 12 giugno ore 11-14/17-20 - Maria Jose' Arjona: Vires (exercises on power)

Maria Jose' Arjona e' nata a Santa Fe de Bogotá, in Colombia, nel 1973. Attualmente vive e lavora a Miami. Nel 2009 ha partecipato a In - Transit, performance tenutasi a Berlino, ed e' stata artist - in - residence al Watermill Center di Robertob Wilson a New York. Attualmente collabora alla mostra del MOMA di New York Marina Abramović: The Artist Is Present, con cui ha realizzato il workshop Cleaning the house nel 2009.
Premiata con il Leone d'oro alla Biennale di Venezia nel 2005 come giovane artista "per aver saputo dare vita a un'azione coraggiosa contro il potere".

Mercoledi' 16 giugno ore 19.30 - MaraM: 2/2

MaraM e' nata a Napoli nel 1979, dove vive e lavora. Tra le mostre personali ricordiamo Ylös alas, al Lönnström Art Museum di Rauma, in Finlandia, trAbBoccare, Corrispondenze di Frontiera, al Centro Hurtado di Napoli, Dress, alla Context Gallery di L'Derry, in Irlanda del Nord. Ha partecipato anche a Translating Lost, alla Fabbrica del Vapore di Milano, a Lunatiche - Erotica Eretica Eroica, al Complesso Monumentale di S.Sofia a Salerno, a Camera con Vista al PAN di Napoli, e ad Acción!07MAD, al IV Encuentro Internacional de Arte de Acción, al Circulo de Bellas Artes di Madrid.

Venerdi' 18 giugno ore 21 - Xena ZupanicSebastiano Deva: Mystica

Xena Zupanic, e' nata a Spalato, in Croazia. Artista, attrice, regista e performer, ha lavorato, tra gli altri, con Harald Szeemann in Xena & her foolish wives, in Future is at Balkans al Tanzquartier di Vienna e in Blood & Honey, al Sammlung Essl Museum di Vienna, nel 2003. Ha partecipato dal 2005 al 2008 a Marchette, programma televisivo di La7 condotto da Pierop Chiambretti.

Sebastiano Deva e' nato a Napoli nel 1973. Si e' formato con i registi teatrali Eugenio Barba, Jerzy Grotowski e Eimuntas Nekrosius. Artista visivo e regista attivo in Italia, dove ha lavorato al Teatro di Roma nel 2001 e el Teatro Mercadante, nel 2005, in Spagna e Polonia, dove ha presentato i propri lavori al Stary Teatr di Cracovia nel 2004, e all'interno di Confrontasie, al Festival Iternazionale di Arti Performative di Lublin, nel 2005.

Mercoledi' 23 - giovedi' 24 e venerdi' 25 giugno ore 18.30 - Teresa Margolles: Untitled

Teresa Margolles, e' nata nel 1963 a Culiacan, in Messico. Tra le recenti mostre personali si ricordano What Else Could We Talk About? con cui ha rappresentato il padiglione messicano alla Cinquantatreesima Biennale di Venezia, Recados Póstumos - Teresa Margolles, al Museo de la Ciudad di Quere'taro, in Messico e Video otra vez, al Metales Pesado Visual di Santiago del Cile, nel 2009. Ha partecipato anche a: 7 + 1 Project Rooms, al MARCO di Vigo, e a The Rest of Now, nella rassegna MANIFESTA7 all'Ex-Alumix di Bolzano.

Parteciperà nel 2010 a The Living Currency al Museum of Modern Art di Varsavia, a In Lieu of Unity al Ballroom Marfa di Marfa, negli Stati Uniti.

Sabato 26 giugno ore 20 - Regina Jose' Galindo: Untitled

Regina Jose' Galindo e' nata nel 1974 in Guatemala dove vive e lavora. Tra le mostre personali ricordiamo Urgent Issues al MNAC di Bucharest, The Body of Others, al Modern Art Oxford, nel 2010. Ha partecipato, tra l'altro a Kiss Kiss Bang Bang, al Visual Arts Museum di Bilbao, alla seconda Biennale di Mosca, a Turbulence, alla terza Trienniale di Auckland, in Nuova Zelanda, a Otras Contemporareidades, Biennale di Valencia, a Viva la muerte, alla Kunsthalle di Vienna, tutte partecipazione del 2007.

Immagine: Tania Bruguera, Senza Titolo, 2010

Press Office MADRE
Costanza Pellegrini, Antonio Della Volpe: +39 081 19978024/15 - fax: +39 081 19978026 e-mail: pellegrini@museomadre.it; dellavolpe@museomadre.it

Electa
Ilaria Maggi: +39 02 21563250 - fax: + 39 0221563314 e-mail: imaggi@mondadori.it
Carolina Perreca: + 390814297435 fax: +39 081 4297433 e-mail:comunicazione.napoli.electa@mondadori.it

Madre - Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina
via Settembrini 79, Napoli
Orari
Lunedi', Mercoledi', Giovedi', Venerdi': 10.00 - 21.00
Sabato e Domenica: 10.00 - 24.00
Martedi' chiuso
Intero - 7,00
Ridotto - 3,50
Speciale gruppi prenotati [max 30]: - 4,00
Gratuito: bambini fino a 6 anni
Lunedí gratuito

La rassegna ARTE E ARTISTI NEL CINEMA, ideata da Mario Franco in occasione del programma di eventi Nitsch e Caravaggio, verrà presentata giovedì 10 giugno alle ore 11,30. Il primo appuntamento è con CARAVAGGIO, L’ULTIMO TEMPO di Mario Martone, che introdurrà il film, ispirato alle tele dell’ultimo periodo di Caravaggio.
La pellicola ripercorre in chiave simbolica l’operato del grande pittore a Napoli: una visione tragica e vitale dell’esistenza umana, con i volti e gli sguardi vivi degli abitanti della città partenopea che riprendono le fisionomie dei dipinti seicenteschi. La cinepresa come un moderno pennello che descrive e interpreta la realtà.
Il film fece da prologo allo spettacolo L’opera segreta, diretta dallo stesso Martone, su testi di Enzo Moscato, partendo da Caravaggio, Leopardi, Ortese: tre sensibilità che, in epoche diverse e in diversi modi, si compenetrarono con l’essenza di Napoli e con le sue tante facce.
“…Caravaggio, Leopardi e Anna Maria Ortese sono tre artisti - dice Martone - che in Napoli hanno saputo trovare una rivelazione rispetto al senso della vita: in epoche diverse, sono stati profondamente colpiti da una città che da sempre è disincantata, che da sempre, dietro alla sua maschera di allegria e di vitalità nasconde un grande senso di morte, di consapevolezza della vanità del tutto”.

