Mostre ed incontri artistici - Febbraio 2009
Stampato da: GinoRamaglia.it
Forum: Mostre ed Eventi Artistici
Descrizione: Eventi Artistici segnalati mese per mese
URL:http://www.ginoramaglia.it/forum/display_topic_threads.asp?ForumID=7&TopicID=928
Stampato: giovedì 11 giugno 2026 alle 07:44
Topic: Mostre ed incontri artistici - Febbraio 2009
Postato da: Gino
Oggetto: Mostre ed incontri artistici - Febbraio 2009
Postato: martedì 27 gennaio 2009 alle 15:55
adriana@etnikacreative.com
Replies:
Postato da: Gino
Postato: martedì 27 gennaio 2009 alle 21:40
http://www.arsvalue.com/webapp/gw/nl/?aHR0cDovL3d3dy5kYW5pZWxhZ3JpZm9uaS5pdEBAQDIwMDkwMTMxQEBAUFVCX1BST01PQEBAMTU3 Dal 2 febbraio al 1 marzo 2009 Il Grand Visconti Palace, l'esclusivo hotel sito nella centralissima zona di Porta Romana a Milano, ospiterà a febbraio nel luminoso spazio della hall, l’anteprima della personale "La forma dell’indefinito” del Maestro d’arte internazionale Daniela Grifoni. Relazioni Media e Pubblicità
Postato da:
Gino
Postato:
sabato 31 gennaio 2009
alle
10:30
LA FORMA DELL’INDEFINITO
Personale d’arte di Daniela Grifoni, in anteprima a Milano
Grand Visconti Palace - Viale Isonzo 14, Milano
Tutti i giorni, ore 9.00 - 20.00
http://www.arsvalue.com/webapp/gw/nl/?aHR0cDovL3d3dy5kYW5pZWxhZ3JpZm9uaS5pdEBAQDIwMDkwMTMxQEBAUFVCX1BST01PQEBAMTU3www.danielagrifoni.it
Possibilità di parcheggio coperto a pagamento (€ 8,00)
La mostra, dai toni ruggenti, raccoglie opere che vogliono rappresentare la sostanza primaria che sta dietro la forma nota delle cose, in una sorta di mito della caverna di Platone.
La mostra è una metafora della vita, un’ esplosione di spazio, colore e forma; la ricerca poetica per raccontare la nostra essenza si impone con un ritmo incalzante, in una atmosfera singolare ed aperta a tutte le interpretazioni. Una cornice simbolica identifica il teatro della vita: vuoto e pieno.
Si tratta di una serie limitata per la sua valenza. Nelle sue linee viene così esautorata la simbologia del colore, quasi ad essere cromoterapia per lo spettatore, e tutti i cromatismi sono creazione dell’artista.
L’artista – Grifoni Daniela è un maestro d’arte internazionale ed espone le sue opere in importanti gallerie in Italia e all’estero: per citarne solo alcune alla National Gallery di Washington, al Museo d’Arte della Royal House of Portugal, al Museo dell’Opera della Reggia di Caserta.
E’ stata positivamente criticata dal prof. Vittorio Sgarbi, da Paolo Levi, Paolo Manazza, Roberto Moroni, Alfredo Pasolino, Bruno Rosada e Giorgio Righetti; le sue composizioni liriche sono state pubblicate su “I Giudizi di Sgarbi” edito da Mondadori,“Dizionario dell’Arte Moderna 2005” della Mondadori,“Aspetti Storici dell’Arte contemporanea 2005”, catalogo del Museo della Royal House of Portugal, l’Elite.
Grand Visconti Palace - Il Grand Visconti Palace, prestigioso hotel a pochi minuti dal centro di Milano, sorge dalle spoglie di un antico stabile, il mulino Verga, risalente ai primi del ‘900. Oggi, il Grand Visconti Palace si presenta come un vero e proprio Resort in Città, coniugando lo spirito storico dell’edificio e i suoi elementi classici, con l’innovazione e i comfort dei tempi moderni. L’hotel, per i numerosi spazi e servizi a disposizione, è la location ideale per i viaggiatori d’affari, ma anche meta ideale dove soggiornare per week-end indimenticabili a Milano e punto di riferimento per la città attraverso iniziative di classe quali brunch, aperitivi, concerti di musica Jazz. Sviluppatosi su un’ area di 12.000 mq, possiede all’interno un centro congressi all’avanguardia, un centro benessere e il parco interno, unico a Milano.
Grand Visconti Palace
Tel. +39 02 54069504
Fax. +39 02 54069523
mailto:elena.motta@grandviscotipalace.comelena.motta@grandviscotipalace.com
Postato da: Gino
Postato: domenica 1 febbraio 2009 alle 14:30
Via Alabardieri 1 (piazza dei Martiri), 80121 Napoli Italia
Tel. +39 081 0609318 Fax. +39 081 2142623
Postato da: Gino
Postato: lunedì 2 febbraio 2009 alle 18:50
| image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/PAN.JPG |
via dei mille 60, napoli tel. +39.081.7958604-05 fax. +39.081.7958608 info@palazzoartinapoli.net www.palazzoartinapoli.net | ||
| image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2012.JPG
I vs dati sono acquisiti, conservati e trattati nel rispetto del d.lgs. n. 196/2003. Il titolare dei dati potra` richiederne in qualsiasi momento la conferma dell'esistenza, la modifica e cancellazione. Tutti i destinatari della mail sono in copia nascosta (privacy l. 675/96), ma può succedere che il messaggio pervenga anche a persone non interessate, in tal caso vi preghiamo di segnalarcelo rispondendo Cancellami a questa mail precisando l'indirizzo e-mail che verrà immediatamente rimosso. | |||
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 4 febbraio 2009 alle 08:53
6 artisti
a cura di Valentina Carrera
In mostra opere di: Nicola De Benedictis, Giovanni Drogo, Gian Franco Gavirati, Giovanni Grassi, Ezio Mazzella, Ivo Stazio.
ABSTRACT
Tra colore e forma, gesto e materia, impressione ed astrazione; la mostra presenta le opere di sei artisti che rileggendo la figurazione in chiave moderna, volgono lo sguardo al proprio vissuto nel tentativo di cogliere quella sfuggente essenza di cui e' composta la memoria.
APPROFONDIMENTI
I percorsi che si disegnano nelle opere selezionate per questa mostra seguono la via comune di seguire, recuperare e riplasmare la memoria del proprio vissuto attraverso opere in cui il paesaggio scivola verso gli orizzonti astratti delle sensazioni e delle emozioni.
La realtà riproposta dalla memoria infatti, non sempre e' chiara, limpida; i contorni svaniscono, i particolari si dissolvono, ben chiaro tuttavia nell'anima di ognuno rimane il sapore, il calore, la quintessenza, disegnandosi in forma di sfuggente ed allo stesso tempo concreto riflesso d'un esperienza. Paesaggi quindi, vedute per lo piu', ma non solo, interni, stanze ed angoli suggestivi; frammenti di paesaggi dell'anima,
finestre sul passato raccontate dalle diverse identità dei sei artisti: attraverso le materie dagli accesi cromatismi e le scomposizioni dei piani prospettici di vaga reminiscenza cubista delle vedute di Nicola De Benedictis; passando per le colline metafisiche popolate di alberi solitari di Giovanni Drogo che, strizzando l'occhio alle linee di Gauguin e di Cosentino, se ne distaccano per definirsi attraverso decise pennellate di sapore divisionista; proseguendo poi il nostro percorso tra i suggestivi scenari della Valtellina dipinti da Ezio Mazzella, che attinge da Ce'zanne e Morlotti per sfociare in una via espressiva personale e fortemente poetica; ad ancora, continuando verso sentieri sempre piu' legati al naturalismo astratto con le vedute aeree dei paesi e con gli scorci di paesaggi naturali di Gavirati, raccontati percorrendo le geometrie di pastose materie pittoriche che richiamano l'informale di Morlotti; al quale s'ispira, seppur con gesto piu' aggressivo, anche il naturalismo astratto delle vedute sospese tra materia e colore di Stazio; per raggiungere infine alla sintesi pittorica del Colorfield painting espresso nei paesaggi di Giovanni Grassi che, sulle orme di Chighine e di Rothko, conclude il nostro viaggio attraverso i luoghi dell'esperienza vissuta e raccontata di cui e' composta la memoria.
Davide Corsetti
Galleria Zamenhof
via Zamenhof, 11 - Milano
Orario: merc-dom 15-19
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 4 febbraio 2009 alle 08:55
Personale
Paolo Avanzi ripercorre in questa personale la sua evoluzione pittorica nell'ambito della ricerca figurativa, a partire dalle prime opere basate sulla frammentazione e deformazione speculare della figura umana.
I soggetti sono sagome indistinte o volti anonimi sottratti, per cosi' dire, al grigiore della realtà quotidiana, grazie al particolare trattamento pittorico cui li sottopone l'artista.
I soggetti rappresentati risultano frammentati e allo stesso tempo deformati, come attraverso specchi che ne rimandano un'immagine assolutamente originale. Il risultato dell'operazione condotta da Avanzi e' una congerie di tessere di un mosaico irrisolto, quale appunto quello di uno specchio infranto, infranto si' eppure tale da fornire comunque una prospettiva coerente.
Le opere proposte riassumono il percorso evolutivo dell'artista dal 2006 ad oggi. Nelle prime (-Gemelli su sfondo rosso-, -Coppia di gentiluomini-) predomina una geometrica scansione dell'immagine in tessere di uguale dimensione, le quali restituiscono un quadro scomposto nelle tante sfaccettature di un'immagine speculare.
Dal 2007 in poi, alla regolarità geometrica delle singole tessere (in cui e' frammentata l'immagine), subentra un senso di deformazione via via piu' spinto. Il quadro che ne deriva assomiglia a quello di un puzzle, pur mantenendo il carattere di specularità dell'insieme.
Il gesto pittorico si fa meno preciso arricchendosi di suggestioni di tipo espressionistico. Nell'ultima produzione il pittore recupera l'attenzione al dettaglio, che si era attenuata nella tensione di un maggior dinamismo, per salvaguardare l'identità e la riconoscibilità della figura sempre in precario equilibrio tra frammentazione e deformazione.
Delle innumerevoli esposizioni in Italia e all'estero di Paolo Avanzi ricordiamo le recenti personali presso l'Atelier Chagall di Milano e la Galleria Emmediarte di S. Stefano Belbo, nonche' la partecipazione alle fiere d'arte di Agrigento, Forli', Reggio Emilia, Bergamo, Viterbo, Como, New York, Miami, Seoul. Paolo Avanzi partecipa al progetto espositivo -Giu' la maschera!-, curato da Adelinda Allegretti, in programma da febbraio a marzo presso il Museo Civico -Umberto Mastroianni- di Marino (Roma), la Galleria AB-Arte Bastia di Milano e la New Artemisia Gallery di Bergamo.
Inaugurazione 4 febbraio 2009, ore 19.00
Ristorante Santa Lucia
Via Carcano, 14 - Varese
orario: da Lunedi' a Domenica 12.00 - 23.00 . Giovedi' chiuso.
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 4 febbraio 2009 alle 09:05
un contenitore riempito volta per volta,
nato dalla collaborazione di 7 giovani fotoreporter corrispondenti di agenzie italiane ed internazionali, che si inoltrano da anni nella cronaca dei fenomeni sociali.
l'inizio del suo viaggio attraverso immagini utili alla nostra memoria storica che hanno come obbiettivo il racconto di informazione.
L'approfondimento dei singoli reportage è affidato allo scorrere dello slide-show nella sala video del è
http://
mailto:trip@cra.na.ittrip@cra.na.it
image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/liquid.jpg image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2017.jpg
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 4 febbraio 2009
alle
19:38
Video Art & Architecture event
Location: National Center for Contemporary arts, Moscow - Russia
Guenter Stoeger . Austria | Fani Zguro . Albania | Eltjon Valle . Albania | Lorenzo Fumagalli . Italy | Rebecca Digne . France | Ane Fabricius Christiansen . Denmark | Guillaume Bottazzi . France | Claudia Paim . Brasil | Rita Laslberger . Austria | Guenter Pusch . Germany | Barbara Knezevic . Ireland | Jessica Westbrook . USA | Guillaume Le Moine . France | Azra Svedruzic . Croatia | Alison Williams . South Africa | Stefano Fanara . Italy | Andreina Polo . Italy | Alessio Ancillai . Italy | Gregory Steel . USA | Tamara Erde . Israel | Eva Maria Neuper & Claudius Duschek . Austria | Luca Curci . Italy | Nadia Perrotta . Italy | Juan Carlos Sanchez Duque . Spain | Marc Carniel . Belgium | Hagackure . Italy | Aranka Israni . USA | Roy Samaha . Lebanon | Donato Maniello . Italy | Basak Kaptan . Turkey | Nervo&Tes . Italy | Renata Szulczynska . Poland | Verika Kovacevska . UK | Timotheus Tomicek . Austria | Achilleas Kentonis & Maria Papacharalambous . Cyprus | Francesca Sandrini . Italy | Titusz Tarnai . Austria | Justin Randolph Thompson . USA/Italy | Jeremy Newman . USA | Ye Leen Lee . USA | Hilda Hiary . Jordan | Lisa Yachia . Italy | Vasco Pedro Rodrigues . Portugal | Jean-François Karst . France | Maurizio Piccirillo . Italy | Mauricio Mayorga . Colombia
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 4 febbraio 2009 alle 19:41
PAPERMADE
Via S.Brigida 76
80132 Napoli
tel/fax: ++39.081.5529169
web: http://www.annarumma404.comwww.annarumma404.com
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 4 febbraio 2009 alle 20:13
idea di città quale evento estetico, realtà interculturale. Si tratta di un “fenomeno puramente urbano”, sosterebbe Pierre Restany, che intende “la città come un serbatoio d’arte con il suo traffico, con le sue secrezioni umorali – i comportamenti della gente – attraverso tutte le possibilità d’incontri ed interscambi”.
- atmosfere in cui la figura quasi si liquefa - oppure alla serie Shoes quasi un invito a seguirla nel luogo dell’immaginifico, come Alice Oltre lo specchio.
Museo Zoologico – Centro Musei delle Scienze Naturali, Università degli Studi di Napoli Federico II (Via Mezzocannone, 8 – 80134 Napoli; tel. 081-2535164), la mostra curata da Maurizio Vitiello, intitolata “Zoophantasy”, con opere recentissime, in tecnica mista dell'artista iperspazialista Maria Pia Daidone.
Postato da:
Gino
Postato:
giovedì 5 febbraio 2009
alle
09:05
Postato da: Gino
Postato: giovedì 5 febbraio 2009 alle 09:08
Velocita' + Arte + Azione
a cura di Giovanni Lista, Ada Masoero
Milano, la città che sale - qui il Futurismo e' nato e ha vissuto la sua prima, entusiasmante stagione - dedica al Centenario di questa avanguardia rivoltosa e visionaria una mostra esplosiva promossa dal Comune di Milano e da Skira Editore, curata da Giovanni Lista e Ada Masoero e prodotta da Palazzo Reale in collaborazione con Skira e Arthemisia, che occuperà, eccezionalmente, l'intero piano terreno della Reggia milanese e che sarà l'evento centrale di un ricchissimo programma di iniziative promosso dal Comune di Milano, con manifestazioni di teatro, cinema, danza, moda, che faranno della città, per l'intero 2009, la capitale del Futurismo.
Sono circa quattrocento le opere che la compongono, oltre 240 delle quali sono dipinti, disegni, sculture, mentre le restanti spaziano dal paroliberismo ai progetti e disegni d'architettura, alle scenografie e costumi teatrali, dalle fotografie ai libri-oggetto, fino agli oggetti dell'orizzonte quotidiano: arredi, oggetti di arte decorativa, pubblicità, moda, tutti segnati dall'impronta innovatrice del Futurismo.
Unica tra le numerose manifestazioni espositive del Centenario, questa mostra intende infatti documentare l'intero, vastissimo campo d'azione del Futurismo, ponendo l'accento sulla sua generosa e per certi versi utopistica volontà di ridisegnare l'intero ambito dell'esperienza umana in una chiave inedita. Ridurre l'esame del Futurismo alla sola pittura e scultura rischia infatti di snaturarne il volto, cancellando quella che resta la sua piu' vistosa e ineguagliata specificità.
Non solo, ma poiche' il Futurismo non opero' nei soli, piu' celebrati, anni Dieci, ma fu vitale per almeno un trentennio, la mostra ne rileggerà l'intera estensione, fino allo scadere degli anni Trenta, ampliando poi ulteriormente il suo orizzonte temporale per evidenziare da un lato le eredità che raccolse, dall'altro i lasciti che seppe affidare alle generazioni future: il percorso si avvia infatti nell'ultimo decennio dell'Ottocento, documentando la cultura visuale entro cui il Futurismo si formo' e si inoltra nella seconda metà del Novecento, con alcuni dei protagonisti di quella stagione (Fontana, Burri, Dorazio, Schifano, i poeti visivi) che al Futurismo guardarono o resero un esplicito omaggio.
Cosi' come i futuristi volevano porre lo spettatore -al centro del quadro-, un allestimento fitto e incalzante porrà il visitatore -al centro del Futurismo- in una mostra vitale, esuberante e polifonica come fu quella straordinaria e irripetibile avanguardia, che da Milano si irradio' nell'intera Italia e di qui in Europa, coinvolgendo una vera folla di artisti.
Tuttavia, di tutti coloro che in Italia operarono in seno al Futurismo si e' scelto di presentare solo quelli che diedero un piu' importante contributo alla causa, sul piano della qualità della loro ricerca o sul versante del dibattito teorico: entrati nel nuovo secolo, e' infatti ormai possibile gettare su questo movimento uno sguardo che travalichi la mera cronaca per servirsi dei soli strumenti della storia e della storia dell'arte.
Sezioni della mostra
Prima del Futurismo
La mostra si apre con una panoramica della cultura visiva lombarda di fine Ottocento. Ecco allora il Simbolismo notturno e visionario, di segno -nordico-, di Alberto Martini, Romolo Romani e Luigi Russolo e, insieme, la scultura di Medardo Rosso, creatore di una forma instabile, fusa nell'atmosfera e smaterializzata dalla luce cui attingeranno i futuristi. Ed ecco il Simbolismo di segno piu' mistico di Gaetano Previati, ma anche l'arte impegnata nel sociale di Pellizza da Volpedo, tutti rappresentati con opere capitali, che scatenarono al loro tempo un acceso dibattito. Ma già in questa sezione d'avvio entrano in scena i cinque firmatari dei manifesti pittorici del 1910: Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini, la cui militanza in seno al Divisionismo, nelle sue diverse declinazioni, viene ampiamente documentata: perche', come scrissero essi stessi in Pittura futurista. Manifesto tecnico: -Non puo' sussistere pittura senza divisionismo-.
F.T. Marinetti
Tocca poi alla figura di Filippo Tommaso Marinetti fungere da snodo tra questa stagione ancora radicata nell'Ottocento e la nuova, deflagrante età dell'avanguardia: e' lui infatti il vero detonatore del nuovo corso dell'arte italiana, il demiurgo della rivoluzione estetica che segna trent'anni del nuovo secolo. Di qui in poi la mostra e' articolata per decenni, secondo un percorso che si propone di individuare la dominante estetica di ognuno.
Gli anni Dieci e il Dinamismo plastico
Con il tema del dinamismo si introduce nell'arte quello che viene inteso come il nuovo valore assoluto della modernità. Non piu' un'arte statica, estranea al flusso del reale, ma un'arte capace di incorporare in se' la vita in quanto pulsione vitale e di connettersi alla realtà nel suo farsi. Questi anni, illustrati in mostra da un centinaio di preziose opere giunte da importanti raccolte pubbliche e private, rappresentano la fase piu' sperimentale del Futurismo e le proposte estetiche formulate dai protagonisti sono numerose e articolate, scaturite ora dal confronto dialettico con il Cubismo (in Boccioni dopo il 1912 e anche piu' precocemente in Carrà), ora da un'evoluzione personale, come accade a Balla, che sin dal 1915 giunge alle soglie dell'astrazione pura, ora invece derivate dall'apporto di idee delle generazioni piu' giovani di futuristi, che portano linfa nuova al movimento. Fra questi ci sono i giovani che con manifesti e scritti teorici contribuiscono al dibattito sul dinamismo plastico (come Depero e Prampolini) sia altri artisti, come Sironi, che transita per il movimento declinandone i principi in modo del tutto personale, o Soffici, che da Firenze conduce la sua battaglia per il nuovo, o come alcuni dei membri del gruppo Nuove Tendenze (Funi e Dudreville soprattutto): tutti artisti che, spesso in modo decisamente autonomo, danno un apporto significativo alle ricerche futuriste.