La rassegna ARTE E ARTISTI NEL CINEMA ideata da Mario Franco in occasione del programma di eventi Nitsch e Caravaggio, si svolgerà nei mesi di Giugno e Luglio presso la terrazza panoramica del Museo Nitsch. Questi films ripercorrono le vicende umane e artistiche di alcune figure fondamentali nella storia dell’arte: Caravaggio, Goya, Michelangelo, Pollock e Pontormo, tra genio e sregolatezza, tormento ed estasi.

PROGRAMMA

Giovedi 10 Giugno ore 20.30 Terrazza del Museo Hermann Nitsch
CARAVAGGIO, L’ULTIMO TEMPO di Mario Martone (Italia, 2004, 41 min.)
CARAVAGGIO di Derek Jarman (Gran Bretagna, 1986, 97 min.)

La rassegna ARTE E ARTISTI NEL CINEMA comincia con la proiezione del film CARAVAGGIO, L’ULTIMO TEMPO di Mario Martone e prosegue con Caravaggio di Derek Jarman, che racconta la storia di un grande artista controverso e dalla vita disordinata. Il regista attualizza con elementi scenografici (macchine da scrivere, radio, giornali quotidiani, un Caravaggio vestito da dandy che fuma voluttuosamente) rendendo omaggio al pittore stesso, che amava dipingere i suoi modelli in abiti contemporanei. Un film visionario e poetico, visivamente seducente, con una fotografia ricca di chiaroscuri e un’attenzione ai dettagli quasi maniacale. Un capolavoro tutto giocato sui flashback, sul triangolo amoroso tra Caravaggio (uno splendido Nigel Terry), Lena (Tilda Swinton, bellezza eterea) e Ranuccio (Sean Bean).

Giovedì 17 Giugno
L’ULTIMO INQUISITORE (Goya’s Ghosts) di Milos Forman (Spagna, 2006, 117 min.)

Francisco Goya (Stellan Skarsgard), pittore di corte dei Borboni, ritrae sofferenze e miserie di una Spagna controllata dai feroci tribunali dell’Inquisizione. La Chiesa, per ritorsione, mette sotto processo la sua musa ispiratrice (Natalie Portman), accusandola di giudaismo ed eresia. Durante la prigionia la giovane incontrerà il monaco Lorenzo (Javier Bardem), crudele ed astuto, che la porterà alla pazzia. Sullo sfondo il fallito tentativo rivoluzionario sull’onda della Rivoluzione Francese e la dura repressione restauratrice del potere ecclesiastico.

Giovedì 24 Giugno
IL TORMENTO E L’ESTASI The agony and the ecstasy di Carol Reed (USA, 1965, 137 min.)

Charlton Heston e Rex Harrison interpretano due importanti figure del Rinascimento, Michelangelo e Giulio II. Un dramma storico basato sul best seller di Irving Stone che racconta la realizzazione dell’affresco della Cappella Sistina ed il complesso rapporto tra arte e committenza. Candidato a cinque Oscar, è uno dei film artistico-biografici più famosi della storia del cinema hollywoodiano.

Giovedì 1 Luglio POLLOCK, I COLORI DI UNA VITA Pollock di Ed Harris (USA, 2000, 118 min.)

La forza e le nevrosi di un grande artista in un film diretto e interpretato da Ed Harris. Il dubbio che percorre tutta la vita di Jackson Pollock si può riassumere nella domanda: “…la sregolatezza che accompagna il genio è equiparabile alle nevrosi di un uomo qualunque?” La moglie pittrice, Lee Krasner, lo considera un grande artista e a lui sacrifica il proprio talento, mentre l’eccentrica collezionista Peggy Guggenheim gli regala il successo internazionale. Ma una volta sotto i riflettori della fama, le contraddizioni e il temperamento autodistruttivo di Pollock sembrano ingigantirsi.

Giovedì 8 Luglio
PONTORMO, UN AMORE ERETICO di Giovanni Fago (Italia, 2002, 102 min.)

La storia e le avventure di un artista fantastico e solitario nella Firenze del Rinascimento, sotto la signoria dei Medici. Jacopo da Pontormo è impegnato nella realizzazione di un affresco commissionatogli dal Granduca Cosimo I. Alle insistenti richieste del Granduca, desideroso di conoscere l’andamento dei lavori, Pontormo oppone un netto rifiuto: l’opera può esser vista solo quando è compiuta. L’artista combatte con un imprevisto e grave problema tecnico, ma il suo comportamento fa nascere il dubbio che l’opera tradisca gli insegnamenti della Fede… e questo potrebbe trascinare il pittore sotto la ferrea giustizia della Chiesa.

Le proiezioni inizieranno alle ore 20.30 sulla terrazza del Museo Il biglietto €. 10,00 è comprensivo di drink (vino,birra o acqua)

Four Decades

Mercoledì 9 giugno 2010

ore 19.00

Fino al 31 luglio 2010

Felix Policastro

Notext

a cura di Marco Petroni

Dal 9 giugno al 20 luglio -10, la Fondazione Plart presenta Notext, mostra personale di Felix Policastro. Artista di origini venezuelane, Policastro presenta in esclusiva per la Fondazione una serie composita di nuovi lavori: 50 dipinti formato 30X30, un'istallazione, un video e una scultura.