Gli anni Venti e l'Arte meccanica
Lungo gli anni Venti, in un'Europa impegnata nella ricostruzione e nella riconversione industriale dopo la Grande Guerra, l'arte futurista appare fortemente connotata da una nuova esigenza di ordine e di chiarezza, ponendosi --- in stretta consonanza con l'appello, diffuso un po' dovunque, del -ritorno all'ordine-. Il Futurismo non si pone piu', dunque, in antagonismo bensi' in piena e stretta concordanza con le altre avanguardie europee, contribuendo a mantenere aperta una dimensione internazionale dell'arte italiana anche in questi anni politicamente bui, in cui si insedia e si impone il fascismo. Balla, il vecchio maestro capace pero' di sempre nuove invenzioni, crea in questi anni dipinti caratterizzati da rigide architetture formali, posti quindi sotto il segno del -macchinismo-, sebbene non vi figuri una sola macchina. Depero, che già nel pieno degli anni Dieci aveva inaugurato il filone dell'arte meccanica, prosegue su questa strada dando vita a un'inedita e personale vicenda in cui il Futurismo entra in consonanza con la metafisica, ibridandosi in opere singolari immerse in un tempo fermo e sospeso; Prampolini, grazie anche alla sua rivista Noi, da subito aperta all'Europa, e' il tramite con le altre avanguardie internazionali e crea opere dalle fitte concatenazioni prima di piani, poi di volumi. I futuristi torinesi, Fillia, Diulgheroff, Farfa, Mino Rosso, che nella seconda metà del decennio tengono alto e vivo il dibattito teorico, formulano da parte loro opere esemplari di questa temperie meccanica e del nuovo culto della macchina, ora intesa come -idolo- dispensatore di rigore geometrico e di nitore formale.
Gli anni Trenta e l'Aeropittura
Nelle opere esposte in questa sezione viene esemplificato un inedito alfabeto della modernità, declinato secondo le due direttrici fondamentali dell'esperienza fisica e mentale del volare. Frutto della nuovissima avventura percettiva consentita dal volo aereo, l'Aeropittura apre orizzonti inattesi, rimettendo in discussione quei codici della prospettiva che da sempre costituivano i principi ineludibili della pittura italiana. Con il volo aereo la prospettiva rinascimentale si annulla: la visione si fa strapiombante, i rapporti spaziali si distorcono, gli orizzonti si incurvano, trasferendo l'uomo -volante- in una dimensione spaesante e talora perfino allucinatoria.
Se per alcuni lo sguardo si volge dall'alto verso il basso, per altri la prospettiva si inverte e l'occhio si alza a penetrare le profondità del cosmo. Il volo si fa cosi' esperienza mentale, incarnando l'utopia antica del mito di Icaro, cioe' dell'uomo che affonda lo sguardo nel mistero del divino. È il versante fascinoso dell' Idealismo cosmico, dalla cui costola prende forma l'esperienza del Polimaterismo: in seno a questa nuova sensibilità -cosmica- Prampolini trasfigura infatti la materia caricandola di inediti valori emozionali, fino a -spiritualizzarla-.
Completano l'indagine sul Futurismo importanti opere appartenenti agli altri innumerevoli ambiti che questa generosa avanguardia ha investito con i suoi principi: in mostra figurano cosi' delle sezioni dedicate all'esperienza dirompente del Paroliberismo; alle sperimentazioni messe in atto nella fotografia e nel cinema; alle ricerche innovative condotte nell'ambito della musica, della scena e del teatro (qui si potranno ammirare due straordinarie ricostruzioni di scenografie di Balla e Depero); alle futuribili novità concepite nell'architettura come nelle arti decorative, nella pubblicità, nella moda.
Da ultimo, una sezione intitolata Dopo il futurismo presenta opere di Fontana, Burri, Schifano, Dorazio, e di esponenti della Poesia Visiva come Miccini e Pignotti, documentando, tanto l'azzeramento dell'arte operato dalla nuova generazione del dopoguerra, quanto l'omaggio, ideale ma palpabile e talora dichiarato, che questi artisti, ognuno a suo modo, hanno reso al Futurismo.
Una saletta cinema, con un montaggio di spezzoni di film futuristi chiude il percorso di questa imponente rassegna che vuole ripercorrere nel modo piu' esaustivo, in occasione del suo entenario, la leggendaria storia del movimento futurista.
...............
In occasione dell'inaugurazione: "Il Suono della Guerra dei Suoni"
Una grande performance di proiezioni con giochi di luce e live painting ispirati all'arte futurista investirà tutti gli spazi esterni e le facciate del palazzo. A cura di Castagna & Ravelli, lo spettacolo riflette con gli occhi di oggi sul tema della luce e dell'energia, caro all'estetica futurista. Accompagna questo evento -Il Suono della Guerra dei Suoni-, un'installazione sonora realizzata da AGON, centro milanese di produzione e ricerca musicale, che si propone di utilizzare i -suoni della guerra- duplicandone simbologie e articolazioni: dalla ricostruzione credibile di scenari sonori alla decontestualizzazione dei suoni verso una musica di rumori espressivi.
Piazzetta Reale, androne e cortile di Palazzo Reale, Mediafacciata Arengario.
Da giovedi 5 a domenica 15 febbraio, ogni giorno dalle 18.30 alle 23.00
info: AGON acustica informatica musica, tel. 02/64429289.
UFFICI STAMPA:
Lucia Crespi
T +39 02 89415532 - T +39 02 89401645 mailto:lucia@luciacrespi.itlucia@luciacrespi.it
Ufficio Stampa Arthemisia
Alessandra Zanchi T +39 0721 370956 mailto:az@arthemisia.itaz@arthemisia.it
Ufficio stampa Comune di Milano
Martina Liut T +39 02 88456796 mailto:martina.liut@comune.milano.itmartina.liut@comune.milano.it
Per Info: +39 0254919
email: mailto:info@adartem.itinfo@adartem.it
web: http://www.futurismo.milano.it/" target=_blank>http://www.futurismo.milano.it
Vernice per la Stampa Giovedi' 5 febbraio 2009, ore 12.00
Inaugurazione Giovedi' 5 febbraio 2009, ore 17.30 (l'ingresso e' su invito)
Palazzo Reale
piazza Duomo, 12 Milano
orario: Tutti i giorni 9.30-19.30, Lunedi' 14.30-19.30, Giovedi' 9.30-22.30
(La biglietteria chiude un'ora prima)
biglietti: Intero - 9,00. Ridotto - 7,50. Ridotto scuole - 4,50
Postato da: Gino
Postato: giovedì 5 febbraio 2009 alle 09:19
Mostra internazionale d'arte geometrica
a cura di Saverio Cecere e Rosario Pinto
Con questo titolo molto particolare di In-forma geometrica si e' voluto dar corpo ad una rassegna espositiva che abbia l´ambizione di porsi come un riferimento di sicuro indirizzo per una creatività artistica che - all´avvio ormai maturo del nuovo millennio - attesti l´ineludibilità di un progetto compositivo alla radice stessa d´una produzione artistica che non intenda abbandonarsi alla mera deriva dei sentimenti, ma che voglia tentare di fornire una spiegazione dell´oggettività delle cose e delle strutture profonde del reale.
Cio' che, inoltre, intende conseguire questa rassegna e' il risultato d´un additamento etico all´interno della grande famiglia stilistica dell´astrazione geometrica, dimostrando che, al di là delle segmentazioni specifiche, esiste un denominatore comune che accorpa le scansioni particolari nel segno unificante della ricerca d´una razionalità espressiva.
In tal modo, l´astrazione geometrica diventa effettivamente la grande casa comune di tutte quelle opzioni creative che si volgono ad un´analisi del reale estrapolandone le ragioni formali ed emotive additando, peraltro, costantemente il peso del loro impatto sulla psicologia individuale e sui nessi storici che da tutto cio' si diramano.
E´ una rassegna articolata e complessa, quindi, questa che si inaugura il 5 febbraio, alle ore 17,30 nelle sale del Castello Angioino di Napoli, promette d´avviare un importante dibattito non solo all´interno della critica d´arte, ma anche tra gli artisti stessi, dal momento che essa ha scelto di proporre - anche grazie al contributo fornito dai molti operatori provenienti da tutte le parti del mondo - il suggerimento d´un´istanza di rinnovamento sulla cui articolazione occorre animare la discussione partendo, comunque, dall´irrinunciata coscienza della centralità geometrica nel cuore stesso del processo delle dinamiche dell´astrazione.
La mostra viene accompagnata da un volume, con 250 tavole a colori delle opere, testi teorici, e storiografici dei gruppi e movimenti che hanno operato nel campo dell´Astrazione Geometrica a partire dal XIX ad oggi.
Gutenberg edizioni, Penta, (SA).
La mostra comprende 50 artisti provenienti da Venezuela, Argentina, Brasile, Equatore, Colombia, Francia, Germania, Paesi Bassi, Austria, Polonia, Gran Bretagna, Egitto, Italia.
La mostra e' stata organizzata da: Saverio Cecere, Renato Milo, Antonio Perrottelli, Rosario Pinto
Umberto Chieffo, Enzo Angiuoni: ARTEUROPA , Atripalda ( AV), Italia, Luis Miguel Molina, Caracas, Venezuela;
Roland de Jong Orlando: IDAC (International Dimension Art Concrete), Burgerbrug - Paesi Bassi
Hernan Jara - Nicole Guyhart: Art Construit International, Parigi, Francia
Andre Landi: Gutenberg Edizioni, Penta ( SA), Italia
Anna Canali - Arte Struktura, Lonato sul Garda, Brescia, Italia.
Inaugurazione 5 febbraio, alle ore 17,30
Maschio Angioino
piazza Municipio, Napoli
Postato da: Gino
Postato: giovedì 5 febbraio 2009 alle 09:25
cinema & musica
--Tornando al Manifesto del Faro (il 20 febbraio 1909), cosi' nasce quello che dovrà essere poi il mondiale sconvolgimento nell'arte e nella vita: il Futurismo; al quale tutti dovranno e dal quale tutti prenderanno. -Infatti, il Futurismo, sprigionandosi unicamente con scintilla letteraria, scoppio' e divampo' fulmineo con sbandieramenti di striscioni multicolori a lungo metraggio, in tutto l'Universo, (uno in via dei Mille, a Napoli mi magnetizzo'), coinvolgendo tutte le arti: poesia pittura musica scultura cinema architettura. Quindi automaticamente straripo' nella vita e nella politica-.
Francesco Cangiullo, Prefazione Le Serate Futuriste
Casa Editrice Ceschina, Milano 1961
Tra il 1890 ed il 1930 una pletora di gruppi, scuole e movimenti propagano le loro dottrine artistiche attraverso performances, giornali, pamphlets e manifesti per stabilire chiare distinzioni tra le precedenti formule artistiche di produzione e la radicale rivoluzione culturale dell'Avanguardia. Un gran numero di nuove scoperte ed invenzioni tecnologiche segna profondamente la quotidianità e cambia la percezione dell'universo fisico. Gli artisti sperimentano nuove modalità di espressione per rappresentare l'instabile e indeterminato stato dell'esistenza ed offrire una prospettiva differente dell'individuo e della società. Il trionfo della -sensazione dinamica- contro la -fissità del momento- porta gli artisti a testare le loro idee attraverso la performance e il cinema, per raggiungere il pubblico e cosi' ri-assettare la loro nozione di arte e cultura.
Nell'ambito delle celebrazioni del Centenario del Manifesto Futurista, SERATE FUTURISTE CINEMA & MUSICA condensa opere filmiche futuriste o riconducibili al futurismo a confronto tra Italia, Francia, Germania, Russia e USA, selezionate da Mario Franco, nonche' registrazioni audio d'epoca e letture poetiche di autori contemporanei.
-Occorre liberare il cinema come mezzo di espressione per farne lo strumento ideale di una nuova arte immensamente piu' vasta e piu' agile di tutte quelle esistenti. Siamo convinti che solo per mezzo di esso si potrà raggiungere quella poliespressività verso la quale tendono tutte le piu' moderne ricerche artistiche. -Nel film futurista entreranno come mezzi di espressione gli elementi piu' svariati: dal brano di vita reale alla chiazza di colore, dalla linea alle parole in libertà, dalla musica cromatica e plastica alla musica di oggetti-, estratto dal Manifesto del Cinema 1916 che verrà letto da Tommaso Ottonieri la prima Serata (5 febbraio ore 19.00 - Museo Nitsch) per introdurre la visione dei films di Jean Mitry, Vittorio Armentano e James Sibley Watson & Melville Webber.
PROGRAMMA
Giovedi' 5 febbraio ore 19.00
Manifesto del cinema futurista - 11 settembre 1916
Lettura di Tommaso Ottonieri
Pacific 231 1949, Francia, b/n, musica di Arthur Honneger, 11 min.
Jean Mitry
Futurismo 1992, Italia, b/n e colore, sonoro, prod. Istituto Luce, 55 min.
Vittorio Armentano
The Fall of the House of Usher 1928, USA, b/n, 12 min.
James Sibley Watson e Melville Webber
Giovedi' 12 febbraio ore 20.00
Aelita, regina di Marte 1924, Russia, b/n, 112 min.
Yakov Protazanov
Giovedi' 19 febbraio ore 20.00
Dnevnik Glumova 1923, Russia, b/n, 7 min.
Sergei M. Eizenstein
Le Ballet Me'canique 1924, Francia, b/n, 16 min.
Fernand Le'ger
Rebus-film 1925, Germania, b/n, 15 min.
Paul Leni e Guido Seeber
Vormittagsspuk 1928, Germania, b/n, 10 min.
Hans Richter
Manahatta 1921, USA, b/n, 10 min.
Paul Strand e Charles Sheeler
Manifesto futurista video, 1 min.
Lettura di Carmelo Bene
Parole in libertà registrazione del 1913, 3 min.
Spiralando sul golfo di Napoli registrazione radio del 1936, 1 min. 30 sec.
Filippo Tommaso Marinetti
Intonarumori video, 3 min.
Luigi Russolo
Sabato 21 febbraio ore 18.00
Lello Voce
presenta
L'esercizio della lingua
Poesie 1991-2008
Edizioni Le Lettere
con la partecipazione di
A67
Gabriele Frasca
Canio Loguercio
Roberto Paci Dalo'
Raiz
Giovedi' 26 febbraio ore 20.00
Entusiasmo (Sinfonia del Donbass) 1931, Russia, b/n, sonoro, 70 min.
Dziga Vertov
Giovedi' 5 marzo ore 19.00
Piedigrottesco
di Giovanni Fontana
su Piedigrotta 1913 del parolibero Francesco Cangiullo futurista napoletano
musica di Luca Salvadori
Giovanni Fontana voce, trombette, fischi, sirene e percussioni
Luca Salvadori pianoforte preparato e percussioni
Giovanni Fontana e Luca Salvadori sound design
Celovek s Kinoapparatom (L'uomo con la macchina da presa) 1929, Russia, b/n, 70 min.
Dziga Vertov
Weekend 1930, Germania, 11 min. 30 sec.
Walter Ruttmann
Domenica 8 marzo ore 18.00
AVANGUARDIE AL FEMMINILE
Olympia I.Teil Fest der Völker (Parte Prima: Il Festival del Popolo) 1938, Germania, b/n, sonoro, 110 min.
Leni Riefenstahl
Visual variations on Noguchi 1945, USA, b/n, 4 min.
Marie Menken
Giovedi' 12 marzo ore 20.00
Les Myste'res du Château de De' 1929, Francia, b/n, 25 min.
Man Ray
Traite' de bave et d'e'ternite' 1951, Francia, 130 min.
Jean Isidore Isou
Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch
Vico Lungo Pontecorvo 29D - 80135 Napoli
Postato da: Gino
Postato: giovedì 5 febbraio 2009 alle 09:29
|
Napoli - dal 5 al 27 febbraio 2009 |
| |||||||||||||||||||||||||||||
Postato da: Gino
Postato: giovedì 5 febbraio 2009 alle 18:55
image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2024.gif
e alla degustazione
"
Greco di tufo,Falanghina e Aglianico vinificati con metodo classico grazie alla consulenza di Selosse.
image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/liquid.jpg image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2026.jpg
Postato da:
Gino
Postato:
giovedì 5 febbraio 2009
alle
19:16
February 5th - Competition opens
March 10th - Submission deadline
March 20th - Results announced
August 14th through September 2nd - Exhibition for the selected artists
Evelyn Asor
Marketing Coordinator
212-226-4151
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:10
The Bay of Naples
La galleria Alfonso Artiaco e' lieta di annunciare l'inaugurazione della mostra personale di Lawrence Weiner -The Bay of Naples- venerdi' 6 febbraio 2009 alle 19.30, in presenza dell'artista. Per la terza personale alla galleria Alfonso Artiaco, Lawrence Weiner, figura centrale tra i fondatori della Conceptual Art, interviene nello spazio di piazza dei Martiri con nuove installazioni sui muri di grande formato e opere su carta, riferite alla realtà napoletana.
Lawrence Weiner ha formulato il suo lavoro, sin dal 1967, ricorrendo al linguaggio piuttosto che a medium tradizionali quali la pittura o la scultura, considerando esso stesso un oggetto materiale. Nel linguaggio, l'artista americano trova uno strumento per la rappresentazione materiale dei rapporti del mondo esterno eliminando tutti i riferimenti alla soggettività artistica, tutte le tracce della mano dell'artista, la sua abilità, o il suo gusto. Utilizzando, dove possibile, simboli semantici e grammaticali, egli ha articolato il suo lavoro in termini inequivocabilmente diretti. Tale scultura, chiara e concisa, sotto le forme di statements, e' progettata per offrire una nuova definizione del rapporto tra l'artista e lo spettatore: -una comune universale possibilità di accesso- (Lawrence Weiner). Tutti i lavori creati per luoghi specifici sono presentati, per questo, non solo in inglese ma anche nella lingua del paese che li ospita, proprio per una volontà dell'artista di trasgredire i convenzionali confini del linguaggio stesso e lasciare una libera interpretazione.
Durante questi quarant'anni la produzione artistica di Lawrence Weiner si e' presentata in diverse forme dai primi film e video sperimentali, a performances, libri d'artista ad opere temporanee, e inoltre con numerosi progetti su larga scala di arte pubblica per le città di Vancouver, Vienna, Eindhoven, New York. Tra le importanti mostre recenti si annoverano quelle del Deutsche Guggenheim, Berlino (2000), del Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Città del Messico (2004), della Tate Gallery, Londra (2006), Castello di Rivoli (2006). Nel 2007 il Whitney Museum, in collaborazione con il MOCA di Los Angeles, ha organizzato la prima grande retrospettiva del lavoro di Weiner, andata successivamente al K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen Museum di Dusseldorf.
L'artista, nato nel 1942, vive e lavora tra New York ed Amsterdam.
Inaugurazione 6 febbraio 2009
Alfonso Artiaco
piazza dei Martiri, 58-I - Napoli
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:16
Franco e Paolo Spinola e la Galleria Nazionale di Palazzo Spinola
Mostra a cura di Farida Simonetti con la collaborazione di Gianluca Zanelli
A concludere il percorso di celebrazioni intorno alla ricorrenza del cinquantenario della donazione da parte dei marchesi Spinola del palazzo di Pellicceria, il 31 maggio 1958, e dell'apertura al pubblico dello stesso come Galleria Nazionale di Palazzo Spinola il 16 maggio 1959, si propone un'articolata mostra che comprende tre momenti fondamentali:
1. Una nuova sala permanente dedicata ai donatori
2. Una mostra di dipinti inediti della donazione Spinola al Sovrano Militare Ordine di Malta
3. Una nuova proposta di visita della Galleria Nazionale di Palazzo Spinola
1. D'ora in poi la visita della Galleria prenderà avvio al piano terra del palazzo, nella storica -stanza delle portantine-, dove e' stata allestita, su progetto di Giulio Sommariva e Danilo Cafferata, la sala dedicata ai due donatori, Franco e Paolo Spinola, alla loro vita e alla loro famiglia. Grazie ai documenti e ai ricordi personali rimasti nel Palazzo di Pellicceria si ripercorrono le tappe della carriera militare in Marina di Franco, la sua costante passione per il mare, passata, dopo l'impegno nelle due guerre riconosciuto da diverse onorificenze, dalle cacciatorpediniere agli yacht con i quali visse nel mondo velico internazionale anche ricoprendo la carica di Presidente dello Yacht Club Italiano, di cui era socio come il fratello Paolo e già il padre Ugo.
Ritratti, foto storiche, miniature, divise militari e medaglie fanno rivivere la vita della famiglia dei due ultimi eredi degli Spinola di Luccoli che furono proprietari del palazzo e che vollero disporne trasformando la secolare dimora di famiglia in un museo pubblico.
Per creare al visitatore uno strumento di approfondimento della conoscenza del patrimonio della Galleria, nella sala viene esposta una gigantografia del disegno appositamente elaborato da Guido Zibordi Marchesi per visualizzare quello che si puo' definire -l'albero genealogico dell'eredità Spinola-, quindi, in ultima analisi, l'albero genealogico -del museo- risultato delle ricerche condotte da Matteo Moretti sui documenti dell'Archivio storico del Palazzo. E' grazie a questa visualizzazione che risulta evidente la caratteristica principale del patrimonio della Galleria Nazionale di Palazzo Spinola, ovvero quello di essere il risultato di un secolare constante confluire nella dimora aristocratica di beni artistici e storici, a partire dal Cinquecento, con la famiglia Grimaldi a cui si deve la costruzione del palazzo, sino a Franco e Paolo Spinola, e quindi allo Stato Italiano. Di ciascuna fase e' stato ricostruito il singolo nucleo di opere ancora conservate nel palazzo grazie agli studi di Gianluca Zanelli (famiglie Grimaldi e Serra), Farida Simonetti (famiglie Pallavicino e Spinola di San Luca), Piero Boccardo (famiglie Spinola di Luccoli, Balbi e Durazzo) e Matteo Moretti (famiglia Fieschi).
2. Il patrimonio di Franco e Paolo, cosi' formatosi attraverso una stratificazione di secoli, era un patrimonio unico distribuito tra il palazzo di Pellicceria e la villa di San Michele di Pagana (Rapallo). Quest'ultima, per decisione testamentaria di Franco e per donazione di Paolo, diviene nel 1959 del Sovrano Militare Ordine di Malta. Della ricca quadreria donata in quel momento all'Ordine, fino a maggio, grazie alla fondamentale collaborazione dell'Ordine, partecipe del desiderio di onorare la figura dei due donatori, nel primo ammezzato della Galleria possiamo presentare al pubblico per la prima volta, alcuni dipinti inediti. Si tratta di una serie di sei ritratti femminili sei-settecenteschi di nobildonne, e in particolare di un Ritratto di dama realizzato da Artemisia Gentileschi (1620-1625 ca.), di due grandi ritratti dei maestri francesi François de Troy (1713) e Nicolas de Largillie're (1710-1712) e di tre tele di significativi ritrattisti genovesi attivi all'inizio del Settecento come Domenico Parodi e Mulinaretto, opere di cui si devono a Daniele Sanguineti le schede in catalogo. Ma insieme a questi ritratti e' un importante obbiettivo raggiunto la presentazione dell'eccezionale recupero di un inedito dipinto di Luca Giordano raffigurante La fuga di Enea da Troia dalle considerevoli dimensioni di cm 267 x cm 409, interessante opera della maturità del pittore (1665-1670 ca.) presentata in catalogo da Nicola Spinosa, Soprintende del Polo Museale napoletano. La mostra infatti e' stata occasione per sottoporre il dipinto ad un necessario improcrastinabile restauro realizzato da Nino Silvestri che ha messo a punto un intervento complesso e delicato reso possibile grazie all'impegno del FAI REGIONE LIGURIA, in particolare del suo presidente Andrea Fustinoni, insieme al FAI TIGULLIO e FAI GENOVA.
3. La stratificazione del patrimonio della Galleria come risultato del contributo nel tempo di tante famiglie non solo quelle che sono state proprietarie del palazzo -Grimaldi, Pallavicino, Doria, Spinola di San Luca, Spinola di Luccoli- ma anche Durazzo, Balbi, Serra che con quelle sono state variamente legate e imparentate e' certo caratteristica identitaria di quanto oggi ancora visibile a Pellicceria. Proprio questo aspetto e' quello che si vuole suggerire al visitatore come lettura di quanto esposto in ogni sala. Il nuovo apparato illustrativo, progettato da Paola Marelli, si inserisce nel percorso dei due piani storici rendendo immediata la conoscenza della provenienza delle opere dalle diverse famiglie. Questo nuovo modo di guardare le sale e -smontare- i nuclei di opere che le compongono, insieme alla testimonianza di quanto Franco e Paolo Spinola possedevano a San Michele di Pagana, permette di valutare la complessità e ricchezza del patrimonio che i due fratelli, alla fine della loro vita, decisero di destinare in parte allo Stato italiano, in parte all'Ordine di Malta.
Immagine: Luca Giordano
Galleria Nazionale di Palazzo Spinola
piazza di Pellicceria, 1 Genova
Orari Museo
martedi'-sabato: 8.30-19.30
domenica e festivi: 13.30-19.30
lunedi': chiuso
Biglietti d'ingresso
intero: - 4,00 ridotto: (18-25 anni) - 2,00
gratuito: minori di 18 e maggiori di 65 anni
cumulativo Palazzo Spinola + Palazzo Reale: intero: - 6,50 ridotto (18-25 anni) - 3,25
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:20
|
Cava De' Tirreni (SA) - dall'otto al 14 febbraio 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||
|
| ||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:21
|
Napoli - dal 6 febbraio al 20 marzo 2009 |
| |||||||||||||||||||||||||||||
|
| |||||||||||||||||||||||||||||
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:22
|
Napoli - dal 7 al 17 febbraio 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
| ||||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:23
|
Napoli - dal 7 febbraio al 16 marzo 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 6 febbraio 2009 alle 09:23
|
Napoli - dal 7 febbraio al 2 marzo 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: sabato 7 febbraio 2009 alle 08:59
Postato da: Gino
Postato: sabato 7 febbraio 2009 alle 09:10
The third one
Videoinstallazione
Con il contributo della Provincia di Napoli - Assessorato alla Pace
Questa iniziativa e' contro il sistema della Camorra
Un ringraziamento particolare per aver fatto da ponte con Kabul ad Alberto Landolfi
La Galleria Overfoto inaugura a febbraio The third one, videoinstallazione dell'artista afgano Rahraw Omarzad, nato nel 1964 a Kabul, dove vive e lavora, anche come curatore ed insegnante.
Nel video che dà il titolo alla mostra, lo stile asciutto ed essenziale -cosi' come quello degli altri lavori che saranno in parte proiettati ed in parti mostrati su monitor-, concentra lo sguardo sulla figura della donna, ed esprime una poetica di rivendicazione del ruolo creativo per eccellenza, a lei assegnato dalla natura stessa, e dunque del diritto all'esercizio di tale funzione e alla libertà di espressione.
L'attenzione di questo artista per la tematica femminile, nel complesso contesto culturale e politico afgano, e' frutto di un coraggioso impegno quotidiano sul campo. Egli e' infatti direttore, sin dalla sua nascita nel 2004, del CCAA (Center for Contemporary Art Afghanistan), Istituzione indipendente per l'insegnamento e la diffusione dell'arte contemporanea, che vanta, tra le iniziative piu' degne di nota, la creazione del Centro artistico femminile, impegnato nella rimozione dei numerosi ostacoli che hanno finora impedito alle donne afgane di apprendere le materie di tipo artistico e di potersi esprimere liberamente attraverso di esse. Attualmente frequentano quotidianamente il centro - dove seguono corsi di pittura, fotografia e techiche video - 60 donne residenti a Kabul.
Rahraw Omarzad insegna inoltre presso la Facoltà di Belle Arti dell'Università di Kabul ed e' redattore capo della rivista d'arte Gahnama-e-Hunar.
Inaugurazione sabato 7 febbraio 2009 ore 19.00-22.00
Galleria Overfoto
vico S. Pietro a Majella 6, 80138 Napoli
la galleria e' aperta dal martedi' al venerdi' dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 16.30 alle 19.30, il sabato dalle 11.00 alle 14.00
Postato da: Gino
Postato: sabato 7 febbraio 2009 alle 09:14
Mostra Internazionale D'Arte Contemporanea
a curta di Paolo Vitale e Paula Franca
Dal 7/02 al 17/02 si svolgerà a Napoli presso la Galleria LineaDarte sita in via S.Domenico Soriano 24 la Mostra d´ArteContemporanea Alegri'aWorldArt, curatori dell´evento sono Paolo Vitale e Paula França. L'evento vuole essere un incontro tra diverse discipline e diverse culture,un interscambio di -alegria!- dove i colori e le emozioni sono pronte a parlare e dialogare in un confronto di artisti provenienti da ogni parte del mondo. -Alegri'a- come momento di riflessione in positivo usando il linguaggio universale delle emozioni che si estrinsecano attraverso le forme,le tecniche ed i colori dell´arte. Grazie ad i numerosi artisti che hanno accolto il messaggio, -Alegri'a- ha preso corpo nel segno dell´arte che unisce e non divide, ma e' crescita nell´incontro tra diversità.
Organizzatori e partecipanti, uniti nell´intento di portare -Alegri'a- il piu' lontano possibile, realizzando un´evento che vada molto oltre i confini di una collettiva chiusa in se stessa. Ci saranno artistiche accompagnano la loro opera di persona, creando cosi' un vero momento di dialogo e confronto costruttivo fra arte, artisti e persone.
Fabio Agace Lya Alves Beatrice Basile Lorenzo Basile Ana Maria Cardoso Marco Ciarciaglino Clairet Domenico Corrado Rosy D'Ascola Antonella Da Lio Jacopo Da San Martino Andrea Finocchiaro Paula Franca Pasquale Gatta Guida Gerosa Traudi Hoffmann Luminita Irimia Marina Locastro Monica Lume Loris Manasia Marco Matta Patricia Montegrande Adrianne Moro Fabiola Murri Marcos Oliva Salvatore Orza Bruno Pagliarulo Adilson Pinto Edri Rama Corrado Roccaro Newton Santana Paolo Santo Henry Scherkerkewitz Nicoletta Sciannameo Patty Silva Mariangela Tirnetta Lili Vilela Paolo Vitale Carlo Volpicella Zoro
Inaugurazione alle ore 18.30
LineaDarte
via S.Domenico Soriano, 34 - Napoli
Postato da: Gino
Postato: sabato 7 febbraio 2009 alle 09:27
Geometria e Spiritualita'
a cura di Stefania Bosco
L'Accademia San Martino e il Comune di Carolei, con il Patrocinio della Provincia di Cosenza, presentano la mostra: Silence - Geometria e Spititualita'.
Autori: Geppo Barbieri, Renato Barisani, Cesare Berlingeri, Letterio Consiglio, Salvatore Emblema, Dan Flavin, Elio Franceschelli, Nato Frascà, Raffaele Iannone, Vinicio Momoli, Gian Battista Morana, Rocco Pangaro, Salvatore Pepe, Tarcisio Pingitore
"...Nella loro inesauribile essenza spirituale tutti questi artisti tracciano storie infinite che invitano al silenzio, e ad immergersi nel
vuoto del tempo per recuperare quella purezza primordiale della ragione che e' l'essenza dell'esistenza..." Stefania Bosco (in catalogo)
Patrocini: dell'Amministrazione Provinciale di Cosenza e dell'Amministrazione Comunale di Carolei
Info: telefono evento: +39 3497775087
email: mailto:accademiasanmartino@hotmail.comaccademiasanmartino@hotmail.com
Alla presentazione interverranno:
Umberto Silvagni - sindaco di Carolei
Stefania Bosco - Soprindendenza per i B.A.P.
Eugenio Anselmo - architetto
Giovanna Tartoni - presidente I circoscrizione Comune di Cosenza
Stefania Covello - Assessore alla cultura Provincia di Cosenza
Inaugurazione: Sabato 07 Febbraio 2009 ore 18
Parco storico del Ninfeo di Vadue
Carolei (CS)
Postato da: Gino
Postato: lunedì 9 febbraio 2009 alle 09:57
|
Napoli - lun 9 febbraio 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
| ||||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: lunedì 9 febbraio 2009 alle 12:57
info@fondazionemorra.orginfo@museonitsch.orgwww.fondazionemorra.org
www.museonitsch.org
Postato da:
Gino
Postato:
martedì 10 febbraio 2009
alle
09:53
MindelTilf
a cura di Fabio Vito
Sono dappertutto. Ci fissano penetranti con i loro occhi ipnotici, vogliono divorarci con le loro bocche spalancate mostrandoci i loro denti appuntiti, vogliono spaventarci con la loro mimica, tentano di afferrarci con le loro braccia scheletriche.
Sono le creature mostruose di Tilf, reminescenze primitiviste e dell'immaginario infantile, ibridi uomo-macchina-animale, ma anche giocattoli, robot appartenenti al mondo dei bambini che, come in un incubo, con il loro perturbante fascino, sembrano rivoltarsi contro di noi, rivendicare la loro presenza nella nostra vita.
Sbucano da ogni parte, come per far fronte ad una sorta di horror vacui che non riguarda solo lo spazio fisico della tela (o del muro), ma si estende allo spazio lasciato vuoto nella nostra esistenza dalle cose a cui abbiamo, secondo un processo razionalizzante, consumistico ed economico, tolto priorità quali erano per il nostro io bambino il gioco, lo scherzo, la reverie, la fantasia.
Queste creature fanno di tutto per richiamare la nostra attenzione, non solamente affollando lo spazio o dilatandosi in grandi dimensioni per acquistare visibilità, ma interagiscono con lo spazio stesso (vedi -L'assistente dell'anima-) e, in alcuni casi, conquistando la terza dimensione.
E' questo il caso di -Robolegno-, nato dall'assemblaggio di diversi materiali di scarto (legno, ferro, carta), recuperati da Tilf a cui viene data una nuova vita; dalla loro combinazione prende forma una creatura che, con il suo volto terrificante, sembra rivendicare la presenza di quegli stessi oggetti, della loro storia, di quello che furono, divenuti ormai inutili per il fine primo al quale erano destinati.
Un po' primitivismo, un po' fumetto, un po' street art, le opere di Tilf nascono dalla strada e proprio da essa attingono i materiali dai quali si generano; proprio attraverso la strada a volte si manifestano, si rendono visibili a molti.
Figure essenziali, costituite da linee e forme semplici, sia dal punto di vista compositivo che cromatico (bianco e nero, a volte con l'inserimento di un diverso colore) che nella loro semplicità riescono nell'intento espressivo ad essere efficaci come le figure di Haring.
Le creature di Tilf, a volte mostruose, spaventevoli, perturbanti, a volte buffe e infantili, vogliono forse ricordarci l'importanza di tutto cio' che, per un motivo o per l'altro, abbiamo rimosso, sia dal punto di vista fisico, come i materiali di scarto, apparentemente morti, inutilizzabili, sia dal punto di vista psichico, quali il gioco e la fuga, l'evasione dalla realtà del nostro quotidiano.
inaugurazione mercoledi' 10 febbraio ore 18.30
Risto-bar Scaldasole
Via Volta 41 - Como
orario d'apertura 10-15 18-24
aperto tutti i giorni
chiuso il martedi' sera e la domenica a mezzogiorno
Postato da:
Gino
Postato:
martedì 10 febbraio 2009
alle
09:54
Sguardi e orizzonti
Cio' che emerge in questa esposizione e' il differente approccio pittorico che l'artista ha con generi diversi: il figurativo e l'astratto, il paesaggio e il floreale. La prima percezione, forse fuorviante, e' che a dipingere non sia lo stesso artista. Utilizza in modo disinvolto differenti linguaggi.
Tuttavia questa differenza pittorica e' accomunata dalla stessa basilare passione per il disegno. Disegno che esalta e sottolinea tutto il lavoro creativo di Placci. Profondamente innamorato dei grandi virtuosi sia del passato che del presente, l'artista elabora e sviluppa questi temi adattandoli di volta in volta al soggetto preso in considerazione. Quello di Marcello Placci e' un segno fine che gioca con i chiaroscuri ed i volumi per il figurativo, spesso monocromo, mentre si trasforma, diventa materico e a rilievo per gli astratti. Aggiunge riflessi lucidi o metallici nei paesaggi o nei dipinti floreali: entrambi sono dominati da una grande dinamica cromatica, cosi' come per i pannelli ispirati a meravigliosi ricami delle ali di farfalla. Rossi vivaci e roventi per i petali dei fiori, azzurri e profondi blu per gli infiniti orizzonti marini... Una pittura semplice, che mira a riscoprire la bellezza delle forme, dei colori e delle immagini che ci circondano.
Punto Arte Confartigianato
Viale Mentana 139/a - Parma
Orari da Lunedi' a venerdi' 8-13 14,30-17
Ingresso libero
Postato da:
Gino
Postato:
martedì 10 febbraio 2009
alle
09:55
Collettiva
20 febbraio 1909 sulla prima pagina del quotidiano Le Figaro compare il Manifesto Futurista. Filippo Tommaso Marinetti ne e' l'ideatore solitario. Il manifesto viene letto e discusso in tutta Europa ma Marinetti deve aspettare il 1910 per trovare alleati in Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Luigi Russolo che aderiscono al movimento. E' insieme a loro che iniziano le serate futuriste che spesso finiscono in rissa. L'8 luglio 1910 il famoso lancio in piazza san Marco di 800000 volantini Contro Venezia Passatista.
E' passato un secolo e Venezia, nemica del modernismo, ha saputo solo realizzare il ponte di -Cascatrava-. E' anche per questi motivi che questa nostra azione abbiamo preferito realizzarla a Napoli presso lo spazio del Museo Minimo. Uno spazio che ha dimostrato da sempre coraggio e vitalità e Noi gli siamo sempre stati vicini. Noi non siamo soliti restare alla finestra a guardare, a lamentarci su cio' che non ci viene offerto da un sistema dell'arte obsoleto. Il futuro e' nelle mani degli artisti. Basta crederci.
Giancarlo Da Lio
ITALIA Tiziana Baracchi - Pino Conestabile - Carmela Corsitto - Mauro Gentile - Giosue' Marongiu - Carlo Pecorelli - Claudio Romeo - Roberto Sanchez - Salvatore Starace
AUSTRALIA Pete Spence - Cornelis Vleeskens
CANADA Ed Varney
FINLANDIA Alberto Ferretti
FRANCIA Christian Alle - Françoise Soupel
GERMANIA Michael Fox - Klaus Groh - Henning Mittendorf - Jürgen Olbrich - Schoko Casana Rosso -
SPAGNA Antoni Miró
SVIZZERA Lothar Trott
USA Christine Tarantino
Inaugurazione ore 18
Museo Minimo di Fuorigrotta
via detta San Vincenzo, 3 (angolo via Leopardi 47) - Napoli
Orari: lunedi' e mercoledi' h. 15-18 Martedi', giovedi' e venerdi' h. 9-12
Postato da:
Gino
Postato:
martedì 10 febbraio 2009
alle
10:27
Frammenti di un film con
un orso e un ratto, 2008
Sill da video, 3 video HDV
Prodotto da Fondazione Nicola Trussardi, Milano
© Gli artisti. Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zurigo; Monika Sprüth & Philomene Magers, Berlino/Londra; Matthew Marks Gallery, New York.