L'artista attraverso un processo di reinterpretazione visiva e formale elabora una sequenza di figure che assumono una valenza di ascendenza quasi arcaica e primaria definendo una sorta di personale alfabeto fluido e ricco di rimandi, non solo pittorici. Caratterizzate da una flessibilità compositiva, le sue figure si muovono nello spazio creando un precario equilibrio percettivo che lascia emergere un mondo sospeso tra desiderio e sogno. Un' inequivocabile segno di autenticità frutto di un processo di sperimentazione particolarmente evidente nella video/grafica presente in mostra dove si comprende la volontà di andare oltre l'unitarietà della visione per aprire uno sguardo molteplice con una tensione forte verso diversi spazi e diverse storie in rapporto di associazione. Nasce cosi' un'arte della memoria.

Felix Policastro, nato il 14 settembre 1961 sulla riva sud dell'Orinoco a Ciudad Bolivar in Venezuela, dove ha vissuto fino all'età di 11 anni. Negli anni settanta i genitori, con incertezze e non poche difficoltà di ambientazione si trasferiscono in Italia. Inizia cosi' per Felix una vera e propria enfatizzazione intellettuale di ricordi, sensazioni e profumi vissuti in quegli anni. Trascorre un decennio assolvendo ai doveri scolastici e soddisfacendo, nei ritagli di tempo, la passione per la Pittura. In quegli anni, rivolge l'interesse soprattutto  alle tecniche pittoriche, azzardando nei primi anni ottanta una propria espressione artistica, con il solo uso di colori e forme. Non realizza molte tele in quel periodo, ma le mostra ad amici e critici che dividono con lui le stesse passioni.

S'interessa da subito ai sistemi di comunicazione visiva, coltivando esperienze in diverse discipline, sperimentando tecniche innovative su materiali e supporti naturali. Realizza diversi loghi e sigle, per aziende e privati. Progetta e realizza ambientazioni d'arte, traslando la sua ricerca artistica nella funzionalità. La sua sperimentazione mira a cogliere un "progetto divino", cercando di instaurare un colloquio tra l'uomo e la natura. La produzione degli ultimi 16 anni ha assunto nel tempo le caratteristiche di un vero e proprio alfabeto/grammaticale visivo, che egli elabora personalmente. Opere in progress, che oggi, lo portano a fare un'analisi consuntiva del percorso fatto, ed avviarsi verso nuove combinazioni e contaminazioni. 

Testo in catalogo di Angela Tecce

Inaugurazione mercoledi' 9 giugno '10 h. 18,30

Fondazione Plart
via Martucci, 48 - Napoli
Aperto dal martedi' al sabato 10/13 - 15/19, sab. 10/13
ingresso libero

Fondazione Morra - Museo Nitsch
vico lungo Pontecorvo 29/d
80135 Napoli Italy
T +39 081 5641655
info@fondazionemorra.org
www.fondazionemorra.org

Casa atelier dell'artista Danilo Ambrosino

Con un concept nuovo e uno spazio espositivo totalmente rinnovato (progetto a cura dell'arch. Anna Fresa per X-studio Napoli) apre al pubblico la D.A.F.Na Home Gallery casa atelier dell'artista Danilo Ambrosino che, insieme all'architetto Anna Fresa, ha ideato un nuovo modo di diffondere l'arte, attraverso un progetto aperto, itinerante, che vedrà coinvolte altre home gallery sia in Italia che all'estero in un processo modulare e autogenerativo di relazioni.

Home Gallery Open Project, e' il primo progetto proposto da D.A.F.Na, un progetto aperto nei tempi, nei contenuti e nelle modalità.
La finalità e' quella di creare un itinerario espositivo alternativo, transnazionale, indipendente dal consolidato circuito delle gallerie, che dia l'opportunità agli artisti e ai creativi di promuoversi ed ai visitatori ed ai collezionisti di avvicinarsi alle opere d'arte in un contesto assolutamente informale, in un atmosfera -friendly- .

L'intento e' quello di estendere il progetto in piu' città in giro per il mondo, si valutano pertanto proposte da parte di altre home gallery che vogliano entrare nel circuito mettendo a disposizione uno spazio idoneo ad ospitare eventi artistici.

Le tappe inaugurali del progetto Home Gallery Open Project, sono Napoli, Torino e Parigi:

- Napoli, vernice giovedi' 10 giugno (fino al 1 luglio) presso la D.A.F.Na Home Gallery, Palazzo dei principi Albertini di Cimitile, Via Santa Teresa degli Scalzi 76
- Torino il 28 ottobre 2010 (fino al 18 novembre) presso madama c. art site, residenza storica dell'800 in Via Madama Cristina 34
- Parigi il 25 novembre 2010 (fino al 16 dicembre), all'Atelier 7 di Louise Brody in Bd Raspail 242, costruito nel 1904 da Louis Süe e Andre' Mareche e che fu nel 1912 lo studio di Picasso.

Gli artisti coinvolti, in questo primo itinerario, sono Danilo Ambrosino (artista e imprenditore napoletano, con le sue vibranti creazioni a smalto), Marisa Coppiano (designer torinese, e i suoi suggestivi collages in carta) Ana Gloria Salvia (fotografa cubana che esplora con sguardo onirico le mille luci di Parigi).

Comunicazione: Valentina Rippa 3396436586 valentina.rippa@libero.it

Inaugurazione Giovedi' 10 giugno 2010 alle ore 18.30

D.A.F.Na Home Gallery (Palazzo dei Principi Albertini di Cimitile )
via Santa Teresa degli Scalzi, 76 - Napoli
Ingresso libero

ΠΩΛΕΙΤΑΙ

L'annuncio in greco e' apparso sulla facciata dello storico edificio che cela l'ingresso alla Vigna San Martino; il proprietario e l'artista adottano un'insolita metodologia per investigare e magari concludere una mediazione economico-sociale: ΠΩΛΕΙΤΑΙ (POLITE - VENDESI) diventa il grido di vendita o di scambio rigeneratore di un palazzo storico del Corso Vittorio Emanuele. L'artista dal mese di febbraio abita e si prende cura del palazzo, ha liberato gli ambienti dei cinque piani e ideato con amici artisti un luogo aperto alle sperimentazioni marginali, per rivelare la voglia di oltre.