Fondazione Nicola Trussardi presenta in anteprima Frammenti di un film con un orso e un ratto, il nuovo film di Peter Fischli & David Weiss. Fischli & Weiss – vincitori del Leone D’oro alla Biennale di Venezia e celebrati dai musei più importanti al mondo – tornano a Milano con il loro
|
Postato da: Gino
Postato: martedì 10 febbraio 2009 alle 10:33
L’esigenza nasce per far conoscere soprattutto alle nuove generazioni taluni artisti d’indiscussa qualità che hanno avuto la sfortuna di operare in un territorio che non ha saputo valorizzarli, ancora oggi nonostante la presenza degli stessi sul mercato nazionale e addirittura per l’800 su quello Internazionale. Da oltre quarant’anni aspettiamo che la città di Napoli offra una sede per dare una giusta sistemazione alle opere dell’800, per intenderci la famosa Scuola di Posillipo e quella di Resina e soprattutto agli artisti della prima metà del 900 che furono presenti a quasi tutte le Biennali di Venezia, alle Quadriennali Romane e ai maggiori premi dell’epoca i quali paradossalmente sono presenti nelle maggiori pinacoteche del centro e Italia settentrionale e qui nella loro terra d’origine o di lavoro siano del tutto dimenticati. La mia non è una polemica ma una constatazione, soprattutto per una città che si propone come fermento delle arti contemporanee, mi sembra inopportuno la necessità di stroncare il passato per esaltare il presente. Ogni forma d’arte ha avuto il suo tempo e va letta in quell’ottica, ma spesso un represso provincialismo, ha sempre chiuso le porte alle nostre radici culturali. Sperando che le cose cambino, nel nostro piccolo abbiamo scelto una trentina di opere di elevata qualità. La rassegna comprende opere di Giacinto Gigante con “con Pietro Scoppetta con “, Gennaro Villani con “titolo con cui erroneamente compare nelle pubblicazioni ma che, in effetti, è Maria Palliggiano moglie e valente artista di Notte, la cui storia la regista Silvana Majadel 1936Manliocon unadel 1919, Mario Cortiello con “opera del 33 che Lea Vergine espose nella storica mostra da lei curata Napoli “25/33” alla galleria Il Centro di Napoli, Raffaele Lippi con “www.mediterranea-arte.com
A Napoli torna il festival O’ Curt, cortometraggi e videoclip all’Istituto Grenoble Napoli - dall'undici febbraio al 9 marzo 2009 Roma - dall'undici febbraio al 3 maggio 2009
Apre a Milano la prima grande mostra interamente dedicata a Filippo Tommaso Marinetti
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:47
pubblicato martedì 10 febbraio 2009
Si svolgerà tra l'11 e il 14 febbraio all'Istituto Grenoble di Napoli l'undicesima edizione del festival di cortometraggi O' Curt, organizzata dalla Mediateca Comunale Santa Sofia in collaborazione con l'Associazione Culturale FILMapART. Tre gli eventi collaterali un seminario mattinale di 4 incontri dedicato ai linguaggi della pubblicità, e una sezione interamente dedicata ai videoclip curata dalla rivista musicale Freak Out, in programma al Trip di Via Martucci con live acustici in chiusura di Ciccio Merolla, Libera Velo, El Gor e Atari. Tra gli ospiti presenti in rassegna, Vittorio De Seta, Lamberto Lambertini, il documentarista Bruno Oliviero e la video maker francese Elise Florenty, che presenterà il suo film inedito Guaglione di vita. (g. s.)
link correlati
http://www.ocurt.it/www.ocurt.it
[exibart]
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:48
Arte napoletana dell'800 e del '900
.jpg)
http://www.exibart.com/profilo/imgpost/rev/844/rev66844(1)-ori.jpg" target=_blank> [Vedi la foto originale]
LA MEDITERRANEA ARTE
http://www.exibart.com/profilo/sedev2.asp?idelemento=7513vai alla scheda di questa sede
javascript:popalert();Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Carlo De Cesare 60 (80132)
+39 081417413
mailto:lamediterraneaarte@virgilio.it" alt="lamediterraneaarte@virgilio.itlamediterraneaarte@virgilio.it
http://www.mediterranea-arte.com/" target=_blank alt="www.mediterranea-arte.comwww.mediterranea-arte.com
javascript:MM_openBrWindow('/profilo/googlemaps/googlev3.asp?dim=2&idevento=66844','GoogleMapsV2large','scrollbars=no,resizable=yes,width=820,height=505')individua sulla mappa Exisat
http://www.mapquest.com/maps/map.adp?latlongtype=decimal&latitude=40.837779&longitude=14.248323&zoom=9" target=_blank>individua sullo stradario MapQuest
javascript:T1_openBrWindow('eventiv2.asp?preview=si&stampa=si&idelemento=66844','traspi3985513678356481011697199','directories=no,width=640,height=500,location=no,menubar=no,scrollbars=yes,toolbar=no,resizable=yes')Stampa questa scheda
javascript:T1_openBrWindow('eventicercarisultato.asp?latitudine=40%2C837779&longitudine=14%2C248323&griglia=4&cercaindirizzo=4&cercawhat=latlong&ritorno=eventicerca%2Easp&nobordi=si#carta','traspiprossimita','directories=no,width=600,height=500,location=no,menubar=no,scrollbars=yes,toolbar=no,resizable=yes')" alt="cerca gli eventi o sedi qui vicineEventi in corso nei dintorni
Mostra storica sull’arte napoletana con opere dell’800 e del ‘900.
orario: Dal lunedì al venerdi ore 11,00-13,30 e 17,00-19,30, sabato ore 11,00-13,30.
(possono variare, verificare sempre via telefono)
biglietti: ingresso libero
vernissage: 11 febbraio 2009. ore 18
autori: http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85169Gaetano Bocchetti, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85240Anna Lucia Cagnazzi, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=53812Michele Cammarano, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85168Rubens Capaldo, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=19765Alberto Chiancone, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=8157Mario Cortiello, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85165Luigi Crisconio, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=36875Giacinto Gigante, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85166Franco Girosi, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85163Vincenzo Migliaro, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=8027Emilio Notte, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=20939Attilio Pratella, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=31120Pietro Scoppetta, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85171Carlo Striccoli, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=85167Carlo Verdecchia, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=49824Gennaro Villani
genere: arte moderna e contemporanea, collettiva
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:49
Darwin 1809 - 2009
.jpg)
http://www.exibart.com/profilo/imgpost/rev/406/rev66406(2)-ori.jpg" target=_blank> [Vedi la foto originale]
PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI
http://www.exibart.com/profilo/sedev2.asp?idelemento=2100vai alla scheda di questa sede
javascript:popalert();Exibart.alert - tieni d'occhio questa sede
Via Nazionale 194 (00184)
+39 06489411 , +39 0668301087 (fax)
mailto:info@palazzoesposizioni.it" alt="info@palazzoesposizioni.itinfo@palazzoesposizioni.it
http://www.palazzoesposizioni.it/" target=_blank alt="www.palazzoesposizioni.itwww.palazzoesposizioni.it
javascript:MM_openBrWindow('/profilo/googlemaps/googlev3.asp?dim=2&idevento=66406','GoogleMapsV2large','scrollbars=no,resizable=yes,width=820,height=505')individua sulla mappa Exisat
http://www.mapquest.com/maps/map.adp?latlongtype=decimal&latitude=41.898859&longitude=12.490319&zoom=9" target=_blank>individua sullo stradario MapQuest
javascript:T1_openBrWindow('eventiv2.asp?preview=si&stampa=si&idelemento=66406','traspi3985513685300926016446955','directories=no,width=640,height=500,location=no,menubar=no,scrollbars=yes,toolbar=no,resizable=yes')Stampa questa scheda
javascript:T1_openBrWindow('eventicercarisultato.asp?latitudine=41%2C898859&longitudine=12%2C490319&griglia=4&cercaindirizzo=4&cercawhat=latlong&ritorno=eventicerca%2Easp&nobordi=si#carta','traspiprossimita','directories=no,width=600,height=500,location=no,menubar=no,scrollbars=yes,toolbar=no,resizable=yes')" alt="cerca gli eventi o sedi qui vicineEventi in corso nei dintorni
L'esposizione intreccia i linguaggi della storia, della narrazione, del naturalismo, della filosofia della scienza e delle ricerche sperimentali contemporanee.
biglietti: ingresso libero
vernissage: 11 febbraio 2009.
curatori: http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=84448Niles Eldredge, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=11381Telmo Pievani, http://www.exibart.com/profilo/autoriv2/persona_view.asp?id=84449Ian Tattersal
genere: documentaria
web: http://www.amnh.org/" target=_blank alt="www.amnh.orgwww.amnh.org
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:52
L'Esasperatismo oltre il tempo e lo spazio
a cura di Adolfo Giuliani
Presenta: Domenico Raio
Quello di Tavani nei confronti dell'arte e' un approccio interdisciplinare che parte da un'osservazione delle dinamiche sociali per giungere a delle conclusioni a carattere filosofico concernenti l'uomo nel suo eterno rapporto con la dimensione temporale e spaziale.
Oggi l'essere umano ha perso la capacità di avere consapevolezza di se stesso, fatica a compiere una lettura introspettiva, e' distratto dall'esigenza di apparire, e' investito dall'onda lunga di una tendenza neoedonista che nel mondo comincia ad affermarsi nei primissimi anni ottanta e che da allora non e' mai stata adeguatamente osteggiata, ne' sul piano culturale ne' su quello mass mediale, perche' considerata funzionale ad un'economia consumistica che solo di recente ha fatto registrare una decisa inversione di rotta.
In questi ultimi tre decenni l'uomo ha subito un processo di omologazione in seguito al quale ha smarrito quell'individualità dell'essere che rappresentava il piu' autentico criterio di distinzione all'interno della società, perche' fondato su una serie di valori che giovavano alla stessa collettività e non sul possesso di beni effimeri che hanno finito per fomentare egoismo e deteriorare la vita di relazione. La competizione, la superficialità, l'indifferenza verso il prossimo si e' affermata come cultura dominante impedendo all'uomo di riflettere sul proprio essere e sul destino comune su questa terra, e determinando, di fatto, un'esasperazione del vivere che e' causa di alienazione, emarginazione ed insoddisfazione.
Questo genere di considerazioni fondate su fenomeni tangibili, nella pittura di Tavani trovano un'espressione astratta per una piu' profonda interpretazione della realtà, da parte dell'artista, e che potremmo individuare nel concetto del panta rei, ossia dalla consapevolezza che nel nostro universo tutto scorre, che ogni cosa, per sua stessa natura, e' soggetta ad trasformazione continua, anche in un tempo ed in uno spazio infinitesimale, che rende illusoria qualsivoglia pretesa di fermare su tela elementi concreti e sensazioni dello spirito. La trasposizione pittorica di una tale visione e' quell'estremo dinamismo cromatico che caratterizza le opere di Tafani, un effetto che l'artista realizza attraverso repentine alternanze di tonalità, ma sempre nei limiti di una gamma di colori che tendono ad armonizzarsi indipendentemente dalla sequenza e dalla differente estensione del pigmento sulla tela.
L'intera costruzione pittorica sembra navigare in un vuoto cosmico che dona all'opera una spiccata profondità e che l'artista ottiene attraverso le cupe tonalità degli sfondi che accentuano il contrasto con i colori piu' accesi dei primi piani. In questo contesto, la resa iconografica del bidone risulta diretta espressione di quell'idea di base della fugacità e dell'inafferrabilità dei singoli istanti che nella loro celere successione danno origine alla realtà fenomenologica.
Il contenitore si genera da un vortice di colori in movimento centripeto e ne diventa parte integrante, un'espressione di grande effetto sul piano estetico, ma che non e' privo d'implicazioni simboliche. In questo turbinio di fenomeni e di sensazioni cangianti che l'esistenza ci riserva, il contenitore diventa il solo luogo dove racchiudere la propria individualità e preservarla dai mutamenti universali, ma in questo stato di cose il rischio concreto per l'uomo e' di non riuscire a cogliere l'opportunità di conservare la sua identità all'interno di questo spazio e che il bidone possa dissolversi nel cosmo per riproporsi in altre forme non piu' fruibili. In un universo dove tutto muta, l'unico punto fisso puo' essere proprio l'uomo, ma nella consapevolezza di essere egli stesso coinvolto in questo flusso di generale trasformazione rispetto ai parametri del tempo e dello spazio.
Ogni azione dell'uomo nasce da uno stato d'animo come da un pensiero profondo che si traduce in un insegnamento impartito a se stesso e che comporta sempre un cambiamento nel suo modo di percepire la realtà, un mutamento che influirà inesorabilmente su tutte le azioni successive.
L'auspicio del Movimento dell'Esasperatismo, di cui Tavani ha dimostrato di interpretare i principi fondamentali per naturale inclinazione, e' di poter contribuire al cambiamento attraverso un'acuta riflessione e di liberare l'uomo dai parametri spazio-temporali proprio attraverso il pensiero, che e' anche l'unica dotazione che lo renda davvero immortale.
Domenico Raio - Giornalista - Scrittore
Immagine: Sono cio' che sono? Tecnica mista su tela, 2007
Inaugurazione: Mercoledi' 11 Febbraio 2009 alle ore 17,00
Il Bidone - Centro d'Arte e Cultura
Via Salvator Rosa, 159 - Napoli
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:54
Spazi Cromatici
a cura di Manuela De Noia
Mercoledi' 11 febbraio 2009 alle ore 11.00, presso le Sale delle Terrazze di Castel dell'Ovo a Napoli, si inaugura la personale di Giovanni De Noia dal titolo -Spazi Cromatici-. La mostra, a cura di Manuela De Noia e promossa dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli, e' composta da fotografie e dipinti realizzati dall'artista beneventano dagli anni Settanta ad oggi. Nella ricerca estetica di De Noia, pittura e fotografia si incrociano di continuo, ma l'artista non fonde mai completamente i due linguaggi espressivi, lasciandoli interagire autonomamente su piani paralleli significanti.
In mostra le fotografie degli anni Settanta, dalle investigazioni concettuali del mezzo, con la serie di -fotostereocromie- ottenute da un procedimento tecnico ideato dall'artista consistente nella riproduzione di oggetti a colori su una fotografia precedentemente scattata in bianco e nero, metodo attraverso il quale viene enfatizzata la tridimensionalità dell'oggetto tanto da esser percepito dall'osservatore in rilievo, alle opere appartenenti al filone del realismo fotografico con le quali De Noia propone una raffinata lettura antropologica degli usi e degli aspetti sociali e culturali presenti sul territorio sannita.
Negli anni Ottanta, il naturale approdo alla pittura astratta rientra nell'ambito di quella ricerca mentale sul cromatismo e sulla comunicazione estetica condotta dall'artista con la fotografia, ma con la pittura l'attenzione si sposta sulla struttura del linguaggio e dell'opera d'arte. Nelle ricerche astratto-informali di De Noia, l'immagine e' contraddistinta da forme semplici, primitive, selvagge, non riconducibili a oggetti ed entità del mondo fenomenico o psichico, ma che trasmettono una forte carica emozionale.
Nella produzione piu' recente, le superfici delle sue tele astratte si complicano con la presenza di un segno aggressivo enfatizzato da nuove gamme cromatiche. In questi lavori, rimane inalterata la libertà espressiva e la dimensione esistenziale di De Noia, nella tesa immediatezza del segno che spesso lascia riaffiorare, per un'interna spinta emozionale, tracce della memoria e del vissuto personale dell'artista esplodendo in immagini che conservano una ricercata autenticità primordiale.
De Noia ha sempre accompagnato l'attività artistica alla riflessione teorica pubblicando, oltre a numerosi articoli, -La voce del Figurale. Linguaggio e metalinguaggio delle arti visive- e -Scovare & Scavare. Le Iconologie di Donatello nelle Iconografie di Benevento- (2001).
Giovanni De Noia nasce nel 1939 a Benevento dove vive e lavora. Principali mostre: -Incontro Internazionale di Fotografia-, Settembre al Borgo, Casertavecchia, 1975; -Fotografia 80- Palazzo Fortuny, Venezia, 1980; -Biennale d'Arte Città di La Spezia-, La Spezia, 1982; -Biennale Internazionale di Fotografia-, Tenda Expo, Pescara, 1985; -Addizione-Sottrazione-, Galleria San Carlo, Napoli, 1986; -Expo Art-, Galleria San Carlo, Bologna, 1986; -Arte Fiera-, Galleria San Carlo, Bari, 1986; -Premio Ilford-, Studio Giorgio Marconi, Milano, 1986; -Gli Artisti della San Carlo-, City-Bank, Foro Bonaparte, Milano, 1986; -Senza Titolo-, Galleria L'Ariete, Napoli, 1987; -Bonus-Eventus-, Rocca dei Rettori, Benevento, 1990; -Il Significato del Significato-, Museo del Sannio, Benevento, 1992; -I Labirinti del Segno-, Aosta, Tour du Le'preux 1993; -Causalità & Casualità-, Palazzo della Provincia di Campobasso, 1999; -Invisibile-Visibile-, XXIII Rassegna Città Spettacolo, Biblioteca Provinciale, Palazzo Terragnoli, Benevento, 2002; -Giovanni De Noia. Fotografie e dipinti 1975-2006-, Biblioteca Provinciale, Palazzo Terragnoli, Benevento, 2007.
Inaugurazione 11 febbraio 2009, ore 11.00
Immagine: Senza titolo, 1976, fotografia bianco e nero, 70x50 cm
Castel dell'Ovo Sale delle Terrazze
via Caracciolo, Borgo Marinari - Napoli
Orario: feriali ore 9,00 - 17,00 domenica e festivi ore 10,00 - 14,00
Ingresso libero
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:55
La vita e' colore
-La vita e' colore- e' il leit motiv dell'artista Varre' che presenta alla Galleria d'Arte 18 una selezione di sue opere che hanno tutte come filo conduttore il colore Blu. Ma, per Varre', l'atto creativo non e' finalizzato alla soddisfazione visibile delle piacevolezze cromatiche delle forme immaginarie, ma e' cio' che rimane del nostro pensare la realtà, del nostro interagire con essa, del nostro stato di solitudine nell'epoca della dilagante massificazione e globalizzazione delle identità culturali e morali.
L'artista Varre' e' consapevole della rapida mutevolezza della realtà in rapporto al modo interiore e di conseguenza cerca nella pittura e nell'uso materico che ne fa di essa, una risposta non di adeguata rassegnazione, ma di critiche elaborazioni tese a rendere problematico ed enigmatico il concetto di se', il doppio che vive in noi, il senso di libertà come rottura di ogni legame convenzionale e di passivo condizionamento.
Le opere -blu- di velato richiamo alle esperienze pittoriche di Picasso, rappresentano il mondo della sperimentazione, della incertezza, della solitudine, della tentare una definizione di se'. Sono le opere che ci presentano la segmentazione dell'uomo, il suo sentirsi sezionato, il suo stato di deprivazione: l'uomo senza identità.
Il -blu- come il colore della melanconia, dell'abbandono, della pura riflessione di uno stato di cose che non cambia. Il colore -blu- che si identifica nella parola chiave: -l'essere e il suo doppio-. I colori -rosso- e -giallo- sono le aperture verso l'avvenire: non piu' il tentativo di disegnare sagome umane in cerca di compensazioni interpretative, ma la caratterizzazione di un gioco di liberazione organizzato secondo lo stile dell'astrattismo pittorico (di stampo kandinskijano).
Le opere di Varre' non sono quadri di richiamo estetico, non hanno una funzione di sollecitare forti sensazioni, sono, invece, piccoli ideogrammi, scritture di pensieri che stimolano una partecipazione non convenzionale con chi guarda, con l'interesse di scoprire e di valutare nuovi materiali simbolici di universi psicologici evanescenti ed indeterminati.
[estratti dal testo critico del Prof. Franchino Falsetti]
Inaugurazione: mercoledi' 11 febbraio ore 18
Galleria d'Arte 18
via S.Felice 18 - Bologna
Orari:dal martedi' al venerdi': 10.00 - 19.00; il sabato 15.00 - 19.00. Il lunedi' la Galleria e' chiusa.
Ingresso libero
Postato da:
Gino
Postato:
mercoledì 11 febbraio 2009
alle
08:59
F.T. MARINETTI=FUTURISMO
dal 12 febbraio 2009 | fondazione stelline | milano F.T. MARINETTI=FUTURISMO
La Fondazione Stelline di Milano organizza la prima grande mostra interamente dedicata a Filippo Tommaso Marinetti, fondatore del Futurismo, nel centenario della nascita del primo grande movimento d'avanguardia italiano avvenuta a Milano nel 1909.
L'esposizione F.T. MARINETTI=FUTURISMO intende riscoprire la figura di Marinetti in tutta la sua ricchezza e complessità, mettendo in rilievo la sua importanza internazionale come letterato e innovatore del linguaggio, vero detonatore del nuovo corso dell'arte italiana, il genio della rivoluzione estetica che segna un profondo cambiamento nella società e nella cultura italiana degli inizi del '900.
Il 20 febbraio 1909 venne pubblicato, su "Le Figaro" di Parigi, il Manifesto di Filippo Tommaso Marinetti che proclamava l'atto di fondazione del Futurismo. A distanza di cento anni il Comune Milano, patria del Futurismo (la prima sede ufficiale del movimento era in via Senato 2, casa di Marinetti), propone per l'occasione un ricco cartellone di iniziative ed eventi, che faranno della città la capitale del Futurismo per tutto il 2009: FuturisMI, progettato e curato dall'Assessorato alla Cultura.
La mostra - che inaugura i nuovi spazi della Sala del Collezionista, oggetto di un attento lavoro di recupero che ne ha raddoppiato la superficie espositiva - è curata da Luigi Sansone, affiancato da un comitato scientifico composto da Luigi Ballerini, Lucia Matino, Ermanno Paccagnini, Filippo Piazzoni ed Elena Pontiggia.
Il percorso espositivo propone numerosi ritratti e caricature di Martinetti e alcuni capolavori fondamentali presenti nell'originaria collezione dell'artista, o fatti acquisire da Marinetti al Comune di Milano, tra cui le opere di Umberto Boccioni Linea e forza di una bottiglia e Sotto il pergolato a Napoli, e quelle di Giacomo Balla Spazzolridente ed Espansione di primavera, tutte provenienti dalle collezioni delle Civiche Raccolte di Milano.
Il nucleo inedito e importante della mostra presenta per la prima volta insieme 30 tavole parolibere, tra cui la Battaglia a 9 piani (1915) dal MART, la tavola Parole in libertà-Bombardamento sola igiene (1915) della Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna, Guido Guidi (1916), oltre alla più grande tavola parolibera mai esposta prima e proveniente dalla UCLA University di Los Angeles, Bombardement d'Andrinople (1913). Tra le rare "parolibere" e le numerose pubblicazioni di Marinetti sarà dato ampio rilievo al volume parolibero Zang Tumb-Tumb (Edizioni futuriste di "Poesia", Milano 1914), vero incunabolo della moderna sperimentazione letteraria europea.
Altri importanti prestiti arricchiscono la mostra come Sudan-Parigi, importante esempio del tattilismo di Martinetti.
Inoltre un'ampia sezione documentaria arricchisce la mostra: manifesti futuristi; fotografie; cataloghi d'epoca; cartoline; alcuni numeri delle riviste "Poesia"; "Gli Avvenimenti"; "Il Mondo"; "Vela Latina"; "Noi"; "L'Italia Futurista", ma anche "Anthologie Revue" e "La Vogue". Verranno inoltre esposti numerosi e importanti documenti, tra cui un manoscritto di Marinetti sulla fotografia, il Canto LXXII di Ezra Pound e le opere di Carlo Belloli della collezione Isisuf, Istituto Internazionale di Studi sul Futurismo.
La mostra è organizzata in collaborazione con il Comune di Milano e la Regione Lombardia, sotto l'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, con il contributo della Provincia di Milano e il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.
Il catalogo Federico Motta Editore ( € 35 in mostra), che accompagna la mostra, è ricco di approfondimenti e mette in rilievo l'importanza internazionale di Marinetti attraverso i saggi di importanti studiosi e letterati.
MILANO, FONDAZIONE STELLINE - Corso Magenta, 61
Dal 12 febbraio al 7 giugno 2009
Orario / martedì - domenica, 10 - 20 (chiuso il lunedì)
http://www.stelline.it/www.stelline.it
Biglietti / intero € 8; ridotto € 6; scuole € 3
Infoline e prevendita*/ +39 02 54278 / http://www.ticket.it/marinettiwww.ticket.it/marinetti
(*diritto di prevendita € 1,50 a persona)
Il biglietto consente l'accesso ridotto (7.50 euro) alla mostra "Futurismo 1909-2009. Velocità+Arte+Azione" in programma a Palazzo Reale a Milano fino al 7 giugno
Scuole, gruppi e visite guidate / Ad Artem
02 6597728 / mailto:info@adartem.itinfo@adartem.it / http://www.adartem.it/www.adartem.it
Catalogo Federico Motta editore (€ 35 in mostra)
UFFICIO STAMPA
CLP Relazioni Pubbliche
Tel. +3902.433403 - +3902.36571438
- Fax 02.4813841; mailto:press@clponline.itpress@clponline.it
Comunicati e immagini su: http://www.clponline.it/www.clponline.it
Fondazione Stelline
Alessandra Klimciuk, tel. +3902.45462437;mailto:press@stelline.itpress@stelline.it
24 ORE Motta Cultura
Giulia Zanichelli, tel. +3902.30076255; mailto:giulia.zanichelli@24oremottacultura.itgiulia.zanichelli@24oremottacultura.it
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 11 febbraio 2009 alle 18:42
| image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/pan.jpg |
via dei mille 60, napoli tel. +39.081.7958604-05 fax. +39.081.7958608 info@palazzoartinapoli.net www.palazzoartinapoli.net | ||
| image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2055.jpg
I vs dati sono acquisiti, conservati e trattati nel rispetto del d.lgs. n. 196/2003. Il titolare dei dati potra` richiederne in qualsiasi momento la conferma dell'esistenza, la modifica e cancellazione. Tutti i destinatari della mail sono in copia nascosta (privacy l. 675/96), ma può succedere che il messaggio pervenga anche a persone non interessate, in tal caso vi preghiamo di segnalarcelo rispondendo Cancellami a questa mail precisando l'indirizzo e-mail che verrà immediatamente rimosso. | |||
Postato da: Gino
Postato: mercoledì 11 febbraio 2009 alle 18:43
image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2056.jpg
Postato da: Gino
Postato: giovedì 12 febbraio 2009 alle 09:42
Programma delle mostre dedicate ai vincitori del Premio Internazionale Arte Laguna 2008
PREMIO INTERNAZIONALE ARTE LAGUNA
In attesa dell'apertura delle iscrizioni al Premio Internazionale Arte Laguna 2009, prosegue il programma di mostre personali dedicate ai vincitori dei premi speciali della scorsa edizione del concorso, organizzato annualmente dall'associazione culturale MoCA e dallo studio Arte Laguna e finalizzato alla promozione dell'arte contemporanea. Per informazioni:
Le gallerie d'arte sono invitate a mettersi in contatto con la segreteria organizzativa per essere coinvolte nella prossima edizione del Premio Internazionale Arte Laguna.
Mostre in programma:
Benny Katz
Premio Speciale Galleria Giudecca 795 - sezione 'pittura'
13 - 24 Febbraio 2009
Galleria Giudecca 795, Venezia
Virginia Garfunkel
Premio Speciale Spazio Arte dei Mori - sezione 'arte fotografica'
15 - 28 Febbraio 2009
Spazio dei Mori, Venezia
James H. King
Vincitore del Premio Speciale Galleria Giudecca 795 - sezione 'pittura'
28 Febbraio - 15 Marzo 2009
Galleria Giudecca 795, Venezia
Cholla Chambers (cavallo-artista)
Menzione speciale del presidente di Giuria - sezione 'pittura'
24 Aprile - 25 Maggio 2009
Galleria Giudecca 795, Venezia
Luca Bidoli
Vincitore del Premio Speciale Galleria L'Occhio - sezione 'pittura'
4 aprile - 3 maggio 2009
Galleria L'Occhio, Venezia
Patricia Linke
Vincitrice del Premio Speciale Galleria L'Occhio - sezione 'scultura'
10 - 30 Giugno 2009
Galleria Bianconi, Milano
Benedikt Partenheimer
Vincitore del Premio Speciale Galleria 3D - sezione 'arte fotografica'
date da definirsi
Galleria 3D, Mestre (VE)
FRP2
Vincitore del Premio Speciale Jarach Gallery - sezione 'arte fotografica'
Dicembre 2009
Galleria Jarach Gallery, Venezia
Martina Dalla Valle
Vincitrice del Premio Speciale Jarach Gallery - sezione 'arte fotografica'
Dicembre 2009
Galleria Jarach Gallery, Venezia
Jacopo Raugei
Vincitore del Premio Speciale Wannabee Gallery - sezione 'pittura'
date da definirsi
Galleria Wannabee Gallery, Milano
Stefano Bolcato
Vincitore del Premio Speciale Galleria Scalamata - sezione 'pittura'
date da definirsi
Galleria Scalamata, Venezia
Annalù
Vincitrice del Premio Speciale Galleria Terzo Millennio - sezione 'scultura'
date da definirsi
Galleria Terzo Millennio, Venezia
Joan Priego Garcia
Vincitore del Premio Speciale Galleria Terzo Millennio - sezione 'scultura'
date da definirsi
Galleria Terzo Millennio, Venezia
Arte Laguna
+39 041 593 7242
mailto:info@premioartelaguna.itinfo@premioartelaguna.it
http://www.premioartelaguna.it/www.premioartelaguna.it
Postato da: Gino
Postato: giovedì 12 febbraio 2009 alle 09:45
|
Napoli - dal 12 febbraio al 28 marzo 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: giovedì 12 febbraio 2009 alle 11:07
Il futuro non e' piu' quello di una volta
La Galleria Umberto Di Marino Arte Contemporanea e' lieta di presentare, giovedi' 12 febbraio 2009, la prima personale napoletana di Marco Raparelli dal titolo Il futuro non e' piu' quello di una volta. Nei micromondi descritti dall'artista si mescolano continuamente la banalità del quotidiano e allo stesso tempo la sua dimensione surreale, a partire dal titolo stesso della mostra. Il futuro non e' piu' quello di una volta, una frase notata sui muri di diverse città italiane, e' una sorta di ossimoro, che apre le porte della narrazione quale strumento concettuale attraverso i temi del fantastico tinto di ironia e di realismo.
Il percorso espositivo inizia, nella prima stanza, con un'imponente installazione di disegni a parete in cui Raparelli, con un tratto netto ma sfuggente, ci fa entrare in un racconto a piu' personaggi, dove l'azzeramento del percorso narrativo trova nell'assurdo e nella poetica degli opposti gli strumenti capaci di far spostare la percezione dal soggetto al medium. L'inserimento di brevi animazioni video e piccole sculture sottolinea la scelta dell'artista sempre rivolta verso la contaminazione, come per The economy of the leisure class (Purple press), in cui il libro, strumento convenzionale per l'espressione narrativa, rielabora gli stili di vita di classi sociali differenti, contrapponendoli tra loro senza un preciso percorso.
Proseguendo nella seconda stanza, l'installazione God Must Be Crazy, come la scultura Rappresentazione del Materiale Onirico, e' indirizzata dall'artista verso il confronto tra le opere-racconto e lo spazio espositivo, entrambi funzionali a mettere in scena una sorta di dialogo immaginario. Tuttavia, nell'ultimo ambiente, tali premesse si risolvono nel lavoro con cui ironizza sul concetto di opera site-specific tanto abusato nel mondo dell'arte contemporanea, svalutandone il suo valore formale.
Infine, la video animazione Abandoned dog, ancora una volta cerca una dissonanza percettiva attraverso l'accostamento tra disegno e musica, in una concatenazione di avvenimenti surreali di un racconto i cui elementi strutturali si annullano a vicenda. Grazie alla musica di Cosme Mc Moon, pianista del soprano Florence Foster Jenkins (ricca ereditiera americana di scarso talento canoro, ma di grande successo) l'artista rimanda al dualismo assurdo fra due personaggi storici a favore di una dinamica narrativa surreale, accettando il margine dell'errore come presupposto fondante dell'essere umano.
Marco Raparelli (1975) vive e lavora a Roma.
Mostre personali e collettive selezionate:
2008 Anonyme Zeichner , Kunstraum Kreuzberg in Bethanien, Berlino, a cura di Bjorn Hegardt
Les Rencontres Internationales video screening, Centre Pompidou Parigi
Il viaggio di sarah- , VII Biennale d'Arte Contemporanea di Varna, Bulgaria, a cura di L. Bruni
One of these things is not like the other things, Unosunove arte contemporanea, Roma, a cura di Raimundas Malasauskas
Beware of the wolf, American Accademy, Roma, a cura di Lorenzo Benedetti
Screening, Haunch of Venison, Londra, UK
2007 As a drop on a K-way, Uqbar, Berlino, a cura di Marina Sorbello
Ristorante Italia, 1:1projects, Roma, a cura di Adrienne Drake
New Entry, Careof, Milano, a cura di Chiara Agnello
Clearly Invisibile Consulta, Centre d'Art Santa Monica, Barcellona, Spagna, a cura di Filipa Ramos
2005 Pina ti amo, Catania, Galleria Ugo Ferranti, Roma
Inaugurazione 12 febbraio 2009
Galleria Umberto Di Marino Arte Contemporanea
via Alabardieri, 1 - Napoli
orario: da lunedi' a sabato ore 15 - 20
ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:09
Giornata del Risparmio Energetico
Per il quinto anno consecutivo Caterpillar lancia per il 13 febbraio 2009 M'illumino di meno, la grande giornata di mobilitazione internazionale in nome del risparmio energetico. Dopo il successo delle passate edizioni, i conduttori Cirri e Solibello chiederanno nuovamente agli ascoltatori di dimostrare che esiste un enorme, gratuito e sotto utilizzato giacimento di energia pulita: il risparmio. L'invito rivolto a tutti e' quello di spegnere luci e dispositivi elettrici non indispensabili il 13 febbraio 2009 dalle ore 18.
Nelle precedenti edizioni M'illumino di meno ha contagiato milioni di persone impegnate in un'allegra e coinvolgente gara etica di buone pratiche ambientali. Semplici cittadini, scuole, aziende, musei, gruppi multinazionali, società sportive, istituzioni, associazioni di volontariato, università, commercianti e artigiani hanno aderito, ciascuno a proprio modo, alla Giornata del Risparmio.
Lo scorso anno il -silenzio energetico- coinvolse simbolicamente le piazze principali in Italia e in Europa: a Roma il Colosseo, il Pantheon, la Fontana di Trevi, il Palazzo del Quirinale, Montecitorio e Palazzo Madama, a Verona l'Arena, a Torino la Basilica di Superga, a Venezia Piazza San Marco, a Firenze Palazzo Vecchio, a Napoli il Maschio Angioino, a Bologna Piazza Maggiore, a Milano il Duomo e Piazza della Scala ma anche Parigi, Londra, Vienna, Atene, Barcellona, Dublino, Edimburgo, Sofia, Palma de Mallorca, Lubiana si sono -illuminate di meno-, come altre decine di città in Germania, in Spagna, in Inghilterra, in Romania.
Anche grazie al contributo di ANCI e ANPCI nella diffusione capillare dell'iniziativa, molte città italiane si sono mobilitate per coinvolgere i comuni gemellati all'estero: un passaparola virtuoso che ha consentito di spegnere luci davvero in ogni parte del mondo. Dopo il successo europeo dell'edizione 2008, per il 2009 vorremmo dar spazio non solo alle istituzioni ma anche ai cittadini d'Europa, invitando tutti, insegnanti, sportivi, professionisti, associazioni, a creare gemellaggi inediti tra categorie o tra singoli individui diffondendo la campagna di sensibilizzazione oltre confine.
La campagna di M'illumino di meno 2009, che ha ottenuto il patrocinio del Parlamento europeo per il secondo anno consecutivo, inizia il 12 gennaio e si protrarrà fino al 13 febbraio, dando voce al racconto delle idee piu' interessanti e innovative, in Italia e all'estero, per razionalizzare i consumi d'energia e di risorse, dai piccoli gesti quotidiani agli accorgimenti tecnici che ognuno puo' declinare a proprio modo per tagliare gli sprechi.
Sul sito e' possibile aderire all'iniziativa, precisando quali iniziative concrete si metteranno in atto nel corso della giornata, in modo che le idee piu' interessanti e innovative servano da esempio e possano essere riprodotte. Nella sezione INNO si puo' scaricare il brano di Frankie HI NRG MC, colonna sonora ufficiale di M'illumino di meno, e reinterpretarlo a piacimento inviandoci il risultato delle vostre rielaborazioni.
Info: mailto:millumino@rai.itmillumino@rai.it
http://www.caterpillar.rai.it/" target=_blank>http://www.caterpillar.rai.it
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:10
CaSO4
a cura di Stefania Russo e Stefano Taccone
Giacomo Faiella e' il terzo dei sei artisti chiamati a concepire l'anfratto retrostante le gradinate come una sorta di teatro in miniatura. Ad intenderlo in funzione metateatrale, ricercando il dialogo con le attività normalmente ospitate nella struttura, ovvero con gli spettacoli e con il loro relativo pubblico. L'heideggeriano compito di -manifestare la verità dell'essere-, entrando in frizione con gli apparati rappresentativi del teatro, rende esplicita la valenza filtrante che contraddistingue quest'ultimo e, con esso, tanti altri settori della società, organizzati secondo schemi profondamente affini al paradigma teatrale.
Il Teatro Instabile, cosi' denominato dal suo fondatore ed attuale direttore Michele Del Grosso «per andare contro i conformismi culturali», costituisce una sorta di ponte generazionale tra un non ancora storicizzato passato recente della scena partenopea e l'attualità rappresentata da alcuni giovani tra registi e attori. Il tutto in una zona topografica densissima, che accede ai sotterranei della città da un punto strategico, all'incrocio tra la pianta greco-romana e l'antico quartiere alessandrino.
Giacomo Faiella persegue la decostruzione dei grandi sistemi del sapere ufficiale, un operazione concepita come primo e fondamentale passo verso l'avvento di una democrazia integrale, un qualcosa di assai distante dal concetto e, piu' ancora, dalla prassi vigenti nel mondo occidentale. Di quale tempra sia realmente costituita in esso la democrazia e' dimostrato, per Giacomo, dai fatti dell'11 settembre 2001, le cui piu' profonde implicazioni ed interpretazioni sono assai meno note e condivise di quanto si possa credere. Riproporre la vicenda in termini di controinformazione, con conseguente chiamata in causa dell'ideologia neocon proprio nel momento in cui la stragrande maggioranza dell'opinione pubblica occidentale e' intenta ad applaudire un presunto mutamento di clima ai vertici della Casa Bianca, funziona come un'ulteriore dilemma sull'effettivo coefficiente di discontinuità che la neoeletta amministrazione implicherebbe. Se infatti, all'epoca, la realtà e' stata davvero rimaneggiata ed emendata con la medesima scioltezza di chi adoperi gesso e cassino, la tacita conferma di colui che e' subentrato essendo acclamato come l'uomo del cambiamento pone su quest'ultimo un pernicioso sospetto di gattopardismo.
Giacomo Faiella (Napoli, 1970), vive e lavora a Napoli
Inaugurazione: venerdi' 13 febbraio ore 18-21
Teatro Instabile
Vico Fico Purgatorio ad Arco, 38 - Napoli
Dal 13 febbraio 2009 al 15 marzo 2009 su appuntamento
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:19
Mostra personale
all'interno della rassegna a Ferrara non c'e' il mare
Francesco Zacchi sviluppa i primi approcci con l'arte al liceo dove, affrontando gli studi scientifici, trova nello studio architettonico e nello sviluppo del disegno prospettico, un particolare interesse che lo porterà nel tempo alla elaborazione di interni architettonici e ad analisi paesaggistiche con proporzioni quasi geometriche.
Successivamente, lasciato il liceo e l'esperienza del disegno tecnico, abbandona per qualche anno tale forma di espressione artistica per dedicarsi con piu' intensità al pianoforte ed allo studio del jazz e della musica blues. Sportivo, pieno di vitalità, trova poi qualche anno piu' tardi nella pittura, spostandosi dal genere che lo aveva avvicinato all'arte, la massima forma di espressione e di libertà. Oggi tutte queste forme di espressione artistica si ritrovano nelle tele e negli altri supporti che sono oggetto dei suoi dipinti, la forza della natura, che e' anche il titolo dell'ultima mostra, si esprime appieno nelle immagini che Zacchi vuole trasporre nei suoi quadri, veri concentrati di luce e vitalità.
Guardando i quadri di Francesco Zacchi le sensazioni nascono da dentro...l'indomabile ardore del mare in tempesta, il tenace orgoglio dell'uragano ed il possente fremito della terra stessa, scorrono nella linfa del filo d'erba che trafigge l'asfalto per raggiungere il sole.
Alberto Scoccianti
Contatti: Francesco Zacchi Via Ridolfi, 106 41100 Modena,
tel. 059 342432, cell. 331 9525230/331 9910243
mailto:zacchi.francesco@libero.itzacchi.francesco@libero.it
http://www.zafart.com/" target=_blank>http://www.zafart.com
Spazio Multimediale Galleria 9 Colonne/Spe/Il Resto del Carlino
Via Armari, 24 - Ferrara
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:23
In prestito dall'infinito
a cura di Achille Bonito Oliva
La suggestiva cornice di Castel Sant'Elmo ospita la grande antologica Renato Mambor. In prestito dall'infinito a cura di Achille Bonito Oliva, dal 14 febbraio al 31 marzo 2009.