Al primo piano, nell'abitazione del grafico, sono sistemati dei lavori in ceramica e pietra lavica, mentre nell'appartamento del secondo piano e' ospitata la documentazione fotografica di Salvatore Giusto sui mesi di residenza dell'artista nell'edificio. Sul balcone del terzo piano e' esposta la tabella di 10 metri rivolta alla città, con la scritta ΠΩΛΕΙΤΑΙ su fondo bianco; inoltre sempre al terzo piano, questa volta all'interno, e' allestita l'edicola votiva Santa Maria del ΧΥΝΩ: qui gli artisti Mary Zygouri e Cesare Pietroiusti performeranno sul concetto di ΠΩΛΕΙΤΑΙ. Al quarto piano, l'artista presenta Aderfikos, un poema disegnato accompagnato dal testo di Achim Gnann. --Nella tromba delle scale Zafos Xagoraris porta su e giu' con un elevatore le voci dei venditori ambulanti della Grecia di oggi-- (dal testo di Vera Vita Gioia). Al quinto piano e' visitabile l'atelier dell'artista e la relativa terrazza dove e' esposta l'opera di Martin Kaltner.

--L'artista si affaccia al balcone per annunciare il cambiamento. Una flotta di miliardari e' arrivata nel golfo attratti dalla notizia e dal manifesto, hanno voglia di ripartire, vogliono scambiare la loro casa sul mare con la casa di montagna, vogliono lasciare i pensieri tristi e vivere almeno un giorno solo dentro il palazzo, hanno capito che il palazzo e' un Eden e che l'artista e' in leasing d'amore, si puo' acquistare a rate temporanee e contemporanee insieme al palazzo-. (da La quarta casa e' per il miliardario triste di Pasquale Persico)
11 Giugno - 11 Luglio, dal lunedi' al sabato dalle18.30 alle 22.30, domenica chiuso
Paola Ricciardi c. 347 91 86 991 9mercurio@libero.it

Inaugurazione venerdi' 11 giugno 2010 dalle 19.00 alle 24.00

Palazzo delle Sperimentazioni
Corso Vittorio Emanuele, 341 - Napoli
Dal lunedi' al sabato dalle18.30 alle 22.30, domenica chiuso
Ingresso libero

Gemma Capezzone, Liliana Giannone, Kasumiart & RobX8i

La galleria Leggermente Fuori Fuoco ospiterà dall'11 al 29 giugno i lavori di giovani fotografi salernitani: Gemma Capezzone, Liliana Giannone, Kasumiart & RobX8i . La mostra, dal titolo -iPhone o della matrice digitale. Racconti, visioni e sperimentazioni della post-fotografia-, sarà inaugurata venerdi' 11 giugno alle ore 19.00 nello spazio di via Giovanni da Procida, 34 a Salerno; a partire dalle ore 20.00, performance sonora -Milligrams Soundscapes- di RobX8i.

I lavori fotografici in esposizione nascono dall'esplorazione e utilizzo dell'iPhone, medium tecnologico per eccellenza, quale strumento di produzione artistica, giacche' - come scrive Alfonso Amendola - -I tessuti espressivi legati alla fotografia si nutrono di supporti e logiche tecnologiche. Un nutrimento che e' nuova estetica e per questo e' ricerca di un differente ragionamento del visivo, del vedere e del costruire/riprodurre immagini. - iPhone o della matrice digitale - e' un racconto a piu' voci, dove la linea analitica della fotografia ha saputo creare un dialogo denso di consumazioni, frammenti, alterazioni, stili, tentazioni con la piu' innovativa - al momento- delle evoluzioni del digitale: l'iPhone, appunto, che e' sintesi di potente telefonia mobile e micro computeristica. -

La mostra e' stata curata da Alfonso Amendola e Leggermente Fuori Fuoco in collaborazione con il Centro Studi -Rappresentazioni Linguistiche- dell'Università degli Studi di Salerno e rappresenta in modo concreto il desiderio di Leggermente Fuori Fuoco di diffondere la passione per la foto d'arte non solo attraverso la presenza in galleria di artisti dalla fama consolidata a livello nazionale ed internazionale, ma anche attraverso la promozione di giovani talenti.

Inaugurazione venerdi' 11 giugno ore 19, ore 20 performance sonora -Milligrams Soundscapes- di RobX8i.

Leggermente Fuori Fuoco
via G. da Procida, 34 Salerno
da Martedi' a Sabato dalle 18.30 alle 21.00 e per appuntamento
Ingresso libero

Giovedì 17 Giugno

L’ULTIMO INQUISITORE (Goya’s Ghosts di Milos Forman (Spagna, 2006, 117 min.)

Francisco Goya (Stellan Skarsgard), pittore di corte dei Borboni, ritrae sofferenze e miserie di una Spagna controllata dai feroci tribunali dell’Inquisizione. La Chiesa, per ritorsione, mette sotto processo la sua musa ispiratrice (Natalie Portman), accusandola di giudaismo ed eresia. Durante la prigionia la giovane incontrerà il monaco Lorenzo (Javier Bardem), crudele ed astuto, che la porterà alla pazzia. Sullo sfondo il fallito tentativo rivoluzionario sull’onda della Rivoluzione Francese e la dura repressione restauratrice del potere ecclesiastico.

Ingresso 10 euro
Dalle 20:30 Soft Drink compreso nel costo del biglietto

La Fondazione Morra e il Museo Nitsch proseguono l’attività di esplorazione dentro, attraverso e oltre l’opera del rivoluzionario pittore seicentesco, proponendo una serie di incontri dedicati al tema “Caravaggio e il contemporaneo”. L’inedito dialogo tra i due Grandi Maestri, consacrato dall’installazione ideata dal padre dell’Azionismo viennese e insediata presso il luogo caravaggesco per eccellenza, la Sacrestia del Pio Monte della Misericordia, ha ottenuto numerosi consensi per tutto il mese di Maggio.