In mostra settanta opere dagli anni Cinquanta a oggi tra cui diversi inediti molti dei quali creati per questa occasione.
Nucleo tematico dell'esposizione e' la relazione fra lo straordinario Diario degli Amici del 1967 e l'inedito Diario del 2007 a cui e' dedicata una sala. Il primo si compone di venti tavole che Mambor aveva fatto realizzare dagli amici artisti, tra cui Mattiacci, Boetti, Pascali, Lombardo, Tacchi, Ceroli, Mauri, Icaro, Marotta, con il fine di rappresentare gli elementi costitutivi del linguaggio della pittura: la forma, il colore, la materia, il movimento, il tempo. La serie rappresenta uno spaccato rilevante della cultura figurativa della fine degli anni Sessanta e propone una catalogazione delle modalità espressive degli artisti coinvolti nel progetto.
I pannelli del Diario del 2007 offrono una significativa sintesi della ricerca artistica degli ultimi anni e si concentrano sulla figura umana, rappresentata attraverso il ricalco, la sagoma o la mascherina, che riproducono il profilo dell'artista e che entrano in relazione per accostamento con tutti gli altri elementi pittorici.
Fin dai suoi esordi, alla fine degli anni Cinquanta, Renato Mambor usa una forma espressiva -asoggettiva- e impersonale che mira, secondo le parole dell'artista, a -togliere l'io dal quadro-, e supera cosi' il soggettivismo esasperato dell'Informale, ideando moduli ripetuti ma variati attraverso tecniche, tematiche e oggetti diversi. Questo filo conduttore percorre l'intero itinerario della mostra che presenta opere legate fra loro da una ricerca costante che ha fatto dei modi della percezione il suo oggetto, rintracciando la variabile di rottura all'interno di ritmi costanti.
Achille Bonito Oliva commenta: -attratto dalla moltiplicabilità anonima dell'immagine, Mambor arriva alle "campionature" di uomini "statistici", avendo ridotto la matrice delle figure a timbro, per poi giungere ad illustrazioni di azioni e verbi elementari (camminare, abbracciare, asciugarsi, chiudere la porta) con conseguente riappropriazione del loro significato, dove e' l'arte a produrre un rinnovato ed innocente apprendimento elementare, ma attraverso un'esibita neutralità esecutiva che discende dal rifiuto di considerare l'artista come un individuo privilegiato nella società-.
Renato Mambor, intervistato da Gianluca Ranzi, dichiara: -io dico che l'arte serve a pulire lo sguardo. I sensi sono offuscati dalle abitudini e tutto cio' che si fa e si pensa diventa immagine, stereotipo, filtro davanti agli occhi. L'arte insinua un cuneo in questo meccanismo spersonalizzante e ha il potere di ribaltarlo, in definitiva e' un piccolo sforzo per muovere il pensiero-.
La mostra
Il percorso espositivo crea una risonanza tra lo spazio del Castello e le opere in mostra. La sala d'ingresso, esagonale, e' scandita dagli Osservatori bianchi (legno dipinto, 1996), sagome uguali appoggiate ognuna in un angolo come a formare un cerchio che accoglie il visitatore al centro. Il largo corridoio successivo si apre in quattro ampie nicchie in cui sono collocate quattro sculture in legno dal titolo Portatori (legno dipinto, 2008): profili somiglianti all'autore accostati a recipienti in legno contenenti mattoni, scarpe, specchi e farina.
Una sala presenta Ombra immutabile, una sequenza di oggetti scultorei composti da una sagoma bianca e una sagoma nera accostata ma inclinata, come fosse la sua ombra.
In mostra si ammira inoltre la grande installazione Separe' (legno dipinto e materiali diversi, 2006-2007) composta da ventiquattro sculture-oggetto disposte a coppie: dodici elementi sono pannelli al centro dei quali la figura umana e' ritagliata e vuota, mentre gli altri dodici, tutti diversi, presentano materiali, volumi, colori e tecniche differenti. L'opera si compie nell'occhio dello spettatore, nelle relazioni che lo sguardo intesse tra le diverse parti.
Tra le opere esposte si evidenzia Sprint (tecnica mista, 2008): alcune biciclette destrutturate sono bloccate da tavole di legno e poste l'una accanto all'altra; un'unica bicicletta e' spostata piu' avanti e rompe la simmetria indicando una transizione di fase, un movimento, un'azione.
Achille Bonito Oliva a proposito dell'artista afferma: -in definitiva Mambor allarga la nozione di museo fuori dal suo luogo fisico e la dilata confermandone l'esistenza in ogni momento in cui l'uomo acquista il potenziamento della conoscenza-.
Accompagna la mostra un esaustivo catalogo edito da Christian Maretti Editore con testo critico di Achille Bonito Oliva e con un'intervista all'artista di Gianluca Ranzi.
Cenni biografici
Renato Mambor (Roma, 1936) esordisce nel 1959, a ventitre anni, assieme a Cesare Tacchi e Mario Schifano nell'ambito dei serrati accostamenti d'avanguardia proposti da Emilio Villa alla galleria "Appia Antica", tra la situazione romana (Schifano, Uncini, Lo Savio, Tacchi, Festa, Angeli), quella milanese (Manzoni, Castellani, Bonalumi), e quella francese (Klein e il critico Pierre Restany, impegnato nel sostegno del suo "Nouveau Realisme").
Seguono il riconoscimento nel 1960 dei "Premi di incoraggiamento" della Galleria Nazionale d'Arte Moderna a Roma e le mostre collettive alla Galleria "La Tartaruga" di Plinio De Martiis (1963, 1964 e anni seguenti), che mettono a fuoco la riconoscibilità del gruppo Mambor, Tacchi, Lombardo.
Negli anni Sessanta diventa parte integrante della "Scuola di Piazza del Popolo", la risposta italiana, tra metafisica e futurismo, alla Pop Art americana.
Sagome e segnali stradali, ricalchi fotografici, timbri con omini, tele eseguite con rulli da tappezzeria, costituiscono la sua cifra di riduzione stilizzata delle icone della cultura massmediale.
L'interesse per il teatro, la performance e l'interattività lo porta a privilegiare ricerche d'ambiente, con dispositivi come "L'evidenziatore" (1967), strumento meccanico per agganciare oggetti e spostarli nel mondo dell'arte.
Nel 1975 fonda il gruppo Trousse per perseguire "un teatro fortemente visivo ma attento alle dinamiche psicodrammatiche".
Torna alla pittura negli anni Novanta sviluppando temi legati alla psicologia della percezione ("L'Osservatore", il "Decreatore"). Propone ampie narrazioni grafiche (Istituto nazionale per la Grafica, Roma 1998, Galleria Civica di Modena 1999). Ma realizza anche installazioni spettacolari, come i sei autobus svuotati, abitati ciascuno da un artista, per la mostra "Fermata d'autobus", Roma 1996.
Nella performance "Fasce di pensiero" (1998) ribadisce il senso generale del suo lavoro: "ritrovare dentro l'occhio lo sguardo che arriva alla coscienza".
Numerose le mostre personali e collettive in prestigiosi spazi pubblici fra cui si ricordano: X Quadriennale d'Arte Palazzo delle Esposizioni, Roma 1972; Castello di Rivoli, 1985; Palazzo delle Esposizioni, Roma 1993 (personale); Museo Pecci, Prato 1998; Scuderie Papali al Quirinale e Mercati di Traiano, 2000; Macro, Roma 2003;Triennale di Milano, 2004; Le Opere i Giorni, Certosa di San Lorenzo, Padula (SA) 2004; Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma 2007 (personale); 52a Esposizione Internazionale d'Arte, Biennale di Venezia 2007.
Renato Mambor vive e lavora a Roma.
Catalogo edito da Christian Maretti Editore, con testo critico di Achille Bonito Oliva e intervista di Gianluca Ranzi a Renato Mambor
Immagine: Renato Mambor, Diario 2007, 2007, installazione composta da 11 trittici in legno dipinto e materiali diversi, 60x140 cm cad.
Informazioni
Art Time
Corso Palestro 48 A - 25122 Brescia Tel/Fax 030 2942464 mailto:info@arttime.orginfo@arttime.org
Ufficio Stampa
Irma Bianchi Comunicazione
Via Arena, 16/1 - 20123 Milano Tel. +02.89404694 Fax 02.8356467 - mailto:info@irmabianchi.itinfo@irmabianchi.it
Inaugurazione venerdi' 13 febbraio 2009 h. 18
Castel Sant'Elmo
largo San Martino, 1 - Napoli
9 -18. Chiuso martedi'.
Ingresso - 3,00
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:24
Showroom - Herve' Ingrand
Molte volte consideriamo con sufficienza gli oggetti funzionali che ci circondano o quelli che acquistiamo per il semplice gusto decorativo. Questi oggetti in verità sono, anche se non soddisfano il nostro gusto, il risultato di una sedimentazione legata ai cambiamenti dello stile nel suo processo storico. Essi sono il risultato della creatività ed approccio con la materia e di linguaggio che il designer, l'artigiano o l'artista conferisce ad una particolare forma, sia che essa abbia funzione o che sia solo il prodotto di una ricerca estetica. Questo vale per quelli prodotti industrialmente e per quelli che hanno caratteristiche sperimentali di unicità o di piccola serie. Il fatto che un oggetto risulti piu' o meno importante di un altro va considerato alla luce della ricerca personale dell'autore e alla capacità di leggere in prospettiva, quindi prima di altri, oppure di trasmutare in estetica le necessità del contemporaneo attraverso la perizia e l'ingegno e l'aderenza della forma ai limiti della materia cha la costituisce. Questa mostra non vuole essere esaustiva sull'argomento o un compendio di oggetti storici degli ultimi cento anni , piu' volte considerato dagli specialisti del settore, ma piuttosto esprimere il senso ed il sentimento della nostra ricerca e l'affezione particolare per alcuni autori, sia che essi abbiano realizzato prodotti in serie o pezzi unici.
Guardandoli attentamente si scoprono aspetti, da non sottovalutare, tra cui l'importanza storica e l'evoluzione della forma dell'oggetto e le connessioni cosi' strette che questa aveva con quella dell'arte. Questo intreccio di informazione si affievolisce con il tempo e, a torto o a ragione, creerà un distacco tra la ricerca formale artistica e quella degli oggetti, cosi' proficua fino alle fine degli anni 60, e quindi la successiva scomparsa della perizia artigianale e la nascita in forme auliche e poco convincenti di prodotti definiti -artistici-. E' proprio in questo periodo che si sviluppa e si potenzia la figura del designer tanto da definirne il concetto e da rendere palese il significato di questa parola che oggi ben conosciamo. Sia da un punto di vista sperimentale che di ricerca sino al radical design, nella piccola o grande industria, i designer italiani impongono internazionalmente il proprio prodotto definendo -l'italian style- sino a celebrarlo in tante esposizioni internazionali come quella realizzata dal Moma di New York nel 1972 (Italy - The New Domestic Landscape). Va detto che questo era avvenuto già negli anni 50 ma relativo a piccole produzioni o a quelle definite artigianali, che avevano avuto un massiccia diffusione soprattutto in America, preparando il terreno per la definitiva consacrazione del made in Italy. Sono tanti e tali gli aspetti importanti che gli oggetti esprimono che non basterebbe rammentarli in poche righe: mobili, ceramiche, vetri, plastica, metalli ed altro non possono essere definiti da poche sentenze se non come espressioni di idee, dell'ingegno e del talento creativo di chi ha creduto con umiltà di lasciare una traccia del proprio tempo attraverso la trasformazione di un materiale che definisce la forma.
Umberto Raucci e Carlo Santamaria
Showroom e' una mostra che presenta esempi di arte applicata: ceramiche vetri e metalli di alcuni autori cosi' come mobili ed oggetti realizzati da designers e industrie italiane. Per poter dare spazio a parte della collezione la galleria presenterà dal 13 Febbraio sino al 24 luglio esposizioni a scadenza mensile. Per poter essere informati delle nuove esposizioni si prega di lasciare la propria e-mail.
.....................................
Herve' Ingrand
Dal 13 Febbraio al 18 Aprile 2009
-Bene, ci siamo, sono passato alla fase del risparmio energetico,
perfettamente in accordo con il regime ideologico che ci circonda,
anch'io non produco piu' cosi' tanto, almeno, il meno possibile.
Vi presento dunque la mia nuova esposizione intitolata: EIN, il promemoria-.
Herve' Ingrand
L'opera di Herve' Ingrand (Parigi, 1972) e' il risultato di un processo in continuo divenire, che, dal 1994, si e' sviluppato attorno alla rappresentazione del proprio Atelier, luogo fisico di creazione e ispirazione, ma, al tempo stesso, luogo mentale trasfigurato in opera d'arte. Attraverso una pittura dalla connotazione narrativa e installativa, l'artista francese ha documentato oggetti, avvenimenti ed azioni che negli anni hanno modificato i suoi studi-laboratorio. Un lavoro basato sulla cristallizzazione del ricordo, come una simbolica e periodica distruzione e ricostruzione. Per la sua terza personale nella Galleria Raucci/Santamaria, Herve' Ingrand ferma temporaneamente il flusso creativo, rieditando la sua opera precedente, proponendo nuove soluzioni formali tratte dalle orme del suo passato.
La Pense-Bête - il promemoria - richiama direttamente l'opera dell'artista belga Marcel Broodthaers che, nel 1964, ingesso' un pacco di cinquanta volumi rimasti invenduti del suo omonimo e criptico poema con l'intento di interdirne la lettura. L'invisibilità dell'opera d'arte, degradata ad oggetto, e' lo spunto che porta Ingrand ad esporre la rivisitazione di undici tele, primi esperimenti di riproduzione dell'Atelier, multipli di una realtà mai mostrata e che oggi non esiste piu'. Un impianto ciclico temporale, un promemoria, appunto, in cui la pittura cita e ritrasforma se stessa. L'hic et nunc legato a quei dipinti e' svilito, ponendo l'artista (e lo spettatore) di fronte ad un ideale punto di partenza. Un ironico simbolismo di echi e colori, enfatizzato dal ricorrere del numero 1 - principio di ogni inizio -, onomatopeicamente richiamato dal neologismo EIN ripetuto in modo seriale sulle tele. Una parola che ricorda inoltre il suono dell'esclamazione -Cosa?-, ma e' anche parte integrante del termine pEINture. Muovendosi sul terreno dei fraintendimenti e dei giochi di parole l'artista imbriglia la mostra in una fitta rete semantico-figurativa. Un Ingrand in parte inedito - nonostante le dichiarazioni di -risparmio energetico- - anche nella grande tela del 2003 -Complot Cabane- (290X350 cm) che completa l'esposizione: la compostezza formale caratteristica dell'artista cede il passo ad un tratto piu' graffiato e indefinito. Un quadro misterioso, in bilico tra astratto e figurativo, che si svincola dalla ricerca strettamente connessa all'Atelier, che per anni ha atteso la sua occasione espositiva.
Inaugurazione venerdi' 13 febbraio 2009 dalle 19 alle 21,30
Galleria Raucci/Santamaria
corso Amedeo di Savoia, 190 - Napoli
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:25
Collettiva
Ci sono biblioteche piene di libri, edicole vestite di riviste e giornali, un diario segreto in ogni cassetto e poi fogli, post - it, appunti, dispense, schizzi, brochure, quaderni. Nell'era della tecnologia la vecchia carta non conosce cedimenti e rimane il supporto prediletto per veicolare identità, affidare pensieri, proteggere le menti come facevano poeti, studenti e i monaci taoisti dell'antica Cina, indossando cappelli di carta.
Questa la grande protagonista della nuova collettiva intitolata PAPERMADE alla galleria annarumma404: quattro giovani artisti espongono essays della loro ricerca artistica che fa della carta lo strumento di lavoro prediletto. Non una mostra sulla carta, dunque, ma un'esposizione che celebra la forza creativa di un materiale sempre caro agli artisti di ogni tempo.
Nadine Byrne (1985 - Svezia): collages di carta, disegni carichi di simboli, atmosfere inquiete come quelle di una fiaba noir per evocare mondi possibili e interrogarsi sulle disparate verità spirituali.
Jasper De Beijer (1973 - Olanda): volume, spessore e tridimensionalità di un materiale solitamente bidimensionale vengono messe in evidenza nell'opera del giovane olandese, che plasma la carta come se fosse un materiale da costruzione. Nascono cosi' piccole sculture, veri e propri modellini di città in scala, personaggi che recuperano i tratti grotteschi e caricaturali degli eroi dei fumetti . Il tutto viene poi fotografato dall'artista, realizzando opere che diventano frame di un thriller visionario e surreale.
Matteo Fato (1979 - Italia) recuperando l'idea orientale di scrittura che fa coincidere il processo di formazione concettuale dell'immagine con i mezzi adoperati per la sua oggettivazione -rendendo cosi' il di-segno trascrizione immediata di un concetto formulato nella mente-, l'artista realizza opere minimali, dalle linee sintetiche come un'intuizione, che trascendono la realtà dell'immagine diventando astrazioni.
Katie Orton (1978 - Scozia) la carta diventa il registro segreto per avere esperienza dell' uomo movendo dall' ombra dei suoi spazi, delle sue piccole ritualità quotidiane, piuttosto che dalla luce che pretende di essere. Occhiali, sigarette, pettini e divani conquistano, nei collages di interni domestici, l'attenzione dello spettatore popolando sempre il primo piano; diventano invece protagoniste indiscusse nelle sculture che somigliano a giganteschi e isolati pop - up.
Immagine: Jasper De Beijer, Devil drive's press, stampa fotografica, 2005, cm 50 x 75
Inaugurazione: Venerdi' 13 Febbraio 2009 ore 19
annarumma404
via Santa Brigida, 76 - Napoli
Apertura: lunedi'-venerdi' 16.00 - 19.30 su appuntamento
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:39
Anche il Museo d'Arte di Lugano celebra il centenario del Futurismo
LA DINAMO FUTURISTA.
inaugurazione sabato 14 febbraio | ore 17.00 | sala conferenze | museo d'arte | lugano (ch) La dinamo futurista.
Proprio a febbraio del 2009 ricorre il centenario della fondazione del movimento futurista. Il contributo che il Museo d'Arte di Lugano intende dare alle celebrazioni di questo importante movimento è focalizzato su un omaggio a Umberto Boccioni, uno dei protagonisti del futurismo, che più di altri ha contribuito alla sua nascita e al suo sviluppo. Un piano del museo è dedicato alla produzione giovanile del futurista fiorentino Primo Conti, sodale di Boccioni.
Omaggio a Umberto Boccioni
Nell'ambito della mostra dedicata a Boccioni, che occupa il primo e il secondo piano del museo, sono per la prima volta messi in dialogo due importanti nuclei dell'artista: le opere su carta di proprietà dello Stato italiano conservate alla Galleria Nazionale di Cosenza in Calabria, regione nativa di Boccioni, e le opere prefuturiste presenti nella Collezione della Città di Lugano.
Quest'ultima raccoglie ventuno opere realizzate dall'artista tra il 1903 e il 1909 provenienti dalla raccolta d'arte dello stampatore Gabriele Chiattone donata alla Città di Lugano nel 1961. Un numero importante di queste opere è stato presentato in occasione della mostra Boccioni prefuturista tenutasi al Museo Nazionale di Reggio Calabria nel 1983 mentre il nucleo nella sua totalità alla mostra Opere d'arte della Città di Lugano. Donazione Chiattone presso il Museo Civico di Belle Arti di Lugano nel 2006-2007.
La Galleria Nazionale di Cosenza conserva una serie di opere su carta già appartenute ad una delle più prestigiose collezioni americane, quella di Lydia e Harry Winston, successivamente acquistate da Carlo F. Bilotti e infine confluite nella collezione della Galleria Nazionale di Cosenza nel 1996. L'insieme è costituito da sessanta fogli con ottantacinque disegni di periodi diversi, relativi al periodo della formazione, all'esperienza prefuturista e con alcuni significativi fogli del periodo futurista. Il fondo è stato studiato e presentato al pubblico in occasione della mostra Umberto Boccioni. Una raccolta di disegni e incisioni presso il Museo d'Arte dell'Otto e Novecento di Rende nel 2008.