L’iniziativa, curata da Romano Gasparotti (filosofo e fenomenologo dell’immagine) non intende affatto limitarsi a segnalare i presunti eredi o epigoni della riscoperta dell’arte caravaggesca nel XX secolo, bensì si propone di aprire una riflessione sulla declinazione e l’elaborazione della radicale esperienza della verità in pittura dischiusa da Caravaggio nel multiverso delle forme del fare caratterizzanti il contemporaneo, attraverso il confronto tra storici dell’arte dotati di una visione di ampio respiro e insieme attivamente impegnati nella critica militante e alcune tra le voci più originali dell’attuale pensiero filosofico europeo.
Partecipano alla giornata di studi:
Elena Pontiggia(studiosa e curatrice di mostre, docente di storia dell’arte contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano e collaboratrice della Fondazione Quadriennale) esperta dei rapporti tra modernità e classicità, nonché di arte italiana ed europea tra le due guerre;
Andrea B. Del Guercio (storico di scuola longhiana, docente di storia dell’arte contemporanea all’Accademia delle Belle Arti di Brera a Milano e critico militante), esperto di arte cristiana contemporanea;
Massimo Donà (docente di filosofia teoretica e di ontologia dell’arte presso la Facoltà di Filosofia dell’Università “Vita e Salute” – S. Raffaele di Milano e musicista), autore di studi su Piero della Francesca, Magritte, Beuys e sui rapporti tra filosofia e arte e tra filosofia e musica;
Vincenzo Vitiello (già docente straordinario di filosofia teoretica all’Università di Salerno, ora docente alla Facoltà di Filosofia “Vita e Salute”- S. Raffaele di Milano), tra i massimi esperti europei del pensiero di Hegel e di Heidegger e autore di studi sui rapporti tra giudizio filosofico, parola poetica e immagine artistica;
Félix Duque(docente di storia della filosofia moderna presso l’Università di Madrid e visiting professor in alcune tra le più importanti università dell’America latina) esperto di fenomenologia ed ermeneutica filosofica e studioso dei fenomeni della postmodernità.

NOVEMBRE 2010 JOSEPH BEUYS
Introduce: Romano Gasparotti Relatore: Massimo Donà

DICEMBRE 2010 RUDOLPH SCHWARZKOGLER
Introduce: Romano Gasparotti Relatrice: Francesca Alfano Miglietti

GENNAIO 2011 ALLAN KAPROW
Introduce: Romano Gasparotti Relatrice: Elisabetta Longari

MARZO 2011 JULIAN BECK
Introduce: Romano Gasparotti Relatore: Enrico Ghezzi

APRILE 2011 SHOZO SHIMAMOTO
A cura di Giuseppe Morra e Romano Gasparotti Relatore: Lorenzo Mango

MAGGIO 2011 FLUXUS
Introduce: Romano Gasparotti Relatore: Federico Ferrari

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Grzegorz Klaman Crushing In               Grzegorz Klaman’s Crushing In. Lecha Walesa’ Workbench   Location: Nobel Museum Opening: June 15 at 4pm Project on view until September 19, 2010   Curator: Karin Jonsson web: www.nobelmuseum.se

Imagine a workbench from the Gdansk Shipyard crashing through the window of a respectable history museum. The Nobel Museum in Stockholm has commissioned a special project from Gdansk-based artist Grzegorz Klaman alluding to the figure of Lech Walesa – the electrician, legendary leader of the strikes held in the Gdansk Shipyard during the summer of 1980, one of the founders of Solidarity and the first president of a free Poland, who was awarded the Nobel Peace Prize in 1981 in Oslo. The project is a “flying” real object – a workbench from the electrical workshop at the Gdansk Shipyard, where Walesa used to work. As Dieter Roelstratete puts in the catalogue essay “here we come across the central concerns, tightly strung together, of this particular ‘memorialist’ strand within Klaman’s practice as a whole: the easily manipulated notions of certitude and authenticity or veracity, for instance (especially when entwined with notions of personal aura, empowerment and autonomy), or the uneasy dialectic of remembering and forgetting and its ambiguous relationship to the minefield of recent political history. What interests Klaman in the figure of Walesa is obviously not so much the man himself or even the actual weight of his contribution to the ‘changes’ – bracketing this notion already suffices to beg the question of how much has actually changed – but the symbolic ‘Walesa’ as a site of historiographic contestation, as a work station (no pun intended!) from which the recounting and rewriting of political history can be controlled.”   Lech Walesa’s workbench appears in Klaman’s Stockholm project as a completely unexpected object. Although there are numerous physical objects connected with famous people at the Nobel Museum, only one of them is currently thrust halfway through the wall of the museum building, so that it is both inside and outside. The object’s status is uncertain, its aesthetics debatable. The strength of the project lies in its play with the notion of the value of a historical object and an object of art, the unclear attribution of the workbench itself, its mass-produced character, banality and altered form of usefulness. Grzegorz Klaman is a pioneer in critical and politically engaged art in Poland. He has carried out a series of important public space projects, including the Subjective Bus Line (2002, 2009, 2010). In this project, which drew much attention, shipbuilders present their visions of the past – comprising many voices, incorrect, personal and at variance with official history. A critical attitude towards the notion of commemoration, the problems involved with remembrance and history are among the key issues and driving forces behind Klaman’s art. He is known for his controversial projects, which upset traditional understanding of an object, the function of art and the role of the artist.  Lech Walesa is today a legendary figure albeit one that evokes varied reactions. In a way, he is a figure who embodies the essence of disputes concerning Solidarity’s past, visions of history and the “museumification” of memory. Klaman’s answer to this situation is critical and performative.   Grzegorz Klaman is the co-founder of the Wyspa Institute of Art, which opened in 2004 on the former premises of the Gdansk Shipyard. On May 1 2010  he also  launched his Subjective Bus Line again, together with the actual building of Walesa’s workplace - both a form of in-situ museum and an installation by the artist.   The project is accompanied with the catalogue edited and published by The Polish Institute in Stockholm with text contributions by Olov Amelin, Dieter Roelstraete, Katarzyna Tubylewicz and Aneta Szylak. It is realized in collaboration between Nobel Museum, Wyspa Institute of Art and Polish Cultural Institute in Stockholm and supported by Cultural Capital of Europe Gdansk 2016 Candidacy.   It's LIQUID News is an e-mail announcement service that provides information about exhibitions at some of the world's leading art galleries selected. It's LIQUID News reaches the combined audiences of International Art Fairs, galleries, museums, and is thus a powerful tool for getting directly to this influential audience with information about exhibition programs and other events.   International galleries, museums, institutions, private and public groups, artists, architects, designers, are invited to join It's LIQUID News service. Each advertisement takes the form of an e-mail announcement, and features a press release, an image, and a link to the announcer's website. Announcements are distributed directly to over 60,000 international collectors, consultants, advisers, critics, writers, curators, dealers and other visual arts professionals. Database demographics: 40% in North America, 45% in Europe, 15% in other locations (South America, Australia, Japan, etc.). Additionally all announcements are permanently archived on It's LIQUID web site, creating a valuable research resource of some of the most important events world wide. It's LIQUID News offers an unprecedented opportunity for participating clients to reach the most dynamic members of the community of professionals worldwide.   If you are interested in our services, or you want to open an It's LIQUID office in your city, please contact us at support@itsliquid.com.   Thanks for all,  It's LIQUID Group more details. www.itsliquid.com

Napoli - dal 16 al 19 giugno 2010 Gennaro Patrone - E Vuommeche ‘e Pullecenella

[Vedi la foto originale]

GALLERIA GINO RAMAGLIA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede Via Broggia 9/10 (80135) +39 0815640738 info@ginoramaglia.it individua sulla mappa Exisat individua sullo stradario MapQuest Stampa questa scheda Eventi in corso nei dintorni Artisti in Vetrina orario: Da lunedì al Sabato ore 10-14 e 16-20 (possono variare, verificare sempre via telefono) biglietti: free admittance vernissage: 16 giugno 2010. ore 19.30 curatori: Enzo Ramaglia autori: Gennaro Patrone genere: performance - happening, personale

Napoli - mer 16 giugno 2010 MaraM - 2/2

[Vedi la foto originale]

MADRE - MUSEO D'ARTE DONNA REGINA vai alla scheda di questa sede Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede Via Luigi Settembrini 79 (80139) +39 08119313016 www.museomadre.it individua sulla mappa Exisat individua sullo stradario MapQuest Stampa questa scheda Eventi in corso nei dintorni Terzo appuntamento della rassegna Corpus. Arte in Azione, a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola. biglietti: free admittance vernissage: 16 giugno 2010. ore 21 curatori: Adriana Rispoli, Eugenio Viola autori: MaraM note: museo MADRE, in co-produzione con il Napoli. Teatro Festval Italia genere: performance - happening email: pellegrini@museomadre.it

Libreria Nuova Scaldapensieri

Via Don Giovanni Bosco 39 – Milano

+39 3277881164

fabgilgoin@tiscali.it

www.myspace.com/action.art

Titolo mostra : “L’essenzialità al potere”

Vernissage : martedì 22 giugno 2010  dalle h 19.00 alle h 21.00

Termine mostra    :  30 settembre 2010 (la mostra rimarrà chiusa durante il mese di agosto)

Una delle caratteristiche che maggiormente mi hanno colpito nelle tele di Gregorio Barraco Duran è la tensione a uscire dai canoni tradizionali non con alte grida, ma sussurrando discretamente la propria ribellione e giungendo solo qua e la a qualche alzata di tono, che va però sempre di pari passo con educazione e rispetto per l’interlocutore.

Orari :    lunedì 15.30-19.30; martedì 10-22; dal mercoledì al sabato 10-19.30

Ingresso libero

Curatore : Fabrizio Gilardi

Artista : Gregorio Barraco Duran

Organizzazione e ufficio stampa : Action art

Genere : mostra personale, arte contemporanea

L’essenzialità al potere.

Una delle caratteristiche che maggiormente mi hanno colpito nell’opera di Gregorio Barraco Duran è la tensione a uscire dai canoni tradizionali non con alte grida, ma sussurrando discretamente la propria ribellione e giungendo solo qua e la a qualche alzata di tono, che va però sempre di pari passo con educazione e rispetto per l’interlocutore. Anche l’essenzialità cromatica non è in lui sinonimo di semplicità banale. Si tratta infatti di pochi colori e talvolta solo uno accoppiato al bianco o al nero, ma elaborati in molti toni differenti, oppure lavorati matericamente in un tormentato sfondo, venendo così a creare affascinanti contrasti.

Gregorio Barraco Duran rappresenta i momenti e i sapori diversi dell’umano con una semplicità così fuori dal tempo, così archetipica nei volti, nelle figure e nelle ambientazioni, da potervi riscontrare un qualcosa di naif, pur se i canoni stilistici non sono quelli che di solito associamo all’arte naif, ma vanno invece ricercati in diversi movimenti di avanguardia sviluppatisi a cavallo tra ‘800 e ‘900, quali l’Art Nouveau e il Simbolismo. Non si tratta, a mio parere, di un limite ma di un merito, tenuto conto che l’artista dell’epoca attuale può raggiungere risultati significativi utilizzando le esperienze di chi è venuto prima, rielaborandole e aggiungendovi qualcosa di suo, e tanto migliore sarà il risultato, quanto più questo qualcosa saprà essere molto.

Tra i temi di Barraco Duran affiora talvolta l’attualità, ma si tratta principalmente di un vissuto che serve da spunto per affrontare i nodi perenni della vita umana quali la solitudine, la comunicazione con le sue difficoltà, il rapporto con gli oggetti e con l’oggetto delle proprie pulsioni, il modo di apparire e i segreti che si nascondono dietro a un volto, le relazioni tra significante e significato in alcuni simboli grafici che talvolta compaiono, i mondi differenti e spesso contraddittori che convivono in una stessa soggettività, ed è proprio la durezza di queste tematiche a rendere maggiori i meriti dell’artista siciliano nel sapersi avvicinare a quello che è attualmente, il suo scopo finale : sintetizzare la complessità fino a renderla essenziale, semplice, e in questa semplicità saper però fare intravedere anche la complessità di cui si è preso coscienza.