L'impostazione dell'esposizione ha una valenza innanzitutto filologica, di messa in dialogo dei due nuclei boccioniani a cui saranno integrati una serie di complementi provenienti da altre collezioni pubbliche e private svizzere e italiane pertinenti alle opere presenti nell'istituzione ticinese e in quella cosentina.
Di particolare interesse sono gli accostamenti inediti in mostra di alcuni studi preparatori con le relative esecuzioni ad olio come nel caso ad esempio di Contadini al lavoro e Campagna lombarda.
L'obiettivo, oltre a proporre un percorso attraverso l'opera di Boccioni dai primi anni del Novecento fino alle prove del 1915 - ovvero dal divisionismo di impronta naturalistica, attraverso il simbolismo e il futurismo, fino alle ultime prove di impostazione cézanniana - è quello di valorizzare le opere delle due collezioni pubbliche mediante l'accostamento di olii, disegni e grafiche evidenziando alcune procedure creative e illustrandone le tappe più significative.
Alla presentazione della mostra al Museo d'Arte di Lugano farà seguito una tappa della stessa in Calabria.
L'esposizione ideata da Bruno Corà, a cura di Tonino Sicoli e Cristina Sonderegger, sarà accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale con contributi critici dei curatori, di Maurizio Calvesi e l'illustrazione a colori di tutte le opere in mostra.
Primo Conti
Disegni per Harriet Quien, "La donna che venne dal mare" 1912-1925
La mostra di Primo Conti, a cura di Daniela Palazzoli, occuperà il terzo piano del museo. Nell'anno in cui si celebrano i primi cento anni del Movimento Futurista Italiano, pubblicizzato ufficialmente da Filippo Tommaso Marinetti sul quotidiano "Le Figaro" di Parigi il 20 Febbraio 1909, la mostra ripercorrere in modo sintetico e qualitativamente alto gli esordi di Primo Conti (1900-1988), dai primi disegni di timbro espressionista alla sua ormai celebre fase futurista, fino ad un breve periodo di ispirazione metafisica che si conclude intorno al 1925 con il ritorno ad una costruzione più classica dell'opera d'arte.
Questo è reso possibile dalla selezione di un nucleo di una sessantina di disegni facenti parte della raccolta di un suo grande amore giovanile, la Signora Harriet Quien, che egli conobbe nei primi anni Venti sulla spiaggia di Antignano dove era solito passare le vacanze, come si racconta in un capitolo delle sue memorie intitolato La donna che venne dal mare.
La convergenza dell'aspetto artistico con quello privato consente anche di sfatare una delle leggende che circondano la figura giovanile di questo enfant prodige dell'arte d'avanguardia, che comincia a disegnare e dipingere in età precocissima, con un'urgenza ed una serietà che lo portano ad ignorare i trastulli infantili e dell'adolescenza. Così sintetizza in modo lapidario questa condivisa impressione lo scrittore e suo amico Giovanni Papini: "Primo Conti di Firenze, nato col secolo, fu pittore prima ancora d'essere uomo".
Disegnatore fecondo, Primo Conti usava la matita come strumento di grande immediatezza utile per fissare impressioni, dettagli e concetti base dei fatti e personaggi reali che incontrava quotidianamente, da rielaborare eventualmente in seguito. In questo percorso di scoperta e messa a punto dei suoi stili attraverso le quattro fasi iniziali della sua attività conferma la sua fama di "cartina di tornasole di tutte le avanguardie" (Vanni Scheiwiller).
Lo scavo compiuto da Daniela Palazzoli per ricostruire la personalità e la vita di Harriet Quien (1900- 1981) - che, per esempio, pretendeva di essere chiamata 'Harry' perché "non è il sesso a definire la personalità delle persone" - ci mostra una donna straordinaria, poliglotta e cosmopolita, in anticipo sui tempi, e dotata di capacità di valutazione e di movimento a 360 gradi, che oggi possiamo definire da globalizzazione avanzata. Conti dimostra, nei suoi scritti e nei documenti conservati presso la Fondazione Primo Conti di Fiesole, di rendersi conto della eccezionalità della sua Musa; il che è una delle ragioni del suo amore per lei. In questo incontro fra due coetanei, nati entrambi col secolo, si realizza quella aspirazione di continuità fra arte e vita che Primo Conti aveva scoperto quando, appena quattordicenne, aveva contribuito ad allestire la mostra di Umberto Boccioni a Firenze e, ancora prima di conoscerlo e condurlo a visitare su sua richiesta le sculture dei Prigioni di Michelangelo, aveva provveduto a restaurare uno dei suoi gessi da esporre in mostra. Primo Conti scoprì in quell'occasione che Umberto Boccioni amava usare materiali deperibili perché: "l'opera d'arte per essere viva deve aver la stessa sorte dell'uomo e subire, come l'uomo, la malattia e la morte". Incluso anche l'amore: come prevede la coerenza fra arte e vita.
Omaggio a Umberto Boccioni
Primo Conti - Disegni per Harriet Quien, "La donna che venne dal mare", 1912-1925
Dal 15 febbraio al 19 aprile 2009
Museo d'Arte - Riva Caccia 5, CH - 6900 Lugano
Tel: +41 (0)58 866 7214 - Fax: +41 (0)58 866 7497
mailto:info.mda@lugano.chinfo.mda@lugano.ch;http://www.mda.lugano.ch/www.mda.lugano.ch
Da martedì a domenica 10-18 (orario continuato); lunedì chiuso (tranne il 13 aprile)
Intero Fr. 12 / € 8 - Ridotto, AVS e over 65 anni,gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 8 / € 5 - Ragazzi fino a 16 anni Fr. 0 / € 0
RAILAWAY BIGLIETTO COMBINATO(TRENO ED ENTRATA) Biglietto combinato con una riduzione del 20% sul viaggio in treno e sull'entrata ottenibile alla propria stazione di partenza oppure telefonando al Rail Service 0900 300 300 (CHF 1.19/min.)
VISITE GUIDATE E PROPOSTE DIDATTICHE PER GRUPPI E SCUOLE:
Visita guidata/Atelier in italiano Fr. 150 / € 100
Visita guidata in lingua(francese, tedesco e inglese) Fr. 200 / € 133
Le attività didattiche per le scuole del Cantone Ticino sono gratuite
VISITE GUIDATE PER I SINGOLI VISITATORI LA DOMENICA NELLE SEGUENTI DATE:
1 MARZO, 15 MARZO, 29 MARZO, 5 APRILE, 19 APRILE ORE 15.00
Ingresso e visita guidata Per adulti Fr. 17 / € 11 Ridotto AVS e over 65 anni, gruppi e studenti 17-25 anni Fr. 13 / € 9 Ragazzi fino a 16 anni Fr. 5 / € 3
Durata della visita circa 1 ora
Iscrizioni entro le ore 12.00 del venerdì precedente la visita guidata
INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI: Tel. +41 (0)58 866 7214 - mailto:info.mda@lugano.chinfo.mda@lugano.ch
CONFERENZA STAMPA: venerdì 13.02.2009, ore 11.30, Sala conferenze, Museo d'Arte
OMAGGIO A UMBERTO BOCCIONI
CURATORI: Cristina Sonderegger, Conservatrice del Museo d'Arte di Lugano, Tonino Sicoli, Direttore del Museo d'Arte dell'Otto e Novecento di Rende
PROGETTO DELLA MOSTRA: Bruno Corà
PRIMO CONTI - DISEGNI PER HARRIET QUIEN, "LA DONNA CHE VENNE DAL MARE", 1912-1925
CURATORI: Daniela Palazzoli PROGETTO DELLA MOSTRA: Daniela Palazzoli UFFICIO STAMPA: Sabina Bardelle, Attività Culturali - Servizio informazione comunicazione e PR Città di Lugano
tel. +41 (0)58 866 70 90 - fax. +41 (0)58 866 71 03; mailto:sbardelle@lugano.chsbardelle@lugano.ch
PARTNER DEL MUSEO D'ARTE DI LUGANO: Credit Suisse
CON IL SOSTEGNO DI: Casinò Lugano; Ginsana; Repubblica e Cantone Ticino
catalogo: Silvana Editoriale (http://www.silvanaeditoriale.it/www.silvanaeditoriale.it)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:42
|
Napoli - ven 13 febbraio 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:49
|
Avellino - dal 14 al 15 febbraio 2009 |
| |||||||||||||||||||||||||||||
|
| |||||||||||||||||||||||||||||
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:50
|
Napoli - dal 13 febbraio al 13 marzo 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:51
|
Napoli - dal 14 febbraio al 14 aprile 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: venerdì 13 febbraio 2009 alle 09:53
|
Napoli - dal 14 al 28 febbraio 2009 |
|
| |||||||||||||||||||||||||||||||||
.jpg)
Postato da: Gino
Postato: sabato 14 febbraio 2009 alle 09:54
Personale
a cura di Achille Bonito Oliva
Per la prima volta in un museo italiano, verrà inaugurata al Museo di Capodimonte, la mostra di Albert Oehlen.
L'artista presenta un insieme di nuovi lavori che registrano l'ultimo risultato della sua ricerca seguendo la sua costante interrogazione del metodo e del significato stesso della pittura .
-Albert Oehlen ha sviluppato un intervento sul linguaggio dell'arte per portarlo fuori dal suo bisogno semantico. Egli ha sempre inteso costruire con il disegno, il colore, la forma bidimensionale o plastica uno spazio di osservazione e di ascolto senza rimandi, con un'eco interna capace di definire l'autonomia della creazione intesa come gesto combinatorio e paradossalmente tautologico.- (A. Bonito Oliva)
La voglia di -emozioni-, intese come -effetti- dell'arte sulle nostre anime e, nello stesso tempo, la voglia di recuperare la Pop Art, portano Oehlen a sperimentarsi con elementi quali il colore, la chiarezza e vivacità. Negli ultimi lavori, infatti, l'artista tedesco posiziona poster pubblicitari sulle tele e su entrambi agisce con pittura ad olio. Il risultato e' un quadro astratto che ha un'innata irritabilità causata dalle pubblicità -intruse-. Affascinato proprio da quest'ultime sempre piu' -sofisticate-, Oehlen le introduce nei suoi lavori per mostrare insieme piu' motivi senza dover introdurre un contesto specifico, una dichiarazione di contenuto. Il concetto, invece alla base e' proprio quello della bellezza, di una ricerca diversa di approccio e metodo, proprio come per l'Astrattismo, dove gli elementi del dipinto non sono connessi tra loro ma divengono pura forma. Ognuno di essi puo' avere un significato e suscitare -effetti- o emozioni diverse ma separate dal contesto nel quale e' racchiuso.
-Il risultato e' una mappa che manifesta una geografia di aperti percorsi, senza centro e periferia, con un movimento per lo sguardo senza punti di sosta, ma portato e stimolato piuttosto verso slittamenti progressivi e riconvertibili. Se la bellezza e' una moneta della natura che bisogna far circolare, come diceva Rilke, e se l'arte e' produzione di bellezza, allora Oehlen rafforza tale possibilità mediante la produzione di immagini che adottano il supporto del manifesto, emblema mercificato per eccellenza, per fondare un corto circuito con il proprio sistema di segni, attraverso il quale evidenziare, addensare, condensare e cancellare.- (A. Bonito Oliva)
Albert Oehlen, nato a Krefeld nel 1954, vive e lavora tra la Spagna e la Svizzera. Le esibizioni in musei includono: Whitechapel Art Gallery, London (2006); Arnolfini, Bristol (2006); Kunsthaus Graz (2006); MOCA Miami (2005); Secession, Vienna (2004); Muse'e Cantonal de Lausanne (2004); Muse'e d'Art Moderne et Contemporain, Strasbourg (2002); Kestner-Gesellschaft, Hanover (2001); Kunsthalle Basel (1997) and IVAM Valencia (1996).
Organizzazione Galleria Alfonso Artiaco http://www.alfonsoartiaco.com/" target=_blank>http://www.alfonsoartiaco.com
Inaugurazione 14 febbraio 2009 ore 11,30
Museo di Capodimonte
via di Miano, 2 - Napoli
Orario: ore 14 - 19,30, chiuso mercoledi'; domenica 8,30 - 19,30
Ingresso, mostra e museo: - 7,50
Postato da: Gino
Postato: sabato 14 febbraio 2009 alle 10:03
E_Spiato
Si inaugura sabato 14 febbraio 2009 alle ore 19.00, e resta allestita fino a giovedi' 5 marzo, una mostra di Alessia Cocca, a cura di Geoffrey Di Giacomo, intitolata E_Spiato.
-Cogliere a pretesto la forma e le dimensioni specifiche della galleria per esaltare la densità delle suggestioni evocate dalle opere. È quanto fa Alessia Cocca con l'installazione E_Spiato: tre lightbox, collocati agli angoli della sala espositiva principale, correggono l'aspetto neutro dello spazio verso apparenze allo stesso tempo severe e stranianti. Elementi simbolici accuratamente dislocati, assieme a uno studiato sottofondo sonoro, accompagnano chi osserva verso una chiara lettura delle immagini: l'espiazione spiata. Il fragile, intimissimo atto dello scontare una colpa scrutato dall'occhio indagatore dell'artista. Nel seguire Alessia sulle orme di questa curiosità rivelatrice diventiamo come suoi complici, e accettiamo tacitamente la conseguenza mortificante dell'aver osato spiare: quella di ritrovarci, a nostra volta, morbosamente osservati.- (Carlo Gallerati)
-L'uomo alienato, irrigidito di fronte al dolore, portatore di una sofferenza interiore o di una paura restrittiva, assume su di se' una presa di coscienza rivisitata, si scuote e si autoanalizza. È messo cosi' in condizione di guardarsi dentro, di attingere a delle reazioni inaspettate e istintive, di relazionarsi con il mondo in modo diverso e ragionato: una sofferenza immette nuove capacità e senso di -percezione-. Cosi' Alessia Cocca presenta la sua inedita produzione artistica intitolata E_Spiato, con l'intenzione di riattivare e sensibilizzare la coscienza dinanzi al dolore, di comunicarne la trama con riflessioni e coinvolgimenti mentali ed emotivi. L'installazione presentata nella Galleria Gallerati fuoriesce dalla classica visione fotografica e investe una mise-en-scene accattivante e dissacratoria, conseguimento segnico del martirio e della punizione. Cocca pensa allo spazio come momento da vivere, come stato da attraversare per poi riuscirne catturati e avvolti da un profondo senso di disagio.
La situazione proposta e' drammatica: il tema centrale della rinuncia e della perdita diventa metafora di un messaggio carico di dolore tipico dell'infanzia - e la ricordiamo nella serie Primo dentino, visibile nella seconda sala della galleria, retrospettiva specchiante dell'autrice narratrice nella sua formazione artistica - e' l'esibizione di un meta-linguaggio concettualmente irraggiungibile. Una figura infantile, posizionata negli angoli della stanza espositiva, che tiene abbracciate le ginocchia su cui appoggia il mento, diventa l'emblema del castigo, dell'oppressione, del comando, nonche' della voce dell'autorità. Alessia Cocca pratica un distacco formale ed estetico rispetto alla serie Primo dentino, risulta maturata e decisa nella sua elaborazione e interpretazione del concetto, con un'evidente evoluzione della figura infantile, soprattutto nella rappresentazione del soggetto stesso, costruito su parametri realistici, senza le tracce del montaggio fotografico impiegato in passato. La memoria di un atto punitivo, oppressivo, il dolore a seguito di una -perdita- intesa come distacco o separazione e riflesso di disagi psicologici, e' un modo di rapportarsi a una realtà sconosciuta, di sentire o percepire zone inesplorate in cui si stabiliscono relazioni e sistemi ancora da toccare. Nella sala espositiva semibuia e sonora, trasformata in stanza o camera della punizione e del sacrificio, e' ora possibile abbandonarsi, anche per un solo e fugace istante, ai nostri limiti e alle rinunce a cui siamo sottoposti ogni giorno. Il messaggio di Cocca e' poeticamente rivelatore: prendiamo coscienza della nostra dignità.- (Geoffrey Di Giacomo)
Alessia Cocca e' nata a Benevento nel 1982. Si e' laureata all'Accademia di Napoli, specializzandosi in -Restauro e conservazione delle opere d'arte moderne e contemporanee' con una tesi su -Arte e/e' Fotografia: storia del rapporto tra Fotografia e Arte dalla fine dell' -800 a oggi-. Le tematiche ricorrenti della sua ricerca artistica sono quelle del ricordo e della memoria, svolte perlopiu' attraverso la creazione fotografica di soggetti umani fantastici sospesi nello spazio e nel tempo. Ha ottenuto prestigiosi riconoscimenti, come il Premio Pagine Bianche d'Autore nel 2004, il Premio Saturarte nel 2006, il Premio Celeste nel 2007. Sue opere sono state esposte in decine di mostre personali e collettive, in gallerie o musei sia in Italia che all'estero. Attualmente vive e lavora a Berlino.
Inaugurazione: sabato 14 febbraio 2009, ore 19.00-22.00
Galleria Gallerati
Via Apuania, 55 - Roma
Orario: dal lunedi' al venerdi': ore 17.00-19.00 / sabato, domenica e fuori orario: su appuntamento
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: sabato 14 febbraio 2009 alle 10:06
Incisioni
Si inaugura sabato 14 febbraio 2009 a Brescia, presso la Galleria dell'Incisione, una personale di Philippe Mohlitz.
Saranno esposti quaranta bulini scelti nella vasta produzione grafica dell'artista. Figura di riferimento della nuova generazione di incisori francesi, Philippe Mohlitz e' nato nel 1941 a Bordeaux, dove vive e lavora.
La sua straordinaria tecnica calcografica si esprime in immagini visionarie e fantastiche ricche di particolari (i suoi riferimenti iconografici sono Dürer, Bresdin e Redon) e il suo lavoro e' conosciuto in Europa, Stati Uniti e Giappone.
Vincitore del premo Sciascia nel 2000 ha avuto la sua prima personale italiana alla Galleria Falteri di Firenze nel 2003.
Le sue opere sono conservate presso varie collezioni pubbliche, come la New York Public Library, il Brooklyn Museum, il Philadelphia Museum of Art e la Bibliothe'que Nationale di Parigi.
Galleria dell'Incisione
Via Bezzecca, 4 - Brescia
Orario: 17 - 20, chiuso lunedi'
Ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: lunedì 16 febbraio 2009 alle 09:49
Di materia in materia
a cura di Antonella Nigro
Dal 15 Febbraio al 15 marzo 2009 avrà luogo presso le prestigiose sale del Museo Gracco in via Diomede n. 8 a Pompei la personale di pittura Di materia in materia di Luigi Franzese a cura di Antonella Nigro.
L'inaugurazione e' fissata per domenica 15 febbraio 2009 alle ore 19,00. La mostra sarà visitabile tutti i giorni, tranne il lunedi', dalle 10.00 alle 13.00. L'evento presenterà trenta opere, scelte all'interno dell'ultima produzione dell'artista, che propone come punto di riferimento la Natura e con essa la Materia. E' attraverso gli elementi della natura e piu' propriamente della materia ancestrale, che Franzese costruisce e utilizza forma, linea e colore. Il Vesuvio, accompagnato dalla ginestra, diviene protagonista assoluto e poeticamente contraddittorio delle tele figurative di Franzese.
A disputa le sue seducenti inconciliabilità: il Vesuvio e' la Natura, potente e imperscrutabile signore che uccide e padre amoroso che veglia, temuto e amato, morte e vita; il Vesuvio e' Materia, e' pietra originaria, primitiva, misteriosa, ma anche giovane fiamma nuda, lava brillante. La pittura di Franzese e' dunque un lungo viaggio all'interno dell'anima del Vesuvio, dei suoi dedali oscuri, delle sue simbologie, senza perdere di vista il cielo che, con esso e' inscindibile, quando i lapilli se ne impossessano gareggiando con le stelle. Il Vesuvio e', dunque, una sintesi articolata, una metafora composita delle concezioni dell'artista: e' Natura, e' Materia mutevole ed eterna e la tela lo ospita in molteplici interpretazioni.