(Testo di Fabrizio Gilardi)

L’organizzazione della mostra è di ‘Action art’ realtà sorta nel settembre 2009, che si propone l’obiettivo di sostenere giovani artisti emergenti, alla ricerca di visibilità sul mercato, ma privi della rappresentanza di una galleria o di un curatore. L’iniziativa nasce da una serie di appassionati del settore ed è guidata da Fabrizio Gilardi, operatore culturale e artista egli stesso.

Gregorio Barraco Duran nasce nel 1975 a Erice in provincia di Trapani. La prima forma di disegno che studia è quella utilizzata nell’edilizia urbana, frequentando un locale istituto professionale. Negli stessi anni conosce anche gli artisti Giuseppe Messana, Carmelo Morreale e Mario Cassisa. Attratto dalla loro arte ne diventa presto discepolo e, per alcuni anni, si dedica intensamente alla pittura. Si è nel frattempo appassionato anche alla musica e, intorno alla metà degli anni 90, si ritrova a cantare e a suonare il basso in un gruppo rock. Poco dopo il 2000 si trasferisce a Londra dove continua a fare il musicista ma, dopo averla trascurata per alcuni, si riavvicina anche alla pittura, dapprima come scenografo, per poi dedicarsi a ricerche più libere. Nel 2004 torna in Sicilia e inizia a partecipare ad alcune mostre pittoriche principalmente a Trapani. Nel 2007 si trasferisce a Milano dove nel 2009, il Circolo Pokai sito in via Savona, ospita una sua mostra personale dal titolo “I passi del tempo”.

ROSA DI FUOCO
Romanzo di sangue, pallone e piroscafi
(Edizioni Pendragon)
 
"Mi sono sempre chiesto che cosa renda Barcellona
una città diversa da tutte le altre, e la sua squadra
di calcio l'emblema di questa diversità. Emilio Marrese
è riuscito a spiegarmelo. E mi ha emozionato"
Giancarlo De Cataldo

Barcellona, 1937. In piena guerra civile la città resiste ai fascisti, ma è dilaniata dal conflitto interno tra comunisti e anarchici. Una ragazza viene trovata strangolata nella casa di un calciatore. Un militare franchista si infiltra tra i repubblicani mentre un capitano della Guardia civile indaga (o forse no). Intanto il Barcellona - nel mirino dei golpisti - salpa verso il Messico per la tournée della salvezza.Settant'anni dopo, due ragazzi cercano di ricostruire quella fuga per scoprire la dolorosa verità sulle proprie famiglie. Un romanzo che, basato su una vicenda reale, unisce storia, calcio e mistero. Sullo sfondo, la Barcellona metropolitana di oggi e quella, soprannominata "Rosa di fuoco", degli Anni Trenta. Quando era ancora la città più rossa d'Europana, 1937. In piena guerra civile la città resiste ai fascisti, ma è dilaniata dal conflitto interno tra comunisti e anarchici. Una ragazza viene trovata strangolata nella casa di un calciatore. Un militare franchista si infiltra tra i repubblicani mentre un capitano della Guardia civile indaga (o forse no). Intanto il Barcellona - nel mirino dei golpisti - salpa verso il Messico per la tournée della salvezza.Settant'anni dopo, due ragazzi cercano di ricostruire quella fuga per scoprire la dolorosa verità sulle proprie famiglie. Un romanzo che, basato su una vicenda reale, unisce storia, calcio e mistero. Sullo sfondo, la Barcellona metropolitana di oggi e quella, soprannominata "Rosa di fuoco", degli Anni Trenta. Quando era ancora la città più rossa d'Europa
 
L'autore: Emilio Marrese, 43 anni, nato a Napoli, vive tra Roma e Bologna, lavora a Repubblica dal 1987 e attualmente è vicecaporedattore dello Sport. Collabora con Radio Capital e l'Espresso. E' stato inviato a tre Olimpiadi, tre Mondiali e tre Europei di calcio e a tutti i principali avvenimenti sportivi internazionali. Questo è il suo primo romanzo.
 

Leena Lehto - Terranuova

galleria sottana – Museo Artistico Industriale Manuel Cargaleiro

Vietri (Salerno) 18 giugno – 4 luglio 2010

Inaugurazione sabato 18 giugno - ore 19, 00.

Comunicato stampa

Venerdì 18 giugno, alle ore 19.00, presso la Galleria Sottana di Vietri, sarà inaugurata la mostra personale dell’artista Leena Lehto. L’evento è stato ideato nell’ambito del ‘Premio Viaggio attraverso la ceramica’ indetto dal Museo Artistico Industriale Manuel Cargaleiro e che quest’anno giunge alla XVII edizione. Negli spazi allestiti sarà presentata una selezione di opere che appartengono allo spaccato dell’esperienza dell’artista finlandese, portata avanti durante il suo ultimo soggiorno vietrese. Si tratta della sua prima personale in Italia, attenta a una ricostruzione critica del suo lavoro. In mostra oltre trenta ceramiche realizzate site specific dall’artista che, esperta nella lavorazione della porcellana sperimenta, in questo contesto, la ceramica locale appresa durante i numerosi viaggi compiuti lungo la costiera salernitana.

Lena Lehto (Helsinki), ha sempre lavorato la porcellana. A Vietri sul mare è venuta per la prima volta nel 1996 aderendo al progetto “Aree Mediterranee” che ha segnato, tra l’altro, l’incontro tra la creatività Nordeuropea e quella dell’Italia meridionale. Nello specifico si tratta di una commistione fra la porcellana finlandese e la ceramica vietrese. Il titolo, Terranuova, è denso di significati perché non fa semplicemente riferimento all’originalità e alla novità dei risultati ottenuti nella produzione della Lehto in questo frangente, piuttosto vuole rilevare una sorta di scambio di energie che l’artista ha messo in moto con la tradizione artistica di questi luoghi. Inoltre è necessario porre l’accento sulla costante attenzione che in questi anni ha espresso l’artista per il Sud dell’Italia, una terra che lentamente scopre, che si anima innanzi ai suoi occhi attraverso la visione di queste piccole chiazze di colore, che pulsano con un ritmo frenetico e che sono, in questo modo, stimolanti per la sua acuta sensibilità. Un ambiente impregnato di fascino e imprevedibile com’è il mondo della ceramica.

La mostra resterà aperta fino al 4 luglio.

Orario di apertura:

martedì - venerdì  ore 17.00/21.00  - sabato e domenica anche ore 10.30/13.30

lunedì chiuso (Infoline: 089-763076)

Museo Artistico Industriale Manuel Cargaleiro

Corso Umberto I, 5 - Palazzo dei Duchi Carosino, Vietri sul Mare (Salerno) 84019

Tel. 089-763076 Web Site: http://www.museocargaleiro.it/

Fabio Gualtieri

Punto & Linea

Dal 21 al 30 Giugno 2010

Vernissage il 21 Giugno alle ore 19.30

Artisti in Vetrina

Gino Ramaglia

Via Broggia 9/10

80135 Napoli

Dopo una ricerca personale del disegno dal vero, e l’estrema conoscenza dello spazio prospettico, l’Artista con il solo utilizzo di “Punti & Linee”  rappresenterà  la reale tridimensionalità dello spazio all’interno vetrina, con figure e oggetti proiettati all’infinito.

Fabio Gualtieri

L'arte del collezionare

Del vasto e raffinato mondo delle arti applicate, fatto di bronzi dorati, di argenti, rami e ottoni, di marmi colorati e di pietre dure e lucenti maioliche o, ancora, di legni capricciosamente intagliati e dorati e di porcellane dall' elegante linguaggio rococo', il Museo di Capodimonte conserva una ulteriore, splendida testimonianza, di assoluta rilevanza, nella collezione di Mario De Ciccio, donata nel 1958.

Appassionato collezionista e conoscitore d'arte, antiquario, raffinato esponente di una cultura di e'lite di matrice ancora tardo-ottocentesca, giunse a Napoli da Palermo, sua città d'origine, nel 1906, portando con se' un primo, cospicuo numero di manufatti siciliani sei e settecenteschi (argenti ed oreficerie, tessuti e paramenti sacri, rare maioliche) che poi costituiranno il nucleo principale della sua raccolta, ulteriormente ampliata ed accresciuta nella nuova patria di adozione.

Qui, dove egli certamente conobbe e frequento' le piu' importanti collezioni private di arti applicate ancora presenti in città, alcune delle quali - come quella celeberrima di Gaetano Filangieri o quella del duca di Martina - proprio in quel giro di anni rese pubbliche o musealizzate, De Ciccio confermo' e rafforzo' il suo interesse per le cosiddette -arti minori- acquistando, accanto a qualche dipinto, soprattutto alcuni preziosi manufatti medioevali e del Rinascimento e oggetti barocchi e rococo'.

Vasellame -da pompa' o da farmacia in maiolica, preziosi paramenti ricamati, calici ed alzate dalle piu' curiose e stravaganti forme, piatti da parata o candelieri in argento sbalzato in opulente fogge barocche, raffinate cornici in legno intagliato e dorato con volute, cartocci, figure antropomorfe, marmi, bronzetti, sculture lignee, di stucco o terracotta, porcellane ed oggetti archeologici, vennero appassionatamente raccolti nel corso di frequenti viaggi intrapresi in Italia e all'estero durante l'arco di oltre un cinquantennio.

La ricca collezione di oggetti d'arte via via acquistati per se', e non per la vendita, e sistemati nella abitazione, diventata una sorta di -casa-museo- di sapore neo-rinascimentale, fu molto apprezzata e conosciuta negli ambienti colti della città e all'estero.

Sin da giovane Mario De Ciccio aveva intrapreso una nobile carriera di mecenate offrendo all'allora Museo Archeologico Nazionale di Palermo oggetti sia di scavo, sia di età moderna, soprattutto maioliche. Anche a Napoli, dopo il secondo conflitto mondiale, aveva donato opere al Museo di San Martino e al Museo Gaetano Filangieri.

Conseguenza ultima e quasi naturale delle scelte di mecenatismo perseguite dal collezionista durante l'arco della sua lunga vita doveva essere dunque nel 1958, ad un anno dalla prematura scomparsa del figlio Francesco Paolo e, la donazione della sua cospicua raccolta al Museo di Capodimonte, appena aperto al pubblico dall'allora Soprintendente Bruno Molajoli

Fu lo stesso collezionista a sistemare gli oggetti all'interno delle sale prescelte, accompagnandoli con i busti in bronzo del figlio, del fratello e di se stesso, cosi' da legare -sul filo della piu' aulica tradizione del collezionismo- la sua famiglia, la raccolta di oggetti d'arte e gli ambienti ad essa destinati, ed oggi in parte riaperti, in attesa del loro prossimo collegamento alla celebre sezione di arti decorative di casa Farnese, al piano nobile del museo.

L'allestimento realizzato per l'occasione, rispondendo a criteri piu' aggiornati di conservazione ed esposizione di materiali cosi' diversi, coniuga il ricordo della sistemazione storica voluta da De Ciccio e Molajoli, mantenuta nella prima sala, con una nuova e moderna presentazione museografica che consentirà di apprezzare al meglio la straordinaria raccolta del collezionista siciliano.

La realizzazione del progetto della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico, Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli, si e' resa possibile per il diretto coinvolgimento della Regione Campania - Assessorato al Turismo e ai Beni Culturali, grazie al co-finanziamento dell'Unione Europea POR- FESR Campania 2007-2013 che si aggiunge ai fondi già stanziati in precedenza dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali.

Ufficio stampa:
Soprintendenza, Simona Golia
tel. 081 2294478 -fax 081 2294498;
sspsae-na.uffstampa@beniculturali.it

Inaugurazione venerdi' 18 giugno 2010, ore 17.30

Museo di Capodimonte
Via Miano 2, Napoli
Orari: dalle 8.30 alle 19.30. Chiuso mercoledi'.
La biglietteria chiude un'ora prima
Ingresso: biglietto intero 7,50 euro, dopo le ore 14 6,50 euro
Ridotto 3,75 euro per i cittadini della Unione Europea tra i 18 e i 24 anni, docenti della Unione Europea
Gratuito per i cittadini della Unione Europea sotto i 18 e sopra i 65 anni