Il rapporto diretto con questi dettami e' il gesto: l'artista, ponendo sulla tela un piccolo reperto vulcanico circondato di colore, colloca il cuore, cosi' egli oltrepassa il confine e s'impossessa del tutto, infondendo l'essenza e il significato ultimo al dipinto. Anche il colore delle raffigurazioni di Luigi Franzese, deriva dalle rarità delle pietre preziose della natura: e' polvere di rubino che travalica nei purpurei gentili del corallo, gocce di elegante zaffiro e delicato acquamarina uniti alle profondità del lapislazzuli, aerei respiri trascesi nell'ametista, sabbie di topazio confuse al turbinio dell'oro ambrato, schegge di giada digradanti nello smeraldo, albe nascenti d'agata, fondi onice striati d'anime diamantine e fluttuanti. Il dipinto come opale specchiante dell'universo naturale, lirico riflesso dei preziosi cromatismi dell'infinito.
Inaugurazione domenica 15 febbraio 2009 alle ore 19
Museo Gracco
Via Diomede, 8 Pompei - NA
Orario di visita: 10-13 dal martedi' alla domenica. Lunedi' chiuso
ingresso libero
Postato da: Gino
Postato: lunedì 16 febbraio 2009 alle 10:17
tuo libro all'Accademia di Belle Arti"
nel Teatro dell'Accademia di Belle Arti di Napoli (via V. Bellini 36), il presidente Sergio Sciarelli e il direttore Giovanna Cassese inaugurano
tuo libro all'Accademia di Belle Arti" e a donare essi stessi un libro, un catalogo, una testimonianza della loro attività per far sì che il patrimonio librario specialistico della biblioteca – nell'occasione intitolata ad Anna Caputi - possa diventare sempre più cospicuo e proporsi come centro di documentazione delle arti contemporanee specialmente napoletane.
Diego Guida, assessore alla Biblioteche del Comune di Napoli
paoladeciuceis@gmail.com)
Postato da: Gino
Postato: martedì 17 febbraio 2009 alle 09:00
Postato da: Gino
Postato: martedì 17 febbraio 2009 alle 09:06
|
fino al 6.III.2009 Corpi nitidi che documentano un road-movie alpino in solitaria. Una traiettoria rivolta all’esterno. Per assemblare un brillante “paesaggismo multimediale” sull’asse Italia-Germania... | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
pubblicato lunedì 16 febbraio 2009 Napoli - dal 17 al 27 febbraio 2009
Da Gauguin a Klee, da Matisse a Ontani al Mar di Ravenna L'ARTISTA VIAGGIATORE
dal 22 febbraio 2009 | a cura di claudio spadoni, tulliola sparagni | mar - museo d'arte della città di Ravenna L'artista viaggiatore. Da Gauguin a Klee, da Matisse a Ontani Postato da: Gino Postato: mercoledì 18 febbraio 2009 alle 09:16 image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2084.jpg
Nafas Mostra collettiva AR / Contemporary Gallery e' lieta di presentare la nuova mostra collettiva sugli artisti piu' controversi della scena contemporanea internazionale: Douglas Gordon, Damien Hirst, Wangechi Mutu, Anselm Reyle, Marc Quinn. A cura di Gaia Serena Simionati Sfruttando le sinergie date dalla parola di origine sanscrita che significa respiro, ma che assume anche in altre culture un'accezione cangiante, la mostra diviene essa stessa simbolo per antonomasia di trasformazione. Nafas per esempio nel sufismo e' la parola associata al significato di libertà. In Arabia invece il termine descrive la forza dinamica inspirata dalla persona al momento della sua nascita. In breve l' elan vitale. La relazione tra questi significati eterogenei diviene quindi chiaro emblema dei cinque diversi artisti che nascono e rinascono o fanno rinascere, respirare il fruitore che si avvicina ai loro lavori. Damien Hirst, Wangechi Mutu, Douglas Gordon, Marc Quinn e Anselm Reyle ognuno a proprio modo, esplorano il rapporto con la morte. E la vita. O con la trasformazione alchemica, chimica, fisica e materica che questa comporta. Sia Damien Hirst nel soggetto prescelto: le farfalle simbolo, dopo uno stadio larvale, di rinascita e cambiamento. O attraverso i media prescelti: una pittura lucida e materica, quasi riflettente. Come uno specchio. Per capirsi. Sia Wangechi Mutu che con i suoi collages, mezzo perfetto per le differenze accorpate, assembla parti varie ed eterogenee ricreando cosi' un Golem colorato, mostruoso e gioioso al tempo stesso, un Frankenstein cromatico di grande spessore. L'antropologa scultrice keniota sa essere sia tagliente che ironica sul ruolo del femminile, sugli orrori della chirurgia estetica cosi come sui massacri della guerra. Sia invece Douglas Gordon che attraverso le icone immortali già elaborate da un artista eterno come Andy Warhol, le fa rivivere e le cristallizza per sempre. Per lui quindi l'opera d'arte diviene appieno un teatro su cui riflettere e proiettare la vita. Sia Marc Quinn che nei dettagli di sculture e fiori ne esplora quasi la realtá atomica e il dettaglio, contribuendo cosi a scindere la materia e a esplorarne i processi inerenti alla creazione e alla vita. Colui che ha creato una scultura col proprio sangue congelato dal titolo Self, e' evidentemente interessato e coinvolto dal tema della conservazione, del mantenimento delle forme viventi, per preservarle dal fluire del tempo. In Sky riproduce la testa del figlio dell'artista realizzata utilizzando la placenta umana e il cordone ombelicale del bambino. Sia infine Anselm Reyle che accartocciando la materia e sfruttandone le cangianze riesce a farla rinascere dal di dentro. Legato ad un foglio di alluminio, in un gesto semplice, Reyle ripercorre la storia dell'arte e immette la vita. Immagine: Wangechi Mutu, The Bourgeois is Banging on My Head, 2004, cm 104,1x76,2 Inaugurazione 18 Febbraio 2009 ore 19 AR / Contemporary Gallery Via Vespucci 5, 20124 Milano Da lunedi' a venerdi' ore 12- 18,30. Sabato su appuntamento. Postato da: Gino Postato: mercoledì 18 febbraio 2009 alle 09:22 image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2085.jpg
Contatto Oriente e Occidente - Raggiungere - Raggiungersi - Duetto n.6 -Il segno- e' come un elemento della mappa genetica, come i caratteri fisionomici e fisiognomici, e' presente da sempre in tutte le azioni e le espressioni di un popolo dal suo primo insediamento in un territorio, perfino nella conformazione geomorfica del luogo o nella maniera di camminare-. (Darwin ha iniziato questo discorso). La globalizzazione e' nemica del segno, ma anche la grande opportunità di conoscenza del mondo intero. L'identità culturale di un popolo si riconosce proprio decifrando il suo -segno-, nella sua infinita varietà di manifestazioni: la nave dei Vichinghi non avrebbe mai potuto essere come quella degli Arabi-. e questo suo manifestarsi e' riconoscibile piu' che nelle Arti con la A maiuscola: la pittura, la letteratura, l'architettura, la scultura, nelle cosiddette -arti minori-: l'artigianato, l'abbigliamento- e quindi: il design, la grafica, la moda, l'oreficeria etc-. (ma questo e' un altro discorso-). Sia Gianfranco Erbani, che Setyo Mardiyantoro, guardando con occhi meravigliati il paese a loro straniero, senza mai abbandonare il loro linguaggio espressivo, e quindi il loro -segno-, descrivono le emozioni che un luogo, a volte solo apparentemente conosciuto, provoca in loro. Inaugurazione: 18 febbraio 2009, ore: 18,30 Club Koesis Via Luigia Sanfelice, 2 . Napoli ingresso lbero Postato da: Gino Postato: mercoledì 18 febbraio 2009 alle 09:24 image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2086.jpg
Capolavori futuristi alla Collezione Peggy Guggenheim A cento anni dalla pubblicazione su Le Figaro', il 20 febbraio 1909, del Manifesto del Futurismo a firma del -jeune poe'te italien- Filippo Tommaso Marinetti, a partire dal 18 febbraio e per tutto il 2009, la Collezione Peggy Guggenheim celebra questo rivoluzionario movimento d'avanguardia, che contagio' l'intera scena artistica europea, con la mostra Capolavori futuristi alla Collezione Peggy Guggenheim, a cura di Philip Rylands, direttore del museo veneziano. L'esposizione vuole essere un omaggio alla preveggenza di Gianni Mattioli, uno dei piu' grandi collezionisti del Novecento, per aver accolto all'interno della sua collezione un importante gruppo di opere futuriste di Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini, Ottone Rosai, Mario Sironi e Ardengo Soffici. La mostra comprende, tra gli altri, capolavori come Materia e Dinamismo di un ciclista di Boccioni, Mercurio transita davanti al sole di Balla, Manifestazione interventista di Carrà, Ballerina blu di Severini, nonche' tre opere futuriste appartenenti alla collezione di Peggy Guggenheim (Mare=Ballerina di Severini, Velocità astratta + rumore di Balla e la scultura di Boccioni Dinamismo di un cavallo in corsa + case), alcuni prestiti da collezioni private di Balla, Boccioni, Carrà e Sironi, e una recentissima donazione alla Fondazione Solomon R. Guggenheim, Il ciclista di Mario Sironi, del 1916, uno dei primi capolavori dell'artista. Capolavori futuristi alla Collezione Peggy Guggenheim rappresenta inoltre un'occasione rara per vedere esposte ben tre delle quattro sculture di Boccioni: ad affiancare Dinamismo di un cavallo in corsa + case ci saranno infatti anche Forme uniche di continuità nello spazio e Sviluppo di una Bottiglia. Una sezione introduttiva sarà dedicata a dipinti, sculture e disegni che contribuiscono a contestualizzare le tematiche del movimento futurista nell'ambito di altre avanguardie del Novecento, quali Divisionismo, Cubismo, Orfismo e Vorticismo. Artisti come Jean Metzinger e Raymond Duchamp-Villon hanno esplorato la resa del movimento e la vita moderna, altri hanno tratto ispirazione dalla retorica di Marinetti, come il vorticista Edward Wadsworth, anch'egli presente in mostra con due silografie, Cantanti di strada e La città dall'alto, recentissime acquisizioni della Fondazione Solomon R. Guggenheim. Il testo sovversivo di Marinetti, che si concludeva con -eretti sulla cima del mondo lanciamo ancora una volta la nostra sfida insolente alle stelle-, era inteso in primis come una rivoluzione letteraria (-Il coraggio, l'audacia, la ribellione, saranno elementi essenziali della nostra poesia-), ma allo stesso tempo incitava, attraverso la drastica rottura con la tradizione, a un radicale rinnovamento di tutti gli aspetti della cultura italiana, esortando alla velocità, al dinamismo e alla ricerca tecnologica. L'anno seguente, precisamente l'11 febbraio e l'11 aprile del 1910, cinque artisti sottoscrissero in due momenti distinti, il Manifesto dei Pittori Futuristi: Balla, Boccioni, Carrà, Russolo e Severini. I cinque firmatari sono tutti presenti con i loro capolavori all'interno della collezione Mattioli, dal 1997 ospitata dalla Collezione Peggy Guggenheim come prestito a lungo termine. Il catalogo ragionato di Flavio Fergonzi La Collezione Gianni Mattioli pubblicato nel 2003 da Skira, documenta in maniera esaustiva ed approfondita i tesori di questa preziosa collezione di arte del XX secolo. Immagine: Giacomo Balla, Mercurio transita davanti al sole, 1914, Tempera su carta foderata, 120 x 100 cm. Collezione Gianni Mattioli, Deposito a lungo termine presso la Collezione Peggy Guggenheim, Venezia © Giacomo Balla, by SIAE 2008 Press contact Alexia Boro tel: 041.2405.404 fax: 041.520.6885 e-mail: mailto:press@guggenheim-venice.itpress@guggenheim-venice.it Philip Rylands incontra la stampa giovedi' 19 febbraio, alle ore 12 Collezione Peggy Guggenheim 704 Dorsoduro, 30123 Venezia Orario 10-18, chiuso il martedi' Biglietti Adulti: 12- Senior oltre i 65 anni: 10- Studenti fino a 26 anni: 7- (oltre la scuola dell'obbligo con una tessera studenti valida) Bambini fino a 10 anni, soci: gratuito Postato da: Gino Postato: mercoledì 18 febbraio 2009 alle 09:26 Mostra dedicata al Futurismo a Palazzo Ducale di Cavallino in Salento
FUTURISMO NEL SUO CENTENARIO, LA CONTINUITA'
inaugurazione 20 febbraio 2009 | ore 17,30 | a cura di luigi tallarico | galleria del palazzo ducale | cavallino Futurismo nel suo centenario, la continuità I vs dati sono acquisiti, conservati e trattati nel rispetto del d.lgs. n. 196/2003. Il titolare dei dati potra` richiederne in qualsiasi momento la conferma dell'esistenza, la modifica e cancellazione. Tutti i destinatari della mail sono in copia nascosta (privacy l. 675/96), ma può succedere che il messaggio pervenga anche a persone non interessate, in tal caso vi preghiamo di segnalarcelo rispondendo Cancellami a questa mail precisando l'indirizzo e-mail che verrà immediatamente rimosso.
video, 1 min. registrazione radio del 1936, 1 min. 30 sec. Vico Lungo Pontecorvo 29D - 80135 Napoli – Tel.++ 39 081 5641655 / Fax.++39 081 5641494 http://www.fondazionemorra.org/www.fondazionemorra.org http://www.museonitsch.org/www.museonitsch.org
COMUNICATO STAMPA “NEAPOLITAN BOX” a cura di Ciriaco Campus Luogo: Spazio installativo “Neapolitan Box”, Aula 2 – Spazio e Comunicazione Inaugurazione: Mercoledì 25 febbraio 2009 ore 11 Periodo: dal 26 febbraio al 3 aprile 2009 Orario: dal lunedì al venerdì ore 10/13 Il giorno 25 febbraio 2009 alle ore 11 si inaugura l’intervento di Salvatore Tulipano nello spazio Neapolitan Box all’Accademia di Belle Arti di Napoli. “Neapolitan Box” è uno spazio installativo ideato dal prof. Ciriaco Campus all’interno della propria aula di Scultura, per consentire ai propri allievi più interessanti di confrontarsi con lo spazio di una scatola bianca. Dopo Nicola Uzunovski, il suo Pennacchio Argentato, Riccardo Albanese, Tommaso Cardone, Giulio Del Vecchio, Cristina Rauso, Antonio Patrizio, il gruppo Cerbero è il momento di Salvatore Tulipano. Tulipano inserisce all’interno dello spazio del Box un corpo plastico aggettante che si fonde con il volume geometrico del Box stesso, trasformandolo da “contenitore” in opera. La ricerca di Tulipano ruota da un paio d’anni attorno alla rilettura di quel linguaggio definitosi attorno alla Minimal americana ed europea degli anni ‘60/’70 con la differenza, rispetto a quella esperienza, di aver aggiunto all’aspetto plastico/oggettuale della scultura una visione più “architettonica”, nel senso di opere che si pongono come modelli in scala di costruzioni complesse di grandi dimensioni. Esempi, in questo senso, sono esposti in uno spazio attiguo al Neapolitan Box. image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2098.jpg Gerardo Di Fiore fino al 20.III.2009 Logica riscaldata alle falde del Vesuvio per un pioniere del concettuale. Dopo la puntata romana da Gagosian, prosegue il viaggio in Italia di Lawrence Weiner. Confermandone l’originalità... pubblicato giovedì 19 febbraio 2009 Napoli - dom 22 febbraio 2009 Napoli - dal 21 febbraio al 29 marzo 2009 Napoli - dal 21 febbraio all'undici maggio 2009 image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2100.jpg I vs dati sono acquisiti, conservati e trattati nel rispetto del d.lgs. n. 196/2003. Il titolare dei dati potra` richiederne in qualsiasi momento la conferma dell'esistenza, la modifica e cancellazione. Tutti i destinatari della mail sono in copia nascosta (privacy l. 675/96), ma può succedere che il messaggio pervenga anche a persone non interessate, in tal caso vi preghiamo di segnalarcelo rispondendo Cancellami a questa mail precisando l'indirizzo e-mail che verrà immediatamente rimosso. image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2102.jpg Rita Casdia I vs dati sono acquisiti, conservati e trattati nel rispetto del d.lgs. n. 196/2003. Il titolare dei dati potra` richiederne in qualsiasi momento la conferma dell'esistenza, la modifica e cancellazione. Tutti i destinatari della mail sono in copia nascosta (privacy l. 675/96), ma può succedere che il messaggio pervenga anche a persone non interessate, in tal caso vi preghiamo di segnalarcelo rispondendo Cancellami a questa mail precisando l'indirizzo e-mail che verrà immediatamente rimosso. image: - http://www.artistsmaterials.net/enzo/2109.jpg COMUNICATO STAMPA “NEAPOLITAN BOX” a cura di Ciriaco Campus Opera: Installazione Luogo: Spazio installativo “Neapolitan Box”, Aula 2 – Spazio e Comunicazione Inaugurazione: Mercoledì 25 febbraio 2009 ore 11 Periodo: dal 26 febbraio al 3 aprile 2009 Orario: dal lunedì al venerdì ore 10/13 Il giorno 25 febbraio 2009 alle ore 11 si inaugura l’intervento di Salvatore Tulipano nello spazio Neapolitan Box all’Accademia di Belle Arti di Napoli. “Neapolitan Box” è uno spazio installativo ideato dal prof. Ciriaco Campus all’interno della propria aula di Scultura, per consentire ai propri allievi più interessanti di confrontarsi con lo spazio di una scatola bianca. Dopo Nicola Uzunovski, il suo Pennacchio Argentato, Riccardo Albanese, Tommaso Cardone, Giulio Del Vecchio, Cristina Rauso, Antonio Patrizio, il gruppo Cerbero, Elpidio Ziello è il momento di Salvatore Tulipano. Tulipano inserisce all’interno dello spazio del Box un corpo plastico aggettante che si fonde con il volume geometrico del Box stesso, trasformandolo da “contenitore” in opera. La ricerca di Tulipano ruota da un paio d’anni attorno alla rilettura di quel linguaggio definitosi attorno alla Minimal americana ed europea degli anni ‘60/’70 con la differenza, rispetto a quella esperienza, di aver aggiunto all’aspetto plastico/oggettuale della scultura una visione più “architettonica”, nel senso di opere che si pongono come modelli in scala di costruzioni complesse di grandi dimensioni. Esempi, in questo senso, sono esposti in uno spazio attiguo al Neapolitan Box.
Postato da: Gino Postato: venerdì 27 febbraio 2009 alle 09:22 Special event .....................english "Immagina, per un'ora al giorno, di poter essere chiunque, di poter fare qualunque cosa, dovunque!!!" Dopo due anni di comune costruzione di un "ponte" tra arte e tecnologia, NOTgallery e' lieta di presentare LUCID. LUCID e' una società sperimentale, specializzata nell'immersive technology*: usa in modo creativo la tecnologia per fondere arte, comunicazione, didattica, cinema e intrattenimento. In questo evento speciale alla NOTgallery verrà mostrato per la prima volta al pubblico il LUCID VIEWER in un'installazione interattiva che offrirà la possibilità di viaggiare senza muoversi. L'evento costituisce "un'occhiata" ad un futuro nel quale la combinazione di diversi media disegnerà il nostro paesaggio quotidiano. *L'immersive technology coniuga diversi strumenti virtuali allo scopo di generare emozioni di situazioni reali (ad esempio la realtà virtuale, google-earth, ecc.). Postato da: Gino Postato: venerdì 27 febbraio 2009 alle 09:24
Postato da: Gino Postato: venerdì 27 febbraio 2009 alle 09:33
caterina_spillari@comune.verona.it Postato da: Gino Postato: venerdì 27 febbraio 2009 alle 09:38
Postato da: Gino Postato: sabato 28 febbraio 2009 alle 08:57 Postato da: Gino Postato: sabato 28 febbraio 2009 alle 09:16 fino al 2.III.2009 Il video come portatore di messaggi morali. La rigenerazione di un Paese passa anche dalla fioritura delle arti visive. Un artista e curatore afghano presenta una selezione di strategie artistiche per ricostruire tra le macerie... pubblicato venerdì 27 febbraio 2009
| |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
Il 20 febbraio, a cento anni dalla pubblicazione dell'appassionato e travolgente Manifesto del Futurismo di Filippo Tommaso Marinetti si inaugura a Roma, alle Scuderie del Quirinale, la mostra Futurismo. Avanguardia-Avanguardie.
LE DOMENICHE FUTURISTE
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